10 современных художников, известных всему миру
Если вы думаете, что все великие художники остались в прошлом, то вы даже не представляете, насколько сильно ошибаетесь. В этой статье вы узнаете о самых известных и талантливых художниках современности. И, поверьте, их работы засядут в вашей памяти не менее глубоко, чем работы маэстро из прошлых эпох.
Wojciech Babski
Войцех Бабски – современный польский художник. Закончил учебу в Силезском политехническом институте, но связал себя с живописью. В последнее время рисует, в основном, женщин. Фокусируется на проявлении эмоций, стремится к получению как можно большего эффекта простыми средствами.
Любит цвет, но часто использует оттенки черного и серого, для достижения наилучшего впечатления. Не боится экспериментировать с разными новыми техниками. В последнее время набирает всё большую популярность за рубежом, в основном, в Великобритании, где с успехом продает свои работы, которые уже можно найти во многих частных коллекциях.
Кроме искусства интересуется космологией и философией. Слушает джаз. В настоящее время живет и работает в городе Катовице.
Warren Chang
Уоррен Чанг – современный американский художник. Родился в 1957 году и вырос в Монтерее, штат Калифорния, с отличием окончил колледж дизайна Арт-центр в Пасадене в 1981 году, где получил степень бакалавра изобразительных искусств в области живописи. В течение следующих двух десятилетий он работал в качестве иллюстратора для различных компаний в Калифорнии и Нью-Йорке, прежде чем в 2009 году начать карьеру профессионального художника.
Его реалистичные картины можно разделить на две основные категории: биографические интерьерные картины и картины, изображающие работающих людей. Его интерес к подобной манере живописи уходит своими корнями к творчеству художника 16-го века Яна Вермеера, и распространяется на предметы, автопортреты, портреты членов семьи, друзей, учеников, интерьеры студии, класса и дома. Его цель заключается в том, чтобы в своих реалистичных картинах создать настроение и эмоции с помощью манипуляции светом и использовании приглушенных цветов.
Чанг стал известен после перехода к традиционному изобразительному искусству. За последние 12 лет он заработал множество наград и почетных званий, самая престижная из них – Master Signature от ассоциации художников маслом Америки, крупнейшего сообщества художников маслом в Соединенных Штатах. Лишь один человек из 50, удостаивается возможности получить эту награду. В настоящее время Уоррен живёт в Монтерее и работает в своей студии, также он преподаёт (известен как талантливый педагог) в Академии искусств Сан-Франциско.
Aurelio Bruni
Аурелио Бруни – итальянский художник. Родился в городе Блера, 15 октября 1955 года. Получил диплом по специальности сценография в институте искусства в Сполето. Как художник он самоучка, так как самостоятельно “возводил дом знаний” на фундаменте, заложенном ещё в школе. Рисовать маслом начал в возрасте 19 лет. В настоящее время живёт и работает в Умбрии.
Ранняя живопись Бруни уходит своими корнями в сюрреализм, но со временем он начинает ориентироваться на близость лирического романтизма и символизма, усиливая это сочетание изысканной утонченностью и чистотой своих персонажей.
Одушевленные и неодушевленные объекты приобретают равное достоинство и выглядят, почти, гиперреалистично, но, при этом, не скрываются за занавесом, а позволяют увидеть суть своей души. Многогранность и изысканность, чувственность и одиночество, задумчивость и плодотворность являются духом Аурелио Бруни, питаемым великолепием искусства и гармонией музыки.
Alekasander Balos
Алкасандр Балос – современный польский художник, специализирующийся в области масляной живописи. Родился 1970 года в Гливице, Польша, но с 1989 года живёт и работает в США, в городе Шаста, штат Калифорния.
В детстве он изучал искусство под руководством своего отца Яна, художника-самоучки и скульптора, поэтому уже с раннего возраста, художественная деятельность получила полную поддержку со стороны обоих родителей. В 1989 году, в возрасте восемнадцати лет, Балос уехал из Польши в США, где его школьный учитель и по совместительству художник Кэти Гагглиарди побудила Алкасандра поступить в художественную школу.
Затем Балос получил полную стипендию университета в Милуоки Висконсин, где он учился живописи у профессора философии Гарри Розина.
После завершения учёбы в 1995 году и получения степени бакалавра Балос переехал в Чикаго, чтобы поступить на учёбу в школе изобразительного искусства, чьи методы основываются на творчестве Жака-Луи Давида. Фигуративный реализм и портретная живопись составляли большую часть работ Балоса в 90-х и начале 2000-х годов. Сегодня Балос использует человеческую фигуру для того, чтобы подчеркнуть особенности и показать недостатки человеческого бытия, не предлагая, при этом, никаких решений.
Сюжетные композиции его картин предназначены для того, чтобы быть самостоятельно интерпретированными зрителем, только тогда полотна приобретут свой истинный временной и субъективный смысл. В 2005 году художник переехал в Северную Калифорнию, с тех пор тематика его работ значительно расширилась и теперь включает в себя более свободные методы живописи, включая абстракцию и различные мультимедийные стили, помогающие выражать идеи и идеалы бытия через живопись.
Alyssa Monks
Алисса Монкс – современная американская художница. Родилась в 1977 году, в Риджвуде, Нью-Джерси. Начала интересоваться живописью, когда была ещё ребенком. Училась в Новой Школе в Нью-Йорке и Государственном университете Монклер, а окончив в 1999 году Бостонский колледж, получила степень бакалавра. Одновременно она изучила живопись в академии Лоренцо Медичи во Флоренции.
Затем продолжила учёбу по программе на степень магистра в нью-йоркской Академии Искусства, на кафедре Фигуративного Искусства, окончила его в 2001 году. В 2006 году она закончила колледж Фуллертона. Некоторое время читала лекции в университетах и образовательных учреждениях по всей стране, преподавала живопись в нью-йоркской Академии Искусства, а также Государственном университете Монклер и Колледже Академии Искусств Лайма.
“Используя фильтры, такие как стекло, винил, вода и пар, я искажаю человеческое тело. Эти фильтры позволяют создавать большие площади абстрактного дизайна, с проглядывающими сквозь них островами цвета – частями человеческого тела.
Мои картины меняют современный взгляд на уже сложившиеся, традиционные позы и жесты купающихся женщин. Они могли бы многое рассказать внимательному зрителю о таких, казалось бы, самих собой разумеющихся вещах, как польза плаванья, танцев и так далее. Мои персонажи прижимаются к стеклу окна душевой кабины, искажая собственное тело, осознавая, что тем самым влияют на пресловутый мужской взгляд на обнажённую женщину. Толстые слои краски смешаны так, чтобы издалека подражать стеклу, пару, воде и плоти. Однако вблизи становятся очевидны восхитительные физические свойства масляной краски. Экспериментируя со слоями краски и цветом, я нахожу момент, когда абстрактные мазки становятся чем-то еще.
Когда я только начала рисовать человеческое тело, я сразу была очарована и даже стала одержима им и считала, что должна была делать свои картины как можно более реалистичными. Я “исповедовала” реализм, пока он не начал распутывать и вскрывать противоречия в самом себе. Сейчас я исследую возможности и потенциал манеры письма, где встречаются представительская живопись и абстракция – если оба стиля могут сосуществовать в один и тот же момент времени, я это сделаю”.
Antonio Finelli
Итальянский художник – “Наблюдатель времени” – Антонио Финелли родился 23 февраля 1985 года. В настоящее время живет и работает в Италии между Римом и Кампобассо. Его работы были выставлены в нескольких галереях в Италии и за рубежом: Риме, Флоренции, Новара, Генуя, Палермо, Стамбуле, Анкаре, Нью-Йорке, также их можно найти в частных и государственных коллекциях.
Рисунки карандашом “Наблюдателя времени” Антонио Финелли отправляют нас в вечное путешествие по внутреннему миру человеческой временности и связанному с ним скрупулезным анализом этого мира, главным элементом которого является прохождение сквозь время и наносимые им на кожу следы.
Финелли пишет портреты людей любого возраста, пола и национальности, выражения лиц которых свидетельствуют о прохождении сквозь время, также художник надеется отыскать свидетельства беспощадности времени на телах своих персонажей. Антонио определяет свои произведения одним, общим названием: “Автопортрет”, потому что на своих карандашных рисунках он не просто изображает личность, но позволяет зрителю созерцать реальные результаты прохождения времени внутри человека.
Flaminia Carloni
Фламиния Карлони – итальянская художница 37-ми лет, дочь дипломата. У нее трое детей. Двенадцать лет жила в Риме, три года в Англии и Франции. Получила диплом в области истории искусства в школе искусств BD. Затем получила диплом по специальности реставратор произведений искусства. Прежде чем найти свое призвание и полностью посвятить себя живописи, она работала как журналист, колорист, дизайнер, актриса.
Страсть к живописи у Фламинии возникла ещё в детстве. Её основная среда – масло, потому что она любит “coiffer la pate” и также играть с материалом. Подобную технику она узнала в работах художника Паскаля Торюа. Фламиния вдохновлена великими мастерами живописи, такими как Бальтюса, Хоппер, и Франсуа Легран, а так же и различными художественными движениями: стрит-арт, китайский реализм, сюрреализм и реализм эпохи Возрождения. Её любимый художник Караваджо. Её мечта открыть терапевтическую силу искусства.
Denis Chernov
Денис Чернов – талантливый украинский художник, родился в 1978 году в Самборе, Львовская область, Украина.
После окончания Харьковского художественного училища в 1998 году остался в Харькове, где в настоящее время живет и работает. Также он учился в Харьковской государственной академии дизайна и искусств, кафедра график, окончил её в 2004 году.
Он регулярно участвует в художественных выставках, на данный момент их состоялось более шестидесяти, как в Украине, так и за рубежом. Большинство работ Дениса Чернова хранятся в частных коллекциях в Украине, России, Италии, Англии, Испании, Греции, Франции, США, Канаде и Японии. Некоторые работы были проданы на “Кристис”.
Денис работает в широком диапазоне графических и живописных техник. Рисунки карандашом – один из самых любимых им методов живописи, список тем его карандашных рисунков также весьма разнообразен, он пишет пейзажи, портреты, ню, жанровые композиции, книжные иллюстрации, литературные и исторические реконструкции и фантазии.
Iruvan Karunakaran
Ируван Карунакаран – индийский художник, пишущий реалистичные картины, основная тема которых индийская деревня.
Незатейливая сущность сельской Индии оживает в его произведениях.
Искусство Ирувана – тщательные, но все же запутанные изображения сцен деревенской жизни, улиц, различных напоминаний о древности деревни, людей, выполняющих ритуалы или поглощённых ежедневной рутиной, которая глубоко укоренилась в крови сельских жителей. Его реалистичные произведения искусства, сделанные с использованием мастихина, поражают вас одинаково сильно каждый раз, когда вы рассматриваете их.
“Приезжая из Мадурай, штат Тамилнаду, в деревню, я наслаждаюсь ощущением отсутствия течения времени в деревни и спокойствием её людей. Меня, городского жителя, проживающего в Хайдарабаде уже более десяти лет, восхищает замысловатое переплетение исторического и современного, интересное сочетание которого вы видите в самых знаковых местах в Индии. Особенно сильно меня вдохновляют улицы. Они приходят откуда-то и уходят куда-то еще….
Возникает ощущение, как будто стоишь в точке, называемой сегодня, с вчера за спиной и завтра впереди.
Люди стремятся к улицам и дорогам… они хотят попасть “куда-то” и “что-то” сделать. Персонажами моих картин может быть кто угодно: мужчина тянущий тележку – он просто смирился с жизненными трудностями… занятой торговец, который упорно шагает к своей цели… одинокий мото рикша или велосипедист… пожилая женщина, продающая цветы и сонная собака, отдыхающая не смотря на шум… непрерывное движение и смена улиц заставляет людей чувствовать себя живыми. Бывает ли место лучше, чтобы наблюдать жизнь, если не на улицах?”
Vasiliy Hribennikov
Имя художника Василия Ивановича Грибенникова хорошо известно широкому кругу коллекционеров живописи России, Европы, США и Китая. Его живопись является ярким примером продолжения традиций классической школы великих русских мастеров. Василий Иванович родился в 1951 году в село Заветное Ростовской области.
Основой для восхождения к профессиональным вершинам послужило художественное образование. В 1974 году окончил художественно-графическое отделение Кубанского государственного университета.
Развитию природных способностей художника и совершенствованию технических навыков, полученных в годы учебы, содействовала активная творческая работа, которая продолжилась после окончания университета. Сегодня приобретенный живописцем опыт позволяет ему свободно обращаться к разным жанрам живописи, создавать пейзажи и натюрморты, работать в историческом жанре.
Смотрите также:
Полезные уроки по живописи от Игоря Сахарова
Основы рисования: Инвентарь начинающего художника
Как начать рисовать чернилами
живописькартинысовременные художники
Поделиться:Предыдущая статья4 способа заставить свой сайт работать на глобальную аудиторию
Следующая статья 20 остроумных рекламных постеров ко Дню Валентина
Про автора
30 самых влиятельных современных художников — Художники, фотографы и скульпторы со всего света
Современное искусство отражает мир и создает неизгладимое впечатление, которое влияет на многие годы вперед.
К категории современное искусство можно с уверенностью отнести произведения искусства, созданные во второй половине 20-го или в 21-м веке.
По мере того как время идет те, кого мы называем современные художники сегодня, оставят после себя прочное наследие, на которое мы будем оглядываться на завтра. Здесь вы найдете актуальный список самых известных современных художников.
30. Лю Сяодун
Лю Сяодун (Liu Xiaodong) родился в 1963 в Китае. Он один из самых известных современных художников Китая. Родился в 1963 году. Покинул Цзиньчэн, чтобы заняться искусством в Пекине. Лю поступил в Центральную академию изящных искусств, где получил степень бакалавра, затем и магистра. Он до сих пор живёт в Пекине и в настоящее время является профессором.
Сяодун — фигуратор, пишущий на темы простых людей, работников секс-бизнеса и бездомных. Его современная живопись черпает вдохновение в своём окружении, но его работы часто изображают социальные проблемы, которые он подчеркивает в своих произведениях в таких местах, как Израиль-Палестина, Тибет и сельский Китай.
Лю Сяодун создает чрезвычайно реалистичные работы, используя цвета для усиления эмоций.
Художник выставлялся на международном уровне и представлен рядом галерей.
29. Такаши Мураками
Такаши Мураками (Takashi Murakami) родился в 1962 г. в Токио, Япония. Он был отмечен и, одновременно, раскритикован за его культурно насыщенный стиль современного искусства. Его критики утверждают, что он «распродает» искусство, применяя коммерческий подход к искусству и создавая стиль псевдо-японской поп-культуры.
Отталкиваясь от обзоров, Такаши Мураками становится знаковым вкладчиком в современное искусство с его придуманным стилем под названием «superflat», который является теорией, основанной на плоских, 2-D образах японского стиля манги и аниме. В 2002 году Такаши Мураками получил приглашение от Марка Джейкобса, дизайнера Louis Vuitton, для сотрудничества в 13-летнем проекте по воплощению стиля Мураками в фирменный бренд LV.
Мураками имеет обширную коллекцию современной живописи со средними ценами в 1,8 миллиона долларов за работу.
Его рекордная картина продана на аукционе за 4,2 миллиона долларов, называется «Замок олова» (1998). Хотя искусство Такеши высоко ценится, среди его катин можно найти работы начального уровня, стоимостью в 30 000 долларов.
28. Сесили Браун
Сесили Браун (Cecily Brown), родившаяся в 1969 г. в Лондоне — британский художник. Она создает яркие, атмосферные изображения и сравнивается с Виллемом де Кунингом и Фрэнсисом Бэконом. Работы Сесили Браун часто наполнены эротическими позициями и фрагментированными телами. Критики смешаны во мнениях о ее работе, но она, безусловно, присутствует на арт-рынке. Аукционный рекорд в 2,2 миллиона долларов.
27. JR
JR родился в 1983 г. во Франции. JR art — это мятежная фотография с неподтвержденной личностью, который постоянно рискует, чтобы поделиться своими фотографиями. Художник признан за свои потрясающие портреты и уличное искусство.
В 2011 году JR получил премию Теда (награда для людей, творческих и смелых, желающих изменить мир) и основал проект Inside Out.
Премия присудила ему 100 000 долларов США в поддержку его проекта, и JR продал еще 6 фотографий за 850 000 долларов США, чтобы выделить больше средств для помощи начинающим местным художникам. JR продолжает вдохновлять и превосходить всех в своей области. У него невероятный уровень продаж, почти 80%, что дает ему около 600 000 долларов в год.
26. Аниш Капур
Аниш Капур (Anish Kapoor) родился в 1955 г., в Бомбее, Индия. Он популярный современный британо-индийский художник, известный своими абстрактными скульптурами и картинами, которые не один раз приносили ему престижные награды. Капур был удостоен премии Тернера (1991), он кавалер Ордена Британской империи (2003) и рыцарь (2013) за его вклад в изобразительное искусство. В дополнение к известным общественным скульптурам, Аниша Капура также создал множество экзотических пластин с заманчивыми цветами.
Творения Аниша Капура, кажется, бросают вызов границам пространства и доводят ограничения архитектуры до невообразимых крайностей.
Цена современного искусства Аниша Капура колеблется от нескольких тысяч долларов до миллионов. Многие из скульптур Аниша Капура Без названия были проданы на аукционе в среднем за 1,4 миллиона долларов.
В целом, чистая стоимость работ Капура оценивается в 180 миллионов долларов, что поместило его 832-м из 1000 самых богатых художников 2016 года.
25. Микель Барсело
Микель Барсело (Miquel Barcelo) родился в 1957 г. в Испании. Он художник с экспериментальным подходом к живописи. Независимо от того, что он использует в текущей картине — отбеливатель, органические вещества или даже живых насекомых, творчество неэкспрессиониста Микеля Барсело исследует разложение, свет и естественный ландшафт.
«Мне нравится изобретать новые методы, я думаю, что это часть моей работы, изобретать технику — подходящую для всего. Я родился в Испании, учился в Школе декоративных искусств в Пальма-де-Майорке и в Школе изящных искусств в Барселоне».
Работа Микеля Барсело является одновременно абстрактной и церебральной, о чем свидетельствует широкий спектр картин, керамики и инсталляций.
В 2011 году художник выставил свою скульптуру «Великий слон» (2008) на нью-йоркской Юнион-сквер.
В настоящее время живет и работает между Парижем, Франция, и Майоркой, Испания, работы художника хранятся в частных коллекциях всего мира.
24. Нджидека Акунили Кросби
Нджидека Акунили Кросби (Njideka Akunyili Crosby) родилась в Нигерии, училась в колледже Свартмор в США, где изучала биологию и студийное искусство, после окончания Йельского университета получила степень магистра.
Акунили Кросби исследует культурную гибридность через множество отсылок к творчеству различных художников. Нджидека создает современные картины о себе, своей семье и друзьях.
23. Ло Чжунли
Ло Чжунли (Luo Zhongli) — художник, известный своими портретами рабочих из сельских районов своей страны. Его знаменитая работа — «Отец» (1980) — портрет морщинистого пожилого мужчины. Ло Чжунли посвятил своё творчество фермерам, символизируя, тем самым, начало времени людей.
Родился в 1948 году, Китае, учился в Сычуаньском институте изобразительных искусств.
Затем отправился в Бельгию, где получил степень магистра в Королевской академии изящных искусств в Антверпене. Его работы были выставлены в городах по всему миру. В настоящее время художник живет в Китае. Его картины хранятся в коллекциях Национального художественного музея Китая в Пекине, Шанхайского художественного музея и Сингапурского художественного музея.
22. Лю Вэй
Лю Вэй (Liu Wei) родился в 1965 г. в Китае. В настоящее время живет и работает в Пекине, Китай. Художник исследует социально-политические тенденции 21-го века, такие как противоречия современного общества, трансформация развивающихся городов и изменение городского ландшафта.
Лю Вэй использует найденные материалы, чтобы извлечь новые из них значения. Лю Вэй использует в своих произведениях архитектурные формы. Он пытается сослаться на свое городское окружение. Художник окончил Национальную академию изящных искусств, Ханчжоу, Китай в 1996 году.
21. Шон Скалли
Шон Скалли (Sean Scully) — американский художник.
Родился 30 июня 1945 года в Ирландии. Он уехал в Лондон, чтобы изучать искусство в Центральной школе искусств и Кройдонском колледже искусств. В 1972 году получил степень бакалавра в Университете Ньюкасла.
Он известен всему миру своими абстрактными картинами, состоящими из множества слоев и чередующихся цветных квадратов или полос. Работы Шона не имеют какого либо второго дна или отсылки к чьему либо творчеству. Он рисует из конкретных воспоминаний о местах и ??событиях.
«Из моей студии, к югу от Мюнхена, я часто езжу на машине в Венецию. И по дороге собираю впечатления от этих поездок, которые потом оформляю в студии. Я часто рисую воспоминания о Венеции в своих произведениях.
Скалли уехал в Соединенные Штаты в 1975 году. Он живет и работает между Нью-Йорком, Барселоной и Мюнхеном. Его работы хранятся в коллекциях галереи Тейт в Лондоне, Музея современного искусства в Нью-Йорке, Национального музея королевы Софии в Мадриде и Центра искусств Уокера в Миннеаполисе.
20.
Джордж КондоДжордж Кондо (George Condo) родился в 1957 году. Работа Джорджа Кондо наполнена персонажами. У его персонажей выпученные глаза, выпуклые щеки. Опираясь на самых разнообразных мастеров современной живописи — таких как Пабло Пикассо, Диего Веласкес, Анри Матисс и Сай Твомбли — Кондо впитывает художественно-исторические источники. Джордж Кондо создает изобразительный язык. Некоторые говорят, что язык характерен для него, другие не согласны.
Джордж Кондо называет свой сюрреалистический стиль «психологическим кубизмом».
Он эксплуатирует человеческие недостатки или невидимые аспекты человеческого существа. В абстрактных работах Джорджа Кондо, таких как «Внутреннее пространство» (2005), исследуются самые далекие крайности человеческой психики.
19. Чжоу Чуня
Чжоу Чуня (Zhou Chunya) родился в 1955 году в Чунцине, Китай. В 1982 году поступил в Сычуаньскую Академию изящных искусств. В 1988 году поступил в МИД Кассельской Академии изящных искусств в Германии.
«За границей я принял западные методы современной живописи и был вдохновлен немецким экспрессионизмом. Он использует его вместе с традиционными китайскими техниками каллиграфии. Чжоу Чуня — художник, известный своей серией картин «Зеленая собака». Чжоу Чуня изображает ярко-зеленую немецкую овчарку в разных позах и условиях. Его серия пейзажей № 5 выглядит почти абстрактно. Мазки напоминают древние китайские пейзажи.
Сегодня работы Чжоу Чуни можно найти в коллекциях All Show Art Center и Центра современного искусства Tang в Пекине. В настоящее время Чжоу Чуня живет и работает в Чэнду, Китай.
18. Чжан Сяоган
Чжан Сяоган (Zhang Xiaogang) родился в 1958 году в Куньмине, Китай. Поступил в сычуаньскую Академию Изящных Искусств в Чунцине.
Временами он был вынужден работать на стройке и на других работах, вместо того чтобы изучать живопись, как намеревался. Чжан Сяоган впал в глубокую депрессию, подпитываемую алкоголизмом, что, в конечном итоге, привело к его госпитализации в 1984 году.
Он живет и работает в Пекине, Китай. Чжан Сяоган — выдающийся представитель современного китайского Авангарда. Его сюрреалистические портреты выполнены в гладкой масляной краске.
Работы поддерживают формальную и жестко поставленную эстетику. Чжан сосредоточен на последствиях культурной революции, значении семьи, истории и памяти в Китае сегодня. Чжан Сяоган был вдохновлен на создание своей серии «Bloodlines», когда обнаружил старый альбом своей семьи. Серия «Bloodlines» — это работа, которая приесла ему много наград.
Чжан был выставлен в галерее Pace в Нью-Йорке, Венецианской биеннале 1995 года и художественном музее Тэгу.
17. Альберт Олен
Альберт Элен (Albert Oehlen) родился 17 сентября 1954 года в Крефельде, Германия. Поступил в Колледж изящных искусств, где в 1978 году получил высшее образование. Свою первую персональную выставку он провёл в 1981 году в «Galerie Max Hetzler» в Берлине. С 2000 по 2009 год Альберт Элен работал профессором в «Kunstakademie Dusseldorf».
Альберт Элен — влиятельный современный художник. Он работает в различных техниках и стилях. Его интерес — исследование среды как жанра. Альберт Элен прошел путь от абстракции до реализма, часто создавая пародии или имитации традиционных моделей живописи. Серия «Bad Paintings», замечательная работа включает в себя портрет Адольфа Гитлера 1986 года. «Albert Oehlen Computer Paintings» занимается исследованием абстрактных образов, полученных с ноутбука. Он живет и работает в Бюлене, Швейцария.
Работы Элен находятся в коллекциях Музея современного искусства в Нью-Йорке, Музея современного искусства в Страсбурге и Музея искусств Кливленда.
16. Марк Брэдфорд
Марк Брэдфорд (Mark Bradford) родился в Лос-Анджелесе в 1961 году. В 1997 году поступил в Калифорнийский институт искусств, после окончании которого получил степень магистра.
Его работа показывает злодеяния и борьбу рас и бедности. Марк Брэдфорд — современный афро-американский художник. Он работает в широком диапазоне концептуальных практик.
Марк Брэдфорд создает мультимедийные абстрактные картины. Художник изображает раскопки эмоциональной и политической местности. «Я сосредотачиваюсь на деталях, которые указывают на большую вещь». В 2017 году Марк Брэдфорд представлял павильон Соединенных Штатов на Венецианской биеннале со своей работой «Завтра другой день»». Он живет и работает в Лос-Анджелесе, штат Калифорния.
Сегодня работы художника хранятся в музее Хиршхорна и в Саду скульптур в Вашингтоне, округ Колумбия, в Музее современного искусства в Нью-Йорке, в галерее Тейт в Лондоне и в Центре искусств Уокера в Миннеаполисе.
15. Джон Керрин
Джон Керрин (John Currin) родился в 1962 году в Боулдере, Колорадо. Вырос и учился в Коннектикуте. Получив степень бакалавра искусств в Университете Карнеги-Меллона в 1984 году, Джон Керрин отправился учиться в Йельскую школу искусств. Он принимал участие в выставках в штаб-квартире «Sadie Coles» в Лондоне и в галерее «Gagosian» в Нью-Йорке. Джон Керрин живет и работает в Нью-Йорке, штат Нью-Йорк.
Его жена иногда служит моделью для его картин.
Джон Керрин считается одним из самых влиятельных художников, работающих сегодня. Он сочетает в себе приемы художников Северного Возрождения. «У меня сатирическое отношение к своему предмету». Художник создает произведения с богатой историей искусства и китчем, как это видно из его картины «День благодарения» 2003 года.
Сегодня работы художника хранятся в коллекциях галереи Тейт в Лондоне, Музея современного искусства в Нью-Йорке и Центра искусств Уокера в Миннеаполисе.
14. Джефф Кунс
Джеффа Кунс (Jeff Koons) родился в 1955 г. в США. Его работы стали заметны в начале 1980-х годов. Он известен своими очень популярными скульптурами, изображающими животных и и других существ. Джефф Кунс освещает художественные сцены своими умными творениями, используя нержавеющую сталь, отполированную до зеркального блеска. Скульптуры Джеффа Кунса называют тревожными, ошеломляющими и сложными, но всегда внушающими иллюзию безупречного совершенства.
«Balloon Dog» (Orange) Джеффа Кунса (Orange), оцененный от 35 до 55 миллионов долларов, был продан участнику тендера по телефону за неожиданные 58 миллионов долларов в 2013 году. Это стало одним из самых продаваемых произведений живого художника. Джефф Кунс также сотрудничал с «Louis Vuitton», в результате цены на аксессуары, созданные при его помощи, варьируются от 585 долларов за брелок до 4000 долларов за сумочку. Оценка Джеффа Кунса была определена рейтингом «Wealth X» в 2008 году в более чем 100 миллионов долларов.
13. Томас Шютте
Томас Шютте (Thomas Schutte) родился 16 ноября 1954 года в Ольденбурге, Германия. Учился в Кунстакадеме в Дюссельдорфе у Бенджамина Бухло и Герхарда Рихтера. Художник живет и работает в Дюссельдорфе, Германия.
С 1998 по 2000 год Томас Шютте был объектом трехчастного обследования в Центре искусств Диа в Нью-Йорке. Он работает с различными средами, печатью, акварелью и инсталляцией. Скульптуры Томаса Шютте варьируются от миниатюр до масштабных общественных работ.
Работы часто вызывают беспокойство или дискомфорт. Он исследует роль художника в современном обществе. Его проект «Schutte» возглавил серию архитектурных моделей, среди которых модель для отеля (2003), которая заняла Четвертый постамент на Трафальгарской площади Лондона в 2007 году. Среди его наград-Золотой лев на Венецианской биеннале 2005 года и Дюссельдорфская премия 2010 года.
Его работы хранятся в коллекциях «Tate Modern» в Лондоне, Музее современного искусства в Нью-Йорке и Институте искусств Чикаго.
12. Цзэн Фанжи
Цзэн Фанжи (Zeng Fanzhi) родился в 1964 году в Ухане, Китай. Пошел учиться в Академию художеств Хубэй.
У него появился интерес к живописи немецких экспрессионистов. Пережив культурную революцию, Цзэн Фанжи часто фокусируется на этом опыте в своей работе. Цзэн живет и работает в Пекине, Китай. Современный художник критически исследует меняющееся лицо современной китайской культуры. Его знаковая картина Тяньаньмэнь (2004) является тому доказательством.
Цзэн Фаньжи был предметом большой ретроспективы в Музее современного искусства в Париже в 2013-2014 годах. В 2009 году он представлял Китай на Венецианской биеннале 2009 года. Художник изображает человеческие лица с яркой и живой кистью. Иногда его работы граничат с абстракцией. Цзэн Фанчжи будет часто изображать своих персонажей, увиденными сквозь густые заросли ветвей, толпящихся и затемняющих полотно хаотичным и стилизованным вуалью.
Его картина «Серия масок» 1996 № 6 (1996) побила рекорды аукциона в 2008 году и стала самой кассовой работой современного азиатского художника.
11. Кристофер Вул
Кристофер Вул (Christopher Wool) родился 16 сентября 1955 года в Бостоне, штат Массачусетс. Поступил в колледж Сары Лоуренс и учился в Нью-Йоркской студийной школе.
Кристофер ввёл граффити в свою работу. Так же Кристофер Вул подключил» к своему творчеству шелкографию и малярные валики. Его работы были выставлены во многих учреждениях по всему миру, в том числе в Музее современного искусства в Лос-Анджелесе, в музее «Gesellschaft fur Moderne Kunst am Ludwig» в Кельне и в музее Гуггенхайма в Нью-Йорке.
Кристофер Вул в настоящее время живет и работает между Марфой, штат Техас и Нью-Йорком, со своей женой художницей Шарлин фон Хейл. Художник создает контраст в своих работах с помощью жирных трафаретных текстов или абстрактных мазков и белого фона.
10. Дэмиен Херст
Дэмиен Херст (Damien Hirst) родился в 1965 г. в Великобритании. Играет заметную роль на сцене современного искусства с 1990-х годов. Картины и скульптуры Дэмиена Херста известны как неясные интерпретации реальности с неясной одержимостью смертью.
В 2008 году Дэмиен Херст сделал один из самых знаковых шагов для сольного художника, создав целую галерею для «Beautiful Inside My Head Forever». В конце своего шоу на Sotheby’s Дэмиен Херст выставил на аукцион картин на 198 миллионов долларов, став одним из самых богатых художников современности. В целом, Дэмиен Херст занял 422-е место в списке 1000 самых богатых людей в 2016 году благодаря капиталу в 362 миллиона долларов.
Несмотря на заявление Дэмиена Херста о славе и непомерных ценах, ему несколько раз предъявляли иск за плагиат.
Тем не менее, эти судебные процессы не помешали Херсту продолжать расширять свои доходы от современного искусства до колоссальных размеров.
9. Ансельм Кифер
Ансельм Кифер (Anselm Kiefer) — немецкий художник и скульптор. Родился в 1945 г. в Германии. Учился на протяжении всех 1970-х годов.
Его работы включают в себя микс-медиа. Ансельм Кифер разработал темы для своих картин на основе немецкой истории и ужасов Холокоста и духовных концепций каббалы. Ансельм Кифер спорит с прошлым и рассматривает спорные вопросы из недавних историй, например, темы нацистского правления. Его работы отражают готовность противостоять темному прошлому его культуры и нереализованному потенциалу. Его работы имеют подписи и / или имена людей исторического значения, легендарных деятелей или исторических мест. Ансельм Кифер стремится обработать прошлое, будучи связанным с движениями Нового Символизма и Неоэкспрессионизма.
8. Ай Вэйвэй
Ай Вэйвэй (Ai Weiwei) родился в 1957 г. в Китае.
Известен своими мощными современными картинами, которые отражают человеческую борьбу как в политическом, так и в культурном плане. Ай Вэйвэй был признан на международном уровне как политический активист и открыто относится к правительству Китая.
В 2017 году Ай Вэйвэй воссоздал популярный образ утопающего сирийского беженца. Это побудило некоторых считать Ай Вейвея сторонником бесчеловечности, в то время как другие утверждают, что он постыдно извлекает выгоду из человеческих страданий. Хотя Ай Вэйвэй подвергается жесткой критике, он продолжает очаровывать мир своими невероятными, культурно-жестокими работами. Две из его наиболее известных скульптур — это «Круг животных», «Зодиакальные головы», проданные с коллекцией золота на аукционах за 4,4 миллиона долларов и бронзовой коллекцией за 5,4 миллиона долларов. Другие произведения современного дизайна, созданные Ай Вейвеем, включают вазу «Coca-Cola» (665 000 долларов на аукционе), велосипеды «Forever» (730 000 долларов на аукционе) и цветные вазы (735 296 долларов на аукционе).
7. Ёшитомо Нар
Ёшитомо Нар (Yoshitomo Nar) — японский художник. Родился 5 декабря 1959 года в Хиросаки, Япония. Художник учился в Университете изящных искусств и музыки префектуры Айти, чтобы получить степень бакалавра и магистра. Также он занимался «Kunstakademie Dusseldorf» в конце 1980-х. Йошитомо Нар живет и работает в Токио.
Он известен своими картинами детей и животных. Эти элементы кажутся одновременно сладкими и зловещими, как видно из работы «Не беспокоить!» 1996. Ёшитомо Нар находился под влиянием массовой культуры как в восточного, так и в западного обществ. Его разносторонняя практика исследует темы изоляции, восстания и духовности с помощью гравюр, живописи, скульптуры, керамики и инсталляций. Некоторые люди неверно истолковывают произведения Ёшитомо Нар как мангу из-за образов, которые обычно рисуют на его картинах. Иногда Ёшитомо Нар говорил, что не многие люди видят духовную сторону его работы. Он заявляет, что его работа наполнена религиозными и философскими соображениями.
Работы художника хранятся в коллекциях Чикагского художественного института, Национального музея искусств в Осаке и коллекции семьи Рубелл в Майами.
6. Ричард Принс
Ричард Принс (Richard Prince) родился 6 августа 1949 года в зоне Панамского канала. Переехал в Нью-Йорк в 1973 году. В настоящее время Принс живет и работает в северной части штата Нью-Йорк.
Ричард Принс известен своим необычным использованием образов. Художник делает фотографии из рекламы, развлечений и социальных сетей. Он исследует идеи вокруг подлинности и собственности. Спорная практика Ричарда Принса вызывает дискуссии об авторском праве, интеллектуальной собственности и воровстве в мире искусства. На Ричарда Принса оказал влияние Виллем де Кунинг в его технике живописи. Он фотографировал рекламные страницы, выявлял типологии и повторяющиеся архетипы. Его серия «Ковбои» (1980–1992, продолжается) была снята с рекламы сигарет Marlboro. В 2014 году художник вновь доказал свою способность вызывать споры.
На этот раз над вопросами владения и содержания. Серия «Новые портреты» Ричарда Принса состояла из взорванных скриншотов, сделанных из селфи, опубликованных юношами и девушками в социальных сетях.
Его работы хранятся в коллекциях Музея современного искусства в Нью-Йорке, Чикагского художественного института, коллекции Гетца в Мюнхене и Музея Виктории и Альберта в Лондоне.
5. Георге Виртосу
Георгий Виртосу (Gheorghe Virtosu) родился в 1968 году в Кишиневе, Молдова. Считается одним из самых влиятельных современных художников. Учился в Санкт-Петербургской Академии художеств. Однако он покинул художественную академию для учебы в Академии государственной безопасности. Оставив военную карьеру в 1992 году, он отправился в Лондон, где получил британское гражданство.
Особый интерес он проявляет к абстрактной живописи и письму. В настоящее времи Виртосу живет и работает в Лондоне, Амстердаме, Люксембурге.
Художник пишет, ориентируясь на свой опыт и знания, переводя социальные явления и персонажей в абстрактные.
Он разработал свой собственный стиль, и доказательством тому является серия иконописи «Пророки Мухаммеда» (2016). Художник был центром большой ретроспективы в Музее современного искусства в Париже в 2016-2017 годах. В 2017 году он представлял Великобританию на Венецианской биеннале. Художник освоил абстракцию, однако не отрицает реализм в своей живописи.
Его картина Фатима Бинт Мухаммед (2016) побила рекорды в 2017 году и стала самой кассовой работой современного британского художника. Его работы продаются в 39 странах, и есть в частных колекиях Дмитрия Рыболовлева и Салмана бин Абдулазиза.
4. Питер Доиг
Питер Доиг (Peter Doig) родился 17 апреля 1959 года в Эдинбурге, Великобритания. Переехал в Лондон в 1979 году, чтобы учиться в Уимблдонской школе искусств. Вскоре Питер Доиг получил степень магистра в колледже искусств и дизайна в Челси. С 2002 года Доиг живет в Тринидаде.
Сегодня его работы хранятся в коллекциях Чикагского института искусств, Национальной галереи искусств в Вашингтоне, округ Колумбия, в галерее Тейт в Лондоне и в коллекции Гетца в Мюнхене.
Питер Доиг отмечается как один из самых представительных художников, работающих сегодня. Его картины характеризуются одинаковой ориентацией как на пейзажи, так и на рисунки. Он делает личные ссылки в живописных абстракциях с характерными композициями. Работы Питера Доига — и дневниковые, и универсально значимые. Его практика не разделяет центральной формулы. Он делает картины, используя фотографии в качестве ссылки.
3. Рудольф Стингель
Рудольф Стингель (Rudolf Stingel) родился в 1956 году в Мерано, Италия. Стингель живет и работает в Нью-Йорке, штат Нью-Йорк.
Он известен с конца 1980-х годов благодаря своей серебряной живопись, в которой смешивает серебро с различными основными цветами. В 1990 году Рудольф Стингель начал тестировать отношения между живописью и пространствами. Он создал серию инсталляций, которые покрывали стены и полы коврами. Сама архитектура действовала как живопись. Рудольф Стингель использует в своём творчестве такие материалы, как резина, ковер, окрашенный алюминий и краски.
Художник подвергает сомнению и разрушает понимание зрителем традиционного художественного объекта. В своих работах он часто размышляют над фундаментальными вопросами относительно живописи: таких, как роль подлинности и контекста в современном искусстве.
Рудольф Стингель принимал участие в Венецианских биеннале в 1999, 2003 и 2013 годах и был предметом ретроспективы в середине карьеры в Музее современного искусства.
2. Марк Гротян
Марк Гротян (Mark Grotjahn) — американский художник. Родился в 1968 году в Пасадене, штат Калифорния, затем поступил в Колорадский университет в Боулдере, а затем получил степень магистра искусств в Калифорнийском университете в Беркли.
Художник известен своими абстрактными картинами. Работа Марка Гротяна исследует исчезнувшую точку зрения. Он использует её как катализатор для создания выразительных и ярких картин. Марк Гротян также известен своими скульптурами в маске. Он работает с бронзовыми листами и картонными коробками. В 2008 году у него была единственная выставка «Танцующие черные бабочки» в Гагосянской галерее в Нью-Йорке.
Гротян живет и работает в Лос-Анджелесе, штат Калифорния.
Его работы хранятся в коллекциях Музея Молота в Лос-Анджелесе, Музея современного искусства в Нью-Йорке, Музея Стеделийк в Амстердаме.
1. Фрэнк Стелла
Фрэнк Стелла (Frank Stella) родился 12 мая 1936 года в Малдене, штат Массачусетс. Стелла поступил в Принстонский университет, а в 1958 году переехал в Нью-Йорк. Он находился под влиянием абстрактного экспрессионизма. Черную живопись Стеллы вдохновила работа Джаспера Джонса 1958-1960 годов.
Художник известен своими геометрическими узорами и формами при создании картин и скульптур. Работы Фрэнка Стеллы изображают типичные свойства формы, цвета и композиции. Абстракция не должна быть ограничена видом прямолинейной геометрии или даже простой геометрией кривой. В них может быть геометрия, которая оказала бы повествовательное влияние, как работы Виртосу, рассказывающие историю с формами. Художник утверждает, что это не будет буквальная история, но формы и взаимодействие форм и цветов дадут вам ощущение повествования.
В течение следующих десятилетий Фрэнк Стелла завоевал популярность в мире искусства. В 1970 году он стал самым молодым художником, когда-либо проводившим персональную выставку в Музее Современного Искусства.
Фрэнк Стелла живет и работает в Нью-Йорке, Нью-Йорк.
Его работы хранятся в коллекциях Метрополитен-музея в Нью-Йорке, художественного музея Базеля, художественного института Чикаго.
источник: https://bit.ly/2FboaC7
Похожие сообщения:
7 иллюстраторов нарисовали свои любимые наряды от кутюр для Vogue
88 лет назад, в июле 1932 года, цветная фотография впервые появилась на обложке Vogue. На нем была изображена женщина в купальнике, держащая мяч, и в своей графической простоте он имел нечто вроде иллюстративности. Это был переломный момент для все еще молодой среды фэшн-фотографии, а также для фэшн-иллюстрации, которая так долго была лингва-франка моды. Чтобы было понятно: Vogue использовал фотографии до этого времени и будет продолжать использовать иллюстрации после него, но динамика власти безвозвратно изменилась.
Иллюстрация, конечно, никуда не делась, но, как и в случае с высокой модой, ее сфера деятельности сузилась и стала более специализированной. Оба ремесла возвышают ручную работу и индивидуальность, которую она приносит. Чувство близости, вызванное ручной работой, которое передает иллюстрация, стало еще более желанным, поскольку мы были изолированы друг от друга во время пандемии.
Здесь мы отдаем дань уважения искусству иллюстрации с помощью рисунков образов, отобранных из архива Vogue Runway семью художниками. Вот как они видят моду.
Valentino, коллекция от кутюр осень 2019 года. Иллюстрация Грейс Линн Хейнс. Взяв за основу «сложные темы и стереотипы, окружающие чернокожих женщин и женственность», картины Хейнс отличаются контрастом ярких цветов с мощными плоскими и графическими силуэтами черной краски, «сформированными, — говорит она, — для изображения чернокожих женских тел. В моей работе, продолжает она, «черный цвет кажется вдохновляющим, достойным и возвышенным».
Йоргелис Марте в Valentino, осень 2019. Фото: Vogue Runway Archive
В работе
Иллюстрировано Грейс Линн Хейнс«Для этого проекта я выбрал кутюрный показ Valentino осенью 2019 года. Это шоу выделилось для меня, потому что оно установило новый шаблон для коллекций с совестью. Пьерпаоло Пиччоли из Valentino выбрал несколько чернокожих моделей, бросив вызов стереотипному стереотипу чернокожих моделей. Его послание об инклюзивности находит отклик в мире, в котором наши лидеры, похоже, стремятся продвигать изоляционизм, инакомыслие и страх. Пиччоли сказал: «Единственный способ оживить моду сегодня — это принять разные женские особенности и культуры». Я твердо придерживаюсь этого мнения. В нашем нынешнем политическом климате я считаю важным продемонстрировать черную женскую фигуру не только как сильную, но и возвышенную и наделенную полномочиями, но в то же время божественную».
Maison Margiela, мода весна 2020 года. Иллюстрация Джеки Маршалла. в ее цветных рисунках и коллажах пульсирует положительная энергия.
По образованию дизайнер, эта британка знает моду наизнанку и любит ее, о чем ясно свидетельствуют ее рисунки.
Lotka Lakwijk в Maison Margiela, от кутюр весна 2020
Фото: Алессандро Лучони / Gorunway.comВ процессе
Иллюстрация Джеки Маршалла«Мне нравится эта коллекция Margiela, каждый раз, когда я смотрю на нее, я вижу что-то новое. Дело в том, что эта коллекция для меня, поскольку я учился на дизайнера, а не на художника, это то, что я хотел бы создать сам. Я люблю деконструкцию вещей, люблю силуэты; цвета потрясающие.
Я начал играть со всем, что было вокруг меня, и создавать коллажи. Я буквально только что сделал это; Я просто плыл по течению. У меня может быть идея, но я никогда не узнаю, пока не начну. Я не подхожу ко всему одинаково, мои линии не одинаковы для каждого дизайнера, которого я рисую. [Для этого рисунка] я играл со слоями. Я печатаю вручную свою бумагу для использования, и у меня оказался похожий цвет, но он также имеет многослойный цвет за ним.
Когда я купил газету, ее пронумеровали, и она мне понравилась, поэтому я ее сохранил».
Givenchy, осень 1996 от кутюр. Иллюстрация Джеймса Томаса.
Джеймс Томас обладает даром наполнять абстрактные силуэты и этюды фигур воздушной поэзией. Этот художник, родившийся в Лондоне и живущий в Нью-Йорке и работающий в течение многих лет креативным директором в области моды, создает масштабные коллажи, вырезанные из бумаги, в которых цветные блоки синкопируются с медитативным белым пространством.
Шалом Харлоу в Givenchy от Джона Гальяно, осень 1996 года от кутюр
Фото: Архив Condé NastШалом Харлоу в Givenchy Джона Гальяно, осень 1996 кутюр
Фото: Condé Nast Archive«Я был вдохновлен проиллюстрировать один из моих любимых образов высокой моды от Givenchy осени 1996 года, потому что он выражает четкое повествование, невероятную концепцию и щедрость духа: отличительные черты высокой моды. .
Я создал эту иллюстрацию, создав холст в натуральную величину на световом коробе, на который я наложил коллаж из ацетатной бумаги на трех поверхностях стекла, чтобы создать глубину и тень».
Chanel, весна 2004 г. от кутюр
Иллюстрировано Сарой СингхВ работах Сары Сингх есть текучесть, которую она поддерживает, терпеливо накладывая свои рисунки, пока чернила и кисть накладываются слоями на компьютер. Эта мокрая линия скорее выразительна, чем точна, и Сингх, переселенная шведка, использует ее, чтобы делать драматические заявления, которые не увязают в деталях, а проникают прямо в сердце своих героев.
Алек Век в Chanel, весна 2004 г. от кутюр
Фото: Марсио МадейраВидео: Сара Сингх
«Я выбрала это платье, потому что оно выглядело пушистым и защитным, и его носил Алек Век. У нее свой взгляд, естественный вид — у нее не выпрямленные волосы — у нее своя красота. И она должна была надеть свадебное платье, и она была черной, что было необычно в то время. Я просто подумал, что это такой сильный образ.
Рисунок сделан пером, чернилами и чернилами, а затем я сканирую все разные рисунки и накладываю их в Photoshop».
Кристиан Диор, весна 2005 г.
от кутюр
На первый взгляд может показаться, что рисунки Фриды Ваннербергер, изображающие женщин, кажутся парящими, бумажными куклами; но присмотритесь и прочитайте названия работ, и станет ясно, что это женщины, а не девушки, не игрушки, и что они используют моду для навигации в своих сложных мирах. И, как и Ваннербергер, живущая в Лондоне шведка, ее женщины склонны к рукавам с пышными рукавами.
Рэйчел Кирби в Christian Dior, весна 2005 г., от кутюр
Фото: Vogue Runway Archive «Я очарован тем, как одежда была и продолжает быть связана с историей и тем, как мы развиваемся как общества [с точки зрения] идентичности, власти и соблазнения. [Когда я] рос в середине 2000-х, показы от кутюр были вершиной постановочного повествования — я был очарован тем, как много мелких деталей (внешнего образа) работали вместе, чтобы создать характер (внешний вид), который играет роль более широкое повествование (шоу, рекламные кампании, редакционные статьи).
Джон Гальяно и его траектория Сент-Мартинс были причиной, по которой я хотел учиться в CSM, так что в основном благодаря этой коллекции и тщательному изучению библий Дополнения к подиуму 2003–2006 годов я нахожусь в Лондоне! Я решил быть довольно избирательным с деталями здесь, сосредоточив внимание на головном уборе, ощущении украшения вокруг лица через украшения и ожерелье. Изысканная пышная юбка сползает со страницы.
Рэйчел Кирби в платье от Christian Dior, весна 2005 года от кутюр
Фото: Марсио МадейраВидео: Фрида Ваннербергер
Я работала тонкой подводкой на акварельной бумаге 300 GSM. Это странный размер, который происходит из остатков бумаги от заказанного проекта. Привык к размеру и получаю удовольствие от работы с кропом/размещением тела на бумаге. Я всегда начинаю с глаз, затем остальную часть лица, и пусть это направляет меня к остальной части фигуры. Мне нравится просто работать с линиями; это очень медитативно для меня. Иногда я набрасываю линии-индикаторы для различных вариантов наклона тела, но мне нравится быть довольно настойчивым с моим маркером и смотреть, куда он меня приведет».
Жан-Поль Готье, мода весна 2010 г. Иллюстрация Криса Гэмбрелла
Эмина Кунмулай в платье Жан-Поль Готье, мода весна 2010 г. Фото: Monica Feudi/Gorunway.com
В своих быстрых зарисовках Крис Гэмбрелл умеет передать характер мельчайшими жестами. Его готовые работы представляют собой мрачные этюды цвета и фактуры. Попав «на глаза» в архивах Vogue Runway из своего родного Бристоля, Англия, он сократил 50 подборок до одной.
«Я нарисовал образ 12 из кутюрной коллекции Жана Поля Готье весны 2010 года, потому что его драматизм и красота требовали воплощения в чернильных текстурах. Этот вид выделялся для меня из-за его баланса и дисбаланса; вес широкой плечевой секции с заостренными, похожими на бахрому погонами, встречающимися с продолжениями шляпы, и все, что наклоняется и качается в одну сторону, вы можете почувствовать движение. Подобно облаку на мерцающем горизонте или Икару, встречающемуся со стихией, драма увлекла меня.0007
Как и во всем, что я рисую, сюжет выбирает сам, темный текстурный фон, нанесенный чернильной акварелью, выделяет защищенные белые области следами восковых мелков, ода ручной природе высокой моды».
Кристиан Лакруа, мода весна 1988 г.
Иллюстрация Мэри БарендрегтKatoucha Niane в Christian Lacroix, весна 1988 года от кутюр Фото: Дэниел Саймон / Getty Images
Мэри Б. живет в Амстердаме и использует цветные карандаши и масляную пастель для своих портретов и модных рисунков. В некоторых ее работах есть привлекательная неловкость, которая для этого зрителя напоминает незабываемую походку, которую Леон Дам продемонстрировал на подиуме в Margiela и которая была настолько захватывающей. Совершенство может отталкивать, несовершенство маняще человечно.
«Что мне нравится в моде, так это мастерство и преданность материалам и тканям. Я хотел уловить это чувство и уловить текстуры и принты в своих рисунках. Для меня важно, чтобы рисунок «жил» и дышал. Рисовать это платье от кутюр от Lacroix было весело; это действительно одержимо меня в позитивном ключе! Я использовала цветные карандаши и выбрала этот [ансамбль] весны 1988 года, потому что спустя столько лет он по-прежнему очень силен.
Он одновременно шикарный и крутой, с насыщенными цветами и красивым дизайном».
10 художников, повлиявших на высокую моду
Является ли мода искусством? На протяжении многих лет многие пытались ответить на этот вопрос, но так и не пришли к окончательному выводу. Есть те, кто продолжает недооценивать моду, называя ее «бессмысленным винтиком в машине массового производства и потребительства» , лишенным всякой поэтики, и те, кто, подобно режиссеру и фотографу Алексу Прагеру , отвечают, напоминая, что некоторые из величайших произведений искусства были созданы по заказу. Другие подчеркивают истинную художественную сторону моды, способность одеваться индивидуально, помогая нам выразить то, что каждый из нас хотел бы показать миру.
Сальвадор Дали — Эльза Скиапарелли
Энди Уорхол — Джанни Версаче
Пит Мондриан — Ив Сен-Лоран 901 29
Единственная уверенность в том, что два мира много раз пересекались, что привело к легендарные коллаборации, например, между Эльзой Скиапарелли и Сальвадором Дали , а также невероятная одежда, настолько особенная, что не уступает по силе вызывающим воспоминания картинам, которые их вдохновили.
Здесь ниже представлены 10 знаковых художников, оказавших влияние на высокую моду (и многое другое).
Сальвадор Дали
Платье-лобстер Эльзы Скиапарелли 1937 года – Schiaparelli Haute Couture SS17
Сальвадор Дали — Уоллис Симпсон в фильме «Эльза Скиапарелли» Сесила Битона
Телефон лобстера
Трое молодых сюрреалистичные женщины, держащие в руках шкуры оркестра Дали — Платье слез Эльзы Скиапарелли
«Женщина с головой из роз» Сальвадора Дали — Платье-скелет Эльзы Скиапарелли
Антропоморфный кабинет Сальвадора Дали — Настольный костюм Скиапарелли
9 0126Шляпа-обувь от Эльзы Скиапарелли
Драгоценности Дали
Драгоценности Дали
Le Roy Soleil Скиапарелли и Сальвадора Дали
Эльза Скиапарелли и Сальвадор Дали были двумя самыми влиятельными художественными фигурами 20-го века, настолько уникальными и важными, что они заняли место не только на обложке Time, но и в истории искусства.
Они были смелыми, подрывными, против течения. Он всегда говорил: «Рисование — это искренность искусства. Здесь нет возможности обмануть. Оно либо красиво, либо безобразно». Она ответила «Рисование одежды — это не работа. Это искусство. Одно из самых сложных, трудных, пугающих искусств, потому что платье, когда оно рождается, уже принадлежит прошлому.» Вместе, управляемые «сюрреалистическим духом» , они создали легендарные наряды: от сумок для обуви до костюма с карманами, вдохновленными антропоморфным Stipo ; от сумок для телефонов до платья Skeleton Dress (позже оно также было пересмотрено такими брендами, как Alexander McQueen или Christian Lacroix ), которое благодаря специальной технике смоделировало ткань matelassé, воспроизводя ребра и другие кости грудной клетки. ; из одежды, украшенной Губы Мэй Уэст флакон духов. Однако их самым культовым творением было платье Lobster 1937 года.
Это было длинное платье из легкой струящейся шелковой органзы, украшенное изображением ракообразного, которое занимало большую часть юбки. На момент презентации большой скандал вызвало не столько животное, которое считалось афродизиаком и было для Дали явным сексуальным символом, сколько модель в нем на серии фотографий, сделанных Сесилом Битоном. , Уоллис Симпсон . Женщина, в то время разведенная и американка, оказалась в центре одного из самых громких скандалов в истории, потому что Эдуард VIII решил отречься от английского престола, чтобы жениться на ней. Чтобы отпраздновать 80-летие платья, Bertrand Guyon представил новую версию знаменитой модели в коллекции Schiaparelli Haute Couture весна-лето 2017.
Пит Мондриан
Работа Пита Мондриана — Платье De Stijl от YSL
Платье Monsieur Saint Laurent — De Stijl от YSL
Платье De Stijl от YSL
Платья De Stijl от YSL
Платья De Stijl by YSL
Prada FW11
Balmain SS15
Hermès FW20
Ив Сен-Лоран любил искусство и при жизни вместе со своим партнером Пьер Берже собрал престижную коллекцию произведений искусства, в которую вошли шедевры Анри Матисса и Ван Гога .
Однако больше всего на него произвел впечатление художник Пит Мондриан, который сказал:
Мондриан — это чистота. Я не думаю, что в мире искусства есть что-то чище.
Неопластицизм голландского художника и, в частности, его знаменитые «цветные блоки» , выполненные из контрастных оттенков черного и белого в сочетании с красным, синим и желтым, которые он начал создавать в направлении конец 1919 вдохновил дизайнера на создание осенне-зимней коллекции Haute Couture 1965 года, одного из самых важных и влиятельных примеров союза искусства и моды. Среди многих вещей на подиуме коллекция Мондриана прославилась шестью коктейльными платьями, известными как De Stijl в честь движения, основанного художницей. Каждая модель, отмеченная на обложке Vogue Paris как «платье завтрашнего дня» , скрывала за внешне минималистичным внешним видом тщательное мастерство, которое идеально воспроизводило узор цветовых блоков работ Мондриана и объединяло его с авангардным стилем.
-гвардейский стиль молодежного движения шестидесятых. Чрезвычайно популярное творение YSL на протяжении многих лет вдохновляло многих других дизайнеров, таких как Prada для коллекции FW11, Supreme для лукбука SS16 , Balmain SS15 или Hermès FW20.
Пабло Пикассо
Гитара на столе Пабло Пикассо — Yves Saint Laurent Haute Couture SS88
Мандолина и гитара Пабло Пикасса o — Yves Saint Laurent Haute Couture SS88
Арлекин от Пабло Пикассо — Yves Saint Laurent Haute Couture SS88
Le Coq Пабло Пикассо — Yves Saint Laurent Haute Couture SS88
Сидящая женщина в саду Пабло Пикассо — Moschino SS20
9 0002Moschino SS20
Женский портрет (Мари- Тереза) Пабло Пикассо — Жакмю FW15
Керамика Пикассо — Джил Сандер SS12
Тавромахия Пабло Пикассо — Balenciaga SS12 901 29
La bouteille de Bass Пабло Пикассо — Оскар де ла Рента Резорт 2012
Для Moschino SS20, Jeremy Scott воздает должное искусству Пабло Пикассо , создав серию одежды, вдохновленную его самые известные работы, превращающие Беллу Хадид (в версии арлекина) и высоких моделей в настоящие живые полотна: от Авиньонских девиц 1907 года до Ле Марин 1943 года, от Гитара из 1914 к Femme au beret et a la robe quadrillee 1937 года.
Это лишь самый свежий пример того, как на моду на протяжении многих лет влиял один из отцов кубизма . Первым дизайнером, представившим работы испанского гения на подиуме, был Ив Сен-Лоран. Ив проявил свою огромную страсть к искусству в коллекции Haute Couture SS88, в которой он представил одежду под влиянием Пикассо, Брака , Матисса и Ван Гога. Переработанные мастерством YSL гитары, скрипки, петухи, голуби, яркие цвета и геометрическая графика превращаются в носимые скульптуры из ткани и гламура. Любовь к Пикассо не остановилась на восьмидесятых, но ознаменовала многие недели моды: от SS12 до 9От 0123 Jil Sander до FW16 Haute Couture от Schiaparelli, от FW15 от Jacquemus до SS16 Haute Couture от Viktor & Rolf .
Винсент Ван Гог
Подсолнухи Винсента Ван Гога — Yves Saint Laurent Haute Couture SS88
Yves Saint Laurent Haute Couture SS88
Iris by Vincent van Gogh — Maison Margiela Haute Couture FW15
Звездная ночь Винсента Ван Гога — Rodarte SS12
Rodarte SS12
Viktor & Rolf Haute Couture SS16
Судя по всему, Винсент Ван Гог , рисунок неосознанная связь между искусством и высокой модой, то, что принято называть « модой мечты», сказал:
Сначала мне снятся мои картины, потом я рисую свои сны.
Самые известные картины голландского художника, от «Звездной ночи» 1889 года до «Вазы с двенадцатью подсолнухами» 1888 года, часто превращались в гравюры или вдохновляли на создание прекрасной одежды. Есть примеры? Yves Saint Laurent SS88 Haute Couture, 9 лет0123 Maison Margiela FW15 Haute Couture, Viktor & Rolf SS15 Haute Couture или Rodarte SS12, во время которого сестры Кейт и Лаура Малливи принесли на подиум очаровательную и неземную дань уважения работам Ван Гога.
Джорджия О’Киф
Джорджия О’Киф — круиз Dior 2018
Джорджия О’Киф — круиз Dior 2018 9 0129
Череп коровы: красный, белый и синий от Джорджии О Киф — Гарет Пью SS15
Джорджия О’Кифф — Michael Kors SS16
Light of Iris by Georgia O’Keeffe — Elie Saab Haute Couture SS10
901 23 Мать американского модернизма — икона моды.
Ее почти монашеский стиль, в котором черный и белый смешаны с юго-западной эстетикой Штатов, до сих пор широко копируется. Просто взгляните на коллекции, представленные на подиуме в последние годы: от Tome FW13 до Maria Grazia Chiuri 9.Творения 0124 для круиза Christian Dior 2018 года. В моду вошли не только галстуки-боло, шляпы гаучо, белые рубашки и длинные юбки, но и красивые цветы Джорджии О’Киф , которые почти эротично распускаются на холсте, стали принтами для парящих платьев. из Michael Kors , Elie Saab и Gareth Pugh .
Энди Уорхол
Банки с супом Кэмпбелл от Энди Уорхола – Souper Dress
Andy Warhol, Flowers — платье Halston
Andy Warhol — Souper Dress by Jean-Charles de Castelbajac
Мэрилин Диптих Энди Уорхола — Versace SS91
Versace SS18
Иллюстрация Уорхола — Dior FW13
Dior FW13
Энди Уорхол, Coca Cola — Джереми Скотт SS11
Энди Уорхол, цветы — Prada SS13
Pop Wrap by Diane Von Furstenberg
Энди Уорхол, Деннис Хоппер — Calvin Klein SS18
9 0007Calvin Klein SS18
В 1962 году Энди Уорхол был одним из первых поп-художников, которые превратили свои работы в моду, когда он начал печатать свои рисунки на одежде, которая не продавалась в магазинах, а создавалась как одноразовые вещи для женщин из нью-йоркского общества, которые носили их на открытиях галерей.
. В 1965, когда эти платья уже были небольшим модным культом, он создал Souper Dress (повторно предложенный в другой версии также Жаном-Шарлем де Кастельбажаком в 1984 году), вдохновленный его инсталляцией 1962 года Банки супа Кэмпбелла , который за короткое время разошелся как горячие пирожки и подтвердил силу союза искусства и моды. С тех пор многие дизайнеры прославляли поп-арта Уорхола : from Halston , который долгое время сотрудничал с художником Фабрики и переработал свои Цветы в версии вечернего платья, в Gianni Versace , который в 1991 году сделал супер-топы, такие как Naomi Campbell и Linda Evangelista , носит его культовый принт и обтягивающие — облегающее платье, украшенное лицами Мэрилин Монро и Джеймса Дина . Платье Мэрилин вернулось на подиум Versace для коллекции Весна-Лето 2018; в то время как другие произведения из обширного архива Энди Уорхола вдохновили Pop Wrap серии от дизайнера Diane Von Furstenberg , Stephen Sprouse SS88, Jeremy Scott SS11 и Prada SS13.
Raf Simons также несколько раз черпал вдохновение в эстетике Уорхола, сначала от Christian Dior для коллекции FW13, а затем от Calvin Klein благодаря контракту с Andy Warhol Foundation .
Gustav Klimt
Der Kuss by Gustav Klimt — Dior Haute Couture SS08
Hygieia Густава Климта – Dior Haute Couture SS08
Юдифь II Густава Климта – Dior Haute Couture SS08
Dior Haute Couture SS08
Адель Блох-Бауэр I by Gustav Климт — Александр Маккуин SS13
Die Hoffnung II Густава Климта — Givenchy Pre-Fall 2014
Афина Паллада Густава Климта — Рик Оуэнс SS13
Рик Оуэнс SS13
Риа Мунк II от Густава Климта — Zuhair Murad Haute Couture FW16
Эмиль Фл öge — Valentino FW15
Эмиль Флёге — Valentino FW15
Для Dior’s SS08 Коллекция Haute Couture, John Galliano переосмыслила искусство Gustav Klimt , привнеся на подиум всю красоту и богатство движения в стиле венского модерна .
Детали, нарисованные художником-символистом, часто оживали благодаря творчеству многих других дизайнеров: от Александра МакКуина до Givenchy , с Zuhair Murad на Rick Owens . Все они были вдохновлены культовыми моделями, такими как Adele Bloch-Bauer I или The Kiss , которые благодаря смешению форм, тканей, принтов, золота, мелких камней и геометрической графики стали одинаково богатыми и чувственными платьями. Но есть и те, кто, как и Valentino для коллекции FW15, решил сделать другой выбор и вместо того, чтобы начать с работы Климта, решил поделиться той же музой: Эмили Флёге .
Фрида Кало
Фрида Кало — Жан Поль Готье SS98
Фрида Кало — Жан Поль Готье SS98
Фрида Кало — Жан Поль Готье SS98
La Columna Rota by Фрида Кало — Жан Поль Готье SS98
Корсет Фриды Кало — Comme Des Garçons SS12
Фрида Кало — Comme Des Garçons FW05
Autorretrato con Collar de Espinas by Frida Kahlo — Moschino SS12
Valentino Resort 2015
90 128 Dolce & Gabbana SS15
Историк моды и писатель E.
P. Катлер , описывая эстетику художницы, писал:
Фрида Кало носила свое наследие, свой дом, одежду, сделанную там, чтобы показать или скрыть трудности, которые она пережила и продолжала терпеть на протяжении всей своей жизни. При этом Кало создала свою личность. Через свое искусство, особенно автопортреты, Кало поделилась своей личностью и своей человеческой борьбой.
Эти слова дают лишь небольшое представление о том, насколько важным было влияние мексиканской художницы на моду не только через ее работы, но и через ее личный стиль. Монобровь, плетеный шиньон, венок из цветов в ее волосах, красочные макси-юбки, корсет, вышитые блузки, традиционная одежда Мексики — все это элементы, которые, вместе взятые, сделали ее похожей на религиозную икону, очень узнаваемый и влиятельный, которому многие дизайнеры отдают дань уважения на протяжении многих лет. Жан Поль Готье посвятил ей всю свою коллекцию Весна-Лето 98, а среди тех, кто упомянул ее, Comme Des Garçons , Valentino, Dolce & Gabbana , Alberta Ferretti и Moschino.
Клод Моне
Мадам Моне и ее сын Клода Моне — Christian Dior Haute Couture SS11
Сад художника à Живерни Клода Моне — Christian Dior Haute Couture SS49
Камино в Живерни Клода Моне — YSL Haute Couture SS88
Лондон, парламент, Клод Моне — Акрис SS09
901 26Кувшинки от Клода Моне — Sportmax SS12
Кувшинки от Клода Моне Claude Monet — Chanel SS15
Le bassin aux nymphéas by Claude Monet — Prada FW18
Claude Monet , безусловно, один из самых популярных французских художников в истории и его произведениях, таких как знаменитая серия Водяные лилии , запечатленные гением импрессионистов в разное время и в разные времена года, похоже, были созданы для печати на красивой одежде. От Dolce & Gabbana до Chanel многие дизайнеры заметили вызывающую воспоминания силу его полотен с их интенсивными цветами и ярким цветением природы.
