Абрамович перформанс: Абрамович Марина | ART Узел

Содержание

Абрамович Марина | ART Узел

Марина Абрамович родилась в Югославии в 1946 году. В конце 1960-х она начала эксперименты со звуком и пространством. Она создавала работы, состоящие только из шума проигрываемой в магнитофоне чистой аудиокассеты или из стука метронома в пустой комнате. С середины 1970-х Абрамович начала заниматься перформансами, объявив собственное тело главным объектом и средством художественного выражения в своих произведениях. Она начала с серии длительных перформансов, содержавших протест против политического климата социалистической Югославии. В ранних перформансах Абрамович, как правило, ставила себя, а иногда и зрителей в экстремальные условия — на глазах у публики принимала большие дозы сильнодействующих психотропных лекарств («Ритм 2», 1974), нарочно наносила себе раны, втыкая ножи между пальцами («Ритм 10», 1973), лежала в горящей конструкции в виде пятиконечной звезды («Ритм 5», 1974), вырезала бритвой звезду у себя на животе и затем лежала на льду с кровоточащими ранами («Губы Томаса», 1975). Кульминацией этих экспериментов над собой стал знаменитый перформанс «Ритм 0» (1974) в галерее Morra в Неаполе, во время которого Абрамович разложила перед зрителями 72 предмета, которыми люди могли пользоваться как угодно. Некоторые из этих объектов могли доставлять удовольствие, тогда как другими можно было причинять боль. Среди них были ножницы, нож, хлыст и даже пистолет с одним патроном. Художница разрешила публике в течение шести часов манипулировать её телом и движениями. Поначалу зрители вели себя скромно и осторожно, но через некоторое время, в течение которого художница оставалась пассивной, участники стали агрессивнее. Абрамович позднее вспоминала: «Полученный мной опыт говорит о том, что если оставлять решение за публикой, тебя могут убить. <…> Я чувствовала реальное насилие: они резали мою одежду, втыкали шипы розы в живот, один взял пистолет и прицелился мне в голову, но другой забрал оружие. Воцарилась атмосфера агрессии. Через шесть часов, как и планировалось, я встала и пошла по направлению к публике. Все кинулись прочь, спасаясь от реального противостояния».

В 1975 году Абрамович переехала в Амстердам, где встретила художника Улая (Уве Лейсипена), ставшего ее спутником жизни и партнером в перформансах на 12 лет. Эксперименты в области исследования границ физиологических и психологических возможностей человека, начатые Мариной в «Ритмах», художники продолжили совместно. Одним из первых совместных перформансов Марины Абрамович и Улая стали «Отношения в пространстве», впервые показанные в 1976 году на Венецианской биеннале. Два обнаженных тела, набирая скорость, бегут навстречу друг другу и фронтально сталкиваются. Таким образом художники хотели соединить мужскую и женскую энергии, создав нечто третье, то, что они назвали ThatSelf («Та Сущность»).  Идея другого перформанса, «Imponderabilia» (1977), заключалась в том, что художник становился входом в музей. Марину Абрамович и Улая пригласили на большой Фестиваль перформансов в Болонью, где они решили изменить главный вход в музей, сузив его своими телами. Когда публика приходила в музей посмотреть перформансы, она оказывалась перед выбором: нужно было протискиваться через тесную дверь, развернувшись лицом к одному из обнаженных художников – пройти прямо было невозможно. Перформанс был рассчитан на шесть часов, но через три часа прибыла полиция и потребовала предъявить документы и паспорт – на этом перформанс завершился. В перформансе «Вдох / Выдох» (1979) Марина и Улай дышали друг другу в рот, вдыхая воздух, выдыхаемый другим, пока оба не падали без сознания. В перформансе «ААА-ААА» (1978) кричали друг на друга до потери голоса. В перформансе ««Энергия покоя» (1980) Улай целился отравленной стрелой натянутого лука прямо в сердце Марине, в то время как равновесие стрелы удерживалось лишь весом тел партнеров. «У нас было два микрофона, присоединенных к нашим сердцам, и мы могли слышать их биение. По мере развития нашего перформанса оно становилось все более интенсивным. Это длилось четыре минуты и десять секунд, и для меня они были вечностью. Это был перформанс, полностью посвященный безграничному доверию».

Марина Абрамович и Улай приобрели у французских полицейских небольшой автобус «Ситроен» и жили в нем. В 1977 году они использовали эту машину в перформансе: именно «Отношения в движении» были на Парижской биеннале, где Улай у входа в музей вел машину, а Марина Абрамович, высунувшись с мегафоном из окна, выкрикивала количество проделанных им кругов, пытаясь понять, кто быстрее выдохнется – художники или машина. 

Мотор сгорел через 16 часов, оставив чуть заметный черный след в виде кругов на мраморе.  

Союз двух художников завершился в 1988 году перформансом «Поход по Великой стене». Живя в австралийской пустыне у аборигенов, Марина Абрамович и Улай увидели репортаж, в котором астронавты рассказывали, что единственные постройки человека, которые видны с Луны – это пирамиды и Великая китайская стена. Тогда у художников и возникла идея пройтись навстречу друг другу по Великой китайской стене. Чтобы получить разрешение на перформанс от китайских властей, им потребовалось почти восемь лет. После Марина и Улай пришли к идее, что Великая китайская стена была построена не для защиты от Чингисхана и других врагов, а, скорее, несет в себе метафизический смысл, являясь точной копией Млечного Пути на Земле. Она начинается в Желтом море, где покоится голова Дракона, хвост его находится в пустыне Гоби, а туловище – в горах. Улай, как стихия огня, как мужское начало, начал свой  путь из пустыни. Марина Абрамович,  как женское начало – из воды, со стороны моря. Изначально они предполагали встретиться посередине стены и пожениться. Однако за годы, прошедшие между началом проекта и его завершением, отношения Абрамович и Улая сошли на нет. Этот перформанс стал их последним совместным проектом.  Каждый из художников прошел две с половиной тысяч километров, чтобы встретиться посередине и расстаться, продолжая дальше работать по отдельности.        

В 1990-е, в период политического конфликта на Балканах, Абрамович начала в своих работах исследовать культурное наследие своей страны. В показанном на Венецианской биеннале в 1997 году перформансе «Балканское барокко» (премия «Золотой лев» Венецианской биеннале) она в течение четырех дней очищала от мяса и отмывала от крови две с половиной тонны говяжьих костей, распевая народные балканские песни и рассказывая жуткие истории о крысах-убийцах, которых выводят на Балканах.

В 2000-е художница все чаще обращается к восточным практикам медитации, самоочищения и постижения энергетических сущностей. Так, перформанс «Обнаженная со скелетом», повторенный Абрамович трижды — в 2002, 2005 и 2010 годах — отсылает к древней практике тибетских монахов, медитировавших рядом с мертвым телом. «Дом с видом на океан» (2002) — эксперимент по самоограничению (Абрамович голодала, пила только воду и постоянно находилась перед зрителями в течение 12 дней), призванный заставить посетителей, наблюдающих за перформансом, забыть о чувстве времени.

Еще один аспект деятельности Абрамович в 2000-е годы — работа с самой концепцией перформанса, его экспонирования и сохранения в истории искусства. В частности, художница работает с молодыми исполнителями над реперформансами собственных произведений. В перформансе «Семь легких пьес» (2005, Музей Гуггенхайма, Нью-Йорк) Абрамович в течение семи дней по семь часов воспроизводила пять перформансов других художников («Давление тела» Брюса Наумана, 1974; «Постель для семени» Вито Аккончи, 1972; «Генитальная паника» ВАЛИ ЭКСПОРТ, 1969; «Подготовка, первая из трех фаз автопортрета(ов)» Джины Пейн, 1973; «Как объяснить живопись мертвому зайцу» Йозефа Бойса, 1965) и два собственных («Губы Томаса», 1975 и «Вход на другую сторону», 2005).

         Крупнейшая ретроспектива Марины Абрамович The Artist is Present прошла в 2010 году в Музее современного искусства в Нью-Йорке. Помимо основной экспозиции Абрамович представила новый перформанс: на протяжении всего времени работы выставки зрителям была дана возможность сесть напротив художницы и сколь угодно долго смотреть ей в глаза (многие не выдерживали больше десяти минут, и к тому же начинали плакать). В 2011 году в расширенном виде и под названием «В присутствии художника» эта ретроспектива повторена в Центре современной культуры «Гараж» в Москве.

Марина Абрамович — 17 произведений

Марина Абрамович (серб. Марина Абрамовић; род. 30 ноября 1946, Белград) — сербский мастер перформанса. Её работа исследует отношения между художником и аудиторией, пределами тела и возможностями ума. Активно занимающуюся творчеством больше пяти десятилетий, Абрамович прозвали «бабушкой искусства перформанса». Она открыла новое понятие идентичности, делая наблюдателей участниками и сосредотачиваясь на «противостоянии боли, крови и физических пределах тела».

Абрамович родилась в Белграде в Сербии. Её двоюродным дедом был патриарх Варнава из Сербской православной церкви. Её родители были югославскими партизанами во время Второй мировой войны. Отец Марины Войо был командующим, которого приветствовали как национального героя после войны. Её мать Даница была майором в армии, а в 1960-х директором Музея Революции и Искусства в Белграде.

В 14 лет она попросила своего отца купить ей масляные краски. Один из друзей отца решил показать ей, как ими пользоваться: он положил холст на пол, выплеснул на него смесь из красок и подорвал. На этом примере Марина поняла, что в искусстве «процесс важнее результата».

В 1964 году её отец оставил семью. В интервью 1998 года Абрамович описывала, как её «мать взяла на себя полное управление в военном стиле надо мной и моим братом. Мне не разрешили выходить из дома после 10 часов вечера до 29 лет. <…> Все перформансы в Югославии я свершала до 10 часов вечера, потому что в это время должна была быть дома. Это было абсолютное безумие, но все мои порезы, хлестания, поджигания, которые могли лишить меня жизни, — всё делалось до 10 вечера».

Она была студенткой университета искусств в Белграде с 1965 до 1970 годы. В 1972 году закончила свои исследования в Академии изящных искусств в Загребе в Хорватии. С 1973 до 1975 годы преподавала в Академии изящных искусств в Нови-Саде, давая первые сольные выступления.

С 1971 до 1976 года Марина была замужем за Нешем Париповичем.

С 1976 года живёт в Амстердаме. Переехав в Амстердам, Абрамович познакомилась с западногерманским перформансистом Уве Лайсипеном (англ.)русск., выступавшим под псевдонимом Улай. В 1988 году, после нескольких лет натянутых отношений, Абрамович и Улай решили расстаться. Для этого они предприняли путешествие по Великой китайской стене: отправившись в путь с противоположных концов, они встретились посередине, чтобы попрощаться друг с другом

В 1997 году получила премию «Золотой лев» 47-й Венецианской биеннале за работу «Балканское барокко» — художница перемывала гору окровавленных костей в память о жертвах войны в Югославии.

В 2016 году на сайте издательства Penguin Random House появилась информация, что 25 октября 2016 года художница выпустит автобиографию «Walk Through Walls».

Инсталляции Марины Абрамович иногда вызывали шок у зрителей: в 1988 году один из зрителей упал в обморок на её выставке.

Чтобы проверить пределы связи между перформансистом и зрителями, Абрамович в 1974 году создала один из своих наиболее сложных и известных перформансов. Себе она отвела пассивную роль, действовать предстояло публике.

Абрамович разместила на столе 72 объекта, которыми люди могли пользоваться как угодно. Некоторые из этих объектов могли доставлять удовольствие, тогда как другими можно было причинять боль. Среди них были ножницы, нож, хлыст и даже пистолет с одним патроном. Художница разрешила публике в течение шести часов манипулировать её телом и движениями.

Поначалу зрители вели себя скромно и осторожно, но через некоторое время, в течение которого художница оставалась пассивной, участники стали агрессивнее. Абрамович позднее вспоминала:

Это часть статьи Википедии, используемая под лицензией CC-BY-SA. Полный текст статьи здесь →


ещё …

Художники по направлению: Перформанс Арт (Performance Art)

направление

Перфо́рманс (англ. performance — исполнение, представление, выступление) — форма современного искусства, в которой произведение составляют действия художника или группы в определённом месте и в определённое время. К перформансу можно отнести любую ситуацию, включающую четыре базовых элемента: время, место, тело художника и отношение художника и зрителя. В этом заключается отличие перформанса от таких форм изобразительного искусства, как картина или скульптура, где произведение определяется выставленным объектом.

Ультраперфоманс — новая форма современного искусства, в которой произведение составляют действия художника или группы в определённом месте и в определённое время. Принципиальное отличие от первоисточника[чего?] в том, что это обычно происходит в месте, где уже совершается перформанс[что?] в той или иной форме.[источник не указан 222 дня]

Иногда перформансом называют такие традиционные формы художественной деятельности, как театр, танец, музыка, цирковые выступления и т. п. Однако в современном искусстве термин «перформанс» относится обычно к формам авангардного или концептуального искусства, наследующим традицию изобразительного искусства.

Впервые слово «перформанс» было применено к своему произведению-действию композитором Дж. Кейджем в 1952 году, исполнившим на сцене «4′33″» (4 минуты 33 секунды звуков окружающей среды, которые будут услышаны во время прослушивания композиции). В афише этого концерта значилось — перформанс. Перформанс родился из уличных выступлений футуристов, клоунады дадаистов, театра Баухауза. Появление перформанса связано с проблемами живописи авангарда: преодоление живописного пространства картины, выход к конструкции как основная тенденция авангардного искусства.

Как направление искусства перформанс возник в 1960-е годы в творчестве таких художников, как Ив Кляйн, Вито Аккончи, Герман Нитч, Крис Бурден, Йоко Оно, Йозеф Бойс и др. B наше время Марина Абрамович, Ваграм Зарян, Стивен Коэн и др.

В России наиболее известны перформансы Петра Павленского, Олега Кулика, Олега Мавроматти, Елены Ковылиной, Стаса Барецкого и пр.

Это часть статьи Википедии, используемая под лицензией CC-BY-SA.

Полный текст статьи здесь →

Википедия: https://ru.wikipedia.org/wiki/Перформанс

Марина Абрамович в Лондоне: в чем смысл нового перформанса художницы

Несколько недель назад в афише лондонских событий появилось скромное объявление — перформанс Марины Абрамович «The Life» в Serpentine gallery. Билеты на него исчезли за несколько минут. Еще бы: всем хотелось увидеть своими глазами «бабушку перформанса» Марину Абрамович. Но никакой Абрамович в галерее не оказалось. Некоторые посетители были в ярости — где обещанная художница? Что за глупая шутка? 

На самом деле автором перформанса «The Life» действительно является Марина Абрамович, и этот перформанс, может быть, самый важный из ее проектов. Давайте разберемся, почему.

Творчество Абрамович

Marina Abramovic The Life

Для начала немного вспомним историю самой художницы. Марина Абрамович прославилась вовсе не картинами, а потрясающими художественными действами — перформансами. Перформансы художницы никогда не были простой театральной постановкой, где все действия известны заранее. Все, что делает Абрамович, – это эксперименты с открытым финалом. Частенько эти эксперименты были по-настоящему опасными.

Например, один из ее ранних перфомансов под названием «Ритм 0» чуть не стоил Абрамович жизни. Суть его заключалась в следующем: в комнате где находилась художница и зрители, установили стол с 72 предметами. Здесь были самые разнообразные вещи: от вина и розы до ножей и заряженного пистолета. Зрители могли взять со стола любой предмет и с его помощью сделать с художницей все что угодно. Поначалу публика вела себя скромно, но в конце концов люди начали проявлять агрессию: художницу царапали, кололи, резали одежду, а один раз даже поднесли к голове пистолет.

Марина Абрамович «Ритм 0», 1974 год. Фото: royalacademy.org.uk

«Ритм 0» не единственный опасный опыт художницы. Однажды Абрамович пролежала семь часов на раскаленной железной решетке, а во время другого перформанса вырезала у себя на животе звезду. Но самым красивым и пронзительным был перфоманс «Энергия покоя», который Абрамович сделала со своим возлюбленным Улаем. Во время этого перформанса Улай держал натянутый лук, стрела которого была направлена прямо в сердце художницы. Одно неловкое движение отделяло ее от смерти.

Марина Абрамович. Энергия покоя

Для чего художница проводила все эти страшные эксперименты? Зачем заигрывала со смертью и истязала себя? Может быть, она вообразила себя христианской мученицей, которые на заре нашей эры укрощали свою плоть голодом, холодом и самоистязаниями? Вполне может быть! В роду Марины Абрамович действительно был настоящий православный святой, погибший мученической смертью. Так что обращение к аскезе для художницы было не только исследованием границ своего тела и зрительских реакций, но одновременно диалогом с собственными корнями.

В присутствии художника

Так Марина Абрамович превратила свое тело не только в субъект, но и в объект творчества. Искусство Абрамович непредставимо без нее самой в качестве главного экспоната. Она, ее тело, ее эмоции, ее движения, ее пронзительный взгляд – и есть главные инструменты художницы. Многие участники вспоминают магнетическое воздействие художницы на зрителей, кажется одного только ее присутствия в музейном зале было достаточно, чтобы состоялся художественный акт.

И действительно, в знаменитом перформансе «В присутствии художника» у Абрамович не осталось никаких внешних средств и декораций – только она и сидящий напротив зритель. Этот перфоманс длился почти три месяца. Художница сидела в здании Нью-йоркского музея современного искусства от открытия до закрытия и молча смотрела в глаза зрителям, которые по очереди садились за стол напротив нее. Художница вспоминает, что для сидевших с ней людей этот опыт был сродни своеобразной медитации, погружения в себя. Многие из них плакали.

Марина Абрамович, В присутствии художника. 2010

Продолжением такого долговременного перформанса стал проект «512 часов» в лондонской галерее Serpentine. Все лето 2014 года художница проводила в галерейном зале, куда с 10 утра до 6 вечера стекались зрители.

За 512 часов перформанса с Мариной Абрамович встретилось около 130 тысяч человек.

Перформансы, продолжавшиеся многие дни, недели и даже месяцы, стали визитной карточкой художницы. Такие длительные действия были для нее погружением в реальность настоящего момента. Мы часто сосредоточены на воспоминаниях прошлого или теряемся в мечтах о будущем, но художница приглашает зрителей вместе с ней вернуться в настоящее, понять и прочувствовать, как им жить.

Присутствие без присутствия

Спустя пять лет Марина Абрамович вновь вернулась в Serpentine gallery в Лондоне. Но только в 2019 году она появилась перед лондонцами в цифровом виде. В галерее с помощью технологии дополненной реальности было созданное электронное трехмерное изображение художницы. Совместно со студией Tin Drum, которая специализируется на работах в жанре «смешанной реальности», художница записала 19-минутный видеоролик. Ее снимали одновременно 36 камер, благодаря чему удалось запечатлеть Абрамович в разных ракурсах и собрать из них объемное изображение.

Процесс съемок ролика. Фото — serpentinegalleries.org

Для того, чтобы увидеть Абрамович, нужно проследовать в импровизированную научную лабораторию, где тебя встречают сотрудники галереи в белых халатах. Каждому посетителю надевают очки дополненной реальности и вот, спустя мгновение, ты действительно видишь саму Марину Абрамович, стоящую в центре зала. Художница делает замысловатые пасы руками и ходит по кругу, словно танцуя какой-то ритуальный танец. Временами ее образ рассыпается в синюю звездную пыль, и на полу галереи остается лишь тень от ее невидимого тела. Что же хотела сказать всем этим «бабушка перформанса»?

Наследие

В последнее время Марина Абрамович все чаще стала говорить о том наследии, которое она оставит будущим поколениям художников и зрителей. Чтобы передать свой творческий метод, Абрамович основала специальный институт, где изучают все нематериальные виды искусства и проводят представления художники со всего мира. Но все же жанр перформанса иллюзорен, он существует лишь здесь и сейчас. Перформанс нельзя повесить на стену в музее, а видео и фотографии, истории о представлениях не передают и одной сотой того интимного опыта общения с художником, который был доступен участникам.

И тут на помощь приходит виртуальная реальность – благодаря современным технологиям тело художницы, ее главный инструмент, можно перевести в цифровую форму и сделать достоянием вечности. Отныне, как говорит сама Абрамович, «проект может быть повторен в любом месте в мире, даже если меня там нет. И это поражает воображение. Я могу присутствовать в любой точке на планете». Абрамович, фактически создавшая жанр перформанса, спустя 50 лет сама же пытается радикально его реформировать и перевести в совершенно новое качество. Художница надеется, что другие художники последуют за ней и тоже переведут свои художественные опыты в смешанную реальность.

Но вот только есть ли будущее у этого нового жанра? Несмотря на тщательно выстраиваемый антураж, сданные при входе вещи и ассистентов в белых халатах, по-настоящему проникнуться ритуальностью и серьезностью происходящего лично мне так и не удалось. У меня (и не только у одной меня) этот перформанс оставил ощущение подделки, игры, развлечения. Словно настоящие человеческие отношения заменили на электронный симулякр. Хотя в современной реальности в этом нет ничего удивительного.

Впрочем, это еще не конец. Говорят, что в 2020 году в Лондоне Марина Абрамович планирует грандиозное шоу, посвященное очередному юбилею ее художественной деятельности. На нем Марина появится уже без помощи шлемов виртуальной реальности. 

Знакомимся ближе: Марина Абрамович

Новая рубрика ART FLASH посвящена знаменитым женщинам из сферы искусства. Героиней первого выпуска стала сербская художница Марина Абрамович, которую многие окрестили «бабушкой мирового перформанса». Сильная и непоколебимая и в тоже время робкая и ранимая, она всю свою жизнь посвятила искусству. Её называют сумасшедшей, но только истинные ценители понимают, что весь творческий путь Марины Абрамович – это поиски безусловной любви. Любви к миру, искусству и всем людям на планете.

Happy Christmas, by Marina Abramovic, 2008. Galerie Guy Bartschi

«Сначала все 40 лет думают, что ты ненормальная и что тебя лечить надо, и, наконец, ты получаешь признание. И нужно потратить очень много времени, чтоб тебя стали принимать всерьез»

Марина Абрамович о себе

Эта женщина может вызывать целую бурю эмоций. Потрясённые зрители одновременно начинают восхищаться и ненавидеть её. Но совершенно точно можно сказать, что перформансы Марины Абрамович никого не оставляют равнодушным.

Она резала себя ножом и избивала плетью, голодала и сидела на одном месте 736 часов, непрерывно целовалась с партнёром до потери сознания и в течение нескольких дней по шесть часов в сутки мыла окровавленные кости на глазах у восторженной публики. Марина никогда не боялась навредить себе, ведь вся её жизнь, её обнажённое и незащищённое тело предназначались лишь для одного. Она выбрала путь художника.

«Вас окружает множество Марин. Перед вами Марина, дочь двух партизан, национальных героев. Никаких границ и огромная сила воли. Добивается любой цели, которую перед собой ставит. А рядом с ней другая, маленькая девочка, которой не хватало материнского внимания. Очень уязвимая, разочарованная и печальная. И здесь же третья. Умудрённая духовным опытом и способная над всем этим возвыситься. Честно говоря, это моя любимая»

Яркое и, пожалуй, одно из самых важных воспоминаний Марины о своем детстве многих из нас могло бы удивить. Это был утренник в детском саду, где каждый ребёнок нарядился в милый и интересный костюм. Кто-то был принцессой или забавным зверьком. Марину же мама нарядила в костюм чёрта.

Marina Abramovic. Self-Portrait with White Lamb (2010) from the series Back to Simplicity. Photograph: Marina Abramovic for the Guardian

Мгновения непонимания и смятения быстро сменились полным одобрением. Девочка поняла, что этот образ подходит ей намного больше, чем какой-либо другой. Возможно, как размышляла художница в интервью уже через 60 лет, именно этот момент и определил весь её дальнейший жизненный путь.

«Бабушка мирового перформанса» родилась 30 ноября 1947 года в Белграде. Её детство нельзя было бы назвать счастливым. Воспитываясь в строгой и суровой обстановке, Марина Абрамович практически не получала любви и заботы. Уже позже, в зрелом возрасте, Марина вспоминала, как глубокой ночью, когда она много ворочалась на кровати, её резко могла разбудить мать и заставить поправлять постель.

В доме, где жила Марина, любовь отсутствовала изначально. Союз её родителей скорее напоминал войну: они почти не общались друг с другом, не целовались и не обнимались. На протяжении всей своей жизни Марина пыталась разрешить детскую травму самостоятельно. Потому в каждом своём выступлении она обращалась к зрителю в надежде получить то забытое и практически утраченное чувство любви и понимания.

«Мама никогда меня не обнимала. Много позже, когда мне было уже лет 40, я спросила ее: “Почему ты никогда меня не целовала? ”. “Чтобы не избаловать тебя”, – ответила она»

Тотальный контроль прекратился лишь когда Марина покинула дом и вдали от матери начала заниматься искусством, от которого у любого строгого патриархального родителя пробежали бы мурашки по коже.

Самые знаменитые перформансы Марины Абрамович

«Ритм 10» (1973 год)

На Эдинбургском фестивале искусств в 1973 году мир увидел один из самых знаменитых перформансов Марины Абрамович – «Ритм 10». Во время него художница быстро втыкала нож между расставленными пальцами руки, записывая звук происходящего. Поранившись один раз, Марина меняла нож на другой и продолжала процесс.

Позже она повторяла это действие, но уже ориентируясь на запись. Следуя ритму записи, Марина ранила себя именно тогда, когда это происходило на пленке. Таким образом, в понимании художницы рана на одном и том же месте символизирует момент, «где встречаются прошлое и настоящее».

Перформанс «Ритм 10». Источник фото: Marina Abramovic, «Rhythm 10», 1973, Part 2 | Photograph: Dezan Poznanovic

«Ритм 0» (1974 год)

В 1974 году в Неаполе состоялся перформанс «Ритм 0» – жестокое и нелогичное представление, которое зачастую связывают с происходящим во время Стэндфордского эксперимента.

Перед Мариной Абрамович, остававшейся неподвижной на протяжении шести часов, стоял стол, на котором располагались 72 предмета. Некоторые из них предназначались для наслаждения (роза, краски, мёд, свеча), другими вполне можно было нанести увечья или даже убить человека (пистолет, кнут, ножницы, спички).

Во время перформанса всем желающим предлагалось пользоваться данными предметами, так как им захочется. Тело Абрамович полностью находилось в их распоряжении. Испытывая на первых порах некоторую долю стеснения, зрители позже начали включаться в игру, и их активность переросла в настоящий кошмар.

За эти шесть часов немого ужаса Марину резали, разрисовывали, целовали, искалывали шипами розы, приставляли пистолет к виску. Позже, придя в гостиницу, женщина обнаружила у себя первую прядь седых волос.

Перформанс «Ритм 0». Источник фото: Нью-Йоркский музей современного искусства. 1974; Naples, Italy. Серия: Rhythm Series (1973–1974)

«Вдох-выдох» (1978)

В Городском музее Амстердама Марина Абрамович и её возлюбленный Улай решили проверить, сможет ли сила любви поддерживать жизнь партнёров без иных вмешательств. Марина и Улай, целуясь на протяжении 15 минут, на самом деле перекрывали друг другу доступ к кислороду через нос и передавали углекислый газ через рот. Таким образом, они дышали «одним дыханием», пока один из партнёров не потерял сознание из-за нехватки кислорода.

Источник: Из YouTube-канала Maite Santibañez

Перформанс «Вдох-выдох». Источник фото: fonte: lesetincellesdesmots.files.wordpress.com

«Энергия покоя» / «Остаточная энергия» (1980)

Пожалуй, один из самых великих перформансов Марины и Улая, который послужил вдохновением для других артистов, художников и даже тату-мастеров, – «Энергия покоя». Это представление, продолжавшееся на протяжении полутора минут, являло собой одну прекрасную метафору – метафору об отношениях между возлюбленными, о доверии и поддержке.

Здесь прекрасно и в тоже время пугающе абсолютно всё: и натянутый лук со стрелой, направленной прямо в сердце Марины, и огромная ответственность Улая, от реакций и личных намерений которого зависела вся жизнь художницы, и микрофон, фиксирующий дыхание и сердцебиение Марины. Недаром позднее Абрамович назвала этот перформанс одним из сложнейших в своей жизни.

Источник: Из YouTube-канала ardneks

Перформанс «Энергия покоя». Источник фото: Marina Abramovic and Ulay. Courtesy of Marina Abramovic and Sean Kelly Gallery, New York. DACS 2016

В присутствии художника (2010)

Венцом творчества Абрамович можно считать перформанс The Artist Is Present, проходивший на площадке МоМА в 2010 году в течение трёх месяцев.

Всё это время Марина непрерывно сидела за столом в огромном зале и позволяла заглянуть ей в глаза каждому желающему. Перформанс проводился в тишине и длился по семь-десять часов в день.

«Когда я придумала этот перформанс, куратор МоМА сказал, что я, наверное, сошла с ума, никто не захочет сесть, это Америка, ни у кого нет времени. Нью-Йорк постоянно спешит, все куда-то бегут. “Этот стул останется пустым”, – предупредил он. “Мне все равно, – сказала я. – Значит будет пустым. Я всё равно буду там сидеть”».

Скептицизм куратора МоМА не оправдал себя: за три месяца перформанса заглянуть в глаза художнице смогли более 1500 человек. Марина на мгновение становилась зеркалом для эмоций других людей. Сильные, самоуверенные и скептичные, они через несколько минут уходили от неё в слезах. Все потому, что Марина их чувствовала. Она принимала их боль и утешала их.

Но, скорее всего, данный перформанс большинству людей знаком совершенно по иным причинам. Помимо многих знаменитостей, решивших поучаствовать в представлении и посидеть прямо напротив Марины Абрамович, на встречу к ней приехал также её давний друг и возлюбленный Улай. Более трёх минут они с Мариной смотрели друг на друга, принимали и прощали. И в конце концов – отпускали.

Источник: Из YouTube-канала Isidora Smiljkovic

В свои 72 года художница явно не торопится завязывать с перформансами. В 2020 году Марина планирует еще одну премьеру – оперу «Семь смертей», посмотреть которую можно будет в Баварском оперном театре. Художница выступит в качестве режиссёра и актрисы, исполнив роль знаменитой оперной певицы Марии Каллас.

А до самой премьеры у нас есть ещё достаточно времени, чтобы полностью погрузиться в творчество Абрамович и проникнуться её честным искусством, искусством без компромиссов и фальши.

Portrait with Flowers, 2009. Sean Kelly Gallery

Что можно посоветовать людям, которые до сих пор отказываются понимать искусство и перформанс? Конечно же, увидеть творчество Марины Абрамович. Или хотя бы просто заглянуть ей в глаза.

С чего начать своё знакомство с творчеством Марины Абрамович

1. «Марина Абрамович: В присутствии художника» – документальный фильм Мэттью Эйкерса, приуроченный к выставке Марины в Музее современного искусства в Нью-Йорке и самому крупнейшему перформансу в истории МоМа.

На Кинопоиске

2. «Проходя сквозь стены» – мемуары Марины Абрамович. К своему 70-летию в 2016 году Марина подготовила книгу мемуаров, где рассказала историю своей жизни в процессе непрерывного перформанса. Проблемы в семье, личные трагедии, первые шаги в мире искусства… На наш взгляд, идеальнее способа познакомиться с личностью загадочной сербской художницы и придумать нельзя.

На Read it Forward

3. «Балканское барокко» – еще одна биографичная кинолента, снятая Пьером Кулебефом в 1999 году. Сюжет в подробностях описывает историю создания самых известных перформансов Марины Абрамович.

Видеозапись киноленты

4. «Марина Абрамович: искусство перформанса» – видеолекция от театроведа Марии Дробинцевой, которая входит в цикл «Театр и личность» Российской национальной библиотеки. Мария подробно описывает основные направления деятельности Абрамович: перформансы, «реконструкции» перформансов, жизнь и биографию Марины Абрамович как перформанс.

Видеозапись «Марина Абрамович: искусство перфоманса»

5. «Жизнь и смерть Марины Абрамович» – спектакль Роберта Уилсона. Абрамович пришла к Уилсону с идеей поставить спектакль про её смерть. Уилсон согласился на это при условии, что спектакль также будет и про её жизнь. Спектакль представляет собой не линейную биографическую последовательность, а диалог между двумя художественными конструктами: жизнь и смертью Марины Абрамович.

Видеозапись The Life and Death of Marina Abramovic II

Видеозапись The Life and Death of Marina Abramovic III

За пределами перформанса – журнал «Искусство» Крис Бёрден. Trans-fixed, 1974 Фотография перформанса Если выбирать из нынешних художественных практик самую междисциплинарную, перформанс составит достойную конкуренцию и сайенс- и нет-арту. Его истоки не только в action painting, но и в театральных экспериментах Брехта и Арто. Никто не может толком сказать: то ли ранние работы Марины Абрамович похожи на социально-психологические опыты Милгрэма и Зимбардо, то ли здесь обратная зависимость. Наработанные перформансистами приёмы легко читаются в эстетике музыкальных видео, и наоборот: формы артистической […]

Крис Бёрден. Trans-fixed, 1974

Фотография перформанса

Если выбирать из нынешних художественных практик самую междисциплинарную, перформанс составит достойную конкуренцию и сайенс- и нет-арту. Его истоки не только в action painting, но и в театральных экспериментах Брехта и Арто. Никто не может толком сказать: то ли ранние работы Марины Абрамович похожи на социально-психологические опыты Милгрэма и Зимбардо, то ли здесь обратная зависимость. Наработанные перформансистами приёмы легко читаются в эстетике музыкальных видео, и наоборот: формы артистической самопрезентации давно ушли в художественную сферу. Попытка выяснить, кто на кого повлиял, сомнительна: ни художники, ни музыканты, ни учёные не жили в изоляции, идеи рождались в общем творческом пространстве, а зачастую и в одних и тех же кругах. В любом случае, ограничить изучение перформанса только одной художественной сценой проблематично, тем более что едва ли кто‑то активнее причастных к нему авторов интересовался тем, что происходит там, за пределами искусства.

Креативное мышление

Начиная с 1960‑х годов без перформативных практик невозможно помыслить художественную сцену. Однако первые опыты обнаруживаются ещё в эпоху авангарда, когда искусство постепенно начинает отделяться от навыков ручной работы с материалом и переносится в область идей и концепций. На этой ранней стадии «искусство как приём» (термин Виктора Шкловского) полнее всего нашло своё воплощение у сюрреалистов, использовавших целый ряд креативных техник для того, чтобы запустить творческий процесс, зачастую и являвшийся их единственным результатом. Известность получил метод «автоматического письма» (écriture automatique), введённый в художественную практику Андре Бретоном.

Принцип «автоматического письма» применим не только к письму как таковому, но и к любому творческому акту, опирающемуся на работу бессознательного. При этом субъект находится в парадоксальной ситуации, пытаясь тщательно спланировать потерю контроля посредством соблюдения определённой скорости процесса, обещающей освобождение от пут рациональной рефлексии.

Участникам предлагалось сконцентрироваться на каком-нибудь обыденном предмете вроде стеклянного шара гадалки или куска розового бархата и составить на него досье с помощью целого каталога вопросов

Другим излюбленным приёмом сюрреалистов были групповые игры. Некоторые из них, как, например, «Игра в правду» (Jeu de la Vérité), во время которой участникам предлагалось спонтанно ответить вслух на ряд весьма откровенных вопросов, носили ярко выраженный психологический характер. Отдельный разряд игр получил название «экспериментальные исследования» (recherches expérimentales) и был нацелен на выстраивание интерсубъективных цепочек ассоциаций, активирующих воображение. В рамках таких «исследований» участникам предлагалось сконцентрироваться на каком‑нибудь обыденном предмете, имевшем поэтический потенциал (вроде стеклянного шара гадалки или куска розового бархата), и составить на него своеобразное досье с помощью целого каталога отвлечённых вопросов. Во время таких сеансов размывалась не только граница между искусством и игрой, но и между игрой и повседневностью, так как практически любая жизненная ситуация могла быть превращена в эстетический эксперимент.

Ман Рэй. Жизель Прассинос читает свои стихи сюрреалистам, 1934

Ч / б фотография

Из коллекции Национальной галереи современного искусства в Эдинбурге (Шотландия)

Самой известной игрой сюрреалистов стал «Изысканный труп»: первый участник пишет на бумаге существительное и загибает край, второй, не видя слова, пишет глагол и т. д. Так составляется целая фраза, например, «Изысканный труп пьёт молодое вино», в расшифровке которой должно помочь подсознание.

Большинство подобных креативных приёмов сюрреалисты позаимствовали из психологии и психотерапии, то есть областей, которым впоследствии вернули долг с процентами. В конце 1930‑х годов американский учёный Алекс Осборн, занимавшийся проблемами организации личности, начал разрабатывать метод мозгового штурма (brainstorming), обнаруживающий поразительные параллели с ассоциативными играми.

Алекс Осборн читает лекцию, б/г

Ч/б фотография

Изображение предоставлено Creative Education Foundation

Алекс Осборн утверждал, что метод мозгового штурма он разработал, основываясь на идее матроса, который предложил собраться всем вместе и отдуть торпеду от борта корабля, которым Осбор командовал. Впоследствии бредовая идея была реализована при помощи мощного вентилятора и спасла множество жизней. Все исследователи в один голос утверждают, что эта история — безоглядное враньё.

Перед Осборном стояла вполне практическая цель: облегчить коммерческим предприятиям поиск новых идей, стимулирующих бизнес. Классический мозговой штурм проводится в группе, включающей специалистов из разных областей. Ведущий, не вмешиваясь активно в процесс, даёт собравшимся конкретную задачу и тщательно протоколирует все поступающие идеи, какими бы дикими поначалу они не казались. Оценка идей на первой фазе запрещена: напротив, чем свободнее и неожиданнее ассоциации, тем более продуктивными они должны оказаться впоследствии. Обсуждение протокола начинается только после перерыва (иногда через несколько дней). Для того чтобы извлечь из полученных идей максимальный результат, Осборн разработал специальный опросник, дополнительно удлиняющий ассоциативную цепочку и позволяющий выйти за пределы банального даже там, где мозговой штурм принёс скромный урожай. Так, вполне обыденный предмет (поздравительная открытка партнёрам или перьевая ручка с логотипом фирмы) может задать тему для бесчисленных вариаций и трансформаций (неожиданное применение, уменьшение, увеличение, комбинация с чем‑то другим), в ходе которых, как это часто случалось и у сюрреалистов, объект перестаёт быть серийным предметом потребления и обретает уникальность.

Существование в модусе перформанса стало своеобразным идеалом, обещающим психологическое равновесие и рекомендованным, что называется, для домашнего использования

Параллели можно найти и в опытах развивавшейся с 1950‑х годов позитивной психологии, сфокусированной на проблемах личностного роста и поиске наиболее оптимальных форм человеческого существования. Для учёных плодотворным оказался сам принцип эстетической трансформации обыденного восприятия, лежащий в основе сюрреалистических опытов. Один из основателей позитивной психологии Абрахам Маслоу считал, что самореализация, являющаяся залогом счастья каждого индивидуума, возможна только через креативное отношение к действительности, противоположное чисто рациональной активности, нацеленной на достижение определённого результата в рамках социальных норм и ожиданий. Таким образом, существование в модусе перформанса стало своеобразным идеалом, обещающим психологическое равновесие и рекомендованным, что называется, для домашнего использования.

Шоковая терапия

Тем временем художественный перформанс развивался в совершенно другом направлении, не имеющем ничего общего с домашним уютом. Он вышел на улицы и начал завоевание публичного пространства.

В одни и те же годы практически в соседних помещениях происходили художественные и научные эксперименты, одинаково работающие с категориями социальной агрессии, страха, жестокости и дающие одинаковые результаты

Изменился и характер перформативных практик, рассчитанных теперь на непосредственное сопереживание, если не соучастие, публики и включающих интенсивную работу художника со своим телом. В 1968 году австрийская художница Вали Экспорт появилась в городе с прикреплённой спереди к телу картонной коробкой, в которую любой желающий мог просунуть руку и потрогать её обнажённую грудь. Добровольцев, которых не отпугнули документировавшие всё происходящее камеры, нашлось достаточно.

Вали Экспорт. Tapp und Tastkino (Тактильный кинематограф), 1968

Фотодокументация перформанса на улицах Вены

Свой проект Вали Экспорт считала одной из форм нового «тактильного кинематографа»: ящик на её обнажённой груди был закрыт занавесом, а зрителям предлагалось получить эстетический опыт не при помощи глаз, а на ощупь. После этой акции одна из австрийских газет назвала художницу ведьмой, и в прессе началась настоящая травля.

Просматривая сейчас записи, трудно отделаться от чувства, что перед нами некий психологический эксперимент: как далеко может завести мужчину желание прикоснуться к груди незнакомки? И действительно, именно в 1960‑е в обществе проснулся интерес к экспериментальной психологии, пытавшейся с помощью искусственно смоделированных ситуаций выявить закономерности поведения человека, — особенный интерес вызвали стрессовые условия, социальная агрессия и этически сложные решения. В одни и те же годы практически в соседних помещениях происходили художественные и научные эксперименты, одинаково работающие с категориями социальной агрессии, страха, жестокости и дающие одинаковые результаты. Эксперименты в обеих сферах не были закрытыми, их сопровождало широкое обсуждение. И сейчас мы разделяем их, по сути дела, только в зависимости от художественных или научных намерений авторов.

Широкую известность получил эксперимент психолога Стенли Милгрэма, проведённый им в 1961 году в Йельском университете. Шестидесятые стали временем аналитического освоения опыта Второй мировой войны, и в центре внимания Милгрэма стояла толерантность к насилию, а именно: готовность человека причинять другим физические страдания, если того требовал протокол. Оказалось, что большинство пробандов легко шли на то, чтобы, повинуясь инструкции, «наказывать» других участников ударами тока за каждый неправильный ответ на задаваемые руководителем вопросы. Несмотря на резонанс, вызванный экспериментом, звучали и критические голоса. В прессе говорилось об этической сомнительности опытов, потенциально травмирующих пробандов, которые не подозревали об истинной цели эксперимента и о том, что в роли наказуемых на самом деле выступали актёры.

Эксперимент Стенли Милгрэма, 1963

Документация эксперимента в Йельском университете

Перед проведением эксперимента Стенли Милгрэм опросил своих коллег психологов, сколько, на их взгляд, людей согласится истязать других, если им это позволит авторитет руководителя опыта. Психологи были уверены, что лишь один из тысячи.

Очень сходной была реакция критиков на телесный перформанс, практикуемый, например, Крисом Бёрденом или Мариной Абрамович с начала 1970‑х. Физическая боль или изнеможение, до которого они доводили себя, как утверждалось, могли травмировать психику зрителей, неподготовленных к подобному зрелищу. Публика, присутствовавшая при том, как помощник пинал Бёрдена вниз по лестнице во время перформанса на Арт-Базеле, знала, что всё происходит по инициативе и с согласия художника, и тем самым вроде бы получала разрешение спокойно смотреть, как человек у неё на глазах рискует сломать себе шею. В том же 1974 году состоялся хрестоматийный перформанс Марины Абрамович «Ритм 0», воспринятый многими как социальный эксперимент. Тот самый, где художница обязалась неподвижно провести шесть часов в галерее, расположив вокруг себя различные предметы — от цветов до оружия — и разрешив посетителям делать с собой всё, что угодно. По рассказам художницы, пистолет тогда всё‑таки выстрелил.

Марина Абрамович. Ритм 0, 1974

Фотодокументация перформанса в Studio Morra (Неаполь)

В «Ритм 0» Марина Абрамович сказала зрителям: «Вы можете делать со мной что угодно, потому что я предмет. Вы можете убить меня, если хотите, я беру на себя полную ответственность за это», и когда всё закончилось, публика буквально бежала из галереи, не оглядываясь на израненную и окровавленную художницу.

В 1971 году в Стэндфордском университете психолог Филип Зимбардо провёл эксперимент, сомнительный в научном отношении, но вызвавший огромный резонанс в обществе и подхваченный поп-культурой. Зимбардо создал в подвалах университета имитацию тюрьмы, разделив добровольцев на две группы: одной из них предстояло вжиться в роль тюремщиков, другой — заключённых. Всего за несколько дней «тюремщики» начали издеваться над своими «подопечными», в то время как сами «заключённые» теряли солидарность и готовы были ради обещанных поблажек поддержать унижение других членов коллектива. Несмотря на то что контроль над ходом эксперимента почти сразу был утерян, сигнал о его прекращении последовал только через шесть дней: руководитель вошёл в роль и дал себя захватить собственному фиктивному миру, что вызывает ещё больше сомнений в научной объективности проекта и приближает его — в особенности по силе эмоционального воздействия — к перформансу.

Стэнфордский тюремный эсперимент Филипа Зимбардо, 1971

Фотография: © Philip G. Zimbardo

По мотивам тюремного эксперимента Филипа Зимбардо в 2001 году был снят немецкий фильм «Эксперимент» (Das Experiment), а в 2010 году его американский ремейк. Чтобы увеличить зрительскую аудиторию оба фильма насыщены насилием, кровью и жестокостью куда в большей степени, чем оригинальный психологический опыт.

Свои поздние работы Марина Абрамович всё сильнее сближает с психотерапевтическими практиками. Наиболее яркий пример — нашумевший перформанс «В присутствии художника» 2010 года, где любому желающему предлагалось неограниченное время смотреть ей в глаза. Свой институт, который недавно открылся в Хьюстоне, Абрамович также окружает научным антуражем. В рекламном ролике, рассказывающем об этом заведении в интернете, она предстаёт в белом халате. В своих интервью художница подчёркивает, что посещение её института должно производить на посетителей терапевтический эффект, давая им новое ощущение собственного существования. При этом описываемые ею техники уходят корнями в буддистскую медитацию и уже давно действительно применяются в психотерапии для борьбы с депрессией и стрессом. Ученики и последователи Марины Абрамович практикуют и разрабатывают методики на стыке медицины и искусства. Например, художница Лиза Морозова, являясь кандидатом психологических наук, занимается арт-терапией в своей «Студии терапевтического перформанса» и выступает как теоретик в статьях о близости целей психодрамы Я. Морено и художественных практик.

Звёздная стратегия

Имиджевая стратегия — одна из возможностей коммерческого использования перформативных техник, и её историю можно отсчитывать, пожалуй, уже с 1951 года, когда состоялась премьера короткометражного документального фильма Ханса Намута «Джексон Поллок». Помимо явления, за которым впоследствии закрепилось название action painting (живопись действия), миру был представлен и сам художник, известный в тот момент лишь узкому кругу знатоков и ставший впоследствии одной из первых звёзд современного искусства. Здесь же можно найти и один из первых примеров переноса рабочего процесса в медийное пространство. Наибольшего успеха в этом добился, разумеется, Энди Уорхол, который и довёл до совершенства перформанс как часть жизненной стратегии и личной репрезентации. Одной из его из важнейших и наиболее тиражируемых, особенно в музыкальной индустрии, разработок стал узнаваемый внешний облик. Джинсы, чёрный свитер, кожаная куртка, тёмные очки и белокурый парик настолько вытеснили реальность, что Уорхол, ненавидевший выступления перед академической аудиторией, мог позволить себе посылать с докладами в университеты своего двойника.

Энди Уорхол на выступлении группы Velvet Underground, 1967

Цветная фотография

Название The Velvet Underground основатель коллектива Лу Рид позаимствовал у книги по садомазохизму, которую он нашёл в своей съёмной нью-йоркской квартире. К тому же оно показалось участникам группы очень созвучным тематике видеоарта того времени.

Одним из самых последовательных имитаторов «звёздной стратегии» Уорхола, до конца преданным идее перформативной саморепрезентации и одновременно подвергшим её деконструкции, был немецкий художник Мартин Киппенбергер. В конце 1970‑х в Западном Берлине он открыл своё «Бюро», которое и по названию, и по сути перекликалось с «фабричным» проектом на Манхэттене. Любая проходившая здесь вечеринка или вернисаж давали повод для хеппенингов, которые, несмотря на кажущуюся спонтанность, требовали самой тщательной подготовки и документировались для (будущей) истории искусства. Фотографии с таких хеппенингов, а также приглашения, предметы оформления и даже записанные анекдоты и каламбуры потом участвовали в выставках или находили место в очередном каталоге. Впрочем, своим главным произведением Киппенбергер всегда считал самого себя, являясь перед публикой каждый раз в образах, иронически рефлектирующих собственное место в культурной традиции. Он позировал в знаменитых трусах «а-ля Пикассо», в войлочном костюме «от Бойса» или даже инсценировал своеобразный (душевный и телесный) стриптиз для серии фотографий, где, уже будучи смертельно больным, пытался, снимая с себя одну деталь одежды за другой, повторить позы потерпевших кораблекрушение с картины Теодора Жерико «Плот „Медузы“».

Киппенбергер был жестоко избит панками на одной из берлинских улиц. Едва оправившись, он превратил своё драматическое приключение в перформанс, собрав в больнице друзей и представ перед фотокамерой с изувеченным до неузнаваемости лицом

Саморазрушительные тенденции были с самого начала неотделимы от жизненной и творческой позиции Киппенбергера. Ещё до того как наркотики и алкоголь окончательно подорвали его здоровье, художник, с удовольствием провоцировавший окружающих и наживший таким образом целую армию врагов, был жестоко избит на одной из берлинских улиц группой молодых панков. Едва оправившись, он превратил своё драматическое приключение в перформанс, собрав в больнице друзей и представ перед фотокамерой с изувеченным до неузнаваемости лицом.

Мартин Киппенбергер. Диалог с молодёжью, 1979

Фотография: © Jutta Henslein

Избитый панками Мартин Киппенбергер создал целую серию своих больничных портретов под язвительным названием «Диалог с молодёжью».

В рамках своей «сценической» активности и Уорхол, и Киппенбергер искали вдохновения в рок- и поп-музыке как в наиболее зрелищной и быстро реагирующей на массовый вкус области культуры. Выступления своей подопечной группы The Velvet Underground Уорхол при помощи последних достижений светотехники превращал в футуристические спектакли. С наступлением эры видеоклипов, начиная с 1980‑х годов, появились новые возможности для интеграции перформанса в музыкальный шоу-бизнес. Видеокамеры позволяли не только реализовать самые смелые сценарии, но и, благодаря быстрой смене кадров, создавали пространство, где тела искажались, сливались одно с другим, разделялись на фрагменты, то есть следовали логике перформативного «остранения» (термин В. Шкловского) телесности. Своей кульминации эта тенденция достигает у британского режиссёра Криса Каннингэма, активно использующего приёмы компьютерной обработки. В его клипах на музыку ирландского исполнителя Aphex Twin (Come to Daddy, 1997; Windowlicker, 1999; Rubber Johnny, 2005) главными действующими лицами становятся гротескные существа-монстры, составленные из частей детских, мужских и женских тел и нередко искажённые болезнью или какой‑либо фантастической мутацией. При этом монстры Каннингэма сохраняют желание и поразительную способность двигаться в ритме музыки, доводя до абсурда ритуалы развлекательной индустрии, в которой сами же принимают участие или делают вид.

Aphex Twin. Comme to daddy, 1997

Кадр из видеоклипа. Режиссёр Крис Каннингэм

Музыкальные видео Криса Каннингэма часто рассматриваются как образцы видеоарта. Клип на песню Бьорк «Всё наполнено любовью» можно было увидеть в нью-йоркском MOMA.

Примеров подобного содружества — множество, вплоть до самых свежих художественных стратегий, например в рамках нет-искусства. Так репер Канье Уэст в видео на свою песню Welcome to heartbreak использовал приёмы глитч-арта — эстетики сбоев в работе программного обеспечения.

Канье Уэст. Welcome to heartbreak, 2008

Кадр из видеоклипа. Режиссёр Набил Элдеркин

Основным приёмом глитч-арта является ошибка или сбой программного обеспечения, искажающий изображение. Часть художников «ловит» сбои сигнала и вводит их в поле искусства, другие сами придумывают способы исказить картинку. Глитч также существует как полноправное направление в электронной музыке.

В коротком эссе нельзя охватить даже самые очевидные сюжеты, связанные с пограничностью нашего предмета: «перформанс и политика», «перформанс и театр», «рекламный перформанс». Однако даже на приведённых примерах социальных и бизнес-стратегий можно говорить о непосредственном перетекании идей из прикладных областей знания в искусство и обратно. Они не просто существуют в параллельных пространствах, они дублируют и замещают друг друга, потому попытка прочесть их вне единого контекста грозит потерей смысла.

Гид по опасному перформансу — Look At Me

К приезду Марины Абрамович в Москву Look At Me перечисляет самые смелые перформансы, за которые Марина бралась в жизни, и цитирует ее воспоминания о преодолении себя, а также вспоминает других акционистов, не боявшихся осуждения посторонних и собственной боли.

Среди всех современных художников Марина Абрамович — чуть ли не единственная глыба с неоспоримым авторитетом: если не все поголовно ею восхищаются, то уважают точно. Скандальная слава, а затем и признание пришли к ней за последовательное исполнение опасных для жизни и противоречивых перформансов: первый Марина воплотила в начале семидесятых, последний — в прошлом году. О реакции зрителей сорок лет назад можно только догадываться, но о силе воздействия во время ее прошлогоднего выступления в МоМа легко прочитать в каком-нибудь блоге «Марина Абрамович довела меня до слез» или в статусах на фэйсбуке, где тысячи человек делятся тем, как их пробрало до костей от минутного молчаливого взгляда в глаза этой художнице.

Говоря об акциях Абрамович, легко удариться в пафос: действительно, в мире есть только одна женщина, которая высидит на стуле 736 часов, вырежет ножом звезду у себя на животе или позволит зрителям отрезать себе волосы. Это не какие-то суперспособности — Абрамович, как и все люди, сделана из плоти и крови, имеет болевые пороги и между перформансами живет в Нью-Йорке вполне обыкновенной жизнью: в этом случае гипнотизируют именно упрямство и невероятная уверенность в своих действиях, которые она не теряла на протяжении сорока лет.


Высидит на стуле 736 часов, вырежет ножом звезду у себя на животе или позволит зрителям отрезать себе волосы

Перформанс всегда был самым идеологическим и неконъюнктурным способом заниматься искусством: когда большинство художников настроены на создание и продажу объектов, сделанных своими руками или — в большинстве случаев — руками ассистентов, а искусство уютно расположено в гостиных коллекционеров и стенах музеев, перформанс рвет и мечет, создается здесь и сейчас, редко записывается — а если и записывается, то почти никогда не продается. Очень многие работы первых акционистов не сохранялись и оставались лишь в памяти и описаниях очевидцев. Сами акционисты годами жили где-то между скромностью и нуждой, подрабатывали мелочь на самых прозаичных работах и параллельно делали хоть что-то, что можно продать. 

При этом любой громкий перформанс требует не только мужества, но и отказа от радостей «нормальной» жизни — к трудным акциям, например, к трехмесячному сидению на стуле надо готовиться не только морально, но и физически: с помощью диеты, упражнений, медитации и аутотренинга. Марина Абрамович действует вполне в духе акционистов — с риском и без страха, но и тут выкручивает ручки на полную: она не останавливалась, когда посторонние люди резали ее тело, когда кончался кислород и даже когда она теряла сознание — ни разу за сорок лет.

10 главных перформансов Марины Абрамович

Ритм 10

Марина играла в блатную русскую игру ножички с перочинными ножами, как только она резала себе пальцы, то брала следующий из двадцати ножей в ряду и начинала игру заново — происходящее записывалось на камеру. Когда ножи заканчивались, Абрамович воспроизводила запись и старалась исправить свои ошибки, ориентируясь за звуки боли.

До этого я делала много звуковых инсталляций и экспериментировала со своим телом, но именно «Ритм 10» стал для меня первым перформансом. Я объединила прошлое и настоящее в одном месте — в месте пореза на своих пальцах.

 

Ритм 5

Лежа в горящей вокруг нее звезде, Марина лишилась кислорода и начала терять сознание. Перформанс был прерван одним из зрителей, который вытащил художницу из огня — в больницу она была доставлена с ожогами лица и тела.

С утра моя бабушка увидела меня, уронила поднос с завтраком на пол и стала визжать как кошка, увидевшая дьявола. А я разозлилась, что так и не закончила перформанс.

 

Ритм 0

Марина положила себя в помещении с множеством разных предметов — от ножниц до заряженного пистолета и разрешила посетителям сделать все, что им будет угодно с ее телом с помощью любого из этих предметов.

У меня до сих пор есть шрамы от этих порезов. Я была немного не в себе, я внезапно поняла, что зрители могут убить тебя. Если дать им полную свободу, они взбесятся и будут готовы убить тебя. После перформанса у меня поседела целая прядь на голове, я не могла долго избавиться от страха. Так я поняла, где поставить черту, и больше никогда не подвергала себя такому риску.

 

 

Губы Томаса

Перед перформансом Марина выпила красное вино с медом, а затем вырезала у себя на животе пятиконечную звезду и легла на ледяной крест.

Сейчас я смотрю на этот перформанс как на что-то очень биографичное: в нем смешалось все — коммунистическое прошлое, югославское происхождение и православные корни, вино и мед.

 

Смерть себя

Этот перформанс Марина делала с другим акционистом и ее тогдашним возлюбленным немецким художником Улаем — они соприкасались ртами, деля между собой один воздух, передавая друг другу кислород и выдыхая углекислый газ. Через семнадцать минут оба упали без сознания, а их легкие были переполнены углекислым газом.

Когда мы встретились, каждый из нас по отдельности искал чего-то нового. Я больше не могла продолжать перформансы в том же духе, иначе бы я убила себя. Я почти всегда доходила до крайностей. Улай, когда я его встретила, был на пол-лица женщина — с макияжем и кудрявыми волосами, а на другую — с короткой стрижкой и бородой. Он как раз разбирался с транссексуальностью, взаимоотношением полов. После нашей встречи эта его женская половина исчезла.

 

 

 

Энергия покоя 

Еще один перформанс с Улаем, в котором Марина Абрамович держала лук, а Улай — стрелу в натянутой тетиве, направленную в ее сердце.

Этот перформанс был одним из самых сложных в моей жизни, потому что не я была ответственна за него. У нас были микрофоны, улавливающие ритмы сердца, с которыми мы могли слышать сердцебиения друг друга. И хотя перформанс длился чуть больше четырех минут, для меня это была вечность, перформанс бесконечного безусловного доверия. Может быть, оттого, что мои родители — два национальных героя Югославии, для меня прервать перформанс никогда не было выходом. Если у тебя есть намерение закончить раньше времени, ты это сделаешь, а в моей голове эта возможность никогда не возникала.

 

 

 

 

Невесомость

Марина и Улай стояли раздетыми в узком дверном проеме, позволяя любому желающему пройти, протискиваясь между ними.

Идеей для перформанса был художник как дверь в музей, и, заходя в музей между нами, зрители должны были выбрать, кому из нас смотреть в глаза, потому что вход был таким узким, что пройти можно было только боком. 

Семь лет после расставания с Улаем мы не разговаривали, а потом я решила пригласить его и его семью на ланч. Иногда он приглашает меня, жарит мне стейки, но для меня все до сих пор довольно болезненно происходит. Все закончилось плохо. Когда он ушел, то забрал с собой все работы, что мы делали вместе, и мне пришлось выкупать у него наши общие негативы, фотографии, все.

 

 

 

 

 

Балканское барокко

Марина сидела посреди горы говяжьих костей и мыла их в ведре, плача и напевая балканские песни. Художница сказала, что посвятила этот перформанс балканской войне.

Когда люди спрашивают меня, откуда я, я никогда не говорю, что я из Сербии: я из страны, которая больше не существует. Я делала этот перформанс четыре года и еще четыре года спустя чувствовала запах этих окровавленных костей.

 

Дом с видом на океан

Марина провела двенадцать дней в макете дома из трех комнат на глазах у публики без еды: спала, пила воду, ходила в туалет, но чаще всего смотрела на публику. Спуститься из комнаты в комнату она могла только с усилием: вместо ступеней на приставной лестнице были остро заточенные ножи.

Люди приходили как алкоголики, только вместо стакана водки брали шот этого взгляда глаза в глаза. Многие приходили утром, до открытия галереи, и ждали в деловых костюмах. Многие потом признались, что вообще не имеют никакого отношения к искусству. Я стала думать, что скорее всего другие люди не смотрят на них так пристально, как я, и, возможно, им просто нужно, чтобы на них посмотрели утром, перед тем как они уйдут на работу.

 

 

 

Семь легких пьес

Абрамович, озаботившись сохранением перформанса, решила воссоздать семь известных произведений других акционистов, внеся в них некоторые изменения и представляя перформансы в залах Музея Гуггенхайма.

То, что определяет мои отношения со зрителем, — потребность быть открытой, отдать все, что у меня есть. В обычной жизни у меня нет этого чувства, но в перформансе у меня есть эта огромная любовь, сердце, которое буквально причиняет мне боль тем, как сильно я люблю их. Просто быть открытой там, где только кожа и кости и нет ничего, кроме того, чтобы быть там для них.

 

 

 

В присутствии художника

В течение трех месяцев в рабочие часы музея МоМа художница молча сидела за столом в огромном зале и позволяла каждому желающему сесть напротив и посмотреть на нее. Перформанс проводился в тишине и длился по семь-десять часов в день, а в очереди побывали не только обычные ньюйоркцы и туристы, но и знаменитости — Мэтью Барни, Бьорк, Леди Гага и Изабелла Росселлини.

Я пристально смотрела в глаза многим людям, которые несли в себе столько боли, что я мгновенно видела ее и чувствовала. Я стала для них зеркалом их собственных эмоций. Один огромный ангел ада с татуировками повсюду уставился на меня свирепо, но спустя десять минут разревелся и стал стонать, как дитя малое.

 

 

 

Другие художники: 10 перформансов на грани,


о которых невозможно забыть

Орлан. «Реинкарнация святой Орлан»

Художница французского происхождения Мирей Порт, известная под псевдонимом Орлан, стала предметом дебатов в середине девяностых, когда провела над собой несколько пластических операций под названием «Реинкарнация святой Орлан» — изменив свое лицо под стать женским стандартам красоты главных произведений искусства: лоб от Моны Лизы, подбородок от Венеры Боттичелли — и холодно документируя свое превращение из индивидуальности в образ коллективно одобренной красоты.

Я могу наблюдать за своим телом, открытым через порезы, без страдания. Могу увидеть все насквозь до внутренних органов и быть ошеломленной этим. Я могу видеть, какое из себя сердце моего возлюбленного, и этот красивый образ не имеет ничего общего с привычной символикой того, как его рисуют. Искусство плоти любит пародию и барокко, гротеск и экстрим.

 

 

Йозеф Бойс. «Я люблю Америку и Америка любит меня»

Легендарный перформанс немецкого художника Йозефа Бойса с диким койотом длился восемь часов три дня подряд: в конце этого опасного соседства со зверем койот и художник привыкли друг к другу. Бойс прилетел на этот перформанс из Германии на машине скорой помощи прямо в галерею и так же вернулся обратно в аэропорт, объясняя свое действие тем, что хочет быть предельно изолированным от Америки и единственное, что он увидит, — этот самый койот.

Многие люди чувствуют, что ошибочная война во Вьетнаме была первой войной, проигранной Штатами. Это не так. Сорок пять лет дядя Сэм воевал с койотами и проиграл им. С 1937 по 1981 год были сняли скальпы с трех миллионов 612 тысяч койотов. Если я правильно посчитал, всего пострадало шесть миллионов койотов. И все еще мы можем сказать, что койоты выиграли войну. Можно сказать, что сперва надо рассчитаться с койотом, и только тогда можно будет покончить с травмой.

 

 

 

Олег Мавроматти. «Свой/чужой»

Российский художник Мавроматти, скрывающийся сейчас в Болгарии, 1 апреля 2000 года провел акцию «Не верь глазам», когда распял себя на кресте и написал на футболке «Я не сын божий» — именно этот перформанс стал причиной бегства художника за границу. Когда его решили экстрадировать в Россию, отказав в продлении загранпаспорта, художник запустил онлайн-казнь «Свой/чужой»: в интернете было проведено голосование за или против смерти художника, а компьютер был подключен к самодельному электрическому стулу — если бы голоса за казнь художника перевесили, ему в голову выпустили бы электрический разряд. Через неделю после начала эксперимента он был признан удачным — художника признали «своим» и он остался жив.

Каким бы ни был результат, я жду от этого эксперимента глубокого мистического опыта. Жизнь показывает, что с метафизикой игра невозможна. Десять лет назад я нажал на кнопку, когда взошел на крест, и вот эхо этого события догнало меня спустя десять лет. И я готов платить по счетам своей собственной жизнью — как бы патетически это ни звучало в нашем циничном мире.

 

 

 

Крис Берден. Trans Fixed

Перформансист Крис Берден часто прибегал к экстремальным перформансам: его ассистент стрелял ему в руку с расстояния пяти метров. Для перформанса Trans Fixed художник лег спиной на крышу «Фольксвагена-жука» и раскинул свои руки: в кисти ему пробили гвозди. Машина была заведена и выехала из открытого гаража, а спустя две минуты въехала в него обратно — дверь закрылась.

Герман Нич. «Кровавые мистерии»

Почти все перформансы венских акционистов в начале семидесятых были связаны с экспериментами с телом, попыткой контролировать боль и входить в медитативные состояния. В те времена Австрия задыхалась от профашистского правительства, авторитарной диктатуры и преследования инакомыслия, и акционисты были небольшой, но очень сплоченной группой, нарушавшей все мыслимые запреты и табу — наносили себе вред, раздевались, имитировали оргии и обмазывались краской. Кровавые мистерии Нитша — серия из ста скандальных и кровавых перформансов в современном искусстве, которые воспроизводились тридцать пять лет.

Тема табу очень занимает меня, в особенности откуда они берутся — я посвятил в своей работе много часов, изучая психологию — трагедии Софокла, например. Но мной никогда не руководило желание спровоцировать: я не насколько глуп, чтобы думать «О, займусь-ка этим, потому что оно очень провокационно». Я работаю с нашими плотью и кровью: есть художники, которые делают пейзажи и портреты, а есть те, кто занимается кровью и телом. Охотники и врачи тоже так делают. Но большинство людей не думают об этом, потому что не могу себя заставить смотреть на это.

 

 

 

 

Кароли Шнееман. «Eye Body»

Американская перформансистка в основном экспериментировала с темой обнаженного женского тела и выясняла таким образом грани дозволенного, однако делала и опасные для жизни перформансы, например, сажала на обнаженное тело пару садовых гадюк.

В те времена мне казалось, что нечто особенное происходит с женским телом в искусстве — она (женщина. — Прим. ред.) и художник, и объект одновременно. Но тогда мои перформансы считались смешными. Я делилась наблюдениями с важными кураторами, и они говорили в один голос: «Это дерьмо». Все они были мужчинами, упрямыми в своих суждениях: «Если хочешь рисовать, рисуй, но если ты бегаешь вокруг голой, тебе не место в мире художников».

 

 

 

Чжанг Юань. «Моя Швейцария»

Китайский художник, которому покровительствует Саатчи, выставляет картины и фотографии, но время от времени занимается и перформансом, отражая в своих болезненных и часто опасных для жизни акциях то, как он чувствует ту или иную страну во время путешествия и жизни в ней.

Однажды, катаясь на велосипеде по городу к моей студии, я нашел на улице ногу от манекена. Обычную женскую пластиковую ногу. Я взял ее в свою студию и пытался приклеить ее довольно долго к собственному телу. Это был важный момент для меня: я открыл, что тело тоже может быть частью искусства. Тело — мой первый язык, немедленный, его всегда можно почувствовать. Перформанс — как небольшая ветка на дереве, которое называется искусством. А может, как небольшое течение реки. Люди всегда будут смотреть на большую реку или на большое дерево: им свойственно уделять внимание большим вещам. А перформанс — то, на что все смотрят лишь время от времени.

 

 

 

 

 

Йоко Оно. «Отрежь кусок»

Простой, но гипнотизирующий перформанс Йоко Оно повторяла многократно: сидя в скромном черном платье посреди комнаты, она позволяла посторонним отрезать от ее платья по кусочку специальными ножницами.

 

Я всегда хотела сделать работу без своего эго в нем. Результатом этого и стал мой перформанс. Вместо того, чтобы давать зрителям то, что выбирает художник, можно дать зрителям то, что хотят зрители. Ты режешь и забираешь с собой любой кусок, который тебе нравится: я вышла на сцену в своем лучшем наряде, хотя было понятно, что его изрежут весь — но такими были мои намерения. Тогда я была бедной, и это давалось мне с трудом. Я повторяла перформанс несколько раз, и вещей в моем гардеробе было все меньше. Когда я делала это, смотрела в пустоту, мне казалось, что я будто молюсь, я также чувствовала, что жертвую собой по доброй воле.

 

 

 

 

 

Олег Кулик. «Я кусаю Америку, Америка кусает меня»

Первым человеком-собакой был нынешний куратор 4-й Московской биеннале Петер Вайбель, но Кулик добавил перформансу агрессивную окраску и сослался в названии на легендарную акцию Йозефа Бойса. В рамках перформанса Кулик две недели жил в собачьей клетке, глодал кости и гулял по улицам города на поводке, кусая прохожих и еще чаще — попадая в полицию за нарушение общественного порядка.

Рудольф Шварцкоглер. «З-я акция»

Один из венских акционистов умер в раннем возрасте: в двадцать девять лет он был найден мертвым под окном собственного дома, из которого выпал — случайно или нарочно, до сих пор не выяснено. В этом перформансе голову Рудольфа обмотали бинтами и протыкали штопором, отчего по бинтам струилась кровь. Интервью с так рано ушедшим художником из жизни художником почти не сохранилось, зато остались записи, которые он делал перед своими акциями. Планируя свои перформансы, Рудольф описывал их так: «Голова опирается на кусок сала. Черная жидкость капает с бинтов на глазах в сало. Рука с ногтями, накрашенными черным лаком, лежит на голове».


Читайте также:

Марина Абрамович. Художник присутствует. 2010

С начала 1970-х годов Марина Абрамович выходит за пределы воспринимаемых ограничений тела и разума и исследует сложные отношения между артистом и аудиторией с помощью перформансов , которые бросают вызов как ей самой, так и, во многих случаях, участникам эмоционально, интеллектуально и физически. Идеи, вдохновляющие ее работы, являются ключевыми, как и использование ее собственного тела для передачи своих идей. Она занимается искусством с детства и рано поняла, что не обязательно делать это в студии или даже брать бетон из .«Я поняла, что… я могу творить искусство со всем… и самое главное [вещь] — это концепция», — рассказывает она. «И это было началом моего перформанса. И в первый раз, когда я представил свое тело аудитории, я понял: это мой media ». 1

В 2010 году в Музее современного искусства Абрамович участвовал в расширенном перформансе под названием Художник присутствует . Работа была вдохновлена ​​ее убеждением в том, что увеличение продолжительности выступления сверх ожиданий помогает изменить наше восприятие времени и способствовать более глубокому вовлечению в этот опыт.Молча сидя за деревянным столом напротив пустого стула, она ждала, пока люди по очереди сидели на стуле и смотрели ей в глаза. В течение почти трех месяцев, по восемь часов в день, она встречала взгляды 1000 незнакомцев, многие из которых были тронуты до слез.

«Никто не мог представить … что кто-нибудь найдет время, чтобы сесть и просто взглянуть на меня друг другу», — объяснил Абрамович. Фактически, стул всегда был занят, и люди стояли в непрерывных очередях, ожидающих, чтобы сесть на него.«Это была полная неожиданность… эта огромная потребность людей в контакте». 2

Марина Абрамович, цитируется в «Марина Абрамович: Ранние годы», Институт Марины Абрамович, http://www.mai-hudson.org/about-mai/.

Марина Абрамович, цитируется в «Марина Абрамович: Ранние годы», Институт Марины Абрамович, http://www.mai-hudson.org/about-mai/.

Пако Бланкас в tumblr, https: //www.tumblr.ru / search / paco% 20blancas.

Марина Абрамович, цитируется в «Ритм 0», Институт Марины Абрамович, http://www.mai-hudson.org/about-mai/.

Термин, появившийся в 1960-х годах для описания разнообразных живых выступлений артистов, включая действия, движения, жесты и хореографию. Перформанс-искусству часто предшествуют, включают в себя или позже представляют в различных формах видео, фотографии, объекты, письменную документацию или устную и физическую передачу.

Материалы, используемые для создания произведения искусства, и категоризация искусства на основе используемых материалов (например, живопись [или, точнее, акварель], рисунок, скульптура).

Форма или структура объекта.

О том, чтобы быть рядом с художником
Один посетитель описал сидение с Мариной Абрамович как «трансформирующее переживание — оно светится, поднимает настроение, в нем много слоев, но оно всегда возвращается к присутствию, дыханию, поддержанию зрительного контакта.Это удивительное путешествие — иметь возможность испытать произведение и поучаствовать в нем ». 3 Он был настолько увлечен этим, что возвращался, чтобы посидеть с художником 21 раз!

To the Extreme
Марина Абрамович известна тем, что в своих выступлениях доходит до крайностей, страдая от боли, дискомфорта, уязвимости и незащищенности. Для нее достижение границ терпимости — это способ проверить и обнаружить силу тела и разума: «Мне интересно, как далеко вы можете подтолкнуть энергию человеческого тела, как далеко вы можете зайти, а затем посмотреть что на самом деле наша энергия почти безгранична.Дело не в теле, а в уме, [который] доводит вас до крайностей, о которых вы даже не догадывались ». 4

художников по направлению искусства: феминистское искусство

Художественное движение

Феминистское искусство, категория искусства, связанная в первую очередь с феминистками конца 1960-х и 1970-х годов и феминизмом в целом, критиковала традиционные гендерные ожидания и канон истории искусства, используя искусство для создания диалога между зрителем и произведением искусства через феминистскую линзу.Вместо того, чтобы создавать произведения искусства для визуального удовольствия зрителя, феминистское искусство было направлено на то, чтобы заставить зрителя подвергнуть сомнению социальные и политические нормы общества в надежде, что это вдохновит изменить суть феминизма — положить конец сексизму / угнетению. Использование средств массовой информации варьировалось от традиционных форм искусства, таких как живопись, до нетрадиционных методов, таких как перформанс, концептуальное искусство, боди-арт, крафтивизм, видео, кино, а также волокнистое искусство. Феминистское искусство послужило инновационной движущей силой в расширении определения искусства за счет включения новых медиа и новой перспективы.

Исторически сложилось так, что, вероятно, есть художницы, которые были бы сопоставимы с Микеланджело или Леонардо да Винчи, прежде всего потому, что женщины были исключены из обучения в качестве художников, особенно когда дело дошло до изучения человеческого тела и, следовательно, необходимости видеть обнаженную модель. К концу 1960-х феминистское движение в искусстве возникло в то время, когда идея о том, что женщины в корне ниже мужчин, подвергалась критике, особенно в мире искусства. В книге «Почему не было великих женщин-артисток» Линда Ночлин написала: «Ошибка не в наших звездах, наших гормонах, наших менструальных циклах или наших пустых внутренних пространствах, а в наших учреждениях и нашем образовании».Через различные средства массовой информации женщины-художницы раскрыли патриархальную историю, в которой большинство самых известных произведений искусства были созданы мужчинами для мужчин. После 1960-х годов мы видим рождение новых медиа и постепенное снижение гендерной дискриминации в искусстве.

Хотя история феминистского искусства традиционно начинается в 1960-х годах, история также признает аспекты феминистского искусства, начавшиеся намного раньше, чем 1960-е и 1970-е годы. Феминистское искусство — это просто феминистка, создающая искусство.Хотя якобы это термин, который зависит от сознания феминистской теории искусства.

Согласно определению из словаря, слово «феминистка» появилось около 1852 г. и означало «женские качества». Вскоре после этого оно стало обозначать модерн / современные интонации, присущие «феминистскому искусству». Примерно в это время есть несколько исследовательских статей, ссылающихся на конкретных писателей / художников:

Мина Лой, автор феминистского манифеста, работала с Пегги Гуггенхайм в 1923 году над созданием абажуров, стеклянных новинок и вырезок из бумаги.В 1936 году она создала коллажи найденных объектов в Нью-Йорке.

Существует движение феминистского искусства, начавшееся в 1970-х годах, но это менее широкая категория, чем термин «феминистское искусство», и поэтому истоки феминистского искусства можно переопределить как в смысле языка, так и с помощью начало признания — по крайней мере — в конце 1800-х годов.

Люси Р. Липпард в 1980 году заявила, что феминистское искусство «не является ни стилем, ни движением, а скорее системой ценностей, революционной стратегией, образом жизни.»

Это часть статьи в Википедии, используемой в соответствии с непортированной лицензией Creative Commons Attribution-Sharealike 3.0 (CC-BY-SA). Полный текст статьи здесь →

Википедия: https://en.wikipedia.org/wiki/Feminist_art

Художник-перформанс Марина Абрамович: «Я была готова умереть» | Культура

В 1974 году Марина Абрамович провела ужасающий эксперимент.В галерее в своем родном Белграде, Сербия, она разложила 72 предмета на козлах и предложила публике использовать их на ней так, как они сочтут нужным. Некоторые предметы были доброкачественными; боа из перьев, немного оливкового масла, розы. Других не было. «У меня был пистолет с пулями, моя дорогая. Я был готов умереть». По прошествии шести часов она ушла, вся в крови и слезах, но живая. «Как мне повезло», — говорит она со все еще сильным акцентом и смеется.

В июне этого года Абрамович, которая в свои 67 лет иногда называет себя «бабушкой исполнительского искусства», откроет выставку в галерее Serpentine в Лондоне, свое первое оригинальное перформативное шоу в Великобритании, в котором, по ее словам, будет более смелой и уязвимой, чем она была в Белграде и в МоМА в Нью-Йорке четыре года назад.Затем Абрамович сидела в кресле в галерее по восемь часов в день, в то время как посетители вливались в нее и один за другим занимали стул напротив нее. Некоторые плакали; другие смеялись. По крайней мере, одна из них сняла с себя всю одежду, и ее пришлось снять с охраны. Три месяца Абрамович сидел там, бесстрастно, и за это время «Художник присутствует» собрал рекордные толпы в галерее и стал одним из самых известных и противоречивых произведений перформанса, когда-либо поставленных. Fox News очень рассердился по поводу того, что все это означает, и назвал ее «провокатором югославского происхождения», в то время как куратор галереи Уитни назвал ее «одним из самых значительных художников второй половины 20 века».«Со своей стороны, Абрамович сидел. И сидел. И сидел. Еда для космонавтов. Для ее шоу «Змеиный» Абрамович должна быть в хорошей физической и психологической форме. Она сидит на строгой диете и скоро уедет в Бразилию, чтобы встретиться с каким-то шаманским советником. Она ей понадобится. Лондонское шоу, которое называется 512 часами на время, которое она проведет в галерее, удалит даже несколько клочков структуры, за которую цеплялась выставка MoMA.На этот раз ни стула, ни стола. Вместо этого, весь день, каждый день с 11 июня по 25 августа, Абрамович будет бродить по галерее, где, после того, как ее попросят сбросить пальто, часы и все свои устройства, посетители будут приглашены войти и посмотреть на нее. «Это публика и я, и ничего больше», — говорит она. «Я забрала предметы. Но встреча …» Она улыбается. «Я никогда не делал ничего столь же радикального, как это. Это настолько несущественно, насколько это возможно».

‘Нет ничего более трагичного, чем художники 70-х, все еще занимающиеся искусством 70-х.Фотография: Майк МакГрегор

Когда исполнительское искусство плохо, оно хуже, чем что-либо еще, и даже хорошее становится уязвимым для насмешек. На бумаге это не похоже ни на что; женщина ходит по галерее — где в этом артистизм? Тем, кто испытывает искушение посмеяться, стоит посмотреть документальный фильм HBO о шоу Абрамовича MoMA, чтобы увидеть, как бесперспективная предпосылка превратилась в действительности в необычайно трогательную серию встреч. С первых дней своего пребывания в Сербии Абрамович подвергает себя экстремальному физическому и психологическому принуждению, чтобы вывести зрителей из привычного образа мыслей.«Среда — это тело», — говорит она, так говорят все артисты перформанса, но когда Абрамович порезает себя ножом или врезается телом в стену, это делается с такой чистотой цели, что зритель временно выводится наружу. самих себя. Это противоположность сенсационности или эксгибиционизма — жест самоуничтожения в романтическом смысле — и сидеть спокойно в течение трех месяцев, приглашая к общению с незнакомцами, — это то, что в контексте беспокойных и рассеянных жизней, которые мы живем, делает совершенным. смысл.Неудивительно, что люди плакали.

«Вы должны быть в состоянии, в котором вы полностью уверены в своей способности создавать такое харизматическое пространство», — говорит она, и в настоящее время не спит по ночам «в полной панике», собираясь сделать это снова в Серпентине. «Это действительно ад».

Лишь недавно все это стало популярным, и Абрамович как рок-звезда — помимо общения с Леди Гагой, которой она помогла разработать стратегии по отказу от курения (например, подсчет зерен риса), она на Обложка модных журналов и ее профиль в стиле Марии Каллас на пути к тому, чтобы стать культовым, — это плод 40-летней борьбы.Десятилетиями Абрамович была бедной и не принадлежала к миру искусства, не известна, большую часть 10 лет жила в фургоне со своим тогдашним спутником жизни, Уве Лайсипеном, немецким художником, выступавшим под именем Улай и с которым она водила машину. по Европе, сотрудничая с ее плодотворной работой 70-х годов. (Фургон, кстати, был обнаружен и выставлен на ретроспективе MoMA, что заставило Абрамович полностью испугаться. «Этот фургон», — говорит она и вздрагивает).

Когда она и Улай расстались, это было грандиозно: они превратили смерть своих отношений в пьесу под названием «Влюбленные» (1988), в которой они шли навстречу друг другу с двух сторон Великой Китайской стены — 2,500 км каждый, на протяжении нескольких месяцев — встреча посередине «на прощание».Если это не преданность своему искусству, я не знаю, что это такое.

Видео Мэй Райан. guardian.co.uk

Абрамович вышел из сложных ситуаций. Ее родители были тесно связаны с послевоенным коммунистическим режимом бывшей Югославии, и ее мать воспитывала Абрамовича в домашнем хозяйстве, больше напоминавшем учебный лагерь, чем семью. В 2011 году она превратила то, что равносильно жестокому воспитанию, в постановку под названием «Жизнь и смерть Марины Абрамович» с Уиллемом Дефо и Энтони Хегарти из «Антония и Джонсонов», в котором она сыграла и себя, и свою мать.«На каждой репетиции я плакала от начала до конца», — говорит она. «Потом однажды Бобби [режиссер] сказал:« Довольно этой ерунды плакать. Публика должна плакать, а не вы. После трех лет гастролей по Европе я был свободен. Все эти истории меня больше не затрагивают. невероятное чувство «.

Это было после многих лет критики репрессивного характера как ее семьи, так и ее страны посредством перформанса. В своей пьесе «Губы Томаса» (1975) она вырезала пятиконечную коммунистическую звезду на собственном животе, чудовищно хитрость вашего режима и присвоения жестокости в своих целях.В других настройках галереи она и Улай врезались друг в друга, визжали друг другу в лицо или сидели, глядя друг на друга в течение бесконечного времени, чтобы испытать и преодолеть границы того, что можно вынести. Это было захватывающе, шокирующе, прежде всего, морально и увлекательно, несмотря на обвинения в бессмысленности. Самая большая опасность этого вида искусства, конечно, состоит в том, что боль ошибочно принимают за смысл.

«Сначала мазохисты делали это дерьмо, и это было смешно.Им нужно было обратиться в психиатрическую клинику, — кивает она. — Объяснить это сложнее. В каждой культуре [есть] шаманы или знахари, которые перенесли невероятную физическую боль, потому что это дверь, открывающаяся в подсознание. И то, как мы можем контролировать боль — это то, как контролировать все. Это ключ. » так что ей не нужно было вставать, чтобы пойти в туалет).Абрамович не мечтал. По ее словам, весь смысл упражнения заключался в том, чтобы полностью присутствовать, концентрироваться на общении с тем, кто приходил, чтобы сесть напротив нее, и «я никогда в жизни не видела столько боли». По ее мнению, огромное количество людей, которые плакали, было вызвано инсценировкой ситуации, в которой «некуда идти, кроме себя. Это было шокирующим. Но как все было просто».

Перед открытием шоу и Абрамович, и MoMA наполовину беспокоились, что никто не придет. Когда эта штука взлетела, знаменитости стали садиться напротив нее, в том числе, неизбежно, Джеймс Франко — а затем появился Улай.Абрамович нарушил протокол и схватился за руки через стол. Все приветствовали. «Я совершенно не ожидал, что он придет и сядет. В тот момент, когда он сел — и все были очень сентиментальны по этому поводу, потому что они проецировали на нас свои собственные отношения, — но это было невероятно сложно. Это был единственный раз Я нарушил правила «.

К чему она побуждает двигаться, а не от того, что ее больше всего пугает?

‘Особенно тяжело работать с британской публикой.Они очень саркастичны. Им легко скучно ». Фотография: Майк МакГрегор

«С самого начала я понял, что учусь только на том, что мне не нравится. Если ты делаешь то, что тебе нравится, ты делаешь то же самое. Ты всегда влюбляешься не в того парня. Потому что нет никаких изменений. Так легко делать то, что тебе нравится. Но тогда дело в том, что когда ты чего-то боишься, признай это, сделай это. Ты станешь лучшим человеком ».

Сколько стоит?

«Ах, большой. Много одиночества, моя дорогая.Если вы женщина, установить отношения практически невозможно. Ты слишком много для всех. Это слишком много. Женщине всегда приходится играть роль хрупкой и зависимой. А если нет, они очарованы вами, но ненадолго. А потом они хотят изменить вас и раздавить. А потом они уходят. Итак, много одиноких гостиничных номеров, моя дорогая ».

Улай и Абрамович расстались отчасти потому, что она опережала его как художник, о чем он довольно горько размышляет в документальном фильме, едко говоря, что она стала« очень амбициозной. «после того, как они расстались.Некоторые из ее сверстников раскритиковали Абрамович за то, что она зарабатывала деньги и одевалась в одежду высокой моды, когда вся ее карьера была посвящена антиматериализму — ее наименее любимой эпохой была сцена британского искусства 90-х, с ее «коммодификацией искусства».

У нее нет на это времени. «Меня критиковало мое поколение, художники 70-х — и нет ничего более трагичного, чем художники 70-х, все еще занимающиеся искусством 70-х, — потому что я стираю все эти границы между модой и поп-музыкой. Вчера я действительно разозлился, потому что Была женщина, которая сказала: «Марина несерьезна, потому что она хочет обложку модного журнала.«И потому что я устроил мероприятие с Jay Z. Она сказала, что я убил перформанс. Но кто установил эти правила? »

В любом случае, она говорит:« Я люблю моду. Кто сказал, что если у вас есть красная помада и лак для ногтей, вы плохой художник ».

Ее искусство по-прежнему глубоко антиматериалистично. Сложно упаковать и продать перформанс, поэтому она и привлекла его в Первое место. Ближайшее, что вы можете получить, — это видео или фотографии ее ставших культовыми шоу. В 1974 году, когда она предложила публике использовать эти объекты на своей замороженной фигуре, Абрамович разоблачила жестокость, скрывающуюся под поверхностью цивилизованных людей.Поначалу посетители галереи не решались подходить к ней. Затем, по сценарию «Повелителя мух», они начали незаметно пытать ее. «До сих пор остались шрамы от того места, где меня резали люди», — говорит она. «Они брали шип с розы и воткнули мне в живот. Публика может убить тебя. Это то, что я хотел увидеть».

Но в MoMA транзакции были приятными.

«Да. Я понимаю, что в людях можно выявить самое худшее и лучшее. И я узнал, как я могу превратить это в любовь.Вся моя идея в MoMA заключалась в том, чтобы дарить безусловную любовь каждому незнакомцу, что я и сделал. А другой [в Белграде] был вызовом для всех возможных плохих энергий; Если вы дадите парню бензопилу … вы его провоцируете ».

« Я мечтаю иметь этого идеального мужчину, который не хочет меня менять ». Фотография: Майк МакГрегор

Невероятно, но незадолго до того, как она начала сидячую забастовку в MoMA, она начала бракоразводный процесс со своим тогдашним мужем, Паоло Каневари, итальянским художником. «В конце проекта он вернулся на год.Еще страшнее. Больше ничего не работало. Это было — боже — бесконечно. Но в эти периоды есть часть вас, которая оцепенела. Вы абсолютно пусты ».

Она сейчас в отношениях?

« Нет. Конечно, я мечтаю иметь этого идеального мужчину, который не хочет меня менять. А я так не брачный материал, это ужасно. Но моя мечта — иметь то воскресное утро, когда вы завтракаете и читаете с кем-нибудь газеты. Я такой старомодный в реальной жизни и не такой старомодный в искусстве.Но я верю в настоящую любовь, так что, возможно, так и будет. Прямо сейчас нет, у меня нет места. Но жизнь складывалась для меня хорошо. Сильная боль. Но все в порядке ».

Это очень странный образ жизни, и она это знает. Как все будет работать в Серпентине, она не знает. Британские люди настолько заторможены, — говорит она, и к тому же склонны к насмешкам. Возможно, она вспоминает, что случилось с Дэвидом Блейном, когда он много лет назад подвесился в ящике из плексигласа над Темзой и был вознагражден насмешками и киданием бутылок.Но Абрамович не принадлежит к его банальной категории шоу-бизнеса. В том, что она делает, нет иллюзий; когда она порезается, это реально. Все дело в том, что это реально.

В любом случае, по ее словам, «работать с британской публикой особенно сложно. Они очень саркастичны. Им легко скучно. Они не хотят участвовать в чем-либо, что могло бы их смутить или высмеять. И это огромная проблема ». Она чертовски нервничает.

Она также думает о том, что с августа по сентябрь она поставит еще одну пьесу в галерее Шона Келли, своем профессиональном доме в Нью-Йорке, и не только на вечеринке по случаю ее 70-летия, которую Гуггенхайм предложил провести.«Я действительно воин искусства», — говорит она, подобная фраза может сойти с рук только женщина из прошлого Абрамовича. «Когда я что-то делаю, я делаю это правильно, а потом приходит другая Марина, очень хрупкая, очень тщеславная и хочет есть мороженое».

Или, другими словами, она говорит: «Я люблю плохие шутки. Я люблю получать удовольствие от всего. Затем наступает этот момент для работы — и это становится вопросом жизни или смерти».

Марина Абрамович: 512 часов в галерее Serpentine, Лондон, W2, с 11 июня по 25 августа.

В эту статью 15 мая 2014 года были внесены поправки. В более ранней версии говорилось, что выставка Serpentine — это первое, а не первое оригинальное перформативное шоу Абрамовича в Великобритании. Фактически, она дважды появлялась ранее на Международном фестивале в Манчестере.

«Жизнь» Марины Абрамович — первое в мире произведение искусства смешанной реальности

В течение шести дней февраля 2019 года художница-перформанс Марина Абрамович (р.1946) пригласил представителей общественности в лондонскую галерею Serpentine Gallery, чтобы стать свидетелями того, чего никогда раньше не делали. «Жизнь» — 19-минутный спектакль, реализованный посредством объемного захвата и представленный в смешанной реальности, — был первой крупномасштабной публичной выставкой чего-либо в этой новой среде. Билеты раскупили чуть более чем за два часа.

Прошло пять лет с тех пор, как Абрамович поставил свою признанную критиками « 512 часов» в той же галерее.Для этого перформанса предметом работы стала энергия, коллективно создаваемая посетителями и художником, который был в галерее каждый день.

Это было естественным продолжением Художник присутствует в MoMA, который в 2010 году установил рекорд посещаемости музея — 850 000 посетителей за три месяца — рекорд, который остается непревзойденным. Для The Life концепция была совершенно иной: можно ли передать присутствие, даже когда художник находится в другом месте? Последствия были универсальными и вечными.

Освободившись от всех подключенных устройств (телефонов, часов и т. Д.), Участники The Life надевают очки для МРТ и сопровождаются на места для просмотра обслуживающими лицами в лабораторных халатах. На фоне настоящих стен галереи и других посетителей кинореальный Абрамович — с зачесанными назад волосами и в малиновом платье — выступает в связанном пятиметровом круге.

Событие спланировано с учетом конкретных возможностей технологии и кажется абсолютно реальным.Это целостность художника, представленного как в зале со зрителями. В беседе с Christie’s в приведенном выше короткометражном фильме Абрамович объясняет, что эта работа посвящена бессмертию: «Потому что вы здесь, сохранены навсегда».

«Через сто лет после того, как был жив любой, кто когда-либо знал [Марину], найдутся люди, которые увидят, как она входит в комнату, и почувствуют это чувство связи, человеческого опыта», — добавляет Тодд Эккерт, основатель Tin. Драм, производственная группа смешанной реальности, создавшая The Life .

Для The Life Tin Drum снимал Абрамовича на одной из немногих студий, способных делать такой захват, с использованием 32 камер, связанных сложной алгоритмической системой внутри палатки с зеленым экраном. В результате получилось не только первое в мире произведение искусства смешанной реальности, но и первый набег на записанный носитель, представленный как происходящий в реальном времени.

«Когда мы записывали Марину в ее исполнении, мы знали, что будем инсценировать это как нечто происходящее в настоящее время, а не как артефакт чего-то, что произошло в прошлом», — продолжает Эккерт, который также поставил пьесу.«Мы хотели воспользоваться тем, чего раньше никогда не было возможно, а именно способностью передать правду о человеческом существе в комнате».

«Мы говорим о чем-то, что действительно отражает производительность по своей сути» — Марина Абрамович

С самого начала своей карьеры в Белграде в начале 1970-х годов Абрамович стала пионером в исполнительском искусстве, создав некоторые из самых важных произведений этого жанра.Исследуя свои физические и умственные пределы, она выдержала боль, истощение и опасности в своем стремлении к эмоциональной и духовной трансформации.

Для выступления Rhythm 0 (1974) она разложила 72 предмета на длинном столе, включая ручки, ножницы, цепи, топор и заряженный пистолет, и предложила участникам использовать предметы на ней по своему желанию. Для «Художник присутствует» Абрамович сидел в атриуме MoMA и в тишине смотрел друг другу в глаза более 1000 посетителей музея, один за другим, каждый час, когда музей был открыт в течение трех месяцев.

В возрасте 72 лет Абрамович создала аутентичную, альтернативную цифровую версию себя для The Life . «Работа с этой новой технологией, открытие безграничных возможностей — потому что мы говорим о чем-то, что действительно отражает производительность по своей сути — была для меня революционной», — говорит она.

В октябре 2020 года одно из трех изданий The Life будет выставлено на продажу на Christie’s.На сегодняшний день ни один аукционный дом не продал произведения смешанной реальности.

Зарегистрируйтесь сегодня

Интернет-журнал Christie’s каждую неделю доставляет на ваш почтовый ящик наши лучшие функции, видеоролики и новости аукционов

Подписывайся

Это революционное произведение искусства привлечет новую аудиторию в специально отведенном для этого выставочном пространстве Christie’s, используя новаторские гарнитуры и дальновидную продукцию Tin Drum, чтобы воплотить в жизнь замыслы художника.Лондонский вид будет открыт для посетителей по предварительной записи с 8 по 22 октября.

Марина Абрамович | Выставка | Королевская академия художеств

Марина Абрамович — одна из самых выдающихся артисток мира. Здесь художница представляет первую в Великобритании выставку, охватывающую творчество своей жизни, включая живые повторные показы знаковых работ, а также совершенно новые работы для этих галерей.

Мы приняли трудное решение отложить Марина Абрамович до 2023 года.Новые даты будут объявлены позже. Если вы уже забронировали билет, мы свяжемся с вами.

За последние 50 лет Марина Абрамович заслужила всемирное признание как пионер исполнительского искусства. Абрамович постоянно проверяла пределы своей физической и умственной выносливости в своей работе — и приглашала зрителей испытать это вместе с ней.

Такие произведения, как Rhythm 0 (1974), предлагали публике свободно взаимодействовать с Абрамович по своему выбору, что, как известно, привело к заряженному пистолету, приставленному к ее голове.Более поздние работы, такие как « Художник присутствует» (2010) в Музее современного искусства в Нью-Йорке, заставили зрителей усомниться в собственных эмоциях, поскольку они молча сидели напротив художника.

На первой крупной выставке Абрамович в Великобритании мы объединяем работы, охватывающие ее 50-летнюю карьеру, а также новые работы, созданные специально для этих галерей. Когда Абрамович приближается к середине 70-х, ее новая работа отражает изменения в теле художника и исследует ее восприятие перехода между жизнью и смертью.

Зрители также будут вовлечены в продолжающуюся дискуссию, которую Абрамович исследует на протяжении всей выставки: может ли перформанс пережить момент перформанса? Абрамович исследует вопрос наследия через фотографии, видео, инсталляции и повторные выступления молодых исполнителей.

Выставка, организованная в тесном сотрудничестве с Абрамович, предложит посетителям интенсивную физическую встречу, благодаря которой она стала известна. Абрамович примет участие в программе переговоров и мероприятий, связанных с выставкой.

# MarinaAbramovićRA

Даты будут объявлены дополнительно

вт – вс: с 10 до 18

Подпишитесь на рассылку новостей о билетах. Станьте другом, чтобы увидеть это бесплатно.

Главные галереи, Берлингтон-Хаус, Королевская академия художеств

Что делать с Мариной Абрамович, крестной матерью перформанса | Искусство и культура

Марина Абрамович, Художник присутствует, Перформанс, 3 месяца, Музей современного искусства, Нью-Йорк, Нью-Йорк, 2010 © 2016 г. Архив Марины Абрамович.Предоставлено галереей Шона Келли / (ARS), Нью-Йорк

Музеи обычно запрещают посетителям прикасаться к произведениям искусства, не говоря уже о том, чтобы втыкать булавки в художника, срезать с нее одежду или перерезать шею ножом в рамках представления.

Но это именно то, что некоторые зрители сделали с Мариной Абрамович во время ее культовой работы 1974 года, Rhythm O , , которая оказалась пугающим экспериментом в психологии толпы. Выступая в галерее Неаполя, Италия, Абрамович поместил 72 объекта на стол, в том числе булавки, иглы, молоток, разделочный нож, пулю и пистолет.Она предложила зрителям делать с любым из предметов все, что они хотят, давая публике шесть часов полного физического контроля над ней. Как объяснялось в инструкциях галереи, объектом был художник . В какой-то момент кто-то зарядил пистолет и вложил его в руку Абрамович, поднеся к ее ключице и коснувшись спускового крючка.

Когда шоу наконец закончилось, согласно ее грядущим мемуарам Walk Through Walls , избитая Абрамович, пошатываясь, ворвалась в свой номер в отеле, выглядя «чертовски», полуобнаженной и истекающей кровью — «чувствуя себя более одинокой, чем [она]». чувствовал давно.Но, как она рассказывает читателям, Rhythm 0 инкапсулирует следующие четыре десятилетия ее работы: инсценировать всеобщий страх, который мы все испытываем перед страданием и смертностью, чтобы «освободить» себя и аудиторию, используя «их энергию», чтобы подтолкнуть ее. кузов насколько это возможно.

Прогулка по стенам: Воспоминания

Сама по себе замечательная работа перформанса, «Прогулка по стенам» — яркое и мощное изображение беспрецедентной жизни выдающегося художника.

Купить

Wall Through Walls прослеживает жизнь Марины, от ее юного детства при режиме Тито в послевоенной Югославии до ее сотрудничества с модным домом Givenchy на показе на подиуме 2015 года в Нью-Йорке, городе, который она теперь называет своим домом. Родившийся в 1946 году, Абрамович начинал как художник в Белградской Академии изящных искусств, но его больше интересовала более концептуальная работа. Марина предложила свой первый сольный спектакль Come Wash With Me, Белградскому молодежному центру в 1969 году, где она планировала установить раковины для стирки, предлагая посетителям снять одежду, чтобы она могла стирать, сушить и гладить ее.Центр отверг эту идею, но она продолжила ее — официальный набег на перформанс, серию аудиоинсталляций в начале 1970-х годов.

В то время как книга охватывает вопросы, которые были уже давно пройдены, Абрамович предлагает несколько инсайдерских анекдотов, которые читатели должны с радостью найти (спойлер: контроль мочеиспускания является проблемой, когда Абрамович планирует пьесы). Самые яркие моменты мемуаров наступают, когда Абрамвоик делится самыми сокровенными подробностями романтических страданий, которые она пережила. Марина не любит мужчин, которых любит, и артист чувствует себя более присутствующим, чем когда-либо.

Марину, которую называют пионером, часто называют бабушкой исполнительского искусства. «Она оказала огромное влияние, — говорит Стефан Аквинский, главный хранитель Смитсоновского музея и Сада скульптур Хиршхорна. «Одно из самых больших влияний на нее — то, что она показала, как время превращает простые жесты в глубоко значимые и волнующие события». «Одно дело — проделать определенное действие в течение нескольких минут», — объясняет он. Но когда Марина поддерживает или повторяет действие в течение длительного периода, ее выносливость меняет отношения между художником и зрителем на нечто более интуитивное и интенсивное.

Однако это средство может показаться театральным и трогательным, особенно для тех, кто уже скептически относится к современному искусству с самого начала. В мире искусства критик Джерри Зальц назвал произведения Абрамовича «погранично мазохистскими». Иногда сама Марина стирала грань между своей работой и другими драматическими проявлениями стойкости. В документальном фильме 2012 года « Художник присутствует» , ее галерист Шон Келли выдвигает идею совместного перформанса, которую Дэвид Блейн предложил Марине для ее ретроспективы МоМА.Келли объясняет, что Блейн слишком пешеход. Он торгует магией — тогда как она обитает в высших эшелонах мира искусства. Но уважение Абрамовича к Блейну, которого часто называют художником на выносливость, поднимает вопрос: почему подвиги Абрамовича силы получают одобрение высокого искусства? В конце концов, Блейн подвергает себя чрезвычайному психологическому и физическому принуждению, когда, говорят, он «заживо похоронен» в гробу из оргстекла на неделю или заключен в глыбу льда на 63 часа. В одном из своих выступлений Марина лежала обнаженной на кресте из ледяных глыб.

По крайней мере, искусство Марины находится где-то, как выразился один писатель Atlantic , «на стыке театра, духовности и мазохизма». Некоторые примеры из ее плодотворной карьеры: Абрамович вырезала на животе пятиконечную звезду с помощью бритвенного лезвия для Thomas Lips . Она ползла по полу галереи с большим питоном в Three . Она сидела обнаженной перед публикой и причесывалась до боли, выдергивая клыки для Art Must Be Beautiful, Artist Must Be Beautiful .

И, конечно же, в том, что многие считают ее величайшим достижением, она просидела на деревянном стуле 700 часов в течение трех месяцев, молча, глядя на посетителей, одного за другим в The Artist Is Present . Шоу собрало более 750 000 посетителей MoMa и растрогало многих зрителей буквально до слез. Есть даже тамблер, Марина Абрамович заставила меня плакать. Когнитивный нейробиолог из Нью-Йоркского университета Сюзанна Диккер была настолько заинтригована этим феноменом, что вместе с Абрамович работала над исследовательским проектом под названием «Измерение магии взаимного взгляда».«Два человека в портативных ЭЭГ-гарнитурах смотрят друг на друга в течение 30 минут (как в шоу), поэтому Диккер может измерить, где синхронизируются их мозговые волны.

В последнее десятилетие или около того Абрамович стала более популярной, что ее критики рассматривали как распродажу за попытку нажиться на ее известности. Это что-то вроде «Уловки-22». В ее недавних работах не хватает крови и наготы, которые помогли ей стать более резкой выскочкой, но «бренд» Абрамовича, безусловно, более широко распространен в массовой культуре. Ее перформанс 2002 года « Дом с видом на океан » (мой личный фаворит из ее произведений) был скрупулезно пародирован десятью месяцами позже на «Секс в большом городе».Кэрри Брэдшоу посещает галерею, где на возвышении живет художник; единственный выход — лестницы с ножевыми перекладинами. Как и Марина, артистка не разговаривает и не ест в течение 16 дней, пытаясь изменить свое собственное «энергетическое поле», поле комнаты и, возможно, даже поле мира (выступление Марины длилось 12 дней, и в ее мемуарах ни разу не упоминается ). Дом с видом на океан о «мире»).

Укрепив свой статус вездесущности, в 2013 году Джей Зи адаптировала The Artist Is Present для своего музыкального клипа «Picasso Baby.Снятый в типичной белой галерее Челси, художник и рэпер танцуют, пристально глядя друг на друга. В обмен на ее материалы Джей Зи, очевидно, согласилась сделать пожертвование своему институту в Гудзоне, штат Нью-Йорк, где она планирует преподавать «метод Абрамовича». В своем выступлении на Ted Talk она описывает этот метод как повышение сознания людей и их способности жить настоящим моментом — то, что все остальные называют осознанностью .

Бранислав Яковлевич, профессор теории перформанса факультета театра и перформанса Стэнфорда, видит резкую разницу между театром и искусством, таким как Марина.Он объясняет, что театр репрезентативен, но Абрамович глубоко представителен. «То, что вы видите, действительно происходит», — говорит он. «Нет никаких иллюзий или вопросов о том, как она что-то делает». Кроме того, по его словам, зрители Абрамович принимают участие в том, что может произойти, во многом так же, как и она. Яркая иллюстрация даже для Марины: в Rhythm 5 художница лежала внутри пылающей деревянной звезды и потеряла сознание, когда огонь поглотил кислород вокруг ее головы.Зритель вытащил ее в безопасное место.

«Мазохизм включает в себя бессознательно мотивированную боль и страдание», — объясняет доктор Роберт Глик, профессор клинической психиатрии Колумбийского колледжа врачей и хирургов и бывший директор Университетского центра психоаналитической подготовки и исследований. «Следовательно, — говорит он, — не все, что связано со страданием, является мазохизмом». Да, Марина Абрамович причиняет себе боль — но как форма преднамеренного общения и воздействия на свою аудиторию.Глик сравнивает деятельность Марины Абрамович с людьми, которые участвуют в голодовках как форме протеста. Марина тратит месяцы или годы на планирование своих выступлений, и он отмечает, что это больше говорит о форме творческих амбиций, чем о мазохистском влечении.

На самом деле, в ее мемуарах есть трогательная сцена, в которой ее отношения с Улаем («бог , отец искусства перформанса», 12-летний партнер Марины по профессии и жизни) ужасающе ухудшаются. Во время драки Улай впервые бьет себя по лицу — в «реальной жизни» — в отличие от выступления, такого как Light / Dark , где они обменивались жестокими пощечинами в течение 20 минут.А для Марины граница между жизнью и искусством была безвозвратно нарушена.

Ее автобиография, вероятно, никого не изменит в отношении силы перформанса. Люди, которые находят ее усилия или весь жанр отчуждающими и надуманными, вероятно, почувствуют то же самое после Walk Through Walls . Но для тех, кто считает, что ее изнурительный подход делает ее провидцем, мемуары раскрывают чувствительную, стойкую — временами удивительно банальную — женщину, которая может подтолкнуть свое тело и разум к преодолению всех наших уровней страха и истощения во имя искусства.

Джейкоба Урист — писатель из Нью-Йорка, занимающийся искусством и культурой.

Изобразительное искусство Художники Современное искусство Исполнительское искусство Театр

Марина Абрамович — Дом с видом на океан — Выставки

Галерея Шона Келли рада объявить о большой выставке новых работ Марины Абрамович.Это первая персональная выставка Абрамович в Нью-Йорке с 1997 года.

Выставка состоит из крупного нового перформанса «Дом с видом на океан», который художница называет самым важным в своей карьере на сегодняшний день, «Кровать мечты» — скульптура, изображающая паблик может использовать и Stromboli — новую видеоинсталляцию. Каждая работа демонстрирует часть стремления Абрамовича к созданию произведений, которые ритуализируют простые действия повседневной жизни, такие как лежание, сидение, сновидения и размышления; по сути, проявление уникального психического состояния.Будучи жизненно важным представителем поколения новаторских исполнителей перформанса, в которое входят Брюс Науман, Вито Аккончи и Крис Бёрден, Абрамович создал некоторые из самых исторических произведений раннего перформанса и является единственным, кто до сих пор делает важные длительные произведения.

«Дом с видом на океан» — это общественная жилая инсталляция: первые двенадцать дней выставки Абрамович будет поститься, соблюдая строго определенный режим, в трех специально построенных жилых помещениях в главном пространстве галереи.Для этого уникального и сложного представления в галерее будут специальные часы (см. Ниже), чтобы облегчить повторное посещение публикой, поскольку их присутствие является неотъемлемой частью работы.

Кровать мечты — это скульптура, которую посетители по контракту приглашаются использовать в течение одного полного часа. Таким образом, каждый пользователь будет участвовать в ритуализации сна, сновидений и / или лжи. Вовлеченность общественности параллельна приверженности Абрамовича в «Доме с видом на океан». Назначить время использования Dream Bed можно, обратившись в галерею.

Стромболи, 30-минутное видео на одном канале, названо в честь острова к югу от Сицилии, который является единственным постоянно действующим вулканом в Европе и в течение последних 2000 лет испытывал небольшие извержения примерно каждые 15 минут. На видео художница лежит на берегу океана, между сушей и морем, ее голова движется в ответ на волны.

Марина Абрамович, родившаяся в 1946 году в Белграде, Югославия, без сомнения, одна из выдающихся художников нашего времени. На Венецианской биеннале 1997 года она была награждена Золотым львом как лучший художник за свою необычную видеоинсталляцию / перформанс «Балканское барокко».Ее работы включены во многие крупные публичные коллекции по всему миру, включая: Музей Соломона Р. Гуггенхайма, Нью-Йорк; Национальный музей современного искусства, Центр Жоржа Помпиду, Париж; Музей Стеделийк, Амстердам; Музей Ван Аббе, Эйндховен; Ирландский музей современного искусства, Дублин; Kunstmuseum Bern. Среди недавних персональных выставок: Марина Абрамович: Герой, Музей Хиршхорна и Сад скульптур, Вашингтон, округ Колумбия; «Маркировка территории», Ирландский музей современного искусства, Дублин; Охота, Центр современного искусства Китакюсю, Китакюсю; Дома духа, Бурганеф; Марина Абрамович, Фонд Антонио Ратти, Комо, и Public Body — Artist Body, Kunstverein Hannover.В 2005 году у Абрамовича состоится важная ретроспектива в Kunst und Ausstellunghalle der Bundesrepublik Deutschland, Бонн.

.

You may also like...

Добавить комментарий

Ваш адрес email не будет опубликован. Обязательные поля помечены *