11 современных художников, о которых мы узнали из модных показов и коллабораций
T
МОДА • ИСКУССТВО
Как мода работает с художниками в 2019 году
Текст: АНАСТАСИЯ ЛАНДЕР
Dior, Gucci и все-все-все: кто и как работает с художниками в 2019 году.
Мода и искусство идут рука об руку давно. Никто уже не говорит о сотрудничестве художников и модных марок как о чем-то уникальном — скорее, аудитория с интересом ждет, с каким новым или хорошо забытым старым именем дизайнеры сделают очередной совместный проект. Брендам сотрудничество с художниками необходимо: оно позиционирует марку как флагман утонченного вкуса, а главное — помогает ей быть для клиентов не только поставщиком одежды, обуви или аксессуаров, но и куратором стиля жизни, в котором есть место и таким феноменам, как современное искусство разной степени радикальности. Художники тоже не против: отдавая свои творения на откуп коммерческим брендам, они получают взамен расширение аудитории и бóльшую известность, как, например, в случае Стерлинга Руби.
Модные показы нередко превращаются в смотр работ актуального искусства. Заметим, что как минимум три художника — Рейчел Файнштейн, Алекс Израэль и Джонас Вуд — представлены галереей Gagosian, эдаким LVMH от мира искусства, так что вещь из их коллаборации с той или иной модной маркой может быть наиболее доступным для покупки арт-объектом. Вот какие коллаборации этого года запомнились нам больше всего.
Dior MEN и Хаджиме Сораяма
Креативный директор мужского Dior Ким Джонс не новичок в партнерствах с художниками: он уже впечатлил аудиторию коллаборацией со знаменитым KAWS для своей первой коллекции в Dior Men лета 2019, для осени 2019 поработал с панк-иллюстратором Реймондом Петтибоном.
DIOR MEN И ДАНИЭЛЬ АРШАМ
Хорошо быть большой маркой с большими бюджетами. Для работы над летним сезоном 2020 года Ким Джонс позвал в соавторы коллекции Даниэля Аршама — современного художника и скульптора. Аршам работал над оформлением показа, участвовал в создании принтов и украшений для коллекции, в том числе гигантских часов Dior, словно обнаруженных в ходе археологических раскопок. В своем творчестве он эксплуатирует темы антиутопии и того, что оставит после себя наша цивилизация, трансформируя предметы повседневного быта — айфон, фотоаппарат, футбольный мяч — в окаменелости наподобие доисторических ископаемых (серия Future Relics).
View this post on Instagram
A post shared by ARSHAM STUDIO 3019 (@danielarsham) on
Viktor & Rolf и Клоди Йонгстра
Виктор Хорстинг и Рольф Снорен, которым очень важно устойчивое развитие своей марки, позвали для работы над кутюрной коллекцией осень—зима 2019 голландскую художницу Клоди Йонгстру. Она работает с текстилем, отражая в своих тканых работах размышления о холистической сути природы и впечатления от окружающих ее ландшафтов. Йонгстра также создает большие инсталляции и архитектурные проекты, а дань уважения природе отдает, растя на своей небольшой биодинамической ферме редкую породу овец дренте. Для Viktor & Rolf художница соткала и вручную покрасила натуральными красками объемные войлочные пальто, вышила на них в традиционной технике солнце, луну и звезды.
Iris van Herpen и Энтони Хоу
Ирис ван Херпен показала на кутюрной неделе 19 платьев, созданных под влиянием работ американского кинетического скульптора Энтони Хоу. Хоу начинал как художник, был довольно успешен, заработал на квартиру в Манхэттене. И, собирая в ней из стальных направляющих стеллажи для архива, увлекся металлом. Его творчество — это изучение свойств стали, алюминия и ветра. В 2016 году его кинетическая конструкция, состоящая из сотни отражающих шаров, украшала церемонию открытия Олимпийских игр в Рио-де-Жанейро, а скульптуру под названием Armadillo («Броненосец»)можно было увидеть в 2018-ом в Москве на ВВЦ.
На показе Iris van Herpen многослойные лепестки из органзы и атласа-дюшес на платьях моделей колыхались в такт с колебанием мобилей на гигантском стальном обруче — скульптуре Хоу под названием Omniverse. Хоу установил ее в центре подиума, так что модели проходили под скульптурой, становясь на время частью арт-объекта. Одно из платьев — Infinity — дизайнер и скульптор создали в сотрудничестве как апогей коллаборации, посвященной природе, жизни и бесконечному движению.
Pyer Moss и Деррик Адамс
Дизайнер бренда Pyer Moss Керби Джин-Реймонд сделал из показа коллекции весна—лето 2019 настоящий трибьют афроамериканской культуре. Отметим, впрочем, что по задумке дизайнера каждая коллекция бренда — это активизм, манифест или художественное высказывание. Дефиле проходило в Уиксвилле — месте, где в 1838 году афроамериканец Джеймс Уикс основал одну из первых общин свободного чернокожего населения Америки. Для создания коллекции Джин-Реймонд позвал художника Деррика Адамса — он работает во многих жанрах, включая перформанс, двух- и трехмерное искусство, видео и звук. Творческий поиск Адамса — это исследование пространства, его рассечение и манипуляция с его элементами. В ярких экспрессивных портретах, натюрмортах и объектах художника сочетаются поп-арт и кубизм, работа с пространством и исследование многообразия оттенков темной человеческой кожи. Для Джин-Реймонда художник написал 10 картин — сцен из жизни чернокожего населения Америки, — которые затем были вытканы на платьях моделей, напечатаны на рубашках и майках.
Anya Hindmarch и Numen / For Use
Британка Аня Хиндмарч была первым дизайнером аксессуаров, ставшим проводить регулярные показы в рамках Лондонской недели моды. На неделе моды весна—лето 2019 Хиндмарч представила обновленную версию бестселлера своей одноименной марки — плетеные сумки Neeson. А чтобы привлечь внимание аудитории к технологии создания сумок, запустила проект The Weave Project («Проект «Плетение») и пригласила художников-концептуалистов Numen / For Use. В составе этого художественного коллектива — Свен Йонке, Кристоф Кацлер и Никола Раделкович. Они работают с промышленным дизайном под грифом For Use, а свои пространственные, концептуальные и сценографические проекты подписывают как Numen. Для Anya Hindmarch они реплицировали в лондонском Brewer Street Car Park свою иммерсивную инсталляцию The Tube. Эта огромная конструкция из соединяющихся на разной высоте синих плетеных тубусов состояла из 1100 квадратных метров сетей, 3000 метров веревок, заняла 120 метров и потребовала 6 дней на сборку.
Gucci, Чатсуорт-хаус и Рейчел Файнштейн
Алессандро Микеле продолжает укреплять связи Gucci с миром искусства. Проект Gucci Places, который объединил места, вдохновляющие дизайнера, был анонсирован еще в 2017 году. Чатсуорт-хаус, поместье герцогов Девонширских, стал первой локацией проекта. С 2019 года при содействии Gucci поместье будет периодически становиться резиденцией для современных художников, а их работы будут украшать Чатсуорт. Первая работа — скульптура Britannia авторства Рейчел Файнштейн — была представлена публике 24 июня этого года. «Британия» — это римская мифологическая фигура, которая символизирует Британские острова. Майоликовая скульптура сделана в традиционном для Файнштейн стиле — с отсылками к барокко и рококо, и вступает в диалог как с коллекцией современной керамики, собранной герцогами Девонширскими, так и с фантазийными интерьерами Чатсуорта. В поместье также представлена работа Файнштейн 2014 года — «Хижина в стиле рококо» (Rococo Hut), сделанная из окрашенного алюминия с нанесенными на него вычурными эскизами пасторального домика.
Rimowa и Алекс Исраэль
Алекс Исраэль живет в Лос-Анджелесе и использует в своей художественной практике наблюдения за миром шоу-бизнеса, селебрити и воплощенной в голливудском микрокосме американской мечте. Его работы — сама Калифорния: яркие цвета, безудержный оптимизм и, будем откровенны, слабо улавливаемая грань между иронией и клише. Для летней коллекции Rimowa Израэль буквально повторил свои работы Sky Backdrop и Untitled (Flat) — знаменитые чемоданы сияют градиентом калифорнийского неба от лазурно-голубого к персиково-коралловому. Как говорят модные журналисты, такой чемодан на ленте транспортера ни с каким другим не спутаешь. У Исраэля при этом дела идут очень неплохо — еще одну свою работу The Wave он продал марке Louis Vuitton для сумки Artycapucines (об этой коллекции ниже), а также создал дизайн флаконов лимитированной серии одеколонов. В этом году Rimowa также сделали коллаборацию с Даниэлем Аршамом, о котором мы уже писали выше.
Celine и Кристиан Марклей
Эди Слиман пришел со своим уставом в Celine и привел с собой для работы над дебютной коллекцией сезона весна—лето 2019 Кристиана Марклея — мультимедийного художника, чья работа The Clock принесла ему «Золотого льва» на Венецианской биеннале 2011 года.
Dior и Пенни Слингер
Мария-Грация Кьюри, недавно получившая орден Почетного легиона за, как шутят критики, майки We should all be feminists, пригласила для работы над кутюрным показом Dior осень—зима 2019 художницу Пенни Слингер.
Она начала активную творческую карьеру в начале 1970-х, а сейчас работает на стыке медиумов и называет собственный стиль «феминистическим сюрреализмом». Часто выступая моделью для своих работ, Слингер создает полные мрачного эротического напряжения образы: невеста — свадебный торт с цветком на лобке, женщина с червями во рту, глаз, который держат женские губы. Кьюри впечатлилась работой Слингер под названием An Exorcism («Экзорцизм») — после болезненного расставания с партнером художница создала серию фотоколлажей, похожую на страшную сказку о заброшенном английском поместье. Английский дом, настоящая крепость мужчины-владельца, становится для Слингер возможностью достать из шкафов все скелеты, вписать себя в мрачные интерьеры в образе монашки, обнаженной, невинной девственницы, и подумать, почему ей так тяжело дается расставание с мужчиной. Для Кьюри художница обратилась к теме алхимии и добавила сюрреальности в интерьеры дома Dior, впустив в него буйную природу и словно обнажив женскую сущность этого храма моды.
На главной лестнице выросло огромное дерево, подиум был подобен цветочному саду, а стены Слингер украсила фотографиями из своих путешествий с изображениями деревьев, скал и кристаллов — стихий огня, воздуха и земли. Из этого алхимического тигля в конце показа возникла невеста, одетая в золотой кукольный домик — копию бутика Dior, скрывающую в себе сильную и свободную женщину по версии Кьюри и Слингер.
Louis Vuitton и шестеро художников
Если в цепкие лапы Бернара Арно попадают какая-то технология, звезда, парфюмер или художник, можно быть уверенными, что они пройдут все круги модного универсума LVMH и засветятся не в одном бренде. Для лимитированного выпуска сумок Artycapucines бренд Louis Vuitton пригласил шестерых современных художников. Среди них не только такие признанные величины, как Урс Фишер, но и молодые звезды, например, афроамериканка Тшабалала Селф. Селф работает с комплексом стереотипов, связанных с интерпретацией чернокожего женского тела в современной культуре.
Художница смотрит на пересечение гендера, сексуальности и расы, пытается поймать тот миф, те коллективные фантазии, которые рождаются в этом единстве и проницают мир чернокожих женщин. Ее работы — это большие коллажи и инсталляции из пестрых тканей, ярких вывесок, крашеных трафаретов, в центре которых всегда возникает символическая фигура черной женщины — с большой грудью, разверстой вагиной, крутыми бедрами и копной непокорных волос. Для Louis Vuitton художница ограничилась своей техникой петчворка: она деконструировала на бирюзовом фоне сумки Capucines монограмму марки — ромб. Получилась веселая и совершенно неконфликтная работа, выпущенная лимитированным тиражом.
ARTYCAPUCINES PM, СЭМ ФОЛЛС
ARTYCAPUCINES BB, УРС ФИШЕР
ARTYCAPUCINES PM, ЙОНАС ВУД
ARTYCAPUCINES PM, ТШАБАЛАЛА СЕЛФ
ARTYCAPUCINES PM, АЛЕКС ИСРАЭЛЬ
ARTYCAPUCINES PM, НИКОЛАС ХЛОБО
{«width»:1200,»column_width»:90,»columns_n»:12,»gutter»:10,»line»:30}false7671300falsetrue{«mode»:»page»,»transition_type»:»slide»,»transition_direction»:»horizontal»,»transition_look»:»belt»,»slides_form»:{}}{«css»:».
editor {font-family: tautz; font-size: 16px; font-weight: 400; line-height: 21px;}»}10 современных художников, известных всему миру
Если вы думаете, что все великие художники остались в прошлом, то вы даже не представляете, насколько сильно ошибаетесь. В этой статье вы узнаете о самых известных и талантливых художниках современности. И, поверьте, их работы засядут в вашей памяти не менее глубоко, чем работы маэстро из прошлых эпох.
Wojciech Babski
Войцех Бабски – современный польский художник. Закончил учебу в Силезском политехническом институте, но связал себя с живописью. В последнее время рисует, в основном, женщин. Фокусируется на проявлении эмоций, стремится к получению как можно большего эффекта простыми средствами.
Любит цвет, но часто использует оттенки черного и серого, для достижения наилучшего впечатления. Не боится экспериментировать с разными новыми техниками. В последнее время набирает всё большую популярность за рубежом, в основном, в Великобритании, где с успехом продает свои работы, которые уже можно найти во многих частных коллекциях.
Кроме искусства интересуется космологией и философией. Слушает джаз. В настоящее время живет и работает в городе Катовице.
Warren Chang
Уоррен Чанг – современный американский художник. Родился в 1957 году и вырос в Монтерее, штат Калифорния, с отличием окончил колледж дизайна Арт-центр в Пасадене в 1981 году, где получил степень бакалавра изобразительных искусств в области живописи. В течение следующих двух десятилетий он работал в качестве иллюстратора для различных компаний в Калифорнии и Нью-Йорке, прежде чем в 2009 году начать карьеру профессионального художника.
Его реалистичные картины можно разделить на две основные категории: биографические интерьерные картины и картины, изображающие работающих людей. Его интерес к подобной манере живописи уходит своими корнями к творчеству художника 16-го века Яна Вермеера, и распространяется на предметы, автопортреты, портреты членов семьи, друзей, учеников, интерьеры студии, класса и дома. Его цель заключается в том, чтобы в своих реалистичных картинах создать настроение и эмоции с помощью манипуляции светом и использовании приглушенных цветов.
Чанг стал известен после перехода к традиционному изобразительному искусству. За последние 12 лет он заработал множество наград и почетных званий, самая престижная из них – Master Signature от ассоциации художников маслом Америки, крупнейшего сообщества художников маслом в Соединенных Штатах. Лишь один человек из 50, удостаивается возможности получить эту награду. В настоящее время Уоррен живёт в Монтерее и работает в своей студии, также он преподаёт (известен как талантливый педагог) в Академии искусств Сан-Франциско.
Aurelio Bruni
Аурелио Бруни – итальянский художник. Родился в городе Блера, 15 октября 1955 года. Получил диплом по специальности сценография в институте искусства в Сполето. Как художник он самоучка, так как самостоятельно “возводил дом знаний” на фундаменте, заложенном ещё в школе. Рисовать маслом начал в возрасте 19 лет. В настоящее время живёт и работает в Умбрии.
Ранняя живопись Бруни уходит своими корнями в сюрреализм, но со временем он начинает ориентироваться на близость лирического романтизма и символизма, усиливая это сочетание изысканной утонченностью и чистотой своих персонажей.
Одушевленные и неодушевленные объекты приобретают равное достоинство и выглядят, почти, гиперреалистично, но, при этом, не скрываются за занавесом, а позволяют увидеть суть своей души. Многогранность и изысканность, чувственность и одиночество, задумчивость и плодотворность являются духом Аурелио Бруни, питаемым великолепием искусства и гармонией музыки.
Alekasander Balos
Алкасандр Балос – современный польский художник, специализирующийся в области масляной живописи. Родился 1970 года в Гливице, Польша, но с 1989 года живёт и работает в США, в городе Шаста, штат Калифорния.
В детстве он изучал искусство под руководством своего отца Яна, художника-самоучки и скульптора, поэтому уже с раннего возраста, художественная деятельность получила полную поддержку со стороны обоих родителей. В 1989 году, в возрасте восемнадцати лет, Балос уехал из Польши в США, где его школьный учитель и по совместительству художник Кэти Гагглиарди побудила Алкасандра поступить в художественную школу.
Затем Балос получил полную стипендию университета в Милуоки Висконсин, где он учился живописи у профессора философии Гарри Розина.
После завершения учёбы в 1995 году и получения степени бакалавра Балос переехал в Чикаго, чтобы поступить на учёбу в школе изобразительного искусства, чьи методы основываются на творчестве Жака-Луи Давида. Фигуративный реализм и портретная живопись составляли большую часть работ Балоса в 90-х и начале 2000-х годов. Сегодня Балос использует человеческую фигуру для того, чтобы подчеркнуть особенности и показать недостатки человеческого бытия, не предлагая, при этом, никаких решений.
Сюжетные композиции его картин предназначены для того, чтобы быть самостоятельно интерпретированными зрителем, только тогда полотна приобретут свой истинный временной и субъективный смысл. В 2005 году художник переехал в Северную Калифорнию, с тех пор тематика его работ значительно расширилась и теперь включает в себя более свободные методы живописи, включая абстракцию и различные мультимедийные стили, помогающие выражать идеи и идеалы бытия через живопись.
Alyssa Monks
Алисса Монкс – современная американская художница. Родилась в 1977 году, в Риджвуде, Нью-Джерси. Начала интересоваться живописью, когда была ещё ребенком. Училась в Новой Школе в Нью-Йорке и Государственном университете Монклер, а окончив в 1999 году Бостонский колледж, получила степень бакалавра. Одновременно она изучила живопись в академии Лоренцо Медичи во Флоренции.
Затем продолжила учёбу по программе на степень магистра в нью-йоркской Академии Искусства, на кафедре Фигуративного Искусства, окончила его в 2001 году. В 2006 году она закончила колледж Фуллертона. Некоторое время читала лекции в университетах и образовательных учреждениях по всей стране, преподавала живопись в нью-йоркской Академии Искусства, а также Государственном университете Монклер и Колледже Академии Искусств Лайма.
“Используя фильтры, такие как стекло, винил, вода и пар, я искажаю человеческое тело. Эти фильтры позволяют создавать большие площади абстрактного дизайна, с проглядывающими сквозь них островами цвета – частями человеческого тела.
Мои картины меняют современный взгляд на уже сложившиеся, традиционные позы и жесты купающихся женщин. Они могли бы многое рассказать внимательному зрителю о таких, казалось бы, самих собой разумеющихся вещах, как польза плаванья, танцев и так далее. Мои персонажи прижимаются к стеклу окна душевой кабины, искажая собственное тело, осознавая, что тем самым влияют на пресловутый мужской взгляд на обнажённую женщину. Толстые слои краски смешаны так, чтобы издалека подражать стеклу, пару, воде и плоти. Однако вблизи становятся очевидны восхитительные физические свойства масляной краски. Экспериментируя со слоями краски и цветом, я нахожу момент, когда абстрактные мазки становятся чем-то еще.
Когда я только начала рисовать человеческое тело, я сразу была очарована и даже стала одержима им и считала, что должна была делать свои картины как можно более реалистичными. Я “исповедовала” реализм, пока он не начал распутывать и вскрывать противоречия в самом себе. Сейчас я исследую возможности и потенциал манеры письма, где встречаются представительская живопись и абстракция – если оба стиля могут сосуществовать в один и тот же момент времени, я это сделаю”.
Antonio Finelli
Итальянский художник – “Наблюдатель времени” – Антонио Финелли родился 23 февраля 1985 года. В настоящее время живет и работает в Италии между Римом и Кампобассо. Его работы были выставлены в нескольких галереях в Италии и за рубежом: Риме, Флоренции, Новара, Генуя, Палермо, Стамбуле, Анкаре, Нью-Йорке, также их можно найти в частных и государственных коллекциях.
Рисунки карандашом “Наблюдателя времени” Антонио Финелли отправляют нас в вечное путешествие по внутреннему миру человеческой временности и связанному с ним скрупулезным анализом этого мира, главным элементом которого является прохождение сквозь время и наносимые им на кожу следы.
Финелли пишет портреты людей любого возраста, пола и национальности, выражения лиц которых свидетельствуют о прохождении сквозь время, также художник надеется отыскать свидетельства беспощадности времени на телах своих персонажей. Антонио определяет свои произведения одним, общим названием: “Автопортрет”, потому что на своих карандашных рисунках он не просто изображает личность, но позволяет зрителю созерцать реальные результаты прохождения времени внутри человека.
Flaminia Carloni
Фламиния Карлони – итальянская художница 37-ми лет, дочь дипломата. У нее трое детей. Двенадцать лет жила в Риме, три года в Англии и Франции. Получила диплом в области истории искусства в школе искусств BD. Затем получила диплом по специальности реставратор произведений искусства. Прежде чем найти свое призвание и полностью посвятить себя живописи, она работала как журналист, колорист, дизайнер, актриса.
Страсть к живописи у Фламинии возникла ещё в детстве. Её основная среда – масло, потому что она любит “coiffer la pate” и также играть с материалом. Подобную технику она узнала в работах художника Паскаля Торюа. Фламиния вдохновлена великими мастерами живописи, такими как Бальтюса, Хоппер, и Франсуа Легран, а так же и различными художественными движениями: стрит-арт, китайский реализм, сюрреализм и реализм эпохи Возрождения. Её любимый художник Караваджо. Её мечта открыть терапевтическую силу искусства.
Denis Chernov
Денис Чернов – талантливый украинский художник, родился в 1978 году в Самборе, Львовская область, Украина.
После окончания Харьковского художественного училища в 1998 году остался в Харькове, где в настоящее время живет и работает. Также он учился в Харьковской государственной академии дизайна и искусств, кафедра график, окончил её в 2004 году.
Он регулярно участвует в художественных выставках, на данный момент их состоялось более шестидесяти, как в Украине, так и за рубежом. Большинство работ Дениса Чернова хранятся в частных коллекциях в Украине, России, Италии, Англии, Испании, Греции, Франции, США, Канаде и Японии. Некоторые работы были проданы на “Кристис”.
Денис работает в широком диапазоне графических и живописных техник. Рисунки карандашом – один из самых любимых им методов живописи, список тем его карандашных рисунков также весьма разнообразен, он пишет пейзажи, портреты, ню, жанровые композиции, книжные иллюстрации, литературные и исторические реконструкции и фантазии.
Iruvan Karunakaran
Ируван Карунакаран – индийский художник, пишущий реалистичные картины, основная тема которых индийская деревня.
Незатейливая сущность сельской Индии оживает в его произведениях.
Искусство Ирувана – тщательные, но все же запутанные изображения сцен деревенской жизни, улиц, различных напоминаний о древности деревни, людей, выполняющих ритуалы или поглощённых ежедневной рутиной, которая глубоко укоренилась в крови сельских жителей. Его реалистичные произведения искусства, сделанные с использованием мастихина, поражают вас одинаково сильно каждый раз, когда вы рассматриваете их.
“Приезжая из Мадурай, штат Тамилнаду, в деревню, я наслаждаюсь ощущением отсутствия течения времени в деревни и спокойствием её людей. Меня, городского жителя, проживающего в Хайдарабаде уже более десяти лет, восхищает замысловатое переплетение исторического и современного, интересное сочетание которого вы видите в самых знаковых местах в Индии. Особенно сильно меня вдохновляют улицы. Они приходят откуда-то и уходят куда-то еще….
Возникает ощущение, как будто стоишь в точке, называемой сегодня, с вчера за спиной и завтра впереди.
Люди стремятся к улицам и дорогам… они хотят попасть “куда-то” и “что-то” сделать. Персонажами моих картин может быть кто угодно: мужчина тянущий тележку – он просто смирился с жизненными трудностями… занятой торговец, который упорно шагает к своей цели… одинокий мото рикша или велосипедист… пожилая женщина, продающая цветы и сонная собака, отдыхающая не смотря на шум… непрерывное движение и смена улиц заставляет людей чувствовать себя живыми. Бывает ли место лучше, чтобы наблюдать жизнь, если не на улицах?”
Vasiliy Hribennikov
Имя художника Василия Ивановича Грибенникова хорошо известно широкому кругу коллекционеров живописи России, Европы, США и Китая. Его живопись является ярким примером продолжения традиций классической школы великих русских мастеров. Василий Иванович родился в 1951 году в село Заветное Ростовской области.
Основой для восхождения к профессиональным вершинам послужило художественное образование. В 1974 году окончил художественно-графическое отделение Кубанского государственного университета.
Развитию природных способностей художника и совершенствованию технических навыков, полученных в годы учебы, содействовала активная творческая работа, которая продолжилась после окончания университета. Сегодня приобретенный живописцем опыт позволяет ему свободно обращаться к разным жанрам живописи, создавать пейзажи и натюрморты, работать в историческом жанре.
Смотрите также:
Полезные уроки по живописи от Игоря Сахарова
Основы рисования: Инвентарь начинающего художника
Как начать рисовать чернилами
живописькартинысовременные художники
Поделиться:
Предыдущая статья4 способа заставить свой сайт работать на глобальную аудиторию
Следующая статья 20 остроумных рекламных постеров ко Дню Валентина
Про автора
Бюро трудовой статистики США
ДЛЯ ПРИНТЕРА
- Резюме
- Что они делают
- Рабочая среда
- Как стать единым целым
- Оплата
- Перспектива работы
- Данные штата и района
- Сходные профессии
- Подробнее
Резюме
Пожалуйста, включите JavaScript для воспроизведения этого видео.
Стенограмма видео доступна по адресу https://www.youtube.com/watch?v=JPohQlpzTxY.
| Краткие сведения: модельеры | |
|---|---|
| Медианная заработная плата 2021 г. | 77 450 долларов в год 37,24 $ в час |
| Стандартное начальное образование | Степень бакалавра |
| Опыт работы по родственной профессии | Нет |
| Обучение на рабочем месте | Нет |
Количество рабочих мест, 2021 г. | 22 400 |
| Перспективы работы, 2021-31 | 3% (медленнее среднего) |
| Изменение занятости, 2021-31 | 600 |
Чем занимаются модельеры
Модельеры создают одежду, аксессуары и обувь.
Рабочая среда
Модельеры работают в оптовых или производственных предприятиях, компаниях по производству одежды, розничных торговцах, театральных или танцевальных труппах и дизайнерских фирмах. Большинство модных дизайнеров работают в Нью-Йорке и Калифорнии.
Как стать модельером
Модельерам обычно требуется степень бакалавра, чтобы начать работать. Работодатели могут предпочесть нанимать творческих кандидатов, обладающих техническими знаниями о процессах производства одежды, аксессуаров или обуви.
Зарплата
Средняя годовая заработная плата дизайнеров одежды в мае 2021 года составляла 77 450 долларов.
Несмотря на ограниченный рост занятости, ежегодно в среднем в течение десятилетия прогнозируется около 2300 вакансий для модельеров. Ожидается, что большинство этих вакансий возникнет в связи с необходимостью замены работников, которые переходят на другую профессию или выходят из состава рабочей силы, например, в связи с выходом на пенсию.
Данные по штатам и районам
Исследуйте ресурсы для трудоустройства и заработной платы по штатам и районам для модельеров.
Похожие занятия
Сравните должностные обязанности, образование, карьерный рост и заработную плату дизайнеров одежды с аналогичными занятиями.
Дополнительная информация, включая ссылки на O*NET
Узнайте больше о модельерах, посетив дополнительные ресурсы, включая O*NET, источник основных характеристик работников и профессий.
Модельеры делают наброски одежды, обуви и аксессуаров.
Модельеры создают оригинальную одежду, аксессуары и обувь. Они делают эскизы, выбирают ткани и узоры и дают инструкции по изготовлению продуктов, которые они разрабатывают.
Обязанности
Модельеры обычно делают следующее:
- Изучайте тенденции моды и прогнозируйте дизайн, который понравится потребителям
- Выберите тему для коллекции
- Использование программ автоматизированного проектирования (САПР) для создания проектов
- Посетите производителей или торговые выставки, чтобы получить образцы ткани
- Выберите ткани, украшения, цвета или стиль для каждого предмета одежды или аксессуара
- Работайте с другими дизайнерами или членами команды над созданием прототипов
- Представление дизайнерских идей креативным директорам или демонстрация их идей на модных или торговых выставках
- Дизайн для продажи розничным торговцам одеждой или потребителям
- Наблюдать за окончательным производством своих моделей
Крупные компании по производству одежды обычно нанимают команду дизайнеров во главе с креативным директором.
Некоторые модельеры специализируются на дизайне одежды, обуви или аксессуаров; другие создают дизайны во всех трех категориях моды.
Для некоторых модельеров первым шагом в создании нового дизайна является изучение текущей моды и прогнозирование будущих тенденций, например, чтение отчетов, опубликованных торговыми группами индустрии моды. Другие модные дизайнеры создают коллекции, используя различные источники вдохновения, в том числе художественные средства массовой информации, свое окружение или культуру, с которой они столкнулись, и места, которые они посетили.
После того, как у них появится первоначальная идея, модельеры пробуют различные ткани и производят прототип, часто из менее дорогого материала, чем тот, который будет использоваться в конечном продукте. Они работают с моделями, чтобы увидеть, как будет выглядеть дизайн, и корректировать дизайн по мере необходимости.
Хотя большинство дизайнеров сначала рисуют свои проекты от руки, многие теперь также делают наброски своих идей в цифровом виде с помощью программ автоматизированного проектирования (САПР).
САПР позволяет дизайнерам видеть свою работу на виртуальных моделях. Они могут пробовать разные цвета, рисунки и формы, внося коррективы легче, чем при работе с реальной тканью на реальных людях.
Дизайнеры производят образцы из реальных материалов, которые будут использоваться в производстве. Образцы, получившие хорошие отзывы от модных редакторов или на выставках и показах мод, затем производятся и продаются потребителям.
Процесс проектирования может различаться в зависимости от специальности, но обычно на выпуск весенней или осенней коллекции уходит 6 месяцев, от начальной концепции дизайна до окончательного производства. Помимо выпуска дизайнов весной и осенью, некоторые компании выпускают новые дизайны каждый месяц.
Интернет и электронная коммерция позволяют модельерам предлагать свою продукцию за пределами традиционных магазинов. Эти дизайнеры доставляют товары напрямую потребителю, не вкладывая средства в физический магазин, чтобы продемонстрировать свои линейки продуктов или коллекций.
Ниже приведены примеры типов модельеров:
Дизайнеры аксессуаров разрабатывают и производят такие предметы, как сумки, чемоданы, ремни, шарфы, головные уборы, чулочно-носочные изделия и очки.
Художники по костюмам дизайн костюмов для исполнительских искусств, кино- и телепрограмм. Они исследуют стили, которые носили в период действия представления, или работают с режиссерами, чтобы выбрать и создать подходящую одежду. Они также должны оставаться в рамках бюджета костюмов постановки.
Дизайнеры одежды создают и помогают производить мужскую, женскую и детскую одежду, включая повседневную одежду, костюмы, спортивную одежду, вечернюю одежду, верхнюю одежду, одежду для беременных и нижнее белье.
Дизайнеры обуви создают и помогают производить обувь и ботинки различных стилей. По мере появления новых материалов, таких как легкие синтетические материалы, используемые в подошвах обуви, дизайнеры обуви создают новые модели, сочетающие в себе комфорт, форму и функциональность.
Модельеры выбирают ткани, цвета или стили для каждого предмета одежды или аксессуара.
Модельеры занимали около 22 400 рабочих мест в 2021 году. Крупнейшими работодателями модельеров были следующие:
| Оптовая торговля одеждой, штучными товарами и вещами | 35% |
| Управление компаниями и предприятиями | 18 |
| Самозанятые работники | 12 |
| Производство одежды | 9 |
| Кино- и видеоиндустрия | 2 |
Многие модельеры работают на оптовиков или производителей. Эти оптовики и производители продают одежду и аксессуары розничным торговцам или другим маркетологам для распространения в отдельных магазинах, компаниях-каталогах или интернет-магазинах.
Работающие не по найму модельеры обычно создают одежду высокой моды и единственную в своем роде (индивидуальную) одежду. В некоторых случаях у работающего не по найму модельера может быть линия одежды, носящая его или ее имя.
Большинство дизайнеров несколько раз в год ездят на выставки и показы мод, чтобы узнать о последних тенденциях. Дизайнеры также иногда выезжают в другие страны, чтобы встретиться с поставщиками материалов и производителями конечной продукции.
Большинство модельеров работают в Нью-Йорке и Калифорнии.
График работы
Модельеры иногда работают много часов, чтобы уложиться в сроки производства или подготовиться к показу мод. Как правило, дизайнеры-фрилансеры работают по контракту; у этих дизайнеров часто бывает длинный рабочий день, который требует от них приспосабливаться к графикам и срокам своих клиентов.
Как стать модельером Об этом разделе
Модельеры иногда работают много часов, чтобы уложиться в сроки производства или подготовиться к показу мод.
Дизайнерам одежды обычно требуется степень бакалавра, чтобы начать работать. Работодатели могут предпочесть нанимать творческих кандидатов, обладающих техническими знаниями о процессах производства одежды, аксессуаров или обуви.
Образование
Дизайнеры одежды, как правило, имеют степень бакалавра в области изобразительного искусства или бизнеса, например, дизайн одежды или мерчендайзинг одежды. Эти программы, ориентированные на моду, учат студентов разбираться в текстиле и тканях, а также тому, как использовать технологию автоматизированного проектирования (САПР). Учащиеся также работают над проектами, которые они могут добавить в свое портфолио, в котором демонстрируются их проекты.
Для многих художников, в том числе модельеров, создание портфолио — коллекции дизайнерских идей, демонстрирующих их стиль и способности, — очень важно. Студенты, изучающие дизайн одежды, часто имеют возможность развивать свое портфолио, участвуя в студенческих или любительских конкурсах. Принимая решения о найме, работодатели полагаются на эти портфолио для оценки таланта и креативности.
Национальная ассоциация школ искусства и дизайна аккредитовала более 360 высших учебных заведений с программами в области искусства и дизайна, и многие из них присуждают степени в области дизайна одежды. Эти школы часто требуют, чтобы учащиеся прошли базовые курсы искусства и дизайна, прежде чем поступать на программу. Кандидаты обычно должны представить эскизы и другие примеры своих художественных способностей.
Другой опыт
Модельеры часто приобретают опыт работы в индустрии моды, проходя стажировки или работая помощником дизайнера. Стажировки знакомят начинающих модельеров с процессом проектирования, расширяя их знания о текстиле и цветах, а также о том, как работает отрасль.
Важные качества
Художественные способности. Модельеры зарисовывают свои первоначальные дизайнерские идеи, которые используются для создания прототипов. Дизайнеры должны иметь возможность выразить свое видение дизайна с помощью иллюстраций.
Коммуникативные навыки. На протяжении всего процесса проектирования модельеры должны иметь возможность эффективно общаться. Например, им может потребоваться проинструктировать швей о пошиве одежды.
Компьютерные навыки. Модельеры должны уметь пользоваться программами автоматизированного проектирования (САПР) и быть знакомы с программами для редактирования графики.
Творчество. Модельеры работают с разнообразными тканями, формами и цветами. Их идеи должны быть уникальными, функциональными и стильными.
Навыки принятия решений. Работая в команде, модельеры сталкиваются со многими идеями. Они должны быть в состоянии решить, какие идеи включить в свои проекты.
Ориентирован на детали. Модельеры должны хорошо видеть небольшие различия в цвете и другие детали, которые могут сделать дизайн успешным.
Модельеры
Средняя годовая заработная плата, май 2021 г.
- Fashion designers
$77,450
- Art and design workers
$48,220
- Total, all occupations
$45,760
Средняя годовая заработная плата модельеров в мае 2021 года составляла 77 450 долларов. Медианная заработная плата — это заработная плата, при которой половина работающих по профессии зарабатывает больше этой суммы, а половина — меньше. Самые низкие 10 процентов заработали менее 37 480 долларов, а самые высокие 10 процентов заработали более 130 870 долларов.
В мае 2021 года средняя годовая заработная плата модельеров в ведущих отраслях, в которых они работали, была следующей:
| Кино- и видеоиндустрия | 116 930 долларов США |
| Управление компаниями и предприятиями | 80 600 |
| Оптовая торговля одеждой, штучными товарами и вещами | 78 800 |
| Производство одежды | 63 320 |
Модельеры иногда работают много часов, чтобы уложиться в сроки производства или подготовиться к показу мод.
Как правило, дизайнеры-фрилансеры работают по контракту; у этих дизайнеров часто бывает длинный рабочий день, который требует от них приспосабливаться к графикам и срокам своих клиентов.
Модельеры
Процентное изменение занятости, прогнозируемое на 2021–2031 годы
- Всего, все профессии
- Модельеры
- Работники искусства и дизайна
Прогнозируется, что занятость модельеров вырастет на 3 процента с 2021 по 2031 год, что медленнее, чем в среднем по всем профессиям.
Несмотря на ограниченный рост занятости, ежегодно в среднем в течение десятилетия прогнозируется около 2300 вакансий для модельеров. Ожидается, что большинство этих вакансий возникнет в связи с необходимостью замены работников, которые переходят на другую профессию или выходят из состава рабочей силы, например, в связи с выходом на пенсию.
Занятость
Повышенный спрос на постоянный поток новых модных моделей был ускорен влиятельными лицами в социальных сетях и розничными торговцами, рекламирующими и продающими напрямую потребителям в Интернете. Растущее предпочтение потребителей в отношении устойчивых вариантов в индустрии моды также вызвало стремление к дизайну, в котором используются экологически чистые и веганские материалы. Однако будет меньше возможностей для дизайнеров одежды, работающих не по найму, которые не могут конкурировать с крупномасштабным производством одежды, что ограничивает общий рост занятости этих работников.
| Должность | SOC-код | Занятость, 2021 | Прогнозируемая занятость, 2031 | Изменение, 2021-31 | Занятость по отраслям | ||
|---|---|---|---|---|---|---|---|
| Процент | Цифровой | ||||||
ИСТОЧНИК: Бюро статистики труда США, Программа прогнозов занятости | |||||||
Модельеры | 27-1022 | 22 400 | 23 000 | 3 | 600 | Получить данные | |
Программа статистики занятости и заработной платы (OEWS) ежегодно производит оценки занятости и заработной платы для более чем 800 профессий.
Эти оценки доступны для страны в целом, для отдельных штатов, а также для столичных и неметропольных территорий. Ссылки ниже ведут на карты данных OEWS по занятости и заработной плате по штатам и районам.
- Модельеры
Прогнозы профессиональной занятости разрабатываются для всех штатов отделом информации о рынке труда (LMI) или отделами прогнозов занятости отдельных штатов. Все данные прогнозов штата доступны на сайте www.projectionscentral.com. Информация на этом сайте позволяет сравнивать прогнозируемый рост занятости по профессии между штатами или в пределах одного штата. Кроме того, штаты могут составлять прогнозы по районам; есть ссылки на веб-сайты каждого штата, где эти данные могут быть получены.
CareerOneStop CareerOneStop включает в себя сотни профессиональных профилей с данными, доступными по штатам и городам. В левом боковом меню есть ссылки для сравнения профессиональной занятости по штатам и профессиональной заработной платы по местности или городскому району.
Существует также инструмент информации о зарплате для поиска заработной платы по почтовому индексу.
В этой таблице приведен список профессий с должностными обязанностями, аналогичными обязанностям модельеров.
| Род занятий | Должностные обязанности | НАЧАЛЬНОЕ ОБРАЗОВАНИЕ | СРЕДНЯЯ ЗАРПЛАТА 2021 | |
|---|---|---|---|---|
| Арт-директора | Арт-директора отвечают за визуальный стиль и изображения в журналах, газетах, упаковку продукции, кино- и телепродукцию. | Степень бакалавра | 100 890 долларов США | |
| Цветочные дизайнеры | Художники-флористы создают декоративные композиции из живых, сушеных и шелковых цветов и зелени. | Диплом средней школы или эквивалент | 29 880 долларов США | |
| Графические дизайнеры | Графические дизайнеры создают визуальные концепции, используя компьютерное программное обеспечение или вручную, для передачи идей, которые вдохновляют, информируют и очаровывают потребителей. | Степень бакалавра | 50 710 долларов США | |
| Промышленные дизайнеры | Промышленные дизайнеры объединяют искусство, бизнес и инженерию для разработки концепций промышленной продукции. | Степень бакалавра | 77 030 долларов США | |
| Ювелиры и мастера по обработке драгоценных камней и металлов | Ювелиры и мастера по обработке драгоценных камней и металлов проектируют, изготавливают, регулируют, ремонтируют, оценивают и продают ювелирные изделия. | Диплом средней школы или эквивалент | 46 640 долларов США | |
| Модели | Модели позируют художникам, фотографам и другим клиентам, рекламируя товары. | Нет официального документа об образовании | Годовая заработная плата недоступна. | |
| Менеджеры по закупкам, покупатели и агенты по закупкам | Покупатели и агенты по закупкам покупают товары и услуги для организаций. Менеджеры по закупкам контролируют работу покупателей и агентов по закупкам. | Степень бакалавра | 75 410 долларов США |
Для получения дополнительной информации о карьере в области дизайна одежды посетите страницу 9.0003
Совет модельеров Америки
Для получения дополнительной информации об образовательных программах в области дизайна одежды посетите
Национальная ассоциация школ искусства и дизайна
О*NET
Модельеры
Предлагаемая ссылка:
Бюро трудовой статистики, Министерство труда США, Справочник по профессиональным перспективам , Модельеры,
на https://www.
bls.gov/ooh/arts-and-design/fashion-designers.htm (посещено 01 ноября 2022 г. ).
Дата последнего изменения: Четверг, 8 сентября 2022 г.
9 Times The History of Art Inspired Fashion Designers
На протяжении всей истории мода и искусство шли рука об руку, создавая великолепную смесь. Многие модные дизайнеры заимствовали идеи для своих коллекций из художественных течений, что позволяет нам интерпретировать моду как форму искусства. В основном искусство служит нам для выражения идей и видений. В качестве изысканной оды истории искусства ниже представлены девять носимых произведений искусства, созданных дальновидными модельерами 20-го века.
э., через Лувр, Париж
Родившаяся в северо-центральной части Франции в 1876 году, мадам Вионне была известна как «архитектор портных». Во время своего пребывания в Риме она была очарована искусством и культурой греческой и римской цивилизаций и вдохновлена древними богинями и статуями. Основываясь на этих произведениях искусства, она сформировала свой эстетический стиль и объединила элементы греческой скульптуры и архитектуры, чтобы придать женскому телу новое измерение. Обладая мастерством драпировки и косого кроя платьев, она произвела революцию в современной моде. Vionnet часто обращалась к произведениям искусства, таким как Крылатая Победа Самофракии для ее творческих коллекций.
Сходство между шедевром эллинистического искусства и музой Вионнет поразительно. Глубокая драпировка ткани в стиле греческого хитона создает вертикальные полосы света, стекающие по фигуре. Скульптура была создана как дань уважения Нике, греческой богине победы, и восхищает своим реалистичным изображением движения.
Струящаяся драпировка дизайна Vionnet напоминает движение вздымающейся ткани, облегающей тело Nike. Платья могут быть как живые существа с душой, как и тело. Подобно Крылатой Победе Самофракии, Вионнет создавала платья, которые пробуждали людей. Классицизм как философия эстетики и дизайна дал Вионнет возможность передать свое видение в геометрической гармонии.
Вионнет также был очарован современными художественными течениями, такими как кубизм. Она начала использовать геометрические формы в своих творениях и разработала другой метод их вырезания, называемый вырезкой по диагонали. Конечно, Вионнет никогда не утверждала, что она изобрела косой срез, а лишь расширила его применение. Поскольку женщины добились больших успехов в борьбе за свои права в начале 20-го века, Вионнет защитила их свободу, отменив викторианский корсет из женской повседневной одежды.
Поэтому она стала символом освобождения женщин от ограничений бюстье и вместо этого выпустила новые, более легкие ткани, плавающие на женских телах.
Вам нравится эта статья?
Подпишитесь на нашу бесплатную еженедельную рассылку новостей
Пьерпаоло Пиччоли — главный дизайнер Valentino. Ему очень импонируют религиозные произведения Средневековья. Отправной точкой вдохновения для него является переходный момент от Средневековья к Северному Возрождению. Он сотрудничал с Зандрой Роудс, и вместе они разработали вдохновляющую коллекцию весной 2017 года. Пиччоли хотел связать панк-культуру конца 70-х с гуманизмом и средневековым искусством, поэтому он вернулся к своим корням и эпохе Возрождения, черпая вдохновение в картине Иеронима Босха 9.0635 Сад земных наслаждений .
Знаменитый голландский художник был одним из самых заметных представителей Северного Возрождения в 16 веке.
В Саде земных наслаждений , который Босх написал до Реформации, художник хотел изобразить Небеса и сотворение человечества, первое искушение с Адамом и Евой и Ад, предвосхищающий грешников. На центральной панели люди, кажется, удовлетворяют свои аппетиты в мире поиска удовольствий. Иконография Босха отличается оригинальностью и чувственностью. Вся картина интерпретируется как аллегория греха.
В мире моды картина приобрела популярность, так как различные модельеры были очарованы ее мотивами. Смешивая эпохи и эстетику, Пиччоли по-новому интерпретировал символы Босха с помощью развевающихся прозрачных платьев, в то время как Родс создал романтические принты и вышитые узоры, слегка намекая на оригинальные произведения искусства. Цвета определенно были частью сообщения, которое дизайнеры моды хотели донести.
Таким образом, коллекция парящих мечтательных платьев основана на северной цветовой палитре яблочно-зеленого, бледно-розового и голубого цвета малиновки.
Дольче и Габбана и барокко Питера Пауля Рубенса
Питер Пауль Рубенс рисовал женщин мастерски, «с любовью, ученостью и усердием». Он представил свой «Венера перед зеркалом» как высший символ красоты. Рубенс исключительно изобразил ее светлое лицо и светлые волосы, контрастирующие с темнокожей служанкой. Зеркало — высший символ красоты, обрамляющий женщину как портрет, тонко подчеркивающий наготу фигуры. Зеркало, которое Купидон держит перед богиней, показывает отражение Венеры как воплощение сексуального желания. Рубенс, который был одним из основоположников искусства барокко, и его концепция, в которой «цвета важнее линий», повлияли на нескольких модельеров, включая Dolce & Gabbana.
Стиль барокко отклонился от духа Возрождения, отказался от спокойствия и плавности и вместо этого преследовал элегантность, волнение и движение.
Модные дизайнеры Доменико Дольче и Стефано Габбана хотели создать кампанию, в которой бы превозносилась чувственная, но в то же время и романтическая сторона женской красоты. Питер Пауль Рубенс был наиболее подходящим источником вдохновения. Творения культового дуэта оказались в полной гармонии с искусством фламандского художника. В этой коллекции модели позировали с большим благородством, выглядя так, словно только что выпрыгнули из одной из картин Рубенса. Декорации напоминают зеркала в стиле барокко и детали вышивки. Изящество фигур и пастельная цветовая гамма прекрасно подчеркивали парчовое розовое платье.
Выбор модных дизайнеров для включения разнообразных моделей еще больше продвигал тип телосложения той эпохи. Пышные линии, которые использовали Дольче и Габбана, противоречили дискриминации разных типов телосложения в индустрии моды.
Женская коллекция Dolce and Gabbana осень 2012 демонстрирует многие черты архитектуры итальянского барокко. Эта коллекция идеально сочетается с богато украшенными характеристиками стиля сицилийского барокко. Модельеры сосредоточились на архитектуре барокко, которую можно увидеть в католических церквях Сицилии. Ориентиром послужила картина Рубенса Портрет Анны Австрийской . На своем королевском портрете Анна Австрийская изображена в испанской одежде. Черное платье Анны украшено вертикальными полосами зеленой вышивки и золотыми деталями.
Рукав в форме колокола, известный как «испанский большой рукав», также является визитной карточкой испанского стиля, как и кружевной воротник с рюшами. Искусно сшитые платья и накидки из роскошных тканей, таких как кружево и парча, затмили шоу Dolce and Gabbana.
Кристобаля Баленсиагу можно назвать настоящим мастером моды, реформировавшим женскую моду в ХХ веке. Родившийся в небольшой деревне в Испании, он перенес сущность испанской истории искусства в свои современные проекты. На протяжении всей своей карьеры Баленсиага находился под впечатлением от испанского Возрождения. Он часто искал вдохновения у испанской королевской семьи и представителей духовенства. Баленсиага превратил церковные предметы и монашеские одежды той эпохи в шедевры моды, которые можно носить.
Одним из его величайших вдохновителей был маньерист Эль Греко, также известный как Доминикос Теотокопулос. Глядя на кардинала Фернандо Ниньо де Гевара , Эль Греко, можно увидеть сходство между плащом кардинала и дизайном Баленсиаги. На картине изображен испанский кардинал Фернандо Ниньо де Гевара времен Эль Греко в Толедо. Идеи Эль Греко были заимствованы из неоплатонизма итальянского Возрождения, и в этом портрете он представляет кардинала как символ Божьей благодати. Маньеризм присутствует во всей картине. Это заметно в вытянутой фигуре с маленькой головой, в изящных, но причудливых конечностях, насыщенности красок, отказе от классических мер и пропорций.
Страсть Баленсиаги к исторической одежде очевидна в этом экстравагантном вечернем пальто из его коллекции 1954 года.
У него было видение и способность заново изобретать формы в соответствии с современной модой. Преувеличенно эффектный воротник этого пальто повторяет мешковатость плаща кардинала. Красный цвет в одеянии кардинала символизирует кровь и его готовность умереть за веру. Яркий красный цвет считался знаменитым дизайнером экстраординарным, поскольку он часто отдавал предпочтение смелым цветовым сочетаниям и ярким оттенкам. Его великим нововведением было устранение линии талии и введение плавных линий, простых кроев и рукавов три четверти. Сделав это, Баленсиага произвел революцию в женской моде.
Дизайнер также представил рукава длиной до браслета, что позволило женщинам продемонстрировать свои украшения. В 1960-х годах, когда происходило постепенное внедрение женщин в сферу труда, у Баленсиаги была идея дать комфорт, свободу и функциональность женщинам, которых он одевал. Он продвигал свободные, удобные платья, которые контрастировали с облегающими силуэтами того времени.
Густав Климт, австрийский художник, мастер символизма и основатель движения «Венский сецессион», вошел в историю искусства ХХ века. Его картины и художественная эстетика долгое время были источником вдохновения для модельеров. Среди других, таких как Аквилано Римольди, Л’Врен Скотт и Кристиан Диор, дизайнером, который напрямую ссылался на Климта, был Александр МакКуин. В курортной коллекции весенне-летней коллекции 2013 года он разработал уникальные изделия, вдохновленные творчеством художника. Глядя на струящееся черное платье с повторяющимся золотым узором сверху, на ум может прийти какая-то конкретная картина. МакКуин использовал абстрактные, геометрические и мозаичные узоры в бронзовых и золотых тонах, включив их в свои проекты.
В 1905 году Густав Климт нарисовал Исполнение , изображение пары, пойманной в нежные объятия, что стало символом любви. Австрийский художник известен своими золотыми картинами, а также идеальным сочетанием абстракции и цвета, присутствующим в этих работах. Все мозаики выполнены в насыщенных золотых тонах с калейдоскопическими или природными украшениями, которые оказали большое влияние на моду. Эта картина яркая из-за контрастных геометрических форм между предметами одежды двух влюбленных. Одежда мужчины состоит из черных, белых и серых квадратов, а платье женщины украшено овальными кругами и цветочными мотивами. Таким образом, Климт мастерски иллюстрирует разницу между мужественностью и женственностью.
Christian Dior, The Designer Of The Dreams, И Клод Моне Картины импрессионистов
Основоположник импрессионизма и один из величайших французских художников в истории искусства Клод Моне оставил после себя большое художественное наследие.
Используя свой дом и сад в Живерни для вдохновения, Моне запечатлел природный ландшафт в своих картинах. В частности, на картине под названием Сад художника в Живерни, ему удалось манипулировать природным ландшафтом в соответствии со своими потребностями. Контраст коричневой грязной дорожки с ярким цветом цветов дополняет сцену. Знаменитый импрессионист часто выбирал цветок ириса за его фиолетовый цвет, чтобы создать эффект яркого солнца. Эта картина полна жизни, так как цветы распускаются и обнимают весну. Лепестки роз и сирени, ирисы и жасмин — часть красочного рая, изображенного на белом холсте.
В том же духе Кристиан Диор, пионер французской моды, оставил огромный след в мире моды, который ощущается до сих пор. В 1949 году он разработал коллекцию Haute Couture для весенне-летнего сезона. Одним из изюминок этой выставки стало культовое платье Miss Dior , полностью расшитое лепестками цветов разных оттенков розового и фиолетового.
Диор прекрасно проиллюстрировал два мира искусства и моды и подражал эстетике Моне в этом функциональном платье. Он проводил много времени в сельской местности, рисуя свои коллекции в своем саду в Гранвиле, как это делал Моне. Таким образом, он определил элегантный стиль «Диор», включив в свои творения цветовую палитру и цветочные узоры Моне.
Мондриан был одним из первых художников, написавших абстрактное искусство в 20 веке. Он родился в Нидерландах в 1872 году и основал целое художественное движение под названием De Stijl. Целью движения было объединение современного искусства и жизни. Этот стиль, также известный как неопластицизм, представлял собой форму абстрактного искусства, в которой использовались только геометрические принципы и основные цвета, такие как красный, синий и желтый, в сочетании с нейтральными (черный, серый и белый).
Новаторский стиль Мондриана начала 19 векаВ 00-е модельеры копировали этот чистый вид абстрактного искусства. Лучшим примером картины Де Стейла является композиция с красным, синим и желтым .
Будучи любителем искусства, французский модельер Ив Сен-Лоран использовал картины Мондриана в своих творениях от-кутюр. Впервые он был вдохновлен Мондрианом, когда читал книгу о жизни художника, которую мать подарила ему на Рождество.
Ив Сен-Лоран даже сказал: «Мондриан — это чистота, и дальше в живописи идти нельзя. Шедевр двадцатого века — Мондриан».
Дизайнер выразил свое восхищение Мондрианом в своей осенней коллекции 1965 года, известной как коллекция «Мондриан». Вдохновленный геометрическими линиями и смелыми цветами художника, он представил шесть коктейльных платьев, которые обозначили его культовый стиль и эпоху шестидесятых в целом.
Каждое из платьев Мондриана немного отличалось друг от друга, но всех их объединяла простая форма А-силуэта и длина до колен без рукавов, которая подходила любому типу фигуры.
Эльза Скиапарелли и Сальвадор Дали
Родившаяся в 1890 году в аристократической семье в Риме, Эльза Скиапарелли вскоре выразила свою любовь к миру моды. Она начала развивать свой революционный стиль, вдохновленный футуризмом, дадаизмом и сюрреализмом. По мере развития своей карьеры она общалась с известными сюрреалистами и дадаистами, такими как Сальвадор Дали, Ман Рэй, Марсель Дюшан и Жан Кокто. Она даже сотрудничала с испанским художником Сальвадором Дали. Его эстетическая и сюрреалистическая нелепость сделала Дали самым известным художником движения сюрреализма.
Одним из величайших коллабораций в истории моды было сотрудничество Дали и Эльзы Скиапарелли.
Это платье было создано совместно с Сальвадором Дали как часть коллекции Скиапарелли «Цирк» лета 1938 года. Платье отсылает к картине Дали, на которой он изобразил женщин с разорванной плотью.
Для художников-сюрреалистов поиски идеальной женщины были обречены на провал, так как идеал существовал только в их воображении, а не в реальности. Однако целью Дали не было изображать женщин реалистично, поэтому их тела совсем не эстетичны. Скиапарелли хотел поэкспериментировать с этой игрой сокрытия и раскрытия тела, создавая иллюзию уязвимости и незащищенности. Платье Tear-Illusion было сделано из бледно-голубого шелкового крепа, а принт был разработан Дали, чтобы он напоминал трех женщин с его картины. Слезы обнажают розовую изнанку ткани, а в отверстиях появляется более темный розовый цвет.
Эпоха поп-арта была, вероятно, самым влиятельным периодом для модельеров и художников в истории искусства.
Энди Уорхол первым соединил поп-культуру и высокую моду, что сделало его культовым символом движения поп-арт. В шестидесятые годы Уорхол начал практиковать свою фирменную технику, известную как шелкография.
Одной из его самых ранних и, несомненно, самых известных работ был Диптих Мэрилин . Для этого произведения он черпал вдохновение не только из поп-культуры, но и из истории искусства и художников абстрактного экспрессионизма. Уорхол запечатлел два мира Мэрили Монро, публичную жизнь голливудской звезды и трагическую реальность Нормы Джин, женщины, которая боролась с депрессией и зависимостью. Диптих усиливает яркость слева, а справа растворяется во мраке и мраке. Пытаясь представить общество потребительства и материализма, он изобразил людей как продукты, а не людей.
У итальянского дизайнера Джанни Версаче была давняя дружба с Энди Уорхолом.
