11 современных художников, о которых мы узнали из модных показов и коллабораций
T
МОДА • ИСКУССТВО
Как мода работает с художниками в 2019 году
Текст: АНАСТАСИЯ ЛАНДЕР
Dior, Gucci и все-все-все: кто и как работает с художниками в 2019 году.
Мода и искусство идут рука об руку давно. Никто уже не говорит о сотрудничестве художников и модных марок как о чем-то уникальном — скорее, аудитория с интересом ждет, с каким новым или хорошо забытым старым именем дизайнеры сделают очередной совместный проект. Брендам сотрудничество с художниками необходимо: оно позиционирует марку как флагман утонченного вкуса, а главное — помогает ей быть для клиентов не только поставщиком одежды, обуви или аксессуаров, но и куратором стиля жизни, в котором есть место и таким феноменам, как современное искусство разной степени радикальности. Художники тоже не против: отдавая свои творения на откуп коммерческим брендам, они получают взамен расширение аудитории и бóльшую известность, как, например, в случае Стерлинга Руби.
Модные показы нередко превращаются в смотр работ актуального искусства. Заметим, что как минимум три художника — Рейчел Файнштейн, Алекс Израэль и Джонас Вуд — представлены галереей Gagosian, эдаким LVMH от мира искусства, так что вещь из их коллаборации с той или иной модной маркой может быть наиболее доступным для покупки арт-объектом. Вот какие коллаборации этого года запомнились нам больше всего.
Dior MEN и Хаджиме Сораяма
Креативный директор мужского Dior Ким Джонс не новичок в партнерствах с художниками: он уже впечатлил аудиторию коллаборацией со знаменитым KAWS для своей первой коллекции в Dior Men лета 2019, для осени 2019 поработал с панк-иллюстратором Реймондом Петтибоном.
DIOR MEN И ДАНИЭЛЬ АРШАМ
Хорошо быть большой маркой с большими бюджетами. Для работы над летним сезоном 2020 года Ким Джонс позвал в соавторы коллекции Даниэля Аршама — современного художника и скульптора. Аршам работал над оформлением показа, участвовал в создании принтов и украшений для коллекции, в том числе гигантских часов Dior, словно обнаруженных в ходе археологических раскопок. В своем творчестве он эксплуатирует темы антиутопии и того, что оставит после себя наша цивилизация, трансформируя предметы повседневного быта — айфон, фотоаппарат, футбольный мяч — в окаменелости наподобие доисторических ископаемых (серия Future Relics).
View this post on Instagram
A post shared by ARSHAM STUDIO 3019 (@danielarsham) on
Viktor & Rolf и Клоди Йонгстра
Виктор Хорстинг и Рольф Снорен, которым очень важно устойчивое развитие своей марки, позвали для работы над кутюрной коллекцией осень—зима 2019 голландскую художницу Клоди Йонгстру. Она работает с текстилем, отражая в своих тканых работах размышления о холистической сути природы и впечатления от окружающих ее ландшафтов. Йонгстра также создает большие инсталляции и архитектурные проекты, а дань уважения природе отдает, растя на своей небольшой биодинамической ферме редкую породу овец дренте. Для Viktor & Rolf художница соткала и вручную покрасила натуральными красками объемные войлочные пальто, вышила на них в традиционной технике солнце, луну и звезды.
Iris van Herpen и Энтони Хоу
Ирис ван Херпен показала на кутюрной неделе 19 платьев, созданных под влиянием работ американского кинетического скульптора Энтони Хоу. Хоу начинал как художник, был довольно успешен, заработал на квартиру в Манхэттене. И, собирая в ней из стальных направляющих стеллажи для архива, увлекся металлом. Его творчество — это изучение свойств стали, алюминия и ветра. В 2016 году его кинетическая конструкция, состоящая из сотни отражающих шаров, украшала церемонию открытия Олимпийских игр в Рио-де-Жанейро, а скульптуру под названием Armadillo («Броненосец»)можно было увидеть в 2018-ом в Москве на ВВЦ.
На показе Iris van Herpen многослойные лепестки из органзы и атласа-дюшес на платьях моделей колыхались в такт с колебанием мобилей на гигантском стальном обруче — скульптуре Хоу под названием Omniverse. Хоу установил ее в центре подиума, так что модели проходили под скульптурой, становясь на время частью арт-объекта. Одно из платьев — Infinity — дизайнер и скульптор создали в сотрудничестве как апогей коллаборации, посвященной природе, жизни и бесконечному движению.
Pyer Moss и Деррик Адамс
Дизайнер бренда Pyer Moss Керби Джин-Реймонд сделал из показа коллекции весна—лето 2019 настоящий трибьют афроамериканской культуре. Отметим, впрочем, что по задумке дизайнера каждая коллекция бренда — это активизм, манифест или художественное высказывание. Дефиле проходило в Уиксвилле — месте, где в 1838 году афроамериканец Джеймс Уикс основал одну из первых общин свободного чернокожего населения Америки. Для создания коллекции Джин-Реймонд позвал художника Деррика Адамса — он работает во многих жанрах, включая перформанс, двух- и трехмерное искусство, видео и звук. Творческий поиск Адамса — это исследование пространства, его рассечение и манипуляция с его элементами. В ярких экспрессивных портретах, натюрмортах и объектах художника сочетаются поп-арт и кубизм, работа с пространством и исследование многообразия оттенков темной человеческой кожи. Для Джин-Реймонда художник написал 10 картин — сцен из жизни чернокожего населения Америки, — которые затем были вытканы на платьях моделей, напечатаны на рубашках и майках.
Anya Hindmarch и Numen / For Use
Британка Аня Хиндмарч была первым дизайнером аксессуаров, ставшим проводить регулярные показы в рамках Лондонской недели моды. На неделе моды весна—лето 2019 Хиндмарч представила обновленную версию бестселлера своей одноименной марки — плетеные сумки Neeson. А чтобы привлечь внимание аудитории к технологии создания сумок, запустила проект The Weave Project («Проект «Плетение») и пригласила художников-концептуалистов Numen / For Use. В составе этого художественного коллектива — Свен Йонке, Кристоф Кацлер и Никола Раделкович. Они работают с промышленным дизайном под грифом For Use, а свои пространственные, концептуальные и сценографические проекты подписывают как Numen. Для Anya Hindmarch они реплицировали в лондонском Brewer Street Car Park свою иммерсивную инсталляцию The Tube. Эта огромная конструкция из соединяющихся на разной высоте синих плетеных тубусов состояла из 1100 квадратных метров сетей, 3000 метров веревок, заняла 120 метров и потребовала 6 дней на сборку.
Gucci, Чатсуорт-хаус и Рейчел Файнштейн
Алессандро Микеле продолжает укреплять связи Gucci с миром искусства. Проект Gucci Places, который объединил места, вдохновляющие дизайнера, был анонсирован еще в 2017 году. Чатсуорт-хаус, поместье герцогов Девонширских, стал первой локацией проекта. С 2019 года при содействии Gucci поместье будет периодически становиться резиденцией для современных художников, а их работы будут украшать Чатсуорт. Первая работа — скульптура Britannia авторства Рейчел Файнштейн — была представлена публике 24 июня этого года. «Британия» — это римская мифологическая фигура, которая символизирует Британские острова. Майоликовая скульптура сделана в традиционном для Файнштейн стиле — с отсылками к барокко и рококо, и вступает в диалог как с коллекцией современной керамики, собранной герцогами Девонширскими, так и с фантазийными интерьерами Чатсуорта. В поместье также представлена работа Файнштейн 2014 года — «Хижина в стиле рококо» (Rococo Hut), сделанная из окрашенного алюминия с нанесенными на него вычурными эскизами пасторального домика.
Rimowa и Алекс Исраэль
Алекс Исраэль живет в Лос-Анджелесе и использует в своей художественной практике наблюдения за миром шоу-бизнеса, селебрити и воплощенной в голливудском микрокосме американской мечте. Его работы — сама Калифорния: яркие цвета, безудержный оптимизм и, будем откровенны, слабо улавливаемая грань между иронией и клише. Для летней коллекции Rimowa Израэль буквально повторил свои работы Sky Backdrop и Untitled (Flat) — знаменитые чемоданы сияют градиентом калифорнийского неба от лазурно-голубого к персиково-коралловому. Как говорят модные журналисты, такой чемодан на ленте транспортера ни с каким другим не спутаешь. У Исраэля при этом дела идут очень неплохо — еще одну свою работу The Wave он продал марке Louis Vuitton для сумки Artycapucines (об этой коллекции ниже), а также создал дизайн флаконов лимитированной серии одеколонов. В этом году Rimowa также сделали коллаборацию с Даниэлем Аршамом, о котором мы уже писали выше.
Celine и Кристиан Марклей
Эди Слиман пришел со своим уставом в Celine и привел с собой для работы над дебютной коллекцией сезона весна—лето 2019 Кристиана Марклея — мультимедийного художника, чья работа The Clock принесла ему «Золотого льва» на Венецианской биеннале 2011 года.
Dior и Пенни Слингер
Мария-Грация Кьюри, недавно получившая орден Почетного легиона за, как шутят критики, майки We should all be feminists, пригласила для работы над кутюрным показом Dior осень—зима 2019 художницу Пенни Слингер.
Она начала активную творческую карьеру в начале 1970-х, а сейчас работает на стыке медиумов и называет собственный стиль «феминистическим сюрреализмом». Часто выступая моделью для своих работ, Слингер создает полные мрачного эротического напряжения образы: невеста — свадебный торт с цветком на лобке, женщина с червями во рту, глаз, который держат женские губы. Кьюри впечатлилась работой Слингер под названием An Exorcism («Экзорцизм») — после болезненного расставания с партнером художница создала серию фотоколлажей, похожую на страшную сказку о заброшенном английском поместье. Английский дом, настоящая крепость мужчины-владельца, становится для Слингер возможностью достать из шкафов все скелеты, вписать себя в мрачные интерьеры в образе монашки, обнаженной, невинной девственницы, и подумать, почему ей так тяжело дается расставание с мужчиной. Для Кьюри художница обратилась к теме алхимии и добавила сюрреальности в интерьеры дома Dior, впустив в него буйную природу и словно обнажив женскую сущность этого храма моды.
На главной лестнице выросло огромное дерево, подиум был подобен цветочному саду, а стены Слингер украсила фотографиями из своих путешествий с изображениями деревьев, скал и кристаллов — стихий огня, воздуха и земли. Из этого алхимического тигля в конце показа возникла невеста, одетая в золотой кукольный домик — копию бутика Dior, скрывающую в себе сильную и свободную женщину по версии Кьюри и Слингер.
Louis Vuitton и шестеро художников
Если в цепкие лапы Бернара Арно попадают какая-то технология, звезда, парфюмер или художник, можно быть уверенными, что они пройдут все круги модного универсума LVMH и засветятся не в одном бренде. Для лимитированного выпуска сумок Artycapucines бренд Louis Vuitton пригласил шестерых современных художников. Среди них не только такие признанные величины, как Урс Фишер, но и молодые звезды, например, афроамериканка Тшабалала Селф. Селф работает с комплексом стереотипов, связанных с интерпретацией чернокожего женского тела в современной культуре.
Художница смотрит на пересечение гендера, сексуальности и расы, пытается поймать тот миф, те коллективные фантазии, которые рождаются в этом единстве и проницают мир чернокожих женщин. Ее работы — это большие коллажи и инсталляции из пестрых тканей, ярких вывесок, крашеных трафаретов, в центре которых всегда возникает символическая фигура черной женщины — с большой грудью, разверстой вагиной, крутыми бедрами и копной непокорных волос. Для Louis Vuitton художница ограничилась своей техникой петчворка: она деконструировала на бирюзовом фоне сумки Capucines монограмму марки — ромб. Получилась веселая и совершенно неконфликтная работа, выпущенная лимитированным тиражом.
ARTYCAPUCINES PM, СЭМ ФОЛЛС
ARTYCAPUCINES BB, УРС ФИШЕР
ARTYCAPUCINES PM, ЙОНАС ВУД
ARTYCAPUCINES PM, ТШАБАЛАЛА СЕЛФ
ARTYCAPUCINES PM, АЛЕКС ИСРАЭЛЬ
ARTYCAPUCINES PM, НИКОЛАС ХЛОБО
{«width»:1200,»column_width»:90,»columns_n»:12,»gutter»:10,»line»:30}false7671300falsetrue{«mode»:»page»,»transition_type»:»slide»,»transition_direction»:»horizontal»,»transition_look»:»belt»,»slides_form»:{}}{«css»:».
editor {font-family: tautz; font-size: 16px; font-weight: 400; line-height: 21px;}»}ТОП 10 современных художников мира и их картины
Картины самых известных современных художников могу соперничать с классическими полотнами. В них слились воедино новаторство и традиционные способы изображения. Эти шедевры украшают лучшие картинные галереи мира и частные коллекции. Одни полотна «гастролируют» по выставочным залам, другие украшают стены Белого дома и некоторых дипломатических миссий. Их дарят послам и президентам, монархам и кинозвездам.
Ты можешь выбрать картину любой тематики в галерее или заказать свою
ЗАКАЗАТЬ СВОЮ КАРТИНКУ
Вильям Хенритс (Голландия)
«Сладкий Певец Урбанизма». Примерно так окрестили искусствоведы Хенритса на одной из персональных выставок. Работы известного современного художника из Голландии известны далеко за пределами его родины.
Кто только не пытался запечатлеть старые улочки Амстердама, с его каналами, мостами и улицами «красных фонарей»! Но те, кто знаком с его творчеством, узнают его шедевры и влюбляются с первого взгляда
Акварель, пастель, акрил или масло… Какая разница, чем творить шедевры? Главное, чтобы это было «мега-талантливо», как сказал один из экспертов современной живописи!
Болгарское искусство – Цвиатко Кинчев
Изумительная игра с цветом – так кратко можно охарактеризовать работы одного их самых известных художников современности.
Поразительная палитра, продуманная композиция и простые сюжеты для зарисовок из городской жизни.
Ни для кого не сереет, что его шедевры нельзя назвать «полотнами» или «живописью». Он не использует краски и кисти в традиционном смысле. Болгарин в совершенстве овладел секретами цифровой живописи.
Кинчев гениально «творит» в программе Photoshop на своем компьютере. Даже великие современные художники удивляются, как можно подражать манере импрессионистов в цифровом формате?!
Канадская художница Линда Вайлдер
Линда Уайлдер (Вайлдер) выросла среди горных лесов Канады. Красота природы всегда восхищала одаренную девочку, из которой выросла одна их самых известных художниц современности. Ее картины есть в частных коллекциях Канады и в музеях современного искусства по всему миру.
Восхитительные пейзажи, выполненные особой кистью в характерной манере – узнаваемый почерк автора. Размашистые, но точные мазки, удивительно точно подобранные краски и тонко подмеченная игра света и тени создают иллюзию наполненности картин светом.
Кажется, что вода вот-вот польется за пределы резной рамки.
Кен Хонг Лунг (Китай)
«Мастер волшебных пейзажей» – так окрестили одного из самых знаменитых современных художников. Эти провинциальные пейзажи, рыбацкие деревни и окутанные утренним туманом горные вершины никого не оставят равнодушным.
Пейзажи одного из самых красивых мест «Поднебесной империи» навсегда поселились в сердце необычайно одаренного Кен Хонг Лунга из Гонконга. Его полотна быстро стали известными за границей. Теперь картинные галереи Китая и Гонконга отстаивают свое право на стационарное размещение его работ.
В конце 70-х он получил американское гражданство, что дало больше свободы в творческом развитии. Но его сердце всецело принадлежит азиатской вотчине.
Ты можешь выбрать картину любой тематики в галерее или заказать свою
ЗАКАЗАТЬ СВОЮ КАРТИНКУ
Леонид Афремов (Беларусь)
Многие стараются подражать особой манере живописи Леонида Афремова, с размашистыми крупными мазками.
В них угадывается влияние импрессионистов, но знаменитый современный художник всегда безошибочно узнаваем среди других репродукций, выполненных всего лишь как жалкое подражание мастеру.
Его полотна одновременно напоминают фейерверк красок, мозаику, вихрь осенних листьев, песню ветра и калейдоскоп из битого стекла. Некоторые молодые художники думают, что и они так смогут, но это всего лишь иллюзия.
Работа маслом и акрилом под впечатлением путешествий – источник вдохновения знаменитого белоруса. Ах, Париж, Париж мечта поэта…
Эжен Джей Папроски (США)
Восхитительная живопись Эжен Джей Папроски из Чикаго удивительным образом трогает за душу с первого взгляда. Путешествия по Европе – источник вдохновения американца, профессионально обучавшегося живописи в профессиональной школе при местном университете.
Секрет его творчества – увлечение полотнами импрессионистов, но его манера отличается от всего, что было известно искусствоведам до него.
Многие частные коллекции и музеи мира охотно приобретают его шедевры.
Ценители и просто досужие зрители с удовольствием рассматривают его живописные полотна. Многие сходят к тому, что их не хочется обсуждать, а просто молча рассматривать все мазки и мелкие детали.
Никас Сафронов (Россия)
В списки знаменитых современных художников вошло имя эпатажного светского повесы из России. Никас Сафронов – безусловно, очень талантливый человек.
Сафронов – один из самых высокооплачиваемых художников России. Но он предпочел растиражировать свою одаренность на сомнительную деятельность, делая пародии в стиле классической портретной живописи.
Кто-то с завистью называет его «придворным художником», критикуя портреты первых лиц в подаче Сафронова. Другие «становятся в очередь», чтобы заказать у него свой «особый портрет». В любом случае, о его талантах не спорят.
Такаши Мураками (Япония)
Такаси (Такаши) Мураками – пожалуй, обладатель наиболее незаурядного таланта среди самых известных художников современности.
Ему подвластны практически все жанры. Работы этого гениального творца запоминаются с первого взгляда, настолько интересна его игра красок и образов. В большинстве работ просматривается типично японская «мультяшность» и детский оптимизм.
Такаси демонстрирует особый взгляд на мир – борьба живой природы и серого урбанизма. Эта идея находит воплощение во всем, к чему прикасается рука Мураками – от анимации до настоящей живописи. Он предлагает свою версию дизайна бытовых вещей и «подиумной» моды. Во многих странах известные его граффити и инсталляции, керамика и предметы интерьера.
Ло Чжунли (Китай)
Особое дарование Ло Чжунли признают многие, соотечественники из Китая и не менее талантливые художники-современники. Этот портрет деревенской девушки с водоносом называют «Китайской Джокондой»:
Китайские передвижники прообразы для своих гениальных полотен обычно подыскивают не среди горожан, а в отдаленных горных деревнях. Мастер портретной живописи может изобразить едва уловимую эмоцию, тень улыбки и молчаливую просьбу.
Как-то по-особому трогают грустные образы знаменитых современных художников из Китая. Посмотрите, сколько в этих морщинах из «Портрета отца» пережитых трудностей.
Мигель Барсело из Каталонии
Среди лучших работ современных художников мира нередко вспоминают яркое и удивительное творчество Мигеля Барсело. Скептики говорят, что «ничего особенного», искусствоведы твердят, что он «гений современности».
Часто Мигеля приглашают в качестве оформителя престижных международных мероприятий. Он автор панно во Дворце Наций в Женеве. На Пальма-де-Майорка (его родине) кисти художника принадлежит необычное оформление Кафедрального Собора Ла Сеу.
Незаурядный испанец – автор иллюстраций к книгам Родриго Рея Росы, Пола Боулза и классической «Божественной комедии» Данте. Его жизненная позиция – бросать вызов обществу, искусству и себе (в первую очередь).
9 Times The History of Art Inspired Fashion Designers
На протяжении всей истории мода и искусство шли рука об руку, создавая великолепную смесь.
Многие модные дизайнеры заимствовали идеи для своих коллекций из художественных течений, что позволяет нам интерпретировать моду как форму искусства. В основном искусство служит нам для выражения идей и видений. В качестве изысканной оды истории искусства ниже представлены девять носимых произведений искусства, созданных дальновидными модельерами 20-го века.
Родившаяся в северо-центральной части Франции в 1876 году, мадам Вионне была известна как «архитектор портных». Во время своего пребывания в Риме она была очарована искусством и культурой греческой и римской цивилизаций и вдохновлена древними богинями и статуями. Основываясь на этих произведениях искусства, она сформировала свой эстетический стиль и объединила элементы греческой скульптуры и архитектуры, чтобы придать женскому телу новое измерение.
Обладая мастерством драпировки и косого кроя платьев, она произвела революцию в современной моде. Vionnet часто обращалась к произведениям искусства, таким как Крылатая Победа Самофракии для ее творческих коллекций.
Сходство между шедевром эллинистического искусства и музой Вионнет поразительно. Глубокая драпировка ткани в стиле греческого хитона создает вертикальные полосы света, стекающие по фигуре. Скульптура была создана как дань уважения Нике, греческой богине победы, и восхищает своим реалистичным изображением движения. Струящаяся драпировка дизайна Vionnet напоминает движение вздымающейся ткани, облегающей тело Nike. Платья могут быть как живые существа с душой, как и тело. Подобно Крылатой Победе Самофракии, Вионнет создавала платья, которые пробуждали людей. Классицизм как философия эстетики и дизайна дал Вионне возможность передать свое видение в геометрической гармонии.
, через Condé Nast
Вионнет также был очарован современными художественными течениями, такими как кубизм. Она начала использовать геометрические формы в своих творениях и разработала другой метод их вырезания, называемый вырезкой по диагонали. Конечно, Вионнет никогда не утверждала, что она изобрела косой срез, а лишь расширила его применение. Поскольку женщины добились больших успехов в борьбе за свои права в начале 20-го века, Вионнет защитила их свободу, отменив викторианский корсет из женской повседневной одежды. Поэтому она стала символом освобождения женщин от ограничений бюстье и вместо этого выпустила новые, более легкие ткани, плавающие на женских телах.
Получайте последние статьи на свой почтовый ящик
Подпишитесь на нашу бесплатную еженедельную рассылку новостей
Пьерпаоло Пиччоли — главный дизайнер Valentino.
Ему очень импонируют религиозные произведения Средневековья. Отправной точкой вдохновения для него является переходный момент от Средневековья к Северному Возрождению. Он сотрудничал с Зандрой Роудс, и вместе они разработали вдохновляющую коллекцию весной 2017 года. Пиччоли хотел связать панк-культуру конца 70-х с гуманизмом и средневековым искусством, поэтому он вернулся к своим корням и эпохе Возрождения, черпая вдохновение в картине Иеронима Босха 9.0020 Сад земных наслаждений .
Знаменитый голландский художник был одним из самых заметных представителей Северного Возрождения в 16 веке. В Саде земных наслаждений , который Босх написал до Реформации, художник хотел изобразить Небеса и сотворение человечества, первое искушение с Адамом и Евой и Ад, предвосхищающий грешников. На центральной панели люди, кажется, удовлетворяют свои аппетиты в мире поиска удовольствий. Иконография Босха отличается оригинальностью и чувственностью. Вся картина интерпретируется как аллегория греха.
В мире моды картина приобрела популярность, так как различные модельеры были очарованы ее мотивами. Смешивая эпохи и эстетику, Пиччоли по-новому интерпретировал символы Босха с помощью развевающихся прозрачных платьев, в то время как Родс создал романтические принты и вышитые узоры, слегка намекая на оригинальные произведения искусства. Цвета определенно были частью сообщения, которое дизайнеры моды хотели донести. Таким образом, коллекция парящих мечтательных платьев основана на северной цветовой палитре яблочно-зеленого, бледно-розового и голубого цвета малиновки.
Дольче и Габбана и барокко Питера Пауля Рубенса
Питер Пауль Рубенс рисовал женщин мастерски, «с любовью, ученостью и усердием».
Он представил свой «Венера перед зеркалом» как высший символ красоты. Рубенс исключительно изобразил ее светлое лицо и светлые волосы, контрастирующие с темнокожей служанкой. Зеркало — высший символ красоты, обрамляющий женщину как портрет, тонко подчеркивающий наготу фигуры. Зеркало, которое Купидон держит перед богиней, показывает отражение Венеры как воплощение сексуального желания. Рубенс, который был одним из основоположников искусства барокко, и его концепция, в которой «цвета важнее линий», повлияли на нескольких модельеров, включая Dolce & Gabbana. Стиль барокко отклонился от духа Возрождения, отказался от спокойствия и плавности и вместо этого преследовал элегантность, волнение и движение.
Модные дизайнеры Доменико Дольче и Стефано Габбана хотели создать кампанию, которая будет превозносить чувственную, но в то же время романтическую сторону женской красоты.
Питер Пауль Рубенс был наиболее подходящим источником вдохновения. Творения культового дуэта оказались в полной гармонии с искусством фламандского художника. В этой коллекции модели позировали с большим благородством, выглядя так, словно только что выпрыгнули из одной из картин Рубенса. Декорации напоминают зеркала в стиле барокко и детали вышивки. Изящество фигур и пастельная цветовая гамма прекрасно подчеркивали парчовое розовое платье. Выбор модных дизайнеров для включения разнообразных моделей еще больше продвигал тип телосложения той эпохи. Пышные линии, которые использовали Дольче и Габбана, противоречили дискриминации разных типов телосложения в индустрии моды.
Женская коллекция Dolce and Gabbana осень 2012 демонстрирует многие черты архитектуры итальянского барокко.
Эта коллекция идеально сочетается с богато украшенными характеристиками стиля сицилийского барокко. Модельеры сосредоточились на архитектуре барокко, которую можно увидеть в католических церквях Сицилии. Ориентиром послужила картина Рубенса Портрет Анны Австрийской . На своем королевском портрете Анна Австрийская изображена в испанской одежде. Черное платье Анны украшено вертикальными полосами зеленой вышивки и золотыми деталями. Рукав в форме колокола, известный как «испанский большой рукав», также является визитной карточкой испанского стиля, как и кружевной воротник с рюшами. Искусно сшитые платья и накидки из роскошных тканей, таких как кружево и парча, затмили шоу Dolce and Gabbana.
Кристобаля Баленсиагу можно назвать настоящим мастером моды, реформировавшим женскую моду в ХХ веке.
Родившийся в небольшой деревне в Испании, он перенес сущность испанской истории искусства в свои современные проекты. На протяжении всей своей карьеры Баленсиага находился под впечатлением от испанского Возрождения. Он часто искал вдохновения у испанской королевской семьи и представителей духовенства. Баленсиага превратил церковные предметы и монашеские одежды той эпохи в шедевры моды, которые можно носить.
Одним из его величайших вдохновителей был маньерист Эль Греко, также известный как Доминикос Теотокопулос. Глядя на Кардинала Фернандо Ниньо де Гевара , Эль Греко, можно увидеть сходство между плащом кардинала и дизайном Баленсиаги. На картине изображен испанский кардинал Фернандо Ниньо де Гевара времен Эль Греко в Толедо. Идеи Эль Греко были заимствованы из неоплатонизма итальянского Возрождения, и в этом портрете он представляет кардинала как символ Божьей благодати. Маньеризм присутствует во всей картине. Это заметно в вытянутой фигуре с маленькой головой, в изящных, но причудливых конечностях, насыщенности красок, отказе от классических мер и пропорций.
Страсть Balenciaga к исторической одежде очевидна в этом экстравагантном вечернем пальто из его коллекции 1954 года. У него было видение и способность заново изобретать формы в соответствии с современной модой. Преувеличенно эффектный воротник этого пальто повторяет мешковатость плаща кардинала. Красный цвет в одеянии кардинала символизирует кровь и его готовность умереть за веру. Яркий красный цвет считался знаменитым дизайнером экстраординарным, поскольку он часто отдавал предпочтение смелым цветовым сочетаниям и ярким оттенкам. Его великим нововведением было устранение линии талии и введение плавных линий, простых кроев и рукавов три четверти. Сделав это, Баленсиага произвел революцию в женской моде.
Дизайнер также представил рукава длиной до браслета, что позволило женщинам продемонстрировать свои украшения.
В 1960-х годах, когда происходило постепенное внедрение женщин в сферу труда, у Баленсиаги была идея дать комфорт, свободу и функциональность женщинам, которых он одевал. Он продвигал свободные, удобные платья, которые контрастировали с облегающими силуэтами того времени.
Густав Климт, австрийский художник, мастер символизма и основатель движения «Венский сецессион», вошел в историю искусства ХХ века. Его картины и художественная эстетика долгое время были источником вдохновения для модельеров. Среди других, таких как Аквилано Римольди, Л’Врен Скотт и Кристиан Диор, дизайнером, который напрямую ссылался на Климта, был Александр МакКуин. В курортной коллекции весенне-летней коллекции 2013 года он разработал уникальные изделия, вдохновленные работами художника.
Глядя на струящееся черное платье с повторяющимся золотым узором сверху, на ум может прийти какая-то конкретная картина. МакКуин использовал абстрактные, геометрические и мозаичные узоры в бронзовых и золотых тонах, включив их в свои проекты.
В 1905 году Густав Климт написал картину Исполнение , изображающую пару в нежных объятиях, ставшую символом любви. Австрийский художник известен своими золотыми картинами, а также идеальным сочетанием абстракции и цвета, присутствующим в этих работах. Все мозаики выполнены в насыщенных золотых тонах с калейдоскопическими или природными украшениями, которые оказали большое влияние на моду. Эта картина яркая из-за контрастных геометрических форм между предметами одежды двух влюбленных. Одежда мужчины состоит из черных, белых и серых квадратов, а платье женщины украшено овальными кругами и цветочными мотивами. Таким образом, Климт мастерски иллюстрирует разницу между мужественностью и женственностью.
Christian Dior, Дизайнер Dreams, и Клод Моне .
Основоположник импрессионизма и один из величайших французских художников в истории искусства, Клод Моне оставил после себя большое художественное наследие. Используя свой дом и сад в Живерни для вдохновения, Моне запечатлел природный ландшафт в своих картинах. В частности, на картине под названием Сад художника в Живерни, ему удалось манипулировать природным ландшафтом в соответствии со своими потребностями. Контраст коричневой грязной дорожки с ярким цветом цветов дополняет сцену. Знаменитый импрессионист часто выбирал цветок ириса за его фиолетовый цвет, чтобы создать эффект яркого солнца. Эта картина полна жизни, так как цветы распускаются и обнимают весну. Лепестки роз и сирени, ирисы и жасмин — часть красочного рая, изображенного на белом холсте.
В том же духе Кристиан Диор, пионер французской моды, оставил огромный след в мире моды, который ощущается до сих пор..jpg)
В 1949 году он разработал коллекцию Haute Couture для весенне-летнего сезона. Одним из изюминок этой выставки стало культовое платье Miss Dior , полностью расшитое лепестками цветов разных оттенков розового и фиолетового. Диор прекрасно проиллюстрировал два мира искусства и моды и подражал эстетике Моне в этом функциональном платье. Он проводил много времени в сельской местности, рисуя свои коллекции в своем саду в Гранвиле, как это делал Моне. Таким образом, он определил элегантный стиль «Диор», включив в свои творения цветовую палитру и цветочные узоры Моне.
Мондриан был одним из первых художников, написавших абстрактное искусство в 20 веке. Он родился в Нидерландах в 1872 году и основал целое художественное движение под названием De Stijl.
Цель движения состояла в том, чтобы объединить современное искусство и жизнь. Этот стиль, также известный как неопластицизм, представлял собой форму абстрактного искусства, в которой использовались только геометрические принципы и основные цвета, такие как красный, синий и желтый, в сочетании с нейтральными (черный, серый и белый). Новаторский стиль Мондриана начала 19 векаВ 00-е модельеры копировали этот чистый вид абстрактного искусства. Лучшим примером картины Де Стейла является композиция с красным, синим и желтым .
Будучи любителем искусства, французский модельер Ив Сен-Лоран использовал картины Мондриана в своих творениях от-кутюр. Впервые он был вдохновлен Мондрианом, когда читал книгу о жизни художника, которую мать подарила ему на Рождество.
Ив Сен-Лоран даже сказал: «Мондриан — это чистота, и дальше в живописи идти нельзя.
Шедевр двадцатого века — Мондриан».
Дизайнер выразил свою признательность Мондриану в своей осенней коллекции 1965 года, известной как коллекция «Мондриан». Вдохновленный геометрическими линиями и смелыми цветами художника, он представил шесть коктейльных платьев, которые обозначили его культовый стиль и эпоху шестидесятых в целом. Каждое из платьев Мондриана немного отличалось друг от друга, но всех их объединяла простая форма А-силуэта и длина до колен без рукавов, которая подходила любому типу фигуры.
Эльза Скиапарелли и Сальвадор Дали
Родившаяся в 1890 году в аристократической семье в Риме, Эльза Скиапарелли вскоре выразила свою любовь к миру моды. Она начала развивать свой революционный стиль, вдохновленный футуризмом, дадаизмом и сюрреализмом. По мере развития своей карьеры она общалась с известными сюрреалистами и дадаистами, такими как Сальвадор Дали, Ман Рэй, Марсель Дюшан и Жан Кокто.
Она даже сотрудничала с испанским художником Сальвадором Дали. Его эстетическая и сюрреалистическая нелепость сделала Дали самым известным художником движения сюрреализма.
Одним из величайших коллабораций в истории моды было сотрудничество Дали и Эльзы Скиапарелли. Это платье было создано совместно с Сальвадором Дали как часть коллекции Скиапарелли «Цирк» лета 1938 года. Платье отсылает к картине Дали, на которой он изобразил женщин с разорванной плотью.
Для художников-сюрреалистов поиски идеальной женщины были обречены на провал, так как идеал существовал только в их воображении, а не в реальности. Однако целью Дали не было изображать женщин реалистично, поэтому их тела совсем не эстетичны. Скиапарелли хотел поэкспериментировать с этой игрой сокрытия и раскрытия тела, создавая иллюзию уязвимости и незащищенности.
Платье иллюзии слезы было сделано из бледно-голубого шелкового крепа, а принт был разработан Дали, чтобы он напоминал трех женщин с его картины. Слезы обнажают розовую изнанку ткани, а в отверстиях появляется более темный розовый цвет.
Эпоха поп-арта была, вероятно, самым влиятельным периодом для модельеров и художников в истории искусства. Энди Уорхол первым соединил поп-культуру и высокую моду, что сделало его культовым символом движения поп-арт. В шестидесятые годы Уорхол начал практиковать свою фирменную технику, известную как шелкография.
Одной из его самых ранних и, несомненно, самых известных работ был « Мэрилин Диптих ». Для этого произведения он черпал вдохновение не только из поп-культуры, но и из истории искусства и художников абстрактного экспрессионизма.
Уорхол запечатлел два мира Мэрили Монро, публичную жизнь голливудской звезды и трагическую реальность Нормы Джин, женщины, которая боролась с депрессией и зависимостью. Диптих усиливает яркость слева, а справа растворяется во мраке и мраке. Пытаясь представить общество потребительства и материализма, он изобразил людей как продукты, а не людей.
У итальянского дизайнера Джанни Версаче была давняя дружба с Энди Уорхолом. Оба мужчины были очарованы массовой культурой. Чтобы почтить память Уорхола, Versace посвятил ему свою весенне-летнюю коллекцию 1991 года. На одном из платьев были изображены принты Мэрилин Монро Уорхола. Он включил яркие, напечатанные шелкографией портреты Мэрилин и Джеймса Дина, созданные в 19-м веке.60-е на юбках и макси-платьях.
Модельер — все, что вам нужно знать
Модельеры создают всю одежду и аксессуары, продаваемые по всему миру каждый год.
Модельеры исследуют модные тенденции, создают всю одежду и аксессуары, вырезают выкройки, выбирают цвета и материалы для одежды и макияжа и контролируют окончательное исполнение своих проектов. Они задают тренд на какое-то время, привлекая внимание модниц на местном и глобальном уровнях.
Модельеры разрабатывают и контролируют выполнение всей задачи по формированию предметов одежды, от идеи до конечного продукта. По сути, эта программа начинается, когда дизайнеры разрабатывают идею и превращают ее в рисунок. Затем они определяют такие параметры, как размер одежды, цвет и ткань, и создают дизайн на основе своих выводов.
К модельерам относятся все, от всемирно известных модниц, создающих роскошные модные платья, до художников, разрабатывающих одежду прет-а-порте. Модельеры занимают уникальное положение в мире. Их талант и дальновидность не только влияют на внешний вид людей, но и оказывают значительное влияние на социальную и культурную среду.
Как стать модельером
youtube.com/embed/EN6jtHIqeTg» frameborder=»0″ allowfullscreen=»allowfullscreen»> Так чем же занимаются модельеры? Одежда и аксессуары создаются и разрабатываются модельерами. Они могут специализироваться на высокой моде, готовой одежде, широко распространенной одежде, спортивной одежде, официальной одежде, аксессуарах или обуви.
Дизайнеры изучают модные тенденции для создания инновационных дизайнов. Они часто используют инструменты дизайна для создания предметов и работы над проектами с дизайнерами. Модельеры начинают дизайн-проект с набросков, оценки текстиля и создания прототипа. Некоторые дизайнеры разрабатывают экспонаты или модные линии, подчеркивающие определенную концепцию или тенденцию. Затем они создают вещи для недель моды в Нью-Йорке, Париже, Милане и Лондоне. Другие дизайнеры работают в крупных компаниях, предлагая концепции креативным директорам и разрабатывая сезонные коллекции. Дизайнеры также объединяют усилия в работе со стилистами, модельерами, дизайнерами костюмов, швеями, редакторами журналов и т.
д.
Многие дизайнеры помимо моды осваивают маркетинговые и коммерческие навыки. Опыт мерчандайзинга одежды помогает дизайнерам доставлять свои творения в магазины розничной торговли и продавать свою работу клиентам.
История модельеровЧарльза Фредерика Уорта часто называют «отцом высокой моды». В 1846 году он основал свою модную фирму в Париже как англичанин.
Наряду с Уортом братья и сестры Калло, Жанна Пакен, Жак Дусе и Жанна Ланвен, являются одними из первых современных модельеров по сравнению с предыдущими поколениями модников. Более века Париж был центром международной моды, где французские кутюрье создавали стили для Европы и западного мира. Затем, однако, Вторая мировая война перевернула положение Парижа как неоспоримой столицы моды.
Во время войны, когда Париж находился под властью нацистов, американские дизайнеры и производители были отрезаны от модного авторитета Парижа. Как следствие, американские дизайнеры стали приобретать все большую известность.
Например, Клэр Маккарделл, известная как дизайнер «American Look», черпала вдохновение в традиционной одежде промышленных и сельских рабочих.
Другими американскими дизайнерами, сделавшими успешную карьеру, были Хэтти Карнеги, Вера Максвелл, Бонни Кашин, Энн Кляйн и Тина Лезер, которые помогли создать спортивную одежду, соответствующую неформальному американскому образу жизни. По мере того, как в послевоенную эпоху мода становилась массовым бизнесом, положение дизайнера менялось. Модельеры все чаще сотрудничают с розничными покупателями для оценки потребительских тенденций и потребностей образа жизни, особенно в Соединенных Штатах. На дизайнеров влияла демография клиентов при создании дизайна для определенных профилей клиентов. Дизайнеры путешествовали по предприятиям со своими последними работами в багажнике для продаж, известных как «демонстрация багажника».
Покупатели могли ознакомиться с новой коллекцией дизайнера и ответить на нее, а также купить одежду, используя эту простую и недорогую маркетинговую стратегию.
Кроме того, многие дизайнеры, в том числе Билл Бласс, использовали выставки багажников для привлечения клиентов, доходов и растущего имени.
Что нужно, чтобы стать модельером?
Является ли дизайн одежды хорошей профессией?Это одна из самых востребованных профессий в мире. Как невероятно творческая область, она может позволить вам объединить культуры, перейти от традиционной одежды к современной и даже поэкспериментировать с цветовыми темами! У каждого наряда есть история, и вы можете рассказать ее!
- Работа в области дизайна одежды принесет вам наибольшее удовлетворение.
- Если вы начальник, вы можете создать свой бренд с нуля.
- Это изменит ваш взгляд на мир, потому что домен полон творчества и азарта.
- Практически по каждому продукту бизнес даст вам значительную прибыль.
- Профессия позволяет получить признание за свои достижения.
- Клиенты могут приехать откуда угодно, поэтому у вас будет множество возможностей путешествовать по всему миру.
- Подготовьтесь к решению широкого круга задач на одном рабочем месте.
- Если вы планируете заниматься дизайном одежды, у вас также может быть возможность познакомиться с суперзвездами и другими людьми, разделяющими ваш энтузиазм в области дизайна одежды.
Стоит ли делать карьеру в моде?
Лучшие качества модельера Деловые навыкиЧтобы уложиться в бюджет и рекламировать свою продукцию, хороший модельер должен обладать отличными навыками ведения бизнеса.
Отличные коммуникативные навыки Дизайнеры должны сообщать о своих направлениях и ожиданиях всем, кто связан с воплощением своего видения в жизнь.
Дизайнеры должны быть готовы к тому, чтобы быть на шаг впереди своих конкурентов, поскольку индустрия моды очень конкурентоспособна.
ОригинальностьДизайнеры должны постоянно разрабатывать уникальные и изобретательные способы, чтобы их одежда выделялась.
Творческие способностиДизайнеры должны быть опытными художниками-скетчерами, чтобы правильно доносить свои идеи.
ИндивидуальностьВсе дизайнеры должны уметь видеть, какие ткани и цвета будут дополнять одежду.
Отличное шитьеДизайнеры должны уметь правильно конструировать одежду.
Team PlayerУспешный модельер понимает, как работать с каждым членом рекламной и производственной команды.
Последние тенденции моды Savvy Способность предсказывать следующие тенденции моды может помочь любому дизайнеру оставаться на высоте.
Великие дизайнеры могут вообразить предмет одежды и передать эту концепцию другим.
Компьютерные знанияМодельеры должны быть знакомы с приложениями автоматизированного проектирования (САПР) и любым программным обеспечением для редактирования графики, которое может помочь им улучшить свои проекты.
Способность принимать решенияРабота над правильными изменениями конструкции и принятием решений будет иметь решающее значение для вашего успеха.
Будьте внимательны к деталямМодельеры должны следить за тонкими изменениями цвета и другими элементами, которые могут создать или разрушить дизайн.
10 лучших дизайнеров классической моды
Шаги к тому, чтобы стать успешным модельеромХотя работа модельером кажется сложным процессом, его можно разбить на несколько основных этапов:
Обучение технике шитья Шитье — это основа изготовления одежды.
В результате, как начинающий модельер, вы должны практиковать свои швейные таланты. Понимание методов упрощает создание эскизов. Вы также справитесь со структурой различных тканей и поработаете с ними. Некоторые из этих элементов непреднамеренно влияют на дизайн. Если вы внимательно посмотрите на работы конкретных дизайнеров, вы увидите фирменный стежок, стиль или метод. Это приходит с практикой, экспериментами, исследованиями и глубоким пониманием предмета. Проведите много времени в качестве новичка, практикуя этот талант; это поможет вам по мере вашего продвижения.
Создание отличной коллекции и дизайн одежды требует объединения нескольких важных компонентов.
- Первым важным шагом в этой процедуре и основой для разработки наряда является набросок. Сначала сделайте грубый набросок, это отличное место для начала. Кроме того, записать это не то же самое, что визуализировать это! С другой стороны, это единственный способ поэкспериментировать, так что будьте готовы делать много набросков.
- Следующим важным моментом является выбор материала и того, что вы хотите из него сделать. Узоры и принты могут быть изобретательными и футуристическими, но все они могут с треском провалиться без соответствующих цветов и оттенков. Каждый цвет имеет миллион различных оттенков, и подобрать правильный тон — это само по себе искусство. Вам понадобится острый взгляд на детали. Именно поэтому в обширной коллекции дизайнер выбирает тему и тщательно играет с каждым оттенком и узором. Это тонкий баланс.
Первый шаг, который вы можете сделать, чтобы реализовать свою цель стать модельером, — это получить необходимое образование. Программа на получение степени может помочь вам отточить свои таланты. Степень младшего специалиста или бакалавра в области дизайна одежды включает такие предметы, как мир моды, рисование фигур, компьютерный дизайн одежды и знания в области дизайна, которые помогут вам создать прочную основу для вашей карьеры в области дизайна одежды.
Каждый любитель моды, будучи новичком, хочет заниматься производством одежды от-кутюр и считает, что производство дорогой одежды принесет ему передышку. Однако это не так — как раз наоборот. Кроме того, в жизни есть нечто большее, чем высокая мода; рынки расширились в геометрической прогрессии, и если вы талантливы, вы можете открыть совершенно новое измерение. Итак, по мере прохождения курса/стажировки/карьеры дизайнера одежды выбирайте специализацию, исходя из ваших интересов. Вот ваши варианты:
От-кутюр – Дизайн одежды на заказ или от-кутюр начался, когда каждая одежда или платье были сделаны для конкретного клиента. Ткани, цвета, техника и посадка имеют особое значение при ценообразовании. Только самые богатые члены общества имели дело с дизайнерами высокой моды. Однако все изменилось, и количество доступных талантов увеличилось. Высокая мода сейчас более широко известна, от показов мод до торговых точек и красных ковровых дорожек.
Даже если каждый модельер мечтает когда-нибудь достичь этого, это не лучший первый шаг. Однако, если вы проявите настойчивость, вы в конце концов доберетесь до цели.
Массовое производство — полная противоположность высокой моде. Эта одежда доступна в массе и для всех, а также по разумной цене. Крупные предприятия и их команды дизайнеров выбирают конкретную модель, тип или узор, которые популярны в то время, и изготавливают одежду на станке. Опять же, жизнеспособная бизнес-модель, потому что есть более значительное количество возможностей, которые покрывают сравнительно низкую стоимость производства.
Pret-a-Porter (готовая одежда) – Готовая одежда, гибрид этих двух вещей, является следующей большой тенденцией в модном бизнесе. В результате дизайнеры, демонстрирующие свои работы на показах, подиумах и красных дорожках, производят одинаковые высококачественные наряды в меньших количествах. Эти костюмы единственные в своем роде, но готовы к ношению.
Создание своего портфолио Портфолио описывает вашу работу и позволяет вам продемонстрировать свои навыки потенциальным работодателям.
Он также включает в себя примеры вашего творческого таланта и навыков. Студенты должны усердно работать над созданием своего портфолио, начиная со своего первого проекта в рамках программы на получение степени.
Модные тенденции часто меняются, и если вы хотите стать известным модельером, вы должны идти в ногу с ними. Регулярная подписка на публикации и модные журналы может помочь вам в этом. В современном мире модный дизайн как область требует особых требований. Поэтому, чтобы продолжить карьеру в области дизайна одежды, очень важно понять отрасль и «как».
Понимание вашего целевого рынка Определите демографические данные и целевую аудиторию. Вы должны знать об этом еще до того, как начнете свою коллекцию. Поставьте себя на место целевой аудитории и подумайте, чего вы можете желать от бренда. Это отличное место для начала, делающее процесс менее трудоемким. Вас отличает работа в сочетании с основными проблемами.
Некоторые из них усваиваются теоретически, а остальные — на опыте.
Как стать успешным модельером
Описание работы модельераОсновная обязанность модельера — разработка одежды, обуви или аксессуаров. Они идут в ногу с модными тенденциями, чтобы помочь им определить дизайн, который понравится покупателям. Определившись с темой, они набрасывают оригинальную идею, вводят ее в программу компьютерного проектирования (САПР) и корректируют по ходу дела. Команда часто совместно работает над дизайном прототипа и использует модели для оценки того, как будет выглядеть дизайн.
Большинство модельеров, особенно те, кто работает в фирме, должны рассмотреть и одобрить. Если дизайн принят, он изготавливается и продается потребителям. Создание дизайна обычно занимает шесть месяцев планирования и управления, прежде чем проект будет завершен.
Модельеры обычно работают в долгие смены, а оптовики или производители нанимают около 25%. Как правило, эти компании продают одежду и аксессуары в магазины или другим продавцам для распространения среди отдельных витрин, компаний-каталогов или интернет-магазинов. Многие работают не по найму и специализируются на индивидуальной одежде.
Модельеры часто посещают фабрики и торговые выставки, чтобы собрать образцы тканей и быть в курсе модных тенденций. Многие люди черпают свои художественные идеи из своего окружения, путешествий и других цивилизаций. Это конкурентный сектор, и вы должны быть готовы переехать, согласно Бюро статистики труда. Большинство занятий в Нью-Йорке или Калифорнии.
Рабочий день: модельер
Заработная плата модельера Модельеры зарабатывают в среднем 77 450 долларов в год.
Средняя заработная плата, при которой половина работников определенной профессии зарабатывает больше, а половина — меньше. Самые низкие 10% заработали менее 37 480 долларов, а лучшие 10% — более 130 870 долларов.
- Средняя годовая зарплата : 67 420 долларов (32,41 доллара в час)
- Топ 10% годовой зарплаты : более 135 490 долларов (65,14 долларов в час)
- Нижние 10% годового оклада : Менее 33 910 долларов США (16,30 долларов США в час)
Какая зарплата у модельера?
Программы дизайна одеждыРазличные учреждения и колледжи по всему миру предлагают множество программ для людей, заинтересованных в карьере в этой отрасли.
Дипломные программы после 10-го числа- Диплом в области моделирования одежды
- Диплом Vogue Fashion Сертификат
- Диплом дизайнера моды и текстиля
- Бакалавр наук в области дизайна одежды
- Степень бакалавра технологии моды
- Степень бакалавра в области дизайна и технологий моды
- Бакалавр искусств с отличием в области дизайна и производства одежды
- Степень бакалавра дизайна и управления модой
- Бакалавр искусств с отличием (журналистика моды)
- Бакалавриат с отличием (модный дизайн и креативное направление)
- Магистр наук
- Степень магистра устойчивого дизайна одежды
- Мастер моды, одежды и текстильного дизайна
- Мастер управления коллекцией модной одежды
- Эксперт по стилю, имиджу и коммуникациям моды
- MA Технология дизайна одежды
- MA Fashion Photography
Чтобы помочь вам в ваших исследованиях, мы перечислили некоторые из самых выдающихся колледжей и институтов по всему миру, которые вам следует рассмотреть:
- Школа дизайна Парсона
- Центральный Сент-Мартинс
- Школа Института искусств Чикаго
- Парижский колледж искусств
- Kingston University
ЛУЧШИЕ ШКОЛЫ МОДЫ В США: 5 лучших университетов дизайна одежды.
Многие модельеры работают на оптовых торговцев или компании по производству одежды, которые производят одежду и аксессуары для розничных торговцев, причем большинство работодателей базируется в Нью-Йорке и Калифорнии. Работающие не по найму модельеры работают в своих студиях, создавая продукты высокой моды, одежду на заказ или единственную в своем роде, а некоторые дизайнеры-самоучки владеют брендами одежды.
Заключение Чего вы ждете? Теперь, когда вы понимаете, как стать модельером, пришло время преследовать свои мечты. Модный дизайн — одна из самых популярных профессий, и она требует творческого мышления. Поэтому, если вы увлекаетесь вязанием спицами, любите шить, смотрите модные показы и хотите совершить модную революцию, сейчас самое время воплотить свою мечту в реальность.
