Рене Магритт (Rene Magritte) 1898 — 1967 гг. — бельгийский художник-сюрреалист. Философ сюрреализма в изобразительном искусстве. Известен как автор странных картин, в которых заложена многозначность, загадочность. В отличии от других сюрреалистов, стремящихся исказить сам предмет (форму, образ), в картинах Рене Магритта почти не затронута «предметность» образа — сюрреалистичен смысл, восприятие, понимание, множественность значений. В каждой своей картине Магритт готовит парадокс. Каждая картина — это комбинация образа, способа его изображения и, даже, названия картины. Названиям картин Магритт уделял особое значение — они как бы «направляют» зрителя в размышления, вводят в «ребус». Они настраивают зрителя на поиск разгадки, но найденные ответы будут парадоксом или апорией для логики. Эта ситуация заставляет зрителя погружаться в мыслительные процессы, выводы из которых могут удивить самого зрителя. Зритель невольно становится философом. Этого и добивается художник. За подобный эффект своих картин он называет себя «магическим реалистом «. Как говорил сам Рене Магритт, его цель — это заставить зрителя задуматься. А стилистика намеренной примитивной простоты образов заставляет сосредоточиться над их символизмом. Как ни кто другой, Рене Магритт пользовался и «спекулировал» принципом — миром правят символы. Подобная практика восприятия многозначности и невольного развития процессов мышления существует в практиках дзен буддизма, когда парадоксальные (противоречащие логике) задачи приводят к бурному процессу поиска ответа, а в конечном результате — к пониманию гармоничной красоты ответов. Философии единства и целостности противоположностей. Но Рене Магритт не стремится развивать интеллектуальную составляющую своего творчества, он цинично эксплуатирует уже полученную популярность. Он останавливается только на эффекте зрительного восприятия, только создаёт парадокс восприятия, а последующие выводы оставляет зрителю. К сожалению, художник не стал развивать свой уникальный стиль. Хотя у Магритта было много поздних работ в виде «вариаций» прошлых удачных картин, получивших признание. Смысловое наполнение картин фокусирует на идее — парадоксальной разницей восприятия между изображением (образом) и действительностью. Знаменитый образ человека в котелке становится символом самого художника. Картина — «Сын человеческий «, стала настоящим шедевром всей концепции «магического реалиста» Рене Магритта, породив множество обсуждений, вариаций прочтения. Даже для общества, где модернистское восприятие мира и религии стало нормой, подобное использование символов в картине можно назвать интеллектуальной провокацией. Когда противоречивые выводы рождаются у зрителя в его собственной голове. Не смотря на внешний примитивизм в технике исполнения, художник и его образы становятся весьма заметной фигурой в культуре Европы. Его работы и их символизм становятся узнаваемы в обществе. Портрет Магритта размещён на банкноте в 500 бельгийских франков. Картины Рене Магритта:
|
что Рене Магритт отыскивает в нашем подсознании
Биография
Рене Магритт – бельгийский художник-сюрреалист, произведения которого полны загадок. Главным принципом его творчества стало сочетание несочетаемого. Магритт был простым человеком, жизнь которого можно посчитать скучной, но работы художника говорят о наличии широчайшей фантазии. Сам Рене определял направление своего творчества как магический реализм и не любил, когда его причисляли к сообществу сюрреалистов. Произведения знаменитого бельгийца напоминают плакаты и сегодня переживают новую волну популярности.
Детство и юность
Полное имя художника – Рене Франсуа Гилен Магритт. Родился 21 ноября 1898 года в провинциальном бельгийском городке Лессин. Он был старшим из 3 сыновей. Отец мальчиков, Леопольд Магритт, занимался продажей ткани и шитьем, а мать Регина работала модисткой. Прожив несколько лет в Лессине, семья перебралась в Гилли, а затем в Шатле, где Рене жил вплоть до 1912-го.
Рене Магритт в молодости
Этот год оказался переломным в биографии мальчика. Ему было 14 лет, когда мать по неизвестным причинам утопилась в городской реке Самбре. Сын стал свидетелем того, как ее тело вытаскивали из воды. Мама неоднократно пыталась покончить с собой и ранее. Спасала ее внимательность отца, которого в этот раз не оказалось рядом.
Несчастье серьезно повлияло на мировоззрение будущего художника. Он постоянно искал ответы на вопросы, возникшие тогда в его голове, и рассуждал о них сам с собой посредством картин. Семейная трагедия долго оставалась тайной для знакомых Магритта, даже его супруга узнала об этом не сразу. Рене всегда замалчивал щепетильный момент, но как только он вскрылся, психологи стали пытаться отыскать в его произведениях несуществующий подтекст.
Краткая биография
Имя: Рене Франсуа Гилен Магритт
Годы жизни: 21 ноября 1898 года — 15 августа 1967 года
Государство: Бельгия
Сфера деятельности: Изобразительное искусство
Величайшее достижение: Стал известным сюрреалистом, его полотна продолжают вдохновлять художников по всему миру по сей день.
Самый известный бельгийский художник Рене Магритт был сюрреалистом. Таким его считали за остроумные, наводящие на размышления, изображения повседневных образов. Для этого он пользовался простой графикой. Каждое произведение его содержит парадокс.
Картины
В 1916 году Рене Магритт стал студентом Королевской академии изящных искусств в Брюсселе. Проучившись там 2 года, молодой человек покинул учебное заведение. Он устроился художником на фабрику бумажной продукции. Эту должность Магритт занимал до 1926-го.
Картина Рене Магритта «Потерянный жокей»
Рене создал свою первую картину «Потерянный жокей» именно в этот период. Ее автор считал самой удачной работой. Галерея Сенто предложила контракт, благодаря чему художник смог оставить работу и сосредоточиться на творчестве. В 1927-м состоялась первая выставка сюрреалиста. Она не снискала восхищения публики, а рецензенты называли вернисаж неудачным.
Магритт уехал в Париж, где стал общаться с Андре Бретоном и другими сюрреалистами. Новые знакомства серьезно повлияли на становление художественной манеры и восприятие художника. Магритт сформировал собственный стиль, который отличался от привычной изобразительной манеры сюрреализма. Художник не любил использование психоанализа в искусстве, а предпочитал поэтическую философию и логические парадоксы.
Картина Рене Магритта «Сын человеческий»
После расторжения контракта с галереей Сенто Магритт вернулся в Брюссель и занялся рекламой, открыв вместе с братом агентство, которое предоставляло им финансовую почву. Первые творческие поиски художника велись в направлении футуризма и кубизма. Большое влияние на Рене оказывали произведения Фернана Леже.
С течением времени и формированием авторской манеры Магритт пришел к собственным цельным и глубоким образам. Частым героем его картин стал мужчина в шляпе-котелке, в котором критики усматривали образ самого автора. Герой в пальто появлялся спиной к зрителю или скрывал свое лицо. Впервые он предстал перед публикой в 1926 году на картине «Размышления одинокого прохожего».
Картина Рене Магритта «Голконда»
Незнакомец с картин оказывался изображенным на морском побережье, на городских улицах, в горах и в лесу. Он мог раздваиваться или множиться, становиться легкой дымкой или главным действующим лицом сюжета. Среди картин, на которых присутствует мужчина в шляпе – «Высокое общество», «Голконда», «Сын человеческий».
В числе привычных творческой манере Магритта образов: яблоко, птицы, курительная трубка и герои, чьи лица укутаны полотном. Критики усматривали в особенностях изображения последних намек на трагическую потерю Магритта. Его мать вытащили из воды с тканью на лице, которая плотно была прижата к коже.
Картина Рене Магритта «Влюбленные»
«Влюбленные» — картина, на которой изображены укутанные белым полотном герои. Она написана в 1928 году. Главная аллюзия изображения заключается во фразе «любовь слепа». Но психологи трактуют ее и как описание отчужденности человека, неспособного раскрыться даже в момент возникновения романтических чувств. Зрители, изучавшие произведение, припоминали и фразеологизм «потерять голову от любви». Эта картина стала одной из самых узнаваемых в перечне работ брюссельского художника.
В 1948 году на свет появилось произведение, которое автор назвал «Вероломство образов». На нем изображена курительная трубка с подписью «Это не трубка». Отталкиваясь от несоответствия предметов на изображениях, автор вовсе пришел к отрицанию, изобразив предмет, который трепетно любил.
Картина Рене Магритта «Вероломство образов»
Впоследствии трубка вновь была упомянута в картине «Две тайны», которая дублирует аутентичное изображение в рамках нового сюжета. Подобный фокус Магритт проделал и с зеленым яблоком, изобразив фрукт на картине «Это не яблоко» в 1964 году. Его изображение неоднократно появлялось и в других загадочных произведениях автора.
Небо – отдельно стоящий символ в работах Магритта. Этот образ он использовал чрезвычайно часто. Небо, изображаемое бельгийцем, не похоже ни на какое другое. Оно отражается в зеркале в работе «Элементарная космогония», становится наполнением персонажей, перетекает с мольберта на фон, как в серии «Человеческий удел», и оказывается местом расположения для мужчины в котелке в картине «Декалькомания». Особняком от них стоит изображение неба в «Империи света», и особенной кажется картина «Фальшивое зеркало», где оно является наполнением центра произведения.
Картина Рене Магритта «Фальшивое зеркало»
Творческая манера Рене Магритта может показаться однообразной. Начав с абстракции, он обратил внимание на сюрреализм после знакомства с работами Джорджо де Кирико, соединявшего абстракции и реальность воедино. В военные годы Магритт придерживался отсылок к импрессионизму, что настроило против него сюрреалистов.
Собранная в этот период выставка в примитивистском стиле относилась к стилю, который искусствоведы называют «коровьим». Магритт был первым, кто использовал слова в картинах, считая, что они имеют одинаковую природу с изображениями. Такой точки зрения придерживался и Джозеф Кошуту, основатель концептуализма.
Портрет Рене Магритта
Во время войны Магритт сменил цветовую палитру и стилистику, считая долгом дать людям шанс на радость и надежду. После завершения военных действий и оккупации он вернулся к привычной манере и добился признания.
Магритта недооценивали во Франции, зато полюбили в США, где целое поколение художников было под впечатлением от его работ. В 1954 году в Америке прошла выставка произведений автора. Он чувствовал дух времени и был идейным вдохновителем для минималистов и концептуалистов.
Рене Магритт
Художник оставил след не только в искусстве. Образы, придуманные и разработанные Рене Магриттом, неоднократно были использованы в маркетинговых кампаниях современных брендов. Мастер знал, как сделать изображение эффектным, так как имел опыт работы в рекламной сфере. Он не писал портреты, заведомо отворачивая героя от зрителя и предоставляя возможность насладиться иллюзией.
Рене Магритт (Rene Magritte)
Рене Магритт родился в Лессине (Бельгия) в семье портного и модистки. Детство и юность провел в провинциальном городке Шарлеруа. В 14 лет лишился матери, которая утонула (согласно другой версии — утопилась). Смерти матери исследователи творчества художника придают очень важное значение, объясняя отроческой психической травмой заслоненность лиц (птицей, букетом фиалок, но чаще всего — косынкой, полотенцем или полотном) на большинстве его портретов: когда Регину Магритт вытащили на берег, ее лицо было обмотано ночной сорочкой. В 1916 художник покидает отца и братьев (младший из них — Раймон — впоследствии стал популярным в Бельгии композитором-песенником) и поступает в Королевскую академию изящных искусств в Брюсселе. Примыкает к футуристам, однако, разочарованный невозможностью продать свои картины и угнетенный нищетой, устраивается маляром на обойную фабрику. В 1922 году женится на Жоржетт Берже. Биографы Магритта считают, что Жоржетт, с которой 15-летний Рене познакомился на ярмарочной карусели в Шарлеруа, не только в качестве супруги, но и физически была единственной женщиной в его жизни, что для многих является дополнительным доказательством «мещанства» художника. Так или иначе, но женитьба, очевидно, явилась главным спасением Магритта от уныния. Он снова полностью посвящает себя живописи, а, увидев в 1923 году репродукцию картины Джорджо де Кирико «Любовная песнь», кардинально меняет свои представления об искусстве. Магритт входит в сообщество дадаистов, а вскоре создает свои первые сюрреалистические работы. Картина «Заблудившийся жокей» (1926) становится для него пропуском в сюрреалистическую элиту. В 1927 году в галерее «Кентавр» в Брюсселе проходит его первая персональная выставка, после чего чета Магриттов переезжает во Францию и поселяется в местечке Перро-сюр-Марн неподалеку от Парижа. Магритт знакомится с Максом Эрнстом, Сальвадором Дали и Полем Элюаром, которые становятся его близкими друзьями. Однако экстравагантная богемная среда, видимо, претит художнику и в 1930 году он, ни с кем толком не простившись, внезапно возвращается в Брюссель, где создает в последующие годы ряд своих знаменитых картин — «Удел человеческий», «Черная магия», «Портрет», «Изнасилование», «Тоска по дому». Нацистская оккупация Бельгии является сильнейшим психическим стрессом для художника. Он проводит ее мучимый постоянным страхом репрессий за свое «левачество» (Магритт некоторое время был членом Компартии, откуда, правда, быстро ретировался), а еще пуще — «дегенеративное искусство». Возможно, реакцией на переживания войны является его отход в 40-е годы от принципов сюрреализма и «штамповка» картин a la Ренуар. В 1947 году на «отступника» обрушивается Бретон и отлучает Магритта от сюрреалистического движения. Магритт, однако, скоро, после скандала вокруг «варварской», крайне натуралистической картины «Пожиратели птиц», возвращается к своей привычной манере и вскоре входит в круг самых дорогостоящих авторов современного искусства. В 1964 году проходит его грандиозная выставка в Музее современного искусства в Нью-Йорке, на которой он получает «официальное прощение» от «идеолога сюрреализма» Андре Бретона: «Во всем, что сделал Магритт присутствует то, что Аполлинер назвал «поистине здоровым человеческим разумом», присущим лишь самым великим поэтам».В 1967 году Рене Магритт умирает от рака поджелудочной железы, оставив недописанной новый вариант своей, возможно, самой известной картины «Империя света».
Личная жизнь
В любви Рене Магритт был постоянен. Познакомившись в детстве с дочкой мясника из Шарлеруа, Жоржеттой Бергер, мальчик проводил с ней все время и был влюблен. Эта девушка стала свидетелем того, как будущий художник избрал для себя профессию. Однажды, гуляя по кладбищу, они увидели живописца за работой, и Рене принял решение, изменившее его жизнь.
Рене Магритт и его жена Жоржетта
Влюбленные подростки были вместе недолго. Родители девушки переехали в Брюссель и разлучили их. Прибыв в тот же город на учебу, Рене однажды столкнулся с бывшей возлюбленной на улице. Магритт отслужил в армии и, вернувшись, женился на Жоржетте в 1922 году. Она стала главной музой художника, поэтому женские образы автор писал с супруги.
Личная жизнь пары была счастливой. Казалось, чувства Магритта к жене непоколебимы. Но в 1936 году художник завел интрижку с некоей Шейлой, участницей перформансов, а его супруга стала встречаться с художником Полем Колине. В 1940-м Магритты снова оказались вместе.
Рене Магритт с женой и любимой собакой
Семья жила в скромном доме в Брюсселе, не выходила в свет и не путешествовала. Рене редко бывал на улице. Мастер работал в гостиной по строгому распорядку дня и всегда приходил к столу в обед. Детей пара не завела. На то было несколько причин, в том числе и финансовая нестабильность. Зато у Магриттов была любимая собака, которую художник брал с собой в кино. После смерти любимицы Рене сделал из нее чучело.
Женщина в ящике
Вскоре после смерти матери Рене познакомился с человеком, которому было суждено стать самым главным в его жизни. 13-летняя Жоржетта Бергер была дочерью мясника в Шарлеруа. Вместе подростки проводили все свободное время. Во время одной из прогулок по заброшенному кладбищу Рене и Жоржетта увидели художника с мольбертом. Мальчик застыл, словно завороженный: раньше он никогда не видел живописца за работой. Как потом признавался Магритт, именно в этот момент он решил стать художником.
По-детски невинный роман Рене и Жоржетты продлился недолго: родители девочки разлучили возлюбленных, переехав в Брюссель. Через несколько лет в столицу отправится и Магритт – он два года отучится здесь в Королевской Академии изящных искусств. И одним туманным днем 1920 года Жоржетта просто-напросто столкнулась с ним на улице. По-видимому, Судьба тоже любит фокусы. Юношеская любовь никуда не исчезла, Магритт твердо решил, что женится на девушке. Но сделать это удалось только после того, как Рене отслужил в армии.
Магритт женился на Жоржетте в июне 1922 года. Она стала его главной музой: художник утверждал, что все женские лица на его полотнах написаны с его жены (, ). Больше они не расставались до самой его смерти. То есть, почти не расставались. В 1936 году Магритт внезапно увлекся любительницей перформансов Шейлой Легг, а Жоржетта в отместку завела роман с его другом – художником Полем Колине. Супруги окончательно воссоединились только в 1940 году.
Этот небольшой скандальный эпизод – пожалуй, единственное, что выбивается за рамки биографии добропорядочного гражданина Рене Магритта. Они с Жоржеттой жили в маленьком милом домике в тихом районе Брюсселя и почти не бывали «в свете». Художник не любил путешествовать, да и вообще редко выходил из дома. В его доме не было специально оборудованной студии, он писал прямо в гостиной, строго по часам, и всегда прерывался на обед. У многих живописцев, которые во время работы забывали обо всем на свете, просто волосы зашевелились бы от такого «кощунства».
Смерть
Рене Магритт скончался 15 августа 1967 года. Причиной смерти стал рак поджелудочной железы. В последние дни жизни он работал над картиной «Империя света», но так и не успел закончить ее перед смертью. Художника похоронили на Скахребском кладбище в Брюсселе.
Могила Рене Магритта и его жены
Сегодня работы автора выставлены в Брюсселе, в музее, посвященном его творчеству. Здесь демонстрируются картины, фильмы, созданные по идеям художника, прижизненные фото Рене Магритта и эскизы. В магазине внутри музея можно приобрести сувениры, равных которым не найдется в Европе.
Это не Магритт, или вероломство бельгийских образов – Вся Соль
Рене Магритт очень просто объяснял название своей картины «Вероломство образов (Это не трубка)»: «Кто рискнет сказать, что ИЗОБРАЖЕНИЕ трубки — ЭТО трубка? Кто может раскурить трубку на моей картине? Никто. Поэтому ЭТО НЕ ТРУБКА».
Несмотря на подобного рода комические парадоксы, люди продолжают пытаться разгадывать загадки Магритта. «Бельгийский художник, умерший в 1967 году, всегда современен, — пишет в Guardian английский критик Джонатан Джонс в статье, озаглавленной, естественно, «Это не статья». – В его работах заключены хитрые головоломки, и XXI век не может устоять перед искушением поломать над ними голову».
Эта картина называется Эллипс
Действительно, только за последние годы большие выставки Магритта прошли с огромным успехом в парижском Центре Помпиду, в Нью-Йорке, Чикаго и в Ливерпуле. И если вы на несколько дней оказываетесь в Брюсселе, трудно устоять перед искушением сходить в Музей Магритта.
Музей, стоящий на Королевской площади, издалека напоминает здание какого-нибудь министерства, но никак не места, где размещены работы самого известного из художников-сюрреалистов. Однако здесь все устроено по-бельгийски, то есть не без прикола. Чтобы войти в музей, надо пройти еще квартал вниз по улице, купить билеты и спуститься в подземелье, откуда открывается доступ к различным музеям и экспозициям. Следуя за толпой, ломившейся на нашумевшую выставку «Берлин 1912-1932», мы в первый раз прошли мимо коридора, ведущего в Музей Магритта.
Здание Музея Магритта на Королевской площади в Брюсселе издалека можно принять за министерство
Нет нужды говорить, что многие из самых известных работ художника (в т.ч. «Вероломство образов») отсутствуют в постоянной экспозиции. Относительно небольшие музеи относительно небольших стран Европы зарабатывают деньги не на входных билетах, а на выездных выставках. По той же причине, когда в декабре мы были в Осло в Музее Мунка, не увидели знаменитый «Крик».
Перед встречей с большим искусством: какой же он, Рене Магритт?
Тем не менее Музей Магритта дает достаточно полное представление о его творчестве, а также о стране, в которой только и мог состояться подобный художник. Потому что, если вам удается получать удовольствие от картин Магритта, на которых небо Брюсселя предстает ярко-голубым, вы, несомненно, найдете удовольствие в реальном Брюсселе под его серым-серым, пропитанным влагой небом.
Небо Брюсселя — это не небо Брюсселя на картинах Магритта: оно не голубое, а серое
Бельгия во многих отношениях — сюрреалистическая страна. Ей, например, принадлежит мировой рекорд по продолжительности жизни без правительства: в 2010-11 гг бельгийцы провели в общей сложности 541 день без кабинета министров из-за неспособности основных партий договориться между собой, и если жители королевства и испытали от этого какое-то неудобство, то виду не подали, а экономика даже выросла.
Карнавал в бельгийском Алсте, участники которого швыряют друг в друга луковицы, а мужчины ходят в нижнем женском белье (это не то, что вы подумали), признан ЮНЕСКО нематериальным достоянием человечества и является, возможно, самым оригинальным уличным шествием в Европе.
Это не та трубка, которая не трубка
В пересчете на душу населения в Бельгии больше мишленовских ресторанов, чем в любой другой стране, но своим кулинарным символом бельгийцы считают вреднейшие картофельные чипсы и настоящую калорийную бомбу – бельгийские вафли.
Благодаря Магритту, Бельгия скромно называет себя «родиной сюрреализма», хотя сам художник утверждал, что в его картинах не заключено никакого символизма. Что не помешало мэрии уже в наши дни назвать одну из улиц Брюсселя «Это не улица». Другой новый топоним в Брюсселе – улица, названная в честь картофельных чипсов.
Это не листья и не деревья
Если вам не по душе пафосное самоназвание «родина сюрреализма», можно не с меньшим основанием назвать Брюссель европейской столицей китча — с писающим мальчиком, который преследует вас повсюду миллионами растиражированных на магнитах изображений и даже на витрине заведения, торгующего жареной картошкой, картофельный чипс, глумливо изогнувшись, выдает мощную струю, как перепивший бельгийского пива турист (см. заходное фото): три символа бельгийского китча в одной картинке.
Картины Магритта в этом отношении тоже не избежали судьбы писающего мальчика: зеленые яблоки, черные котелки и курительные трубки (которые не трубки) заполонили сувенирные киоски в виде брелоков и магнитов. Нам даже довелось видеть китайских туристок с чемоданами-репродукциями картины «Сын человеческий».
Урожай, одна из картин Магритта периода его увлечения импрессионизмом, написана, как считают, под влиянием Ренуара
Но вернемся в Музей Магритта. Одна из самых заметных работ, названная «Урожай», смутно вызывает в памяти образы французских импрессионистов. Это не случайное сходство, а прямое заимствование от одной из «Обнаженных» Ренуара. В свою очередь Ренуар вдохновлялся «Олимпией» Мане, а тот – тициановской «Венерой Урбинской». Но, как его предшественники, Магритт не копировал полотна, а создавал свое оригинальное произведение.
Каждая часть тела обнаженной на картине Магритта раскрашена в свой цвет, как если бы она была в костюме Арлекина. То есть можно сказать, что ню на картине – это не голая женщина, потому что разноцветных голых женщин в природе не бывает.
Человек из моря: ключевая работа т.н. темного периода Магритта — отражание увлечения художника немым кино и детективными романами
Вообще одним из любимых мотивов Магритта была игра с названиями предметов и образов, которым он давал другие имена. В 1927 году он создал серию картин, представлявших собой пародию на детский букварь с картинками. У каждой картинки было название, бросавшее вызов здравому смыслу.
Это увлечение имело совершенно неожиданное последствие, давшее один из самых узнаваемых символов XXI века. Я имею в виду зеленое яблоко Магритта, которое стало битловским «яблоком иллюзий», а через него оказало влияние на Стива Джобса и его Apple.
Магритт пришел в живопись из рекламы
До посещения Музея Магритта я не знала этой истории, и хочу в завершение сегодняшнего поста кратко рассказать ее.
Джон Леннон и Пол Маккартни, как известно, соперничали во всем, и когда Джон увлекся концептуальным искусством Йоко Оно (а вместе с ним и самой Йоко), Полу было чем на это ответить. В его коллекции находилась (и, насколько я понимаю, до сих пор находится) работа Магритта с изображением зеленого яблока, перечеркнутого надписью Au Revoir. Этот образ произвел на битлов такое сильное впечатление, что свою звукозаписывающую студию они назвали Apple Corps.
Джобс, в свою очередь, публично признавался в том, что его идея «яблочного» бренда косвенно навеяна битловским «яблоком иллюзий».
После встречи с большим искусством: так вот он какой, Рене Магритт
Таким образом, история закольцовывается: Магритт пришел в живопись из рекламы, а Стив Джобс был не только и не столько технологическим гением, сколько гением маркетинга. Как говорится, нам не дано узнать, чем слово наше (в данном случае, образ) отзовется.
Это не Магритт, или вероломство бельгийских образов
5 | Голосов: 5Поделиться ссылкой:
Рене магритт все картины. Рене Магритт. Обыкновенный сюрреализм. Любовь длиною в жизнь
Рене Магритт. Ясновидение (автопортрет). 54 х 64,9 см. 1936 г. Частная коллекция. Artchive.ru
В искусстве Рене Магритта нет ни капли позёрства. Он не «интересничает» со зрителем с помощью своих загадочных картин. Вместо этого он настоятельно призывает думать.
Картина, приятная для глаз, не является искусством для Магритта. Она для него совершенно пуста.
Сегодня энциклопедии определяют Магритта, как выдающегося сюрреалиста. Мастеру это наверняка бы не понравилось. Он сторонился психоанализа и недолюбливал Фрейда.
Разорвав однажды творческие узы с Андре Бреттоном (теоретиком сюрреализма), он запретил когда бы то ни было называть себя сюрреалистом.
Он стал первооткрывателем магического реализма. Магритт вообще был вольным художником, не готовым расстаться со своей свободой во имя признания. Поэтому писал только то, что для него имело значение.
Споры об отправной точке
Рене появился на свет 21 ноября 1898 года в городе Лессине (Бельгия). Спустя короткое время на свет появились ещё три брата.
Счастливое детство закончилось для будущего художника в 14 лет. В 1912 году его мать утопилась в реке. Видя, как горожане вытаскивают безжизненное тело матери, юный Рене пытался понять причину произошедшего. Он всегда верил в силу мысли. Нужно только очень постараться, и тогда разум найдёт ответы.
Сегодня искусствоведы спорят о влиянии на живописца трагедии детства. Некоторые считают, что именно под эгидой этой драмы появилась серия картин с изображением русалок. Правда у Магритта – русалки наоборот: с рыбьим верхом и человеческим низом.
Рене Магритт. Коллективное изобретение. 1934 г. Художественное собрание земли Северный Рейн – Вестфалия, Дюссельдорф. Wikiart.org
Другие же, не отрицая влияния этой мрачной страницы биографии, всё же склонны видеть природу таланта в самой личности художника.
Р. Магритт. Портрет. 1935 г. МОМА, Нью-Йорк
Он был настоящий фантазёр. Придумывал невиданные игры и развлечения. Но романтический склад ума Рене был чужд его братьям. Им так и не удалось стать родными людьми.
Кто знает, может перед нами портрет одного из его братьев. Который отражает прохладные отношения между родными по крови людьми.
Вы видите глаз в беконе? Думаю, нужно мягко говоря недолюбливать человека, чтобы написать вот такой его портрет.
Любовь длиною в жизнь
А вот по-настоящему близким человеком для него стала его супруга, Жоржетта Бергер. Они познакомились ещё подростками. И случайно встретившись в ботаническом саду уже взрослыми людьми, никогда более не расставались.
Жоржетта была его музой и лучшим другом. Магритт посвятил ей не одно своё полотно, а она ему – всю свою жизнь.
Только одна история омрачила их семейную жизнь. Через 13 лет брака Магритт увлёкся другой женщиной. Жоржетта отомстила ему, закрутив роман с его другом. Они жили порознь 5 лет.
Именно в этот период почему-то Магритт написал вот этот портрет Жоржетты.
Рене Магритт. Жоржетта. 1937 г. Музей изящных искусств, Брюссель. Wikiart.org
Этот портрет особенно похож на открытку. Такая открыточность свойственна почти всем картинам Магритта.
В 1940 году супруги вновь воссоединились. И уже не расставались.
После смерти мужа Жоржетта вспоминала, что до сих пор, глядя на его картины, она разговаривает с ним и часто спорит.
Магритт не хотел воплощать свою любовь, как некое клише. В стремлении добраться до сути этого чувства, он создаёт полотно «Влюблённые». На ней лица молодых людей обёрнуты в простыни.
Рене Магритт. Влюблённые. 54 х 73,4 см. 1928 г. Музей современного искусства (MOMA), Нью-Йорк. Renemagritte.org
Эта работа поражает своей анонимностью. Мы не видим лиц героев. Такая обезличенность была свойственна почти всем работам художника.
Даже если на лицах не было покрывала, черты лица загораживал обыденный предмет. Например, яблоко.
Рене Магритт. Сын человеческий. 116 x 89 см. 1964 г. Частная коллекция. Artchive.ru
Признание и гражданский долг
В 1918 году юноша закончил Королевскую Академию изящных искусств. Выйдя за порог «альма-матер», стал мучительно искать средства к существованию.
Пойти против своей идеи, подстроившись под вкусы публики, он не мог. Поэтому устроился в мастерскую, занимающуюся росписью обоев.
Печальнее противоречия трудно представить: художник, который более всего пытался запечатлеть мысль, был вынужден рисовать цветочки на обоях.
Но Рене продолжал писать в свободное время. Героями его картин становятся обыденные предметы. Вернее идеи, спрятанные за ними.
Существует серия картин-отрицаний, где художник нарочно рисует, например, трубку и оставляет подпись: «Это не трубка». Привлекая тем самым внимание к тому, что находится за привычной оболочкой предмета.
Рене Магритт. Вероломство образов (Это не трубка). 63,5 x 93,9 см. 1948 г. Частная коллекция. Wikiart.org.
Каждая картина Магритта – это остроумная самостоятельная история. Компоненты полотна не растекаются, не деформируются. Они реалистичны и узнаваемы.
Но в композиционной совокупности образуют какую-то совершенно новую мысль. Мастер утверждал, что в каждую его картину «зашит» особый смысл. Никакого бестолкового нагромождения.
В чем, например, смысл в дожде из людей? Сам художник никогда не расшифровывал своих картин. Каждый сам для себя ищет скрытый подтекст.
Рене Магритт. Голконда. 100 x 81 см. 1953. Частная коллекция, Хьюстон. Artchive.ru
В 1927 году открывается первая выставка Рене, которая не имеет успеха у критиков. И чета Магриттов уезжает в Париж, столицу авангардного искусства.
После недолгого сотрудничества с кружком Бреттона, художник избирает свой путь и быстро добивается успеха.
Современники вспоминают, что Рене отличался от всех художников. У него никогда не было своей мастерской. А в доме, где Магритт жил, не было характерного для живописца беспорядка. Магритт говорил, что краска создана для того, чтобы наносить её на холст, а не размазывать по полу.
Впрочем, такими же “чистыми” и даже суховатыми были его картины. Чёткие линии, идеальные формы. Предельный реализм, переходящий в иллюзию.
Рене Магритт. Условия человеческого существования. 1934 г. Частная коллекция. Artchive.ru
С наступлением войны, Магритт начал писать картины, не свойственные своему стилю. Периодом “ ” назовут это время искусствоведы.
Рене считал, что это его гражданский долг, писать жизнеутверждающие образы, давая зрителю надежду. Голубь мира с хвостом из цветов – яркий пример «военного» искусства Магритта.
Рене Магритт. Благоприятное знамение. 1944 г. Частная коллекция. Wikiart.org
Достигший бессмертия
После войны Магритт снова вернулся к привычной стилистике, много размышляя на тему смерти и жизни.
Достаточно вспомнить его пародии на известные картины других художников, где всех героев он заменил гробами. Вот так в магриттовской интерпретации выглядит картина “Балкон”.
Рене Магритт. Перспектива II: Балкон Мане. 80 х 60 см. 1950 г. Музей изящных искусств, Гент. Artchive.ru
Магритт признаёт величие смерти перед мыслью. Этих людей, реальных людей, когда-то позирующих Эдуарду Мане, уже нет в живых. И все их мысли навсегда ушли в небытие.
Но удалось ли Магритту обмануть смерть? Его жена Жоржетта утверждала, что да! Он жив в своих картинах, в загадках-ребусах, которая каждая несёт в себе. И призывая зрителя найти свой ответ.
После смерти художника от рака поджелудочной железы в 1967 году, Жоржетта до конца своих дней хранила нетронутым всё, что принадлежало талантливому супругу – кисти, палитру, краски. А на мольберте всё также стояла неоконченная картина “Империя света”.
Рене Магритт. Империя света. 146 х 114 см. 1950-е года. Коллекция Пегги Гуггенхайм в Венеции.
Для тех, кто не хочет пропустить самое интересное о художниках и картинах. Оставьте свой e-mail (в форме под текстом), и Вы первыми будете узнавать о новых статьях в моем блоге.
Вконтакте
Белла Адцеева
Бельгийский художник Рене Магритт, несмотря на несомненную принадлежность сюрреализму, в движении всегда стоял особняком. Во-первых, он скептически относился к едва ли не главному увлечению всей группы Андре Бретона — психоанализу Фрейда. Во-вторых, сами картины Магритта не похожи ни на безумные сюжеты Сальвадора Дали, ни на причудливые пейзажи Макса Эрнста. Магритт использовал, в основном, обычные повседневные образы — деревья, окна, двери, фрукты, фигуры людей — однако его картины не менее абсурдны и загадочны, чем работы его эксцентричных коллег по цеху. Не создавая фантастических предметов и существ из глубин подсознания, бельгийский художник делал то, что Лотреамон называл искусством — устраивал «встречу зонтика и пишущей машинки на операционном столе», небанально сочетая банальные вещи. Искусствоведы и ценители до сих пор предлагают все новые трактовки его картин и их поэтичных названий, почти никогда не связанных с изображением, что еще раз подтверждает: простота Магритта обманчива.
© Фото: Рене Магритт Рене Магритт. «Терапевт». 1967
Сам Рене Магритт свое искусство называл даже не сюрреализмом, а магическим реализмом, и с большим недоверием относился к любым попыткам интерпретации и уж тем более поискам символов, утверждая, что единственное, что нужно делать с картинами — рассматривать их.
© Фото: Рене Магритт Рене Магритт. «Размышления одинокого прохожего». 1926
С этого момента Магритт периодически возвращался к образу загадочного незнакомца в котелке, изображая его то на песчаном берегу моря, то на городском мосту, то в зеленом лесу или лицом к горному пейзажу. Незнакомцев могло быть двое или трое, они стояли спиной к зрителю или полубоком, а иногда — как, например, на картине High Society (1962) (может быть переведено, как «Высокое общество» — прим. ред.) — художник обозначал лишь контур мужчины в котелке, наполняя его облаками и листвой. Наиболее известные картины, изображающие незнакомца — «Голконда» (1953) и, конечно, «Сын человеческий» (1964) — самая растиражированная работа Магритта, пародии и аллюзии на которую встречаются так часто, что образ живет уже отдельно от своего создателя. Изначально Рене Магритт писал картину как автопортрет, где фигура мужчины символизировала современного человека, утратившего индивидуальность, но оставшегося сыном Адама, который не в силах устоять перед искушениями — отсюда яблоко, закрывающее лицо.
© Фото: Volkswagen / Advertising Agency: DDB, Berlin, Germany
«Влюбленные»
Рене Магритт довольно часто комментировал свои картины, но одну из самых загадочных — «Влюбленных» (1928) — оставил без объяснения, предоставив простор для интерпретаций искусствоведам и поклонникам. Первые вновь увидели в картине отсылку к детству художника и переживаниям, связанным с самоубийством матери (когда ее тело достали из реки, голова женщины была укрыта подолом ночной сорочки — прим. ред.). Самая простая и очевидная из существующих версий — «любовь слепа» — не вызывает доверия у специалистов, которые чаще трактуют картину как попытку передать изолированность между людьми, неспособными преодолеть отчуждение даже в моменты страсти. Другие видят здесь невозможность понять и узнать до конца близких людей, третьи понимают «Влюбленных» как реализованную метафору «потерять голову от любви».
В том же году Рене Магритт написал вторую картину под названием «Влюбленные» — на ней лица мужчины и женщины так же закрыты, но изменились их позы и фон, а общее настроение с напряженного сменилось на умиротворенное.
Как бы то ни было, «Влюбленные» остаются одной из самых узнаваемых картин Магритта, загадочную атмосферу которой заимствуют сегодняшние артисты — к примеру, к ней отсылает обложка дебютного альбома британской группы Funeral for a Friend Casually Dressed & Deep in Conversation (2003).
© Фото: Atlantic, Mighty Atom, Ferret Альбом группы Funeral For a Friend, «Casually Dressed & Deep in Conversation»
«Вероломство образов», или Это не …
Названия картин Рене Магритта и их связь с изображением — тема для отдельного изучения. «Стеклянный ключ», «Свершение невозможного», «Человеческий удел», «Препятствие пустоты», «Прекрасный мир», «Империя света» — поэтичные и таинственные, они почти никогда не описывают то, что видит на холсте зритель, а о том, какой смысл хотел вложить в название художник, в каждом отдельном случае приходится только догадываться. «Названия выбраны таким образом, что они не дают поместить мои картины в область привычного, туда, где автоматизм мысли непременно сработает, чтобы предотвратить беспокойство», — объяснял Магритт.
В 1948 году он создал картину «Вероломство образов», которая стала одной из самых известных работ Магритта благодаря надписи на ней: от несоответствия художник пришел к отрицанию, под изображением трубки написав «Это не трубка». «Эта знаменитая трубка. Как люди попрекали меня ей! И все же, вы можете набить ее табаком? Нет, это ведь всего лишь изображение, не так ли? Так что, если бы я написал под картиной «Это трубка», я бы солгал!» — говорил художник.
© Фото: Рене Магритт Рене Магритт. «Две тайны». 1966
© Фото: Allianz Insurances / Advertising Agency: Atletico International, Berlin, Germany
Небо Магритта
Небо с плывущими по нему облаками — настолько повседневный и употребляемый образ, что сделать его «визитной карточкой» какого-то конкретного художника кажется невозможным. Однако небо Магритта нельзя перепутать с чьим-то другим — чаще из-за того, что на его картинах оно оказывается отраженным в причудливых зеркалах и огромных глазах, наполняет контуры птиц и вместе с линией горизонта из пейзажа незаметно переходит на мольберт (серия «Человеческий удел»). Безмятежное небо служит фоном незнакомцу в котелке («Декалькомания», 1966), заменяет серые стены комнаты («Личные ценности», 1952) и преломляется в объемных зеркалах («Элементарная космогония», 1949).
© Фото: Рене Магритт Рене Магритт. «Империя света». 1954
Знаменитая «Империя света» (1954), казалось бы, совсем не похожа на работы Магритта — в вечернем пейзаже, на первый взгляд, не нашлось места непривычным предметам и загадочным сочетаниям. И все же такое сочетание есть, и оно делает картину «магриттовской» — ясное дневное небо над погруженными во тьму озером и домом.
Создававший загадочные картины Рене Магритт родился в конце 19 века в маленькой стране Бельгии. В раннем детстве его пугали шахматы и нотные знаки, по его воспоминаниям. Мать его утонула в реке, прыгнув с моста, когда Рене было 13 лет. Вытащив труп, обнаружили, что голова её обернута газовой тканью. Отсюда в творчестве будущего художника появились портреты без лиц.
Проучившись в Королевской Академии в Брюсселе два года, бельгийский художник Magritte Rene ушёл оттуда, став работать рекламным художником на бумажной фабрике. В 1926 году перешел на работу в галерею Сенто, заключив контракт. С этого момента он — . Первая его выставка в 1927 году была раскритикована. Тогда Рене, расторгнув контракт, и его жена Жоржетта Бергер уезжают в Париж, где художник вступает в кружок сюрреалистов. В чем-то не соглашается с ними, считая себя «магическим сюрреалистом». Париж надоедает, и супруги возвращаются на родину, в Брюссель. Опять рекламные работы, Рене и его брат открывают агенство.
Началась Вторая Мировая война, Бельгия в оккупации. Рене Магритт пишет картины, подобные стилю . В послевоенное время полотна Магритта пользовались невероятной популярностью в США, выставка за выставкой, куча денег, признание и слава обрушились на художника. Сам же Magritte Rene жил скромно, прожил всю жизнь с одной женой и умер от рака в возрасте 68 лет.
И вот почти через 42 года Королевский музей изящных искусств открыл музей, где были только произведения художника-мистика Магритта. Сам вид здания в необычном стиле, раздвигаемый занавес на стене, за которым деревья, голубое небо и виден вход куда-то. Так бельгийцы почтили память Рене, писавшего свои картины с философским смыслом.
Всё, что вы хотели знать об этой замечательной стране. Турция — полезные и познавательные статьи, факты и новости, курорты, отели, отзывы, форум и многое другое на сайте turkeyforfriends.
Художник Рене Магритт картины
Большое семейство
Человеческий удел
Фальшивое зеркало
Империя света
Неизвестное
Несведущая фея
Ностальгия
Память о путешествии
Песня любви
Портрет с трубкой
Прекрасный мир
Препятствие пустоты
17.03.2011 в 22:08
Сюрреализм Рене Магритта
Насилие (все работы можно увеличить)
Один из выдающихся художников прошлого столетия, Рене Магритт (1898–1967) был родом из Бельгии. Получив образование в Академии изящных искуств в Брюсселе, он поначалу находился под сильным влиянием дадаизма и кубизма. 1925 год стал поворотным в его творчестве: картина «Розы Пикардии» знаменовала новую манеру и новое мироощущение — «поэтический реализм» . Художник переезжает в «центр сюрреализма» — Париж, где участвует во всех сюрреалистических выставках.
Дадаи́зм, или дада — модернистское течение в литературе, изобразительном искусстве, театре и кино. Зародилось во время Первой мировой войны в нейтральной Швейцарии, в Цюрихе. Существовало с 1916 по 1922 г.Главной идеей дадаизма было последовательное разрушение какой бы то ни было эстетики. Дадаисты провозглашали: «Дадаисты не представляют собой ничего, ничего, ничего, несомненно, они не достигнут ничего, ничего, ничего».
Основными принципами дада были иррациональность, отрицание признанных канонов и стандартов в искусстве, цинизм, разочарованность и бессистемность. Считается, что дадаизм явился предшественником сюрреализма, во многом определившим его идеологию и методы.
Влюбленные
В начале 1950-х гг. искусство Магритта получает всевозрастающее международное признание, свидетельством чему — его большие выставки в Риме, Лондоне, Нью-Йорке, Париже, Брюсселе. В 1956 г. Магритту как выдающемуся представителю культуры Бельгии вручают престижную премию Гуггенхейма.
Красная модель
Главная особенность Магритта — атмосфера таинственности в его произведениях. Ощущение тайны, как известно, присуще настоящему искусству. «Я всегда считал Магритта художником воображаемого, мастером, стоящим где-то на уровне Джорджоне», — писал Герберт Рид. В этих словах — ключ к поэтике Магритта.Магритт резко выделяется среди сюрреалистов: в отличие от них, он использует не фантастические, а обыденные элементы, взятые в причудливых отношениях.
Проницательность(«La clairvoyance(autoportait)»)
Своеобразие творчества Рене Магритта раскроется полнее, если обратиться к теме «Сюрреализм и фрейдизм». Главный теоретик сюрреализма Андре Бретон, по профессии врач-психиатр, при оценке творчества художника придавал психоанализу Фрейда решающее значение. Фрейдистские взгляды были не просто усвоены многими сюрреалистами — это стало их способом мышления. Например, для Сальвадора Дали, по его собственному признанию, мир идей Фрейда значил столько же, сколько мир Писания для средневековых художников или мир античной мифологии — для мастеров Ренессанса.
«Метод свободных ассоциаций», предложенный Зигмундом Фрейдом, его «теория ошибок», «толкование сновидений» были направлены прежде всего на выявление болезненных расстройств психики с целью исцеления. На это же было нацелено и толкование произведений искусства, предложенное Фрейдом. Но при таком понимании искусство сводится к частному, так сказать, «лечебному» фактору. В этом состояла ошибочность подхода теоретиков сюрреализма к произведениям искусства. Это прекрасно осознавал Магритт, заметивший в одном из своих писем 1937 г.: «Искусство, как я понимаю, не подвластно психоанализу. Это всегда тайна».
Ностальгия
Его искусство часто называли «снами наяву». Художник уточнял: «Мои картины — не сны усыпляющие, а сны пробуждающие». Недаром видный сюрреалист Макс Эрнст, увидев его выставку в Нью-Йорке в начале 1950-х, сказал: «Магритт не спит и не бодрствует. Он освещает. Завоёвывает мир мечтаний».
Возвращение пламени («Le retour de flamme»)
«Без тайны ни мир, ни идея невозможны», — не уставал повторять Магритт. А в качестве эпиграфа к одному из автопортретов он взял строку французского поэта XIX в. Лотреамона: «Я иногда вижу сны, но ни на мгновение не теряю осознания своей личности».
Герберт Рид отмечал: «Магритта отличает строгость форм и отчётливая ясность видения. Его символика чиста и прозрачна, как стёкла окон, которые он так любит изображать. Рене Магритт предупреждает о хрупкости мира. Стекло разбито: значительно застывая в полёте, ниспадают облики, выстраиваясь рядком, как льдины». Это пример одного из возможных толкований многозначных метафор Магритта. Мотив стеклянного окна у этого художника можно рассматривать и как границу между двумя мирами — реальным и ирреальным, поэтическим и обыденным, между сознательным и бессознательным. le balcon de Manet»)
Голконда
Картину «Голконда» (1953) можно рассматривать как овеществлённую метафору: люди «с весом» стали невесомыми. В названии скрыта ирония: ведь Голконда — полулегендарный город в Индии, славившийся золотыми россыпями и алмазами, и эти люди как бы притягиваются золотом. Художник подвешивает в безграничном пространстве несколько десятков аккуратно одетых — при котелках, галстуках и модных пальто — рантье, сохраняющих при этом абсолютную невозмутимость.
Тайна горизонта
Магритт придавал названию решающую роль в восприятии картины. По воспоминаниям родственников и друзей, придумывая названия, он часто обсуждал их с друзьями-литераторами. Вот что говорил сам художник по этому поводу: «Название — это указатель функции картины», «В названии должна присутствовать живая эмоция», «Лучший заголовок картины — поэтический. Он ничему не должен учить, а вместо этого — удивлять и завораживать».
Месяц сбора винограда
Большая семья
Карт-бланш
Фальшивое зеркало
На картине «Фальшивое зеркало» (1929), выразившей мировоззренческое кредо художника, всё пространство занимает изображение громадного глаза. Только вместо радужной оболочки зритель видит летнее голубое небо с плывущими по нему прозрачными облаками. Название объясняет идею картины: органы чувств лишь отражают внешний облик вещей, не передавая скрытой глубины мира, его тайны. Только несоединимое помогает, по мнению Магритта, уловить смысл бытия. Образ может родиться лишь из сближения двух более или менее удалённых друг от друга реальностей.
Сын человеческий
Магритт писал эту картину как автопортрет. На ней изображен мужчина во фраке, в шляпе-котелке, стоящий около стены, за которой видно море и облачное небо. Лицо человека практически полностью закрыто парящим перед ним зелёным яблоком. Своим названием картина, как полагают, обязана образу современного бизнесмена, оставшегося сыном Адама, и яблоку, символизирующему искушения, которые продолжают преследовать человека и в современном мире.
Музей Рене Магритта в Брюсселе
30 самых необычных и странных картин художников мира
Некоторые шедевры мировой живописи вызывают, мягко говоря, смешанные чувства. Мы собрали для вас самые странные, страшные и спорные произведения!
Эти картины пугают и завораживают одновременно
Искусство на то и искусство, чтобы удивлять своего зрителя. В списке самых дорогих картин мира порой можно встретить удивительные экземпляры! Некоторые шокируют своим сюжетом, а содержание других покрыто завесой тайны. Есть и такие полотна, которые вызывают скорее отвращение, нежели восторг. Тем не менее, необычность и странность этих произведений как раз и выделяет их из толпы. Картины, которые мы приведем в пример, были проданы на аукционах за миллионы долларов. Каждая чем-то удивительна и наполнена особым смыслом.№1 «Женщина I», Виллем де Кунинг
Одна из самых необычных картин в ТОПе самых дорогих произведений искусства мира. Не стесняйтесь если она вызвала у вас дрожь в коленках! Художник изобразил женщину с пышными формами в абстрактной манере. Резкие мазки черной краски, непропорциональное лицо и тело — для простого обывателя такое искусство может оказаться неприятно глазу. Какое-то время картина хранилась в Иране, но из-за строгих правил цензуры была продана и вывезена из страны.
№2 «Сад земных наслаждений», Иероним Босх
Центральная часть этого триптиха посвящена теме сладострастия. Присмотритесь внимательнее и увидите настоящий наркотический сон: карикатурные изображения, странные эротические сцены и прочие гремучие смеси. На самом деле, искусствоведы до сих пор спорят насчет истинного значения этой картины. Содержание настолько насыщенное и галлюциногенное, что вызывает немало споров.
№3 «Три возраста женщины», Густав Климт
Чувствительным и сентиментальным женщинам рекомендуем не вникать в смысл этого полотна. Великий художник Густав Климт изобразил три жизненные стадии: детство, молодость и старость. Маленькая девочка безмятежно спит на руках матери, которая, в свою очередь, умиротворенно обнимает дочь. В то же время старуха в другой части картины склонила голову в отчаянии, выставив свой обвисший от старости живот. Немощность и юность стоят бок о бок, напоминая о неизбежности грядущего. Несмотря на грустный контекст, произведение выполнено просто блестяще и недаром признано шедевром мировой живописи.
№4 «Семья», Эгон Шиле
Шиле — ученик Климта, который пошел по собственному пути. В отличие от своего учителя, шедевры Шиле куда более мрачные и трагические. Некоторые произведения граничат с порнографией и больше напоминают извращенные картинки шизофреника. Представленная выше картина — не самая мерзкая его работа, но ее смысл способен вызвать истерику. Живописец написал ее в 28 лет перед собственной кончиной вскоре вскоре после смерти беременной супруги. На полотне изображен сам художник, его возлюбленная и неродившийся ребенок. Картина явно не создана для впечатлительных людей.
№5 «Две Фриды», Фрида Кало
Красивая и немного жуткая картина руки легендарной мексиканки. Как известно, большинство картин художницы — это автопортреты. Она объясняла это тем, что знает себя лучше всего остального, поэтому сама Фрида — лучшая тема для картин. Конкретно на этом полотне мексиканка изобразила свое мужское и женское начала, соединенные одними сосудами. Последние в этом образе демонстрируют целостность и неразрывность двух половинок.
№6 «Мост Ватерлоо. Эффект туман», Клод Моне
Эта серия работ Моне — совсем не страшные картины, но весьма необычные. При близком рассмотрении полотно кажется лишь хаотичной комбинацией мазков и переходов цвета. Но чем дальше отходишь от холста, тем четче видна полная картина. Перед глазами смотрящего открывается чудный пейзаж. Первыми возникают фигуры лодок, а затем — очертания знаменитого моста Ватерлоо.
№7 «Алхимия», Джексон Поллок
Для многих абстракции — это странные и непонятные картины, которые ничего не значат. Почему же они пользуются такой популярностью? Всё дело в том, как они создаются. Помимо гениальности цветового решения, картина Поллока написана очень необычно. При ее создании мастер использовал все, что попадало под руку: ножи, веревки, палочки, битое стекло и даже совок! Художник сознавался, что постепенно отошел от классического инструментария художника в пользу необычных предметов, которые расширяли его арт-возможности.
№8 «Мужчина и женщина перед кучей экскрементов», Жоан Миро
Само название произведения уже вызывает волну негодования. Но именно такого эффекта и добивался автор, иллюстрируя невзгоды испанской гражданской войны. Мужчина и женщина на картине тянутся друг к другу, но при этом стоят неподвижно. Мерзкие и увеличенные гениталии, кислотные оттенки и экскременты — всё это направлено на создание атмосферы гадкой сексуальности, страха и отвращения.
№9 «Руки противятся ему», Билл Стоунхэм
Всмотритесь в эту картину внимательнее. Рассмотрите детали, загляните мальчику в глаза. Брр. Жутко? То же самое думает каждый человек, который хоть раз на нее взглянет. Произведение продано на eBay всего за 1000 долларов, но после ее публикации покупателя завалили письмами с просьбой сжечь картину от греха подальше.
Ходили слухи, что к этому полотну привязаны призраки или демоны, что у многих начинается паническая атака. Сам же автор утверждает, что это просто автопортрет. Он изобразил себя в детстве, а закрытая дверь символизирует грань между сном и явью. Руки на стекле — это другие жизни и возможности, кукла рядом — проводник между альтернативными мирами.
№10 «Избиение младенцев», Питер Рубенс
Полотно за 5 млн евро Рубенса способно довести матерей до слез. Это восхитительно красивое, но страшное полотно. Знаменитый мастер запечатлел не самый приятный эпизод из новозаветной истории. Как ни странно, избиение младенцев — распространенный сюжет по религиозным мотивам. Все дело в том, что маленькие дети после смерти считаются святыми мучениками. Сам образ символизирует жестокость по отношению к невинным людям.
№11 «Триптих», Фрэнсис Бэкон
Трудно разглядеть с первого взгляда, но этой картине изображены наброски к портрету человека. В 2008 году произведение побило рекорд на арт-рынке и было продано Роману Абрамовичу за 86 млн долларов. В основу сюрреалистического полотна лег древнегреческий миф о преследовании Ореста фуриями. Но здесь вместо мифического персонажа мы видим самого художника и его собственные терзания.
№11 «Серебряная автокатастрофа», Энди Уорхол
Трагические события и сюжеты часто ложатся в основу предметов искусства. Но каждый мастер преподносит ту или иную историю по-своему. Энди Уорхол, ставший настоящей сенсацией середины XX века, делал это крайне оригинально. Однажды мастер увидел фотографию автокатастрофы в газете и прокричал “Эврика”! Художник вырезал фото и многократно продублировал методом шелкографии, заполнив снимком только часть полотна. Вышло необычное произведение, проданное впоследствии за миллионы долларов.
№12 «Дора Маар с кошкой», Пабло Пикассо
Дора Маар — художница и фотограф, которая провела с Пабло Пикассо в качестве возлюбленной 9 лет. Мастер любил писать портреты своих любовник, которых на его жизнь было не мало. Картина выполнена в уникальной манере живописца. Искаженные формы и черты лица могут вызывать неприятные ассоциации, но только не у покупателя полотна. В 2004 году произведение ушло с молотка за 100 млн долларов.
№13 «Три эскиза с Лусиеном Фрейдом», Френсис Бэкон
Странная и оригинальная манера Бэкона пришлась по вкусу многим ценителям искусства. Его картины хорошо продаются по всему миру, именно этот триптих “взорвал” торги. Это ранняя работа мастера, написанная еще во время учебы. Полотна долгие годы путешествовали по миру отдельно и только в 2013 году были проданы на аукционе в качестве единого лота.
№14 «Девочка с цветочной корзиной», Пабло Пикассо
Эта картина кардинально отличается от других работ Пикассо, чем вызвала бурю интереса среди ценителей искусства. На полотне изображена обнаженная молодая девушка, еще почти девочка. Детский взгляд и нагота несут за собой противоречивые элементы невинности и опыта, а ее выражение лица может вызвать дискомфорт. Полотно было продано анонимному покупателю за 115 млн долларов, став одной из самых дорогих картин автора.
№15 «Свет Анны», Барнетт Ньюман
Сложно искать скрытый смысл в полотне, почти целиком залитом красной краской. Современное искусство бессмысленно и беспощадно, но от этого не становится менее интересным. Например, работа Ньюмана кажется бездарной только на первый взгляд и при рассмотрении цифровой копии в интернете. Но в реальности картина способна вас удивить.Это огромное длинное полотно, которое нужно рассматривать на близком расстоянии. Медленно продвигаясь вдоль холста, вы “утоните” в завораживающем переходе цвета.
№16 «Без названия», Жан-Мишель Баския
Каждое полотно неоэкспрессиониста из Нью-Йорка вызывает смешанные эмоции. Экстравагантная манера письма кажется слишком дерзкой и кричащей, больше похожей на граффити со стены заброшенного дома. Секрет прост — это и есть уличное искусство! Автор начинал как нелегальный граффити-художник, но после удачной выставки и статьи в известном журнале стал настоящей звездой. В 1982 году молодой парень даже познакомился с Уорхолом и создал вместе с ним несколько ярких работ. Интересно, что мастер вкладывал в свои работы скрытые смыслы и послания. В этой картине, например, обнаружены две невидимые стрелки, написанные УФ-красками.
№17 «Крик», Эдвард Мунк
Вы наверняка видели эту картину, ведь она разошлась по всем уголкам интернета. На произведение есть много пародий, переделок и мэмов. О самом же авторе ходит немало слухов, ведь его жизнь связана с чередой трагедий. Мунк вложил в свои работы много горя, поэтому, по мнению многих людей, его полотна обладают негативной энергетикой.
Картина явно не благосклонна к тем, кто ее “обижает”. Один охранник, случайно уронивший полотно в музее, стал страдать от сильных головных болей и наложил на себя руки. Второй охранник, допустивший такую оплошность, попал в страшную автокатастрофу. Посетитель галереи, прикоснувшийся к холсту, сгорел заживо в пожаре. Заставляет задуматься, не считаете?
№18 «Откуда мы пришли? Кто мы? Куда идем?», Поль Гоген
По замыслу художника это полотно нужно читать справа налево. В крайнем углу изображены три женщины и младенец — символ начала жизни. Группа людей в центре — иллюстрация зрелости, старуха в левом углу — знак неизбежности и приближающейся старости. Произведение стало знаковым в жизни художника Мастер сам заявил, что это превосходная картина и лучше он уже ничего не напишет. После завершения работы Гоген даже хотел покончить с собой, но так и не отважился. Мастер умер спустя 5 лет, так и не написав чего-то более гениального.
№19 «Герника», Пабло Пикассо
Страшная картина гениального мастера — это сцены насилия и жестокости. выполненные на давящем черном фоне. Полотно иллюстрирует налет на город Герника, в результате которого шеститысячный город был полностью уничтожен. В картине заключены все ужасы фашизма, жестокость, страдания и зверства человека. Мурашки по коже, правда?
Интересно, что из-за этой картины Пикассо очутился в парижском гестапо. Мастера спросили: «Это сделали вы?». На что художник ответил: «Нет, это сделали вы».
№20 «Портрет четы Арнольфини», Ян ван Эйк
Картина, мягко говоря, выделяется на фоне прочих представителей западной школы живописи Северного Возрождения. Полотно наполнено скрытой символикой, посланиями и отсылками. Чего только стоит надпись “Ян ван Эйк был здесь”, которая подчеркивает реальность тех событий и присутствие художника. В последние годы произведение разошлось по интернету из-за забавного сходства Арнольфини с Владимиром Путином. И еще один интересный факт: картину можно увидеть в заставке популярного сериала “Отчаянные домохозяйки”.
№21 «Демон сидящий», Михаил Врубель
Мы привыкли видеть демонов в роли злобных и сильных тварей, но у Врубеля свое мнение на этот счет. Он изобразил образ печального человека, который сидит задумчиво и скованно. Сам автор говорил, что демон — дух не столько злой, сколько страдающий и скорбный. При этом в его мощной фигуре чувствуются сила и величие, хоть и терзаемые какими-то сомнениями.
№22 «Апофеоз войны», Василий Верещагин
Картина основана на метафоре, но разобрать ее смысл не так уж и сложно, особенно после прочтения названия. Художник изобразил гору черепов посреди безжизненной пустыни, чтобы подчеркнуть жестокость и бессмысленность войн. Человеческие конфликты несут с собой только смерть и ничего больше — такова идея, заложенная в полотне. Всматриваясь в черепа, начинаешь видеть в каждом чью-то искалеченную судьбу.
№23 «Американская готика»
С первого взгляда и не скажешь, что это полотно преисполнено устрашающей символикой. Сначала в глаза бросаются суровые лица героев — жесткого отца и обеспокоенной дочери. При более детальном рассмотрении начинаешь замечать острые вилы и швы на одежде фермера, повторяющие их форму. Автор запечатлел образ истинного пуританства, скрывающее за собой жестокость и строгость нравов.
№24 «Влюбленные», Рене Магритт
Одна из самых загадочных картин современности активно обсуждается в мировом арт-сообществе. Это живой пример того, как один образ может иметь дюжину смыслов. Кто-то видит в паре Магритта с закрытыми лицами послание “любовь слепа”, другие настаивают на идее всепоглощающей любви. Все интерпретации в какой-то степени верны, но узнать истинную уже никогда не получится. В любой случае, парочка выглядит достаточно жутко.
№25 «Портрет Поля Элюара», Сальвадор Дали
Сальвадор Дали известен каждому, хотя его работы вряд ли захочется вешать напротив кровати в спальне. Король сюрреализма пишет настолько необычные и порой отвратительные картины, что у зрителя часто мурашки пробегают по коже. Портрет Поля Элюара — не исключение из правил. Самая дорогая работа мастера была продана в 2011 году за 22 млн долларов. Как известно, произведение написано для самого Элюара — бывшего мужа Галы, которую Дали уводил из-под носа супруга как раз во время работы над полотном.
№26 «Великий мастурбатор», Сальвадор Дали
Может, из любви к творчеству Дали, рассмотрим еще один шедевр испанского мастера. “Великий мастурбатор” наполнена страхами, подсознательными переживаниями и извращенными представлениями автора. Здесь секусальность предстает перед нами как нечто ужасное и отвратительное, что подчеркивает саранча и другие символы. Секс и страдания идут рука об руку почти в каждом произведении Дали. Во многом это объясняется психологической травмой: в детстве отец художника показал ему картинки с гениталиями. пораженные венерическими заболеваниями.
№27 «Сатурн, пожирающий своего сына», Франсиско Гойя
Большинство из нас слышало мифы про отца всех богов, который был совершенно не силен в воспитании своих чад. В греческой мифологии бога звали Кронос, а в римской — Сатурн. Горе-папаша пожирал собственных детей, чтобы те не посягнули на его трон. Жуткая картина Гойя изображает как раз этот момент убийства. Странно, но именно это зверское произведение художник решил написать на стене собственного дома. Жилище Гойя украшало еще несколько подобных творений под общим названием “Черная живопись”.
№28 «Великий красный дракон и чудовище из моря», Уильям Блейк
При жизни художника, как часто бывает, почти не ценили. В основном он писал гравюры и иллюстрации в романтическом стиле, но эта серия картин написана акварелью. Здесь Бейк изображает Великого красного дракона — персонажа из книги Откровения. Дракон воплощает в себе самого дьявола, восседающего на огромном монстре. От этого образа многим становится не по себе. Кстати, произведение сыграло значимую роль в сюжете знаменитого фильма о Ганнибале “Красный дракон”.
№29 «Отрубленные головы», Теодор Жерико
Помимо чудесных портретов, много творений художника посвящено жестоким историческим баталиям и древнегреческим мифам. Интересно, что перед работой с крупногабаритными полотнами Жерико часто писал “тренировочные” картины небольшого размера. Именно такой разминкой и послужило произведение “Отрубленные головы”. Писал ли мастер с натуры? Шокирующе, но да. Автор часто использовал настоящие отрубленные части тела, которые одалживал в морге.
№30 «Натюрморт из масок», Эмиль Нольде
Среди экспрессионистов Нольде известен намного меньше, чем Мунк. Тем не менее, его работы не менее яркие. На создание конкретно этой работы мастера вдохновили экспонаты Берлинского музея. И без того страшные маски, прошедшие сквозь призму мышления автора, стали еще более пугающими.
Подходят ли такие картины для интерьера?
Сначала ответьте себе на вопрос: верите ли вы в суеверия, энергетику и прочие вещи? Если нет, то “Крик” или “Руки противятся ему” можно смело вешать в своей гостиной. Картины же с откровенным негативным содержанием, как “Отрубленные головы”, психологи и дизайнеры вешать не рекомендуют, особенно в спальне. Поверьте, вы не захотите смотреть на “Красного дракона” каждый день перед сном. Но несмотря на любые советы вы должны ориентироваться исключительно на свои ощущения. Если произведение вам по душе, не отказывайтесь от него.
Если картина не страшная, а просто нестандартная, ее место явно в гостиной. Разве не здорово удивлять гостей необычным произведением искусства? Но помните, что все дорогие странные картины с мировым именем, безусловно, стоят баснословных денег. Тут на выручку приходит печать на холсте, которая позволяет обладать любимыми картинами без опустошения кошелька.Мужик в котелке. Сын человеческий (картина)
Белла Адцеева
Бельгийский художник Рене Магритт, несмотря на несомненную принадлежность сюрреализму, в движении всегда стоял особняком. Во-первых, он скептически относился к едва ли не главному увлечению всей группы Андре Бретона — психоанализу Фрейда. Во-вторых, сами картины Магритта не похожи ни на безумные сюжеты Сальвадора Дали, ни на причудливые пейзажи Макса Эрнста. Магритт использовал, в основном, обычные повседневные образы — деревья, окна, двери, фрукты, фигуры людей — однако его картины не менее абсурдны и загадочны, чем работы его эксцентричных коллег по цеху. Не создавая фантастических предметов и существ из глубин подсознания, бельгийский художник делал то, что Лотреамон называл искусством — устраивал «встречу зонтика и пишущей машинки на операционном столе», небанально сочетая банальные вещи. Искусствоведы и ценители до сих пор предлагают все новые трактовки его картин и их поэтичных названий, почти никогда не связанных с изображением, что еще раз подтверждает: простота Магритта обманчива.
© Фото: Рене Магритт Рене Магритт. «Терапевт». 1967
Сам Рене Магритт свое искусство называл даже не сюрреализмом, а магическим реализмом, и с большим недоверием относился к любым попыткам интерпретации и уж тем более поискам символов, утверждая, что единственное, что нужно делать с картинами — рассматривать их.
© Фото: Рене Магритт Рене Магритт. «Размышления одинокого прохожего». 1926
С этого момента Магритт периодически возвращался к образу загадочного незнакомца в котелке, изображая его то на песчаном берегу моря, то на городском мосту, то в зеленом лесу или лицом к горному пейзажу. Незнакомцев могло быть двое или трое, они стояли спиной к зрителю или полубоком, а иногда — как, например, на картине High Society (1962) (может быть переведено, как «Высокое общество» — прим. ред.) — художник обозначал лишь контур мужчины в котелке, наполняя его облаками и листвой. Наиболее известные картины, изображающие незнакомца — «Голконда» (1953) и, конечно, «Сын человеческий» (1964) — самая растиражированная работа Магритта, пародии и аллюзии на которую встречаются так часто, что образ живет уже отдельно от своего создателя. Изначально Рене Магритт писал картину как автопортрет, где фигура мужчины символизировала современного человека, утратившего индивидуальность, но оставшегося сыном Адама, который не в силах устоять перед искушениями — отсюда яблоко, закрывающее лицо.
© Фото: Volkswagen / Advertising Agency: DDB, Berlin, Germany
«Влюбленные»
Рене Магритт довольно часто комментировал свои картины, но одну из самых загадочных — «Влюбленных» (1928) — оставил без объяснения, предоставив простор для интерпретаций искусствоведам и поклонникам. Первые вновь увидели в картине отсылку к детству художника и переживаниям, связанным с самоубийством матери (когда ее тело достали из реки, голова женщины была укрыта подолом ночной сорочки — прим. ред.). Самая простая и очевидная из существующих версий — «любовь слепа» — не вызывает доверия у специалистов, которые чаще трактуют картину как попытку передать изолированность между людьми, неспособными преодолеть отчуждение даже в моменты страсти. Другие видят здесь невозможность понять и узнать до конца близких людей, третьи понимают «Влюбленных» как реализованную метафору «потерять голову от любви».
В том же году Рене Магритт написал вторую картину под названием «Влюбленные» — на ней лица мужчины и женщины так же закрыты, но изменились их позы и фон, а общее настроение с напряженного сменилось на умиротворенное.
Как бы то ни было, «Влюбленные» остаются одной из самых узнаваемых картин Магритта, загадочную атмосферу которой заимствуют сегодняшние артисты — к примеру, к ней отсылает обложка дебютного альбома британской группы Funeral for a Friend Casually Dressed & Deep in Conversation (2003).
© Фото: Atlantic, Mighty Atom, Ferret Альбом группы Funeral For a Friend, «Casually Dressed & Deep in Conversation»
«Вероломство образов», или Это не …
Названия картин Рене Магритта и их связь с изображением — тема для отдельного изучения. «Стеклянный ключ», «Свершение невозможного», «Человеческий удел», «Препятствие пустоты», «Прекрасный мир», «Империя света» — поэтичные и таинственные, они почти никогда не описывают то, что видит на холсте зритель, а о том, какой смысл хотел вложить в название художник, в каждом отдельном случае приходится только догадываться. «Названия выбраны таким образом, что они не дают поместить мои картины в область привычного, туда, где автоматизм мысли непременно сработает, чтобы предотвратить беспокойство», — объяснял Магритт.
В 1948 году он создал картину «Вероломство образов», которая стала одной из самых известных работ Магритта благодаря надписи на ней: от несоответствия художник пришел к отрицанию, под изображением трубки написав «Это не трубка». «Эта знаменитая трубка. Как люди попрекали меня ей! И все же, вы можете набить ее табаком? Нет, это ведь всего лишь изображение, не так ли? Так что, если бы я написал под картиной «Это трубка», я бы солгал!» — говорил художник.
© Фото: Рене Магритт Рене Магритт. «Две тайны». 1966
© Фото: Allianz Insurances / Advertising Agency: Atletico International, Berlin, Germany
Небо Магритта
Небо с плывущими по нему облаками — настолько повседневный и употребляемый образ, что сделать его «визитной карточкой» какого-то конкретного художника кажется невозможным. Однако небо Магритта нельзя перепутать с чьим-то другим — чаще из-за того, что на его картинах оно оказывается отраженным в причудливых зеркалах и огромных глазах, наполняет контуры птиц и вместе с линией горизонта из пейзажа незаметно переходит на мольберт (серия «Человеческий удел»). Безмятежное небо служит фоном незнакомцу в котелке («Декалькомания», 1966), заменяет серые стены комнаты («Личные ценности», 1952) и преломляется в объемных зеркалах («Элементарная космогония», 1949).
© Фото: Рене Магритт Рене Магритт. «Империя света». 1954
Знаменитая «Империя света» (1954), казалось бы, совсем не похожа на работы Магритта — в вечернем пейзаже, на первый взгляд, не нашлось места непривычным предметам и загадочным сочетаниям. И все же такое сочетание есть, и оно делает картину «магриттовской» — ясное дневное небо над погруженными во тьму озером и домом.
Бельгийский художник-сюрреалист Рене Магритт – один из самых загадочных и неоднозначных художников, чье творчество всегда вызывало массу вопросов. Одной из самых известных его работ является «Сын человеческий» . На сегодняшний момент существует множество попыток интерпретировать символический подтекст картины, которую искусствоведы часто называют интеллектуальной провокацией.
Каждая картина Магритта – ребус, заставляющий раздумывать над множественными скрытыми смыслами. Их количество зависит исключительно от фантазии и эрудированности смотрящего: комбинации образов и названия картин настраивают зрителя на поиск разгадки, которой на самом деле может не существовать. Как говорил сам художник, главная его цель – заставить зрителя задуматься. Подобный эффект производят все его работы, поэтому Магритт называл себя «магическим реалистом».
Магритт – мастер парадоксов, он задает противоречащие логике задачи, а искать пути их решения оставляет зрителю. Образ человека в котелке – один из центральных в его творчестве, он стал символом самого художника. Парадоксальный объект на картине – яблоко, повисшее в воздухе прямо перед лицом человека. «Сын человеческий» – квинтэссенция концепции «магического реализма» и вершина творчества Магритта. У каждого, кто смотрит на эту картину, рождаются весьма противоречивые выводы.
Картину «Сын человеческий» Магритт написал в 1964 г. как автопортрет. Название работы отсылает к библейским образам и символам. Как писали критики, «названием картина обязана образу современного бизнесмена, оставшегося сыном Адама, и яблоку, символизирующему искушения, которые продолжают преследовать человека и в современном мире».
Впервые образ мужчины в пальто и в котелке появляется в «Размышлениях одинокого прохожего» в 1926 г., позже повторяется в картине «Смысл ночи». В 1950-х гг. Магритт снова возвращается к этому образу. Его знаменитая «Голконда» символизирует одноликую толпу и одиночество в ней каждого отдельного человека. «Человек в котелке» и «Сын человеческий» продолжают размышления над утратой индивидуальности современным человеком.
Лицо человека на картине закрывает яблоко – один из самых древних и многозначных символов в искусстве. В Библии яблоко – плод древа познания добра и зла, символ грехопадения человека. В фольклоре этот образ часто использовался как символ плодородия и здоровья. В геральдике яблоко символизирует мир, державу и власть. Но Магритт, судя по всему, апеллирует к первоначальным смыслам, используя этот образ как символ искушений, преследующих человека. В бешеном ритме современной жизни человек теряет индивидуальность, сливается с толпой, но не может избавиться от соблазнов, загораживающих, подобно яблоку на картине, реальный мир.
Вариации на тему *Сына человеческого* | Фото: liveinternet.ru
В наши дни «Сын человеческий» Магритта стал артефактом массовой культуры, этот образ бесконечно тиражируется, пародируется, трансформируется в рекламе и средствах массовой информации. В живописи творчество Магритта нашло множество последователей:
Алогизм, абсурд, сочетание несочетаемого, парадоксальная зрительная изменчивость образов и фигур — это основа основ сюрреализма. Основателем этого направления считается который в основе сюрреализма видел воплощение теории о подсознании Зигмунда Фрейда. Именно исходя из этого многие представители направления создавали шедевры, не отображающие объективную реальность, а были всего лишь воплощением отдельных образов, навеянных подсознанием. Полотна, написанные сюрреалистами, не могли быть порождением ни добра, ни зла. Все они вызывали различные эмоции у разных людей. Поэтому можно с уверенностью говорить о том, что это направление модернизма является достаточно противоречивым, что и поспособствовало его быстрому распространению в живописи и литературе.
Сюрреализм как иллюзорное и литературе XX века
Сальвадор Дали, Поль Дельво, Рене Магритт, Жан Арп, Макс Эрнст, Джорджо де Кирико, Ив Танги, Майкл Паркес и Дороти Таннинг — это столпы сюрреализма, возникшего во Франции в 20-х годах прошлого века. Это направление территориально не ограничилось Францией, распространившись на другие страны и континенты. Сюрреализм значительно облегчил восприятие кубизма и абстракционизма.
Одним из основных постулатов сюрреалистов было отождествление энергии творцов с подсознанием человека, которое проявляет себя во сне, под гипнозом, в бреду во время болезни или же случайных творческих озарениях.
Отличительные характеристики сюрреализма
Сюрреализм — это сложное направление в живописи, которое многие художники понимали и понимают по-своему. Поэтому неудивительно, что сюрреализм развивался в двух концептуально разных направлениях. К первому ответвлению можно смело отнести Миро, Макса Эрнста, Жана Арпа и Андре Массона, в работах которых основное место занимали образы, плавно переходящие в абстракцию. Второе ответвление берет за основу воплощение ирреального образа, порожденного подсознанием человека, с иллюзорной точностью. В этом направлении работал Сальвадор Дали, который является идеальным представителем академической живописи. Именно его работам присуща точная передача светотени и тщательная манера письма — плотные предметы обладают осязаемой прозрачностью, твердые же растекаются, массивные и объемные фигуры приобретают легкость и невесомость, а несовместимые могут соединяться воедино.
Биография Рене Магритта
Наравне с произведениями Сальвадора Дали стоит творчество Рене Магритта — известного бельгийского художника, который родился в городе Лесине в 1898 году. В семье, кроме Рене. было еще двое детей, а в 1912 году случилось несчастье, которое повлияло на жизнь и творчество будущего художника — погибла мать. Это отразилось в картине Рене Магритта «Памяти Мака Сеннета», которая была написана в 1936 году. Сам художник утверждал, что обстоятельства никак не влияли на его жизнь и творчество.
В 1916 году Рене Магритт поступил в брюссельскую Академию искусств, где познакомился со своей будущей музой и женой Жоржетой Бергер. После окончания Академии Рене работал над созданием рекламных материалов, и относился к этому достаточно пренебрежительно. Футуризм, кубизм и дадаизм имели огромное влияние на художника, но в 1923 году Рене Магритт впервые увидел работу Джоржио де Кирико «Песня любви». Именно этот момент стал отправной точкой для развития сюрреалиста Рене Магритта. В это же время началось формирование течения в Брюсселе, представителем которого и стал Рене Магритт наравне с Марселем Лекамтом, Андре Сури, Полем Нуже и Камилем Гемансем.
Творчество Рене Магритта.
Работы этого художника всегда были неоднозначными и привлекали много внимания.
На первый взгляд, картина Рене Магритта наполнена странными образами, которые не только загадочны, но и многозначны. Рене Магритт не касался вопроса формы в сюрреализме, он вкладывал свое виденье в смысл и значение картины.
Многие художники уделяют особое внимание названиям. Особенно Рене Магритт. Картины с названиями «Это не трубка» или «Сын человеческий» пробуждают в зрителе мыслителя и философа. По его мнению, не только картина должна побуждать зрителя к проявлению эмоций, но и название должно удивить и заставить задуматься.
Что касается описаний, то многие сюрреалисты давали краткую аннотацию своим полотнам. Не исключение и Рене Магритт. Картины с описанием всегда присутствовали в рекламной деятельности художника.
Сам художник называл себя «магическим реалистом». Его целью было создание парадокса, а выводы публика должна делать сама. Рене Магритт в своих работах всегда четко проводил черту между субъективным образом и настоящей действительностью.
Картина «Влюбленные»
Рене Магритт написал серию полотен «Влюбленные» в 1927-1928 годах в Париже.
На первой картине изображены мужчина и женщина, которые слились в поцелуе. Их головы обмотаны белой тканью. На втором полотне изображены те же мужчина и женщина в белой ткани, которые смотрят с картины на публику.
Белая ткань в работе художника вызывает и вызывала бурные обсуждения. Существует две версии. Согласно первой белая ткань в работах Рене Магритта появилась в связи со смертью матери в раннем детстве. Его мать спрыгнула с моста в реку. Когда ее тело достали из воды, было обнаружена белая ткань, обмотанная вокруг головы. Что касается второй версии, то многие знали, что художник был поклонником Фантомаса — героя популярного кинофильма. Поэтому может быть, что белая ткань — это дань увлечению кинематографом.
О чем эта картина? Многие думают, что картина «Влюбленные» олицетворяет слепую любовь: влюбляясь, люди перестают замечать кого-то или что-то, кроме своей половинки. Но люди остаются загадками и для самих себя. С другой стороны, глядя на поцелуй влюбленных, можно говорить, что они потеряли голову от любви и страсти. Картина Рене Магритта наполнена взаимными чувствами и переживаниями.
«Сын человеческий»
Картина Рене Магритта «Сын человеческий» стала визитной карточкой «магического реализма» и автопортретом Рене Магритта. Именно эта работа считается одной из самых противоречивых работ мастера.
Свое лицо художник скрыл за яблоком, как бы говоря, что все не так, как кажется, и что люди постоянно хотят залезть в душу человеку и понять истинную суть вещей. Картина Рене Магритта и скрывает, и обнажает сущность самого мастера.
Рене Магритт сыграл важную роль в развитии сюрреализма, а его работы продолжают будоражить сознание все новых и новых поколений.
Бельгийский художник-сюрреалист Рене Магритт – один из самых загадочных и неоднозначных художников, чье творчество всегда вызывало массу вопросов. Одной из самых известных его работ является «Сын человеческий» . На сегодняшний момент существует множество попыток интерпретировать символический подтекст картины, которую искусствоведы часто называют интеллектуальной провокацией.
Каждая картина Магритта – ребус, заставляющий раздумывать над множественными скрытыми смыслами. Их количество зависит исключительно от фантазии и эрудированности смотрящего: комбинации образов и названия картин настраивают зрителя на поиск разгадки, которой на самом деле может не существовать. Как говорил сам художник, главная его цель – заставить зрителя задуматься. Подобный эффект производят все его работы, поэтому Магритт называл себя «магическим реалистом».
Магритт – мастер парадоксов, он задает противоречащие логике задачи, а искать пути их решения оставляет зрителю. Образ человека в котелке – один из центральных в его творчестве, он стал символом самого художника. Парадоксальный объект на картине – яблоко, повисшее в воздухе прямо перед лицом человека. «Сын человеческий» – квинтэссенция концепции «магического реализма» и вершина творчества Магритта. У каждого, кто смотрит на эту картину, рождаются весьма противоречивые выводы.
Картину «Сын человеческий» Магритт написал в 1964 г. как автопортрет. Название работы отсылает к библейским образам и символам. Как писали критики, «названием картина обязана образу современного бизнесмена, оставшегося сыном Адама, и яблоку, символизирующему искушения, которые продолжают преследовать человека и в современном мире».
Впервые образ мужчины в пальто и в котелке появляется в «Размышлениях одинокого прохожего» в 1926 г., позже повторяется в картине «Смысл ночи». В 1950-х гг. Магритт снова возвращается к этому образу. Его знаменитая «Голконда» символизирует одноликую толпу и одиночество в ней каждого отдельного человека. «Человек в котелке» и «Сын человеческий» продолжают размышления над утратой индивидуальности современным человеком.
Лицо человека на картине закрывает яблоко – один из самых древних и многозначных символов в искусстве. В Библии яблоко – плод древа познания добра и зла, символ грехопадения человека. В фольклоре этот образ часто использовался как символ плодородия и здоровья. В геральдике яблоко символизирует мир, державу и власть. Но Магритт, судя по всему, апеллирует к первоначальным смыслам, используя этот образ как символ искушений, преследующих человека. В бешеном ритме современной жизни человек теряет индивидуальность, сливается с толпой, но не может избавиться от соблазнов, загораживающих, подобно яблоку на картине, реальный мир.
Рене Магритт (Rene Magritte) 1898 — 1967 гг. — бельгийский художник-сюрреалист. Философ сюрреализма в изобразительном искусстве. Известен как автор странных картин, в которых заложена многозначность, загадочность. В отличии от других сюрреалистов, стремящихся исказить сам предмет (форму, образ), в картинах Рене Магритта почти не затронута «предметность» образа — сюрреалистичен смысл, восприятие, понимание, множественность значений. В каждой своей картине Магритт готовит парадокс. Каждая картина — это комбинация образа, способа его изображения и, даже, названия картины. Названиям картин Магритт уделял особое значение — они как бы «направляют» зрителя в размышления, вводят в «ребус». Они настраивают зрителя на поиск разгадки, но найденные ответы будут парадоксом или апорией для логики. Эта ситуация заставляет зрителя погружаться в мыслительные процессы, выводы из которых могут удивить самого зрителя. Зритель невольно становится философом. Этого и добивается художник. За подобный эффект своих картин он называет себя «магическим реалистом «. Как говорил сам Рене Магритт, его цель — это заставить зрителя задуматься. А стилистика намеренной примитивной простоты образов заставляет сосредоточиться над их символизмом. Как ни кто другой, Рене Магритт пользовался и «спекулировал» принципом — миром правят символы. Подобная практика восприятия многозначности и невольного развития процессов мышления существует в практиках дзен буддизма, когда парадоксальные (противоречащие логике) задачи приводят к бурному процессу поиска ответа, а в конечном результате — к пониманию гармоничной красоты ответов. Философии единства и целостности противоположностей. Но Рене Магритт не стремится развивать интеллектуальную составляющую своего творчества, он цинично эксплуатирует уже полученную популярность. Он останавливается только на эффекте зрительного восприятия, только создаёт парадокс восприятия, а последующие выводы оставляет зрителю. К сожалению, художник не стал развивать свой уникальный стиль. Хотя у Магритта было много поздних работ в виде «вариаций» прошлых удачных картин, получивших признание. Смысловое наполнение картин фокусирует на идее — парадоксальной разницей восприятия между изображением (образом) и действительностью. Знаменитый образ человека в котелке становится символом самого художника. Картина — «Сын человеческий «, стала настоящим шедевром всей концепции «магического реалиста» Рене Магритта, породив множество обсуждений, вариаций прочтения. Даже для общества, где модернистское восприятие мира и религии стало нормой, подобное использование символов в картине можно назвать интеллектуальной провокацией. Когда противоречивые выводы рождаются у зрителя в его собственной голове. Не смотря на внешний примитивизм в технике исполнения, художник и его образы становятся весьма заметной фигурой в культуре Европы. Его работы и их символизм становятся узнаваемы в обществе. Портрет Магритта размещён на банкноте в 500 бельгийских франков. Картины Рене Магритта:
|
Рене Магритт Картины, биография, идеи
Краткое содержание Рене Магритта
Несомненно, самый знаменитый бельгийский художник 20-го -го -го века, Рене Магритт добился большого народного признания за свой своеобразный подход к сюрреализму. Чтобы обеспечить себя, он много лет работал художником по рекламе, создавая рекламу и дизайн книг, и это, скорее всего, сформировало его изобразительное искусство, которое часто имеет сокращенный эффект рекламы. В то время как некоторые французские сюрреалисты вели показную жизнь, Магритт предпочитал тихую анонимность существования среднего класса, жизнь, символизируемую мужчинами в котелках, которые часто заполняют его картины.В более поздние годы сверстники критиковали его за некоторые из его стратегий (например, за его склонность к созданию нескольких копий своих картин), но после его смерти его репутация только улучшилась. Художники-концептуалисты восхищались его использованием текста в изображениях, а художники 1980-х восхищались провокационным китчем некоторых из его более поздних работ.
Достижения
- Магритт хотел развить подход, который избегал стилистических отвлекающих факторов, присущих большинству современной живописи. В то время как некоторые французские сюрреалисты экспериментировали с новыми техниками, Магритт остановился на невозмутимой, иллюстративной технике, которая четко формулировала содержание его картин.Повторение было важной стратегией для Магритта, не только информируя его о работе с мотивами в отдельных картинах, но и поощряя его к созданию нескольких копий некоторых из его величайших работ. Его интерес к этой идее, возможно, частично возник из-за фрейдистского психоанализа, для которого повторение является признаком травмы. Но его работа в коммерческом искусстве, возможно, также сыграла роль, побудив его поставить под сомнение традиционную модернистскую веру в уникальное оригинальное произведение искусства.
- Иллюстративное качество картин Магритта часто приводит к сильному парадоксу: изображения прекрасны своей ясностью и простотой, но также вызывают тревожные мысли.Кажется, они заявляют, что не скрывают никакой тайны, и в то же время они удивительно странные. Как блестяще описал биограф Магритта Дэвид Сильвестр, его картины вызывают «своего рода трепет во время затмения».
- Магритт был очарован взаимодействием текстовых и визуальных знаков, и в некоторых из его самых известных картин используются как слова, так и изображения. Хотя в этих картинах часто присутствует таинственность, характерная для большей части его сюрреалистических работ, часто кажется, что они больше мотивированы духом рационального исследования — и удивления — недоразумений, которые могут скрываться в языке.
- Мужчин в котелках, которые часто появляются на картинах Магритта, можно интерпретировать как автопортреты. Изображения жены художника, Джорджет, также обычны в его работах, как и проблески скромной брюссельской квартиры пары. Хотя это может указывать на автобиографическое содержание картин Магритта, это скорее указывает на банальные источники его вдохновения. Как если бы он считал, что нам не нужно далеко искать таинственное, поскольку оно таится повсюду в самых обычных жизнях.
Биография Рене Магритта
«Великолепное заблуждение» — так Магритт описал свое пробуждение от сна, когда, глядя на птичью клетку в своей комнате, он увидел в клетке яйцо, а не птицу. На основе опыта он начал изменять обычные предметы, превращая их в картины, которые «бросают вызов реальному миру».
Это не труба
Рене Магритт — Предательство изображений (Это не трубка) , 1929, фото: CC BY-NC 2.0 Томаса ХокаЭто не трубка — картина известного бельгийского художника Рене Магритта.На работе изображена трубка, но под ней есть цитата художника на французском языке « Ceci n’est pas une pipe », что в переводе на английский означает « Это не трубка, ». Работа была создана в 1929 году, но до сих пор вызывает недоумение у многих зрителей.
Если вы посмотрите на простую картину, вы увидите трубу. Даже если бы вы смотрели на него часами, изображение все равно было бы трубкой. Но вы можете начать сомневаться в своих способностях к искусству, когда прочитаете слова под ним, говорящие, что это не трубка.Прежде чем вы сойдете с ума, пытаясь понять, что это такое, я хотел бы успокоить вас и сказать, что это, в самом широком смысле, трубка. Но технически это не так. Это картина трубы.
Приемная
Картина вызвала некоторую реакцию публики, потому что предлагала идею нигилизма. В одном из интервью Рене защищался, заявив:
Знаменитая трубка. Как меня за это упрекали! И все же, не могли бы вы набить мою трубку? Нет, это просто представление, не так ли? Так что если бы у меня была фотография «Это трубка», я бы солгал!
Французский текст под трубкой
Текст под картиной передает простую концепцию, которую может быстро понять любой зритель.Это не труба, а рисунок трубы. На вопрос «Если это не труба, то что это?» является более глубоким, чем просто вопрос, на который требуется ответ. То, что кажется простой лингвистической оплошностью, является преднамеренной схемой конструирования языка.
Сюрреализм
Это не трубка — это сюрреалистическая работа, вид искусства, в котором художники понимают эмоции и идеи, не пытаясь связать изображение с тем, что уже известно вашему разуму. Сюрреализм предполагает честность в искусстве.Используя концепцию сюрреализма, Магритт использовал сходство, чтобы выйти за рамки того, что вы думаете, что знаете.
Сюрреализм зародился в 1924 году французским поэтом Андре Бретоном. Это началось как экспериментальная художественная концепция, направленная на искоренение традиционного деспотичного рационализма зажиточного общества. Сюрреализм был предназначен для поощрения воображения зрителей и создания восприятий без какого-либо сознательного и рационального контроля.
В прошлом большинство сюрреалистов экспериментировали с новыми методами самовыражения, но Магритт сохранил свой простой иллюстративный стиль, который он развил, работая коммерческим художником.Магритт и несколько других сюрреалистов стремились изменить то, как общество привыкло видеть, думать и воспринимать вещи. Магритт считал себя «мыслящим человеком, который рисует».
Рене Магритт — This in Not a Pipe , 1948, Музей Амоса Рекса, Хельсинки, фото: CC BY-ND 2.0, www.ilkkajukarainen.fiАнализ и значение
Это не труба можно интерпретировать по-разному в зависимости от того, что воспринимает зритель. Например, это не трубка, а масляная краска на холсте, который можно набить табаком и закурить.Картина побуждает зрителя использовать свой свободный разум для исследования логических сокращений, которые человек использует в уже выдвинутой и общепринятой цепочке мыслей, и поощряет альтернативное мышление.
Это не труба призвана побуждать общество воспринимать вещи буквально. В своей работе Магритт остроумно подрывает философские представления общества о природе реальности по сравнению с современными художниками-концептуалистами.
Как и многие другие работы художника, This is Not a Pipe не просит зрителей задавать вопрос « Что это? », а скорее они задаются вопросом.Изображение на этой картине показывает увлечение Магритта смешиванием образов и слов, что может быть связано с тем фактом, что он когда-то работал художником по рекламе.
Что делает рисунок Магритта таким неприятным и тревожным для многих зрителей, так это тот факт, что люди на самом деле не « знают » вещей, а получают доступ к своим изображениям только через язык. Мы считаем, что существует соответствие между тем, что мы видим, и тем, что мы говорим, что в реализме неверно.
Это не трубка предназначена для того, чтобы заставить зрителей усомниться в их реальности.Это побуждает их подвергнуть сомнению всю свою реальность, а также все, что, по их мнению, они знают. Когда вы смотрите на эту картину непредвзято, все, что вы думали, что знаете, становится непонятным незнакомцем. Вы больше не увидите ничего прежнего.
Французский философ Мишель Фуко о творчестве
Чтобы понять This is Not a Pipe , он должен сначала понять себя. Им необходимо понимать, что язык и реальность не имеют никаких органических взаимосвязей и что имена объектов не появляются, когда вы их просматриваете.Этот аргумент поддержал Мишель Фуко — французский философ и социальный теоретик.
На протяжении всей своей карьеры Мишель Фуко исследовал современную систему репрезентации с помощью искусства. Он использовал This is Not a Pipe Рене Магритта, поскольку он был его корреспондентом. Фуко согласился с мнением Магритта о том, что знаки являются произвольными, косвенными и условными.
Согласно Фуко, This is Not a Pipe не является «странным» из-за противоречия между изображением на картине (труба) и текстом, который опровергает изображение ( This is Not a Pipe ).Он утверждает, что противоречие может существовать только между двумя текстами или утверждениями, тогда как в This is Not a Pipe есть только один текст и изображение.
Рене Магритт известен созданием остроумных образов, которые вызывали пристальное внимание зрителей. Он часто использовал знакомые образы или предметы, но представлял их в необычном контексте, тем самым бросая вызов заранее обусловленной остротой реальности аудитории. Его взгляд на искусство повлиял на многих людей, привлекая к нему значительное количество последователей из поп-арта, концептуального искусства и минималистов.Несмотря на смерть в 1967 году, картины Рене Магритта по-прежнему вдохновляют зрителей на сегодняшний день и, вероятно, на непредсказуемое будущее.
Рене Магритт часто заставлял зрителей сомневаться в его творчестве, и он менее провокационный по сравнению с другими концептуальными художниками, такими как Йоко Оно, Ай Вэйвэй или Дженни Хольцер. Магритт чаще всего использовал повторение, и, к презрению критиков, он решил выпустить несколько копий своей самой известной работы.
Магритт не был художником
Картина, возможно, изображает личность и поведение Магритта.Если вы думаете о This is Not a Pipe и о том факте, что художник не считает себя художником, вы можете найти некоторую корреляцию между This is Not a Pipe и This is not a artist .
Магритт также никогда не считал себя художником, а скорее философом, теоретиком или мыслителем, который использует повседневные и обычные предметы для передачи своих философских мыслей и идей в визуальном формате.
В отличие от других « художников », главная цель Магритта заключалась в том, чтобы донести до общества простую идею, которую легко увидеть в других его работах.Магритт использовал свои навыки для поощрения общества, используя непохожую графику и текст, повторение, неправильное обозначение изображений, зеркальное отображение и частичное сокрытие, чтобы создать таинственную иллюзию.
Биография
Рене Франсуаза Гислен Магритт — уроженец Бельгии, родился в 1898 году и считается одним из пионеров сюрреалистического искусства. Он был старшим из трех своих братьев, а его отец был бизнесменом. Семья часто переезжала по стране из-за характера бизнеса его отца.Мать Магритта скончалась, когда он был еще маленьким, в результате самоубийства, которое так подействовало на него, что он погрузился в литературу и искусство, чтобы успокоить свои чувства. Именно в это время Магритт увлекся живописью.
Он покинул свой дом в 1916 году и отправился в столицу Брюссель, где провел некоторое время в Академии изящных искусств. Во время своего пребывания в городе он подружился с однокурсником по имени Виктор Сервранкс, который значительно повлиял на Магритта своим представлением об искусстве.Магритт также находился под влиянием работ Фердинанда Леже и Жана Метцингера, которые познакомили его с кубизмом.
Магритт служил в армии в соответствии с требованиями законодательства Бельгии, а вскоре после этого женился на своей подруге детства Жоржетте Бергер. Магритт совмещал несколько должностей, например, рисовальщиком на фабрике обоев и внештатным дизайнером плакатов. В 1926 году художник получил короткий контракт с Galerie le Centaure в Брюсселе как прекрасный художник. Во время работы в Galerie Магритт познакомился с работами Джорджо де Кирико, которые сделали его сюрреалистом.
Магритт переехал в Париж, Франция, и пробыл там три года. В это время он познакомился с сюрреалистами Андре Бретона, такими как художники Сальвадор Дали и Макс Эрнст. Как и его современники, Магритт какое-то время экспериментировал с «темными» предметами, такими как истерия и безумие, но позже переключился на использование слов и языка в своей работе.
Рене Магритт — Доминион света , 1955, бумага, гуашь, фото: CC BY-NC 2.0 от rocorМагритт вернулся в Брюссель в 1930 году и начал работать в коммерческой рекламе.Его критики утверждали, что он мог использовать подделки других работ, чтобы увеличить свой доход, и у него не было достаточно времени, чтобы развить свои навыки художника.
К концу 1930-х работы Магритта начали привлекать интерес международных коллекционеров произведений искусства, и вскоре его работы стали всемирно известными. Это заставило его задуматься о том, чтобы отказаться от коммерческой деятельности. Как только работы Магритта начали проявлять признаки успеха, он столкнулся с другим препятствием во имя Второй мировой войны. Тем не менее он продолжал свой аналогичный стиль искусства.Он также экспериментировал с красочной импрессионистической палитрой, пытаясь противостоять серости войны.
Магритт вскоре поэкспериментировал с несоответствующим стилем, который он назвал «ваче» или «корова», в котором использовались вульгарные предметы. Как и ожидалось, Ваче был очень непопулярен среди критиков, и поэтому он вернулся к своему фирменному стилю. Работы Магритта показывают, насколько визуальное зависит от языка. Это не труба , так же как слово «труба» под ней тоже не труба. Странность этой картины заключается в том, что существует бесчисленное количество переводов и идей относительно того, что означает произведение, и все они доступны для всех.
Визуальный язык художника чаще всего основывался на крайней простоте, что делало его картины более запоминающимися, чем картины других художников. Признание работ Рене Магритта позволило им стать любимыми элементами поп-культуры в наши дни.
Сегодня работы Магритта находятся на выставке в Париже. Шоу хочет исследовать живой интерес художника к философии и то, как он преобразовал свои философские идеи в искусство. В интервью Reuters хранитель Центра Помпиду Дидье Оттингер сказал:
Очевидно, философская традиция всегда отвергала или презирала изображения, потому что изображения принадлежат чувственной вселенной, а слова принадлежат интеллектуальной вселенной.Магритт хотел скрестить мечи, имея в виду вступить в теоретическую битву с философами, чтобы доказать, что изображения могут выражать мысли так же, как и слова.
Короче говоря, Магритта интересует не только картина, которую он создает, но, скорее, то, как искусство может изменить наш взгляд на мир. Это не трубка учит нас, что то, что мы хотим, не так непритязательно, как то, что мы видим, но его смысл скрыт за тем, что находится перед нами. Но устранить препятствие всегда непросто, потому что у наших глаз нет проблем с объектом, а вместо этого это мысли и язык в нашем сознании.
Простой взгляд на картину может дать вашей жизни совершенно новую перспективу. Это потому, что вы перестали доверять своим глазам. Ваши глаза будут видеть изображение как обычную картину и не заинтересуются, но ваш разум поймет тайны, лежащие в основе работы, и вопросы, заставляющие задуматься, которые будут возникать.
Еще от: René Magritte11 вещей, которые вы не знали о бельгийском сюрреалисте
Рене Магритт — один из самых известных художников, известный своими противоречивыми изображениями и сюрреалистическими произведениями.Вы можете предположить, что он любил рисовать себя с предметом, закрывающим лицо, или что костюмы и котелки были частью его образа, судя по его портретам и фотографиям, но это больше, чем просто трубы и летающие люди с зонтиками. Вот несколько фактов о бельгийском художнике-сюрреалисте, чтобы познакомиться с человеком, стоящим за The Son of Man.
Рене Магритт. Фотография сделана автором в Музее Магритта 31 января 2016 года.
Как и другие известные художники, Магритт начал рисовать в очень молодом возрасте, но прошли годы, пока он наконец не встретил свою истинную страсть к искусству и нашел свой особый стиль — сюрреализм. .Примерно в 1924 году Магритт открыл для себя коллажи Макса Эрнста и картины Джорджо де Кирико и, вдохновившись их идеями, начал экспериментировать в новом художественном направлении. Многие из его экспериментальных работ являются частью сюрреализма, но он объявил Le Jockey Perdu (The Lost Jockey) своей первой сюрреалистической картиной.
Олимпия
Музей
В 2009 году известная картина Магритта « Олимпия » была украдена из музея. К счастью, картину вернули те же похитители в 2012 году.Видимо, они не могли продать картину, потому что она была такой известной. Картина, на которой запечатлен портрет обнаженной жены Магритта, Жоржетт Бергер, до сих пор находится в музее Рене Магритта.
La Fleur en Papier Doré / Het Goudblommeke в Papier
Ресторан, бельгийский, $$$
Уютный интерьер La Fleur en Papier Doré / Het Goudblommeke в Папье. | © La Fleur en Papier Doré / Het Goudblommeke в Papier
Этот знаменитый бар в Брюсселе превратился из монастыря сестер Святого Винсентия XVIII века в излюбленное место поэтов и художников с тех пор, как его открыла Грет Ван Брюэне. .Попасть в бар — все равно что сделать шаг назад во времени: это место почти можно представить как место встречи таких креативщиков, как Рене Магритт. Предположительно, это бар, где проходила первая художественная выставка Магритта. Вы можете выпить бельгийского пива и в то же время полюбоваться коллекцией оригинальных эскизов, фотографий и рисунков известных художников, в том числе Магритта, у Greet Van Bruaene. Не забудьте поищите черно-белые фотографии художников, которые часто бывали в этом месте.Вскоре после трагической смерти матери Рене Магритт встретил Жоржетт Бергер, когда ему было всего 15 лет, в 1913 году.По сюжету, они познакомились на местной ярмарке и полюбили друг друга, но ирония судьбы разлучила их. Лишь спустя годы их пути снова пересеклись в магазине товаров для искусства в Брюсселе. Затем она стала его музой, а в 1922 году — его женой.
фантомас | © Wikimedia Commons
Магритт прошел через этап под влиянием французского триллера и его главного героя Фантомаса. Фантомас, вор и мастер маскировки, известный своими садистскими убийствами и преступлениями, был основан на романах Пьера Сувестра и Марселя Айллана; и был показан в фильме Луи Фейядом в 1913 году.Магритт нарисовал сцену из фильма в 1927 году и назвал ее L’Assassin Menacé (Угрожающий убийца).
Если вы войдете в театр, расположенный в самом центре Брюсселя, вы увидите потолок, расписанный Рене Магриттом. Первоначальная идея была основана на голубом небе, полном облаков и летающих сферических объектах, но идея была отклонена, поскольку символы казались слишком темными для театра, по словам людей, ответственных за реставрацию. Вы все еще можете увидеть оригинальную идею, выставленную в Музее Магритта в Брюсселе.
Магритт пытался экспериментировать в различных сферах искусства для досуга, таких как фотография и кинопроизводство. Он собирал группу друзей вместе со своей женой и снимал фильм. Он также появлялся в домашних фильмах и действовал по разным сценариям с остальной частью группы. Магритт тоже увлекался фотографией, и даже когда это казалось хобби, он использовал фотографии для вдохновения в последующие годы и представил такие картины, как La Gravitation Universelle (Вселенская гравитация) и Le Thérapeute (Целитель).
В отличие от других художников, Магритт использовал слова не для дополнения картин, а для придания им совершенно нового значения. Он хотел заставить зрителей найти связь между изображениями и словами, даже когда казалось, что ее нет. Это была новая форма языка, которую Магритт использовал на определенном этапе своей творческой жизни, и к которой он возвращался время от времени в течение своей карьеры. Иногда он пытался объединить слова и изображения как совпадающие объекты, в то время как в других случаях он пытался представить смыслы в концептуальных пятнах.
Слова и изображения Рене Магритта. Фотография сделана автором в Музее Магритта 31 января 2016 года.
Астероиды обычно называют в честь известных и важных персонажей истории. 3 апреля 1989 года бельгийский астроном Эрик Вальтер Элст обнаружил астероид главного пояса и назвал его в честь бельгийского художника-сюрреалиста Рене Магритта.
Магритт много думал о названиях своих работ. Он хотел показать часть своих идей, мыслей и мечтаний, но также бросить вызов зрителям и заставить их по-настоящему проанализировать его работу и связать ее со смыслом названия.Магритт однажды упомянул в письме к Полу Нужу: «Я получаю картины, на которых глаз должен думать совершенно иначе, чем обычно». (1927)
Магритт иногда рисовал один и тот же объект несколько раз, но давал ему другой название, что делает смысл произведения отличным от прошлых. Он даже советовался со своими коллегами-сюрреалистами по поводу названий. La Trahison des Images («Предательство изображений») — отличный пример использования им названий. Наряду с письменным заявлением « Ceci n’est pas un pipe» (это не трубка) Магритт объяснил, что на самом деле это была не настоящая трубка, а ее картина.Поэтому, когда вы начинаете понимать, что имел в виду Магритт, вы начинаете понимать, что изображение действительно так же сложно, как предполагает название.
Предательство изображений Рене Магритта | © Джейсон Форд / Flickr
Произведения Магритта повлияли на рекламу, а также на многие другие отрасли, такие как музыка и кино. La Trahison des Images («Предательство изображений») до сих пор используется для рекламы и распространения идеологий. Судя по словам, написанным на картине « Ceci n’est pas une pipe », и разногласиям, которые возникли вместе с этим заявлением, можно было ожидать известности и влияния от картины.Что действительно впечатляет, так это то огромное влияние, которое L’Empire des Lumières (Империя света) оказала на музыку и фильмы .
Если вы увлекаетесь роком, возможно, вы слышали об альбоме Джексона Брауна « Late for the Sky » из Зала славы рок-н-ролла. Его альбом вышел в 1974 году и был признан журналом Rolling Stone одним из «100 лучших альбомов». Обложка была навеяна известной картиной Магритта «Империя люмьеров ». Кроме того, еще одна ссылка на его работу появилась на плакате классического хоррора всех времен, The Exorcist .На снимок отца Меррина у уличного фонаря также неожиданно повлияло произведение Магритта L’Empire des Lumières .
Магритт и подрывная сила его трубки
Магритт и разрушительная сила его трубки
(Изображение предоставлено: Наследие Магритта c / o SABAM)
Некоторые думают, что эта загадочная картина Магритта является началом современного искусства. Это вызывает гораздо больше вопросов, чем вы думаете, — пишет Кэт Паунд.
R
«Предательство образов» Рене Магритта («Это не трубка») — одно из самых известных, но неизменно загадочных произведений в истории искусства.Одна из серий картин с изображением слова, в которой бельгийский художник стремился бросить вызов лингвистическим и визуальным условностям, это также было частью его пожизненных поисков, чтобы показать, что изображения могут быть равны словам в выражении сознания.
Коллажные картины Джорджо де Кирико, искажающие перспективу, оказали большое влияние на Магритта (Источник: Getty Images)
Задавать философские вопросы, а не давать ответы на вопросы истории искусства, долгое время было целью Магритта.Хотя он начал рисовать в возрасте 12 лет и экспериментировал с кубизмом и футуризмом, Магритт вскоре устал от рисования как от самоцели и не любил, когда его называли художником, считая себя мыслителем, который общается с помощью краски. Хорошо разбираясь в истории философии, он осознавал, что от Платона до Гегеля образное изображение отвергалось как смешение чувств, а поэзия считалась высшей формой человеческого выражения.
Сюрреализм, движение, к которому присоединился Магритт, зародилось как преимущественно литературное движение, и его основатели столь же скептически относились к ценности живописи.Только с открытием метафизических работ Джорджо де Кирико, благодаря которому Магритт утверждал, что открыл «превосходство поэзии над живописью», они — и он — изменили свое мнение.
Либо текст «это не трубка» намеренно вводит в заблуждение, либо он заставляет нас осознать разницу между репрезентацией и действительностью. Философ Мишель Фуко называет произведение искусства «распутанной каллиграммой», которая представляет собой изображение, образованное словами, которые ее описывают, которые Магритт «распутал», отделив изображение от текста.
Хотя Магритт не соглашался с этим определением, он определенно считал, что изображение может выражать мысль так же, как и поэзия. Как говорит Драге, для Магритта поэзия была «за пределами слова; нечто более глубокое, чем слово ».
Реальный или ненастоящий?
Его решение нарисовать трубку, чтобы подчеркнуть этот момент, вполне могло быть связано с тем фактом, что незадолго до того, как Магритт начал работу над «Предательством образов», Андре Бретон и Поль Элюар, два ведущих деятеля сюрреализма, опубликовали «Заметки о поэзии» в La Révolution Surréaliste, в которой они заявили, что «поэзия — это трубка».
Книга Магритта «Невозможно воспроизвести» предполагает, что все зрение является иллюзией. действительный. Хотя мы также должны иметь в виду, что первоначальное название картины было L’usage de la parole I (Использование речи I), что подразумевает, что мы должны сомневаться в правдивости слов, а не изображения.
Кажущаяся амбивалентность Магритта к такому драматическому смещению акцентов может показаться странной, но, как оценил его коллега Поль Нуже, названия Магритта всегда были «предметом обсуждения», а не «объяснениями».Он понимал, что реакция человека на изображение всегда будет зависеть от его личного опыта и понимания объекта.
Broodthaers продвинул концептуальные игры Магритта еще дальше, хотя он часто по-прежнему использовал изображение трубки (Источник: Getty Images)
Неопределенность картин Магритта означала, что они станут особенно провокационным и плодотворным источником вдохновения для молодежи художники. «Если у вас есть ответы, вы обязаны идти в том же направлении», — говорит Драге.«Если вы зададите вопросы, вы можете ответить на вопрос и начать все сначала».
Однако, хотя Магритт написал «Предательство изображений» для выставки в Париже в 1929 году, крах фондового рынка в том году привел к тому, что многие галереи закрылись, и только на выставке 1954 года в галерее Сиднея Джениса в Нью-Йорке его работы начали привлекать внимание нового поколения художников, включая Энди Уорхола, Пола Раушенберга и Джаспера Джонса.
Магритта «Сын Человеческий» 1964 года, пожалуй, самое известное его произведение искусства (Фото: Алами)
Для Джонса, известного тем, что он неожиданно изображает повседневные предметы, такие как числа, мишени и флаги, выставка «действительно сделала впечатление », — утверждает искусствовед Роберта Бернштейн, автор Резонного каталога его работ.«Я думаю, это была одна из тех вещей, которые зарождались в его голове, прежде чем он нарисовал свой первый флаг», — говорит она.
«Концептуально идея Магритта, говорящего« это не трубка, это изображение », является центральной для понимания флага Джонса», — добавляет она, хотя Джонс искажает вопрос так, что он становится следующим: «Это флаг или это картинка?»
Флаг Джаспера Джонса ставит вопросы, аналогичные работе Магритта — это флаг, даже если он состоит из разрисованных кусочков газеты, а не ткани? (Кредит: Алами)
Она считает, что он также оказал влияние на Раушенберга, и «тот факт, что они оба начали собирать его работы, когда они могли себе это позволить, является подкреплением этого».
Раушенберг всегда отрицал связь, но видел его серию Беллини, коллекцию коллажей фигур эпохи Возрождения в стиле поп-арт, рядом с «Готовым букетом» Магритта, в котором Primavera Ботичелли произвольно помещается на спине человека в котелке. , трудно поверить, что никакого влияния не было.
Клас Ольденбург также черпал вдохновение в работах Магритта. Истоки его аномально увеличенных объектов можно проследить до «Личных ценностей» Магритта, в котором Магритт помещает негабаритные предметы в спальню, стены которой изображают нарисованное небо.Однако Магритт, как сообщается, не желал видеть себя предшественником поп-арта, движения, которое, как он чувствовал, было слишком принесено в жертву капризам моды. По словам Драге, Магритт вообще амбивалентно относился к современным событиям в искусстве. Заметным исключением был его соотечественник, бельгиец Марсель Бродтэрс: его «духовный сын», как выразился Драге, с которым он был близок.
Марсель Бродтаерс (слева) был одним из молодых художников, на которых повлиял Магритт, справа (Фото: Поместье Марселя Брудтаерс / RMFAB Брюссель / Дж. Гелейнс / Ro Scan)
Эти двое встретились после Второй мировой войны и соединились взаимная признательность поэту Малларме, чьи теории о репрезентации были близки их собственным.Хотя Broodthaers начал жизнь как поэт, он обратился к изобразительному искусству в 1964 году, создав свое первое произведение, вложив в гипс непроданные экземпляры своего поэтического сборника Pense-Bête. Он вывел игру Магритта на новый уровень, инкрустируя свою Музыкальную кафедру раковинами мидий, используя разницу в значении французского слова moule в зависимости от пола, чтобы поставить под сомнение определение искусства и арт-рынка.
Broodthaers нашел особый источник вдохновения в «Предательстве изображений», которое он считал отправной точкой для современного искусства, и трубки часто используются в его работах.Возможно, именно интерес Broodthaers заставил Магритта несколько раз переосмысливать картину, создавая дымовые трубы, и даже один вызывающе заявлял: «Это по-прежнему не трубка». Но если мы надеемся найти разъяснения в этих более поздних версиях, вскоре станет ясно, что мы также можем попытаться снять трубку с холста и выкурить ее. Это по-прежнему остается загадкой.
Если вы хотите прокомментировать эту историю или что-нибудь еще, что вы видели на BBC Culture, перейдите на нашу страницу Facebook или напишите нам на Twitter .
И если вам понравился этот рассказ, подпишитесь на еженедельную рассылку новостей bbc.com под названием «Если вы прочитаете только 6 статей на этой неделе». Тщательно подобранная подборка историй из BBC Future, Culture, Capital и Travel, которые доставляются на ваш почтовый ящик каждую пятницу.
Почему крестный отец сюрреалиста Рене Магритт изменил стиль жизни позже
Личные ценности , 1952, Рене МагриттДва имени являются синонимами лучшего сюрреализма: Сальвадор Дали и Рене Магритт.Даже если вы не знаете имя бельгийского художника и писателя Магритта так же быстро, как Дали, вы, вероятно, узнаете его ионную, неоднозначную работу 1928 года The Treachery of Images .
Сюрреалистический стиль идентифицируется в академической и популярной культуре благодаря этому когда-либо воспроизводимому произведению, на котором изображена деревянная трубка, выполненная в прямом стиле вывески со словами ceci n’est pas une pipe (это не трубка) нарисован довольно грубо под ним.
Хотя Магритт больше всего известен как один из самых талантливых художников сюрреализма, его знаменитую картину 1943 года « Пятый сезон » можно интерпретировать как формальный перерыв в движении.Это произведение представляет собой резкое отличие от его обычных работ, изображающих двух невзрачных мужчин в фирменных шляпах-котелках Магритта и с холстами в рамах под руками. Экспрессионизм отмечает явный отход Магритта от сюрреализма перед лицом мрачности Второй мировой войны.
Пятый сезон, 1953, Рене МагриттКартины, которые последовали за Пятый сезон , были написаны во время и после войны, когда многие до сих пор ироничные художники — Пабло Пикассо, Ханна Хёх, Макс Бекманн — начали переосмысливать философскую роль искусства. в том, чтобы задавать так называемые большие экзистенциальные вопросы.Магритт даже обратился к художественным движениям рубежа веков в своих композициях.
Ранее в этом году Музей современного искусства Сан-Франциско собрал выставку и роскошный каталог «Рене Магритт: Пятый сезон», который проливает новый свет на глубину, значение и коллекционный тайник поздних работ Магритта.
The Study сел с Рут Берсон, заместителем директора музея SFMOMA по кураторским вопросам, которая красноречиво рассказала нам, почему Магритт был намного больше, чем сюрреалист.
Счастливый донор , 1966, Рене Магритт
Одна из предпосылок выставки заключалась в том, что Магритт сформировал четкое видение художника после разрыва с движением сюрреализма.
В то время как Магритт последовательно придерживался идей сюрреализма, он в конце концов разорвал связи с сюрреалистическим кружком Парижа. Наша выставка охватила период с 1940-х годов до конца его жизни, период после того, как группа сюрреалистов в значительной степени распалась.
Фактически, Магритт сопротивлялся ярлыку «сюрреалиста» на протяжении всей своей карьеры. Однажды он сказал в интервью, что, по его мнению, его можно назвать сюрреалистом, потому что нужно использовать то или иное слово, но на самом деле нужно сказать, что он был вовлечен в реализм.
Хотя это так, он все еще сильно рекламируется как главный образец сюрреалистических концепций.
Магритт всегда считал свою картину философским начинанием, пробуждающим зрителей к чудесам повседневных переживаний посредством необычных композиций.Во время работы с парижскими сюрреалистами он сотрудничал с рядом текстов и завершил множество знаковых картин, в том числе «Предательство изображений» .
Предвидение , 1943, Рене МагриттНо в центре внимания этого шоу — работа, сделанная после его разрыва с сюрреализмом.
«Рене Магритт: Пятый сезон» начинается с двух революций в живописном стиле Магритта. Первую из них он изобрел в годы войны, в 1943 году, вместе с работами, известными как «Солнечный сюрреализм.”
Эти картины шокируют, фантастичны и тревожны в том смысле, в каком может быть сюрреализм, но они были написаны в совершенно другом стиле, чем Магритт использовал раньше, с использованием стилизации импрессионизма с густой туманной атмосферой и яркими сахаристыми тонами.
Морская болезнь , 1948, Рене МагриттСледующий стилистический сдвиг, который предпринял Магритт, произошел в 1947-1948 годах, когда он завершил серию работ во время так называемого «периода ваче». Это французское слово в большинстве случаев означает «корова», но есть и другое значение vache: плохо себя вести.
Эти картины были намеренно резкими, сочетая агрессивные, плоские цвета и эстетику популярных мультфильмов с свободной манерой рисования, пародирующей фовизм и экспрессионизм.
The Listening Room, 1952, Рене МагриттЭти изменения стиля и выбора кажутся чрезвычайно продуманными — откровенно говоря, полная противоположность ненаправленному творчеству сюрреализма. Вы можете это прокомментировать?
После этих отклонений от своего фирменного стиля Магритт вернулся к своему компактному, высоко репрезентативному подходу, но эти две части работ являются сигналами того, что Магритт сознательно пытался создавать картины, которые вызывали тревожные отклики и придерживались линии двусмысленности.
Увидев, как художник может так радикально и драматично менять стили, зрители могут лучше понять, почему репрезентативная работа Магритта также является выбором — не существует такой вещи, как «нейтральная» картина.
Сын человека , 1964, Рене МагриттМагритт хорошо известен своим изображением человека в котелке. Многое сделано из того, что он использовал этот символ, что он использовался для обозначения обывателя или был биографическим тропом, потому что в своей работе он ссылался на себя.
Котелок, известный по-французски как chapeau melon , впервые появился в работах Магритта в 1920-х годах, вдохновленный, как мы теперь знаем, отчасти одеждой персонажей из детективных фильмов, которые ему нравились. Лишь в 1950-х годах котелок стал синонимом его творчества, а в 1960-х — самого художника.
Рене Магритт — Биография художника
Ван Гог • Биографии художников • Рене Магритт
| Год рождения: | 1898 |
| Год смерти: | 1967 |
| Страна: | Бельгия |
Рене Магритт, знаменитый бельгийский сюрреалист, разработал свой почерк. в начале своей карьеры, работая художником по рекламе, занимаясь дизайном обоев, плакатов, обложек нот и иллюстраций коллажей для каталогов меховщиков.Когда он переехал в Париж из Брюсселя в августе 1927 года, чтобы присоединиться к парижским сюрреалистам, Магритт начал свое исследование живописного языка с всплеска активности, которая должна была создать шестьдесят картин за один год, некоторые из которых были довольно крупными. Когда Магритт покинул Париж в 1930 году, он отказался от сюрреалистической среды, в которой художники, как правило, подчинялись писателям, в частности Андре Бретону. Хотя Магритт не был противником компании писателей — действительно, Поль Элюар был его ближайшим другом в Париже, и многие из его друзей писателей помогали создавать названия для его картин, — он был против организации Бретона и вернулся в Брюссель, где его считали первым. центр авангардного круга.Он оставался в Белиуме, за исключением нескольких поездок, до своей смерти.
Работы Магритта задуманы как загадки. В них он исследует тайны, скрывающиеся в неожиданном сопоставлении повседневных вещей, вовлекая зрителя в самопроизвольную дезориентацию. Его картины исключают символы и мифы; все видно. Магритт работал с несколькими источниками, которые он повторял с вариациями: анатомические сюрпризы, такие как рука, запястье которой является женским лицом; таинственный проем, где дверь распахивается, открывая неожиданный вид; метаморфические существа, такие как каменная птица, летящая над каменистым берегом.Он оживляет неодушевленное, как туфлю с пальцами на ногах; он увеличивает детали, как огромное яблоко, заполняющее комнату. он создает ассоциацию с дополнительными существами, такими как птица-лист или горный орел. Его заголовки сопровождают картины так, как имена соответствуют объектам, не поясняя и не поясняя их. В изображениях Магритта всегда есть какая-то логика, но когда его спросили об анализе содержания его картин, Магритт ответил: «Если кто-то смотрит на вещь с намерением попытаться понять, что это значит, он больше не видит вещь сама по себе, но обдумывание поставленного вопроса.»Интерпретация образа была отрицанием его тайны, тайны невидимого. На его образы нужно смотреть, а не в них.
Ключ к полям (La Clef des champs)
«Люди, которые ищут символические значения [в моей работе], не могут понять присущую ими поэзию и таинственность». Для бельгийского художника Рене Магритта живопись таит в себе тайну поэзии несочетаемого. Несмотря на то, что он был одним из величайших представителей международного сюрреализма, этот нетипичный бельгийский сюрреалист сознательно избегал мира бессознательного.В его картинах нет никаких следов романтизма, и они построены с методической, почти расчетливой точностью. Через визуальные загадки своих картин Магритту удалось создать весьма оригинальную коллекцию работ, в которых изображения, которые сами по себе визуально понятны, написаны в натуралистической технике, передают темные и сложные значения, открывая нам более загадочную сторону повседневности. Мир.
Ключ к полям (La Clef des champs) был написан в 1936 году.К тому времени Магритт был всемирно известен, так как Альфред Барр включил свои работы в легендарную выставку Fantastic Art, Dada, Surrealism как представитель фотографического сюрреализма вместе с Дали и Танги. Магритт изображает пейзаж в обрамлении окна, разбитого в результате удара, а осколки стекла, лежащие на земле, нарисованы из фрагментов пейзажа, идентичного тому, что снаружи. Через традиционную тему картины внутри картины, в манере нарисованного коллажа, Магритт исследует мир абсурдных ассоциаций, как это делал Макс Эрнст до него, и, кажется, хочет показать нам, что то, что мы видели через окно, не было реальный пейзаж, но изображение, нарисованное на стекле, хотя и идентичное пейзажу снаружи.Таким образом, пейзаж, нарисованный на битом стекле, показывает, что иллюзия и реальность — одно и то же. Картина была написана в тот период, когда Магритт под влиянием Льюиса Кэрролла отказался от своих более ранних загадочных сюрреалистических формул в пользу бессмысленных законов, управляющих миром Алисы.
В сводном каталоге работ художника Дэвид Сильвестр объясняет, что Магритт пытался поднять вопросы о проблеме представления изображений, и в этом отношении настоящее полотно можно рассматривать как продолжение проблемы окна, к которой он обратился тремя годами ранее. в Состояние человека .В эссе о художнике Хосе Пьер анализирует отношения между двумя композициями и заявляет: «В La Condition humaine I (1933) пейзаж, нарисованный на холсте на мольберте, в точности совпадает с тем, что он использовал в качестве модели. Возникает вопрос: «Если мы уберем холст, будет ли в пейзаже дыра?» Косвенный ответ на этот вопрос можно найти в книге «Ключ к полям» (La Clef des champs) (1936): если камень разбивает окно, отраженный пейзаж разбивается вдребезги, а реальный пейзаж остается неизменным ».
