Эволюция стиля живописи Пабло Пикассо – Zagge.ru
Картины «классического» периода
На протяжении всей жизни любого художника по обыкновению прослеживается изменение почерка, характера или даже стиля. Это явление можно заметить и у самых знаменитых живописцев — от почти что вынужденного перехода Моне к абстракции в конце жизни, до перехода Ван Гога к ярко выраженной цветовой палитре. Хотя подобные изменения характерны для большинства мастеров живописи, особенно сильно они наблюдаются в картинах Пабло Пикассо.
Его карьера, которая охватывала почти 80 лет, имела успех не только в живописи, но и в скульптуре, керамике, дизайне и сценической деятельности. Поэтому стремление Пикассо к экспериментам неудивительно. Для прослеживания стилистической эволюции Пабло Пикассо искусствоведы разделяют его творчество на несколько периодов: «ранний период», «голубой период», «розовый период», «африканский период», «кубизм», «классический период», «сюрреализм», военный и послевоенный периоды и период поздних работ.
Ранний период
Пикассо начал писать в раннем детстве — в его первых картинах образы обладали максимальным сходством с оригиналом, как и цветовая палитра.
«Портрет матери художника», 1896 год
«Знание и милосердие», 1897 год
Картины раннего периода
«Голубой» период
С 1902 года Пабло Пикассо начал писать в стиле, в котором были ярко выражены темы старости, смерти, нищеты и печали. В цветовой палитре художника начали преобладать голубые оттенки. В этот период Пабло писал, в основном, образы низших слоёв общества: алкоголиков, проституток, нищих и других людей.
«Свидание (Две сестры)», 1902 год
«Завтрак слепого», 1903 год
Картины «голубого» периода
«Розовый» период
В 1904 году Пабло Пикассо начал отдавать предпочтение розовым тонам, создавая образы из мира театра и цирка. Его персонажами стали в основном бродячие артисты — клоуны, акробаты или танцовщики.
«Акробат и молодой Арлекин», 1905 год
«Акробаты (Мать и сын)», 1905 год
Картины «розового» периода
«Африканский» период
Короткий период, который пришёлся на 1907-1908 годы, был навеян архаичным искусством Африки, с которым Пикассо познакомился на выставке в музее Трокадеро. Для художника это стало настоящим открытием — простые, а где-то даже примитивные, формы древних скульптур показались Пабло Пикассо удивительной особенностью, которая несла в себе огромный художественный заряд.
«Авиньонские девицы», 1907 год
«Автопортрет», 1907 год
Картины «африканского» периода
Кубизм
Увлечение африканской скульптурой привели Пабло к абсолютно новому жанру. Отказ от реалистичной имитации окружающего мира привёл художника к упрощению очертаний человеческих образов и предметов, которые затем стали превращаться в геометрические блоки. Вместе с французским художником Жоржем Брако, Пабло Пикассо стал родоначальником кубизма — направление, отвергающее традиции натурализма.
«Скрипка и гитара», 1913 год
«Портрет Амбруаза Воллара», 1915 год
Кубизм
«Классический» период
На переход с кубизма на живопись, которая была бы более «читаемой», повлияли как внутренняя потребность Пикассо, так и внешние факторы. В этот период художник сотрудничал с балетной труппой Сергея Дягилева, а также женился на Ольге Хохловой. Не удивительно, что она хотела бы узнавать себя в портретах, но одно лишь пожелание жены никак не повлияло бы на творчество Пикассо, если бы не его тяга к переменам.
Портрет Ольги в кресле, 1917 год
Купальщицы, 1918 год
Картины «классического» периода
Сюрреализм
Знакомство с Марией Терезой Вальтер, а также общение с сюрреалистами, повернули Пабло Пикассо в сторону сюрреализма. Переход к этому направлению можно описать его же выражением: «Я изображаю предметы так, как я думаю о них, а не так, какими я их вижу».
Фигуры на пляже, 1931 год
Женщина с цветком, 1932 год
Сюрреализм
Война и послевоенный период
Нависшая над Европой угроза, а также страх перед войной, заставили Пикассо если не прямо отражать настроение на полотне, то придавать картинам мрачность и трагизм. Послевоенное же творчество художника можно назвать счастливым — в работах художника прослеживается остроумие и отсутствие мрачных сюжетов.
«Плачущая женщина», 1937 год
«Палома с целлулоидной рыбой», 1950 год
Картины военного и послевоенного периодов
Поздние работы
Вплоть до своей смерти Пабло Пикассо продолжал рисовать. Однако, в отличие от его предыдущих работ, произведения, созданные в это время, не классифицируются в определенный стиль, так как многие его работы включают в себя разнообразные элементы прошлых периодов. Работы последних 15 лет творчества Пикассо очень разнообразны и неравны по качеству.
«Жаклин с цветами». 1954 год
«Алжирские женщины (версия О)», 1955 год
Картины последнего периода
Оценить статью:
Загрузка…Как научиться разбираться в живописи Пабло Пикассо за 5 минут
Ребята, мы вкладываем душу в AdMe.ru. Cпасибо за то,
что открываете эту
красоту. Спасибо за вдохновение и мурашки.
Присоединяйтесь к нам в Facebook и ВКонтакте
По оценкам экспертов, Пабло Пикассо считается самым дорогим художником в мире. Несколько лет назад объем официальных продаж его работ составил $ 262 млн. Кроме того, творческая карьера Пикассо считается одной из самых продолжительных. Она охватывает почти 80 лет, поэтому неудивительно, что за это время художник тяготел к экспериментам — от классицизма и натурализма до кубизма и сюрреализма.
AdMe.ru решил проследить, как менялся почерк и стиль одного из самых известных и почитаемых художников XX века и с чем были связаны эти перемены.
Ранний период (8–20 лет)
Пабло Пикассо (чье полное имя звучит как Пабло Диего Хосе Франсиско де Паула Хуан Непомусено Мария де лос Ремедиос Сиприано де ла Сантисима Тринидад Мартир Патрисио Руис и Пикассо) родился в 1881 году в Андалузской провинции Испании. Его отец был художником и с ранних лет прививал мальчику любовь к искусству: учил азам живописи и всячески развивал талант сына. Маленький Пабло начал рисовать в 3 года, а в 7 лет уже писал картины маслом. Все ранние работы Пикассо и их цветовая палитра обладают максимальным сходством с оригиналом — художник изображает жизнь и людей такими, какие они есть.
Полотно 1896 года «Портрет матери» (слева на коллаже выше) написано 15-летним художником в Барселоне во время учебы в школе искусств и ремесел.Одна из последних работ раннего периода — «Нана» (на коллаже справа) — была написана к первой выставке Пабло в Париже. В это время он осваивал методы импрессионистов и подражал им. В итоге критики отметили высокое мастерство начинающего художника, но посоветовали ему искать свой собственный стиль.
«Голубой период» (20–24 года)
К концу 1901 года Пабло находит свой оригинальный стиль и пишет работы, которые впоследствии будут отнесены к так называемому «голубому периоду», поскольку в цветовой палитре художника преобладали холодные и мрачные оттенки синего. На полотнах этого времени превалируют темы печали, нищеты, старости и смерти, а героями картин становятся алкоголики, проститутки и люди из низших слоев общества.
Дело в том, что в 1901 году покончил с собой близкий друг Пикассо. Художник чувствовал вину в том, что не предотвратил трагедию, и пребывал в депрессии. Кроме того, в эти годы Пабло отчаянно нуждался в деньгах и часто голодал. Одним из самых знаменитых полотен «голубого периода» считается картина «Любительница абсента» (слева на коллаже выше).
По иронии судьбы, полотна этого самого тяжелого и голодного периода жизни художника продаются сегодня на аукционах за огромные деньги. Например, картина «Голова Арлекина» (на коллаже справа) была продана на аукционе Sotheby’s за $ 15,2 млн.
«Розовый период» (23–25 лет)
В 1904 году Пикассо окончательно переезжает в Париж. Два последующих года его творчества получили название «розовый период» из-за характерной цветовой палитры. В это время все работы Пабло преисполнены жизнерадостности, изящества и тонкости. Пикассо заводит новых друзей и впервые в жизни серьезно влюбляется в Фернанду Оливье. Влюбленные живут вместе в его мастерской на Монмартре, и жизнь кажется прекрасной. Вскоре у Пабло появляются покровители — писательница Гертруда Стайн и ее брат. Они покупают картины у нуждающегося художника, выставляют их в своей галерее и вводят его в круг парижской богемы.
Главными персонажами работ Пикассо становятся бродячие артисты, акробаты, циркачи и танцовщики. В них Пабло видит много общего с художниками: они тоже бедны и всегда держатся вместе.
Одна из самых известных картин «розового периода» — «Девочка на шаре» (слева на коллаже выше).
Африканский период (26–28 лет)
Этот короткий период творчества художника называют также «протокубическим», или «сезанновским», потому что Пабло находится под серьезным влиянием метода Поля Сезанна. Пикассо ст
Пабло Пикассо — Стиль и техника
НОВАТОРСКАЯ ПЕРСПЕКТИВА
В начале XX века Пикассо совершил революционный переворот в искусстве. Он неутомимо искал новые формы для передачи своего уникального эмоционального видения. Впрочем, для него результат всегда был гораздо важнее самого поиска. Как любил повторять художник: «Я не ищу, я нахожу».
Пабло Пикассо на редкость разносторонен и плодовит. Он сделал себе имя, прежде всего, как живописец, однако был при этом изобретательным скульптором, талантливым театральным художником, отличным рисовальщиком, мастером офорта и керамики. Согласно оценке Музея современного искусства (Нью-Йорк), Пикассо за свою жизнь создал около 20000 работ.
Пикассо работал с феноменальной скорость. По собственному признанию, в первые годы своей жизни в Париже он мог писать до трёх картин в день. Впечатляющий пример — «Гернику», ширина которой составляет почти восемь метров, — он создал всего за шесть недель.
Мозайка стилей
Пикассо оставил после себя гигантское наследие — около 20000 работ, исполненных в самой разной стилистической манере. Хотя карьеру Пикассо принято делить на отдельные фазы, его мысль и рука творили с такой быстротой, что художник в своём стремлении к новому как бы обгонял самого себя. Он говорил: «Несколько стилей, используемых мною в работе, не следует рассматривать как эволюцию или как поиск идеала. Когда я хочу что-то выразить, я делаю это, не задумываясь ни о прошлом, ни о будущем…».
И в самом деле, Пикассо с завидной лёгкость переключался с почти абстрактных, искажённых образов на реалистический рисунок, в котором не уступал лучшим рисовальщикам XIX века.
Источник вдохновения
Пикассо внимательно изучил множество художественных систем. Иногда работы других художников оказывали влияние на его собственный стиль. Так, в ранней картине «Авиньонские девицы» можно найти отголосок «Трёх купальщиц» Сезанна. Другим источником вдохновения, оказавшим огромное влияние на Пикассо, стали предметы, показанные на парижской выставке примитивного искусства народов Африки и Океании в 1907 году. Пикассо признавался, что эту выставку воспринял как откровение. Особенно потрясли его искажённые пропорции фигур и двумерное изображение лиц — как на этой ритуальной маске из Центральной Африки.
Работа для театра
В 1916 году Жан Кокто пригласил Пикассо для оформления балета «Парад», поставленного на музыку Эрика Сати русским балетмейстером Сергеем Дягилевым. Дягилев страстно верил в то, что балет должен быть синтетическим и объединять в себе все формы искусства. Для «Парада» Пикассо создал опускающийся занавес и костюмы персонажей, которые назывались в балете «Управляющими». Костюм Американского Управляющего представлял собой небоскрёб, изображённый в неоклассическом стиле.
Рождение кубизма
Ещё одна цитата из Пикассо: «Я рисую предмет так, как представляю его, а не так как вижу». В этой фразе выражена вся суть кубизма, созданного Пикассо в сотрудничестве с Жоржем Браком. Мировую славу принёс Пикассо именно кубизм, оказавший огромное влияние на развитие всего искусства XX века. Известный историк искусства Джон Голдинг писал, что «кубизм, совершивший полный и радикальный переворот в живописи, вероятно, самое важное и значительное явление в искусстве со времён Ренессанса».
Само название этого направления появилось случайно. Это слово впервые произнёс критик, написавший в насмешку, что на своих картинах Брак всё уменьшает до «маленьких кубиков».
Пикассо и Брак приняли этот термин, несмотря на то, что предметы на картинах художников-кубистов разложены не на кубы, а скорее на грани. Самым революционным в кубизме стал отказ от традиционного для европейской живописи изображения объектов в одном ракурсе. Теперь для изображения предмета одновременно использовались разные точки зрения. В результате художник показывал, из чего состоит предмет, а не то, как он выглядит «здесь и сейчас».
Последователи Пикассо и Брака научились разлагать предмет на формы и перемещать их таким образом, что их картины были не раскрытым в мир окном, а плоскостью, выражающей восприятие предмета художником.
Темы и вариации
Брак и Пикассо придумали новое направление в живописи не за одну ночь. Идея кубизма постепенно вызревала с 1907 по 1914 год (с началом войны Брака мобилизовали в армию). Наиболее тесным их сотрудничество было в период между 1910 и 1912 годами. В это время работы Брака и Пикассо были настолько похожими, что даже специалисты затруднялись порой сказать, кому из них принадлежит то или иное полотно.
Раннюю стадию кубизма (вплость до 1911 года) часто называют аналитическим кубизмом. Брак и Пикассо анализировали формы предметов, а затем переносили их на холст. Поздняя стадия кубизма носит название синтетического кубизма. Художники «синтезировали» картины, часто используя при этом готовые материалы. Мысль о том, что картину можно сделать из любого материала, включая ткань, кусочки металла или дерева, была для того времени по-настоящему новаторской.
Неоклассицизм
После Первой мировой войны Пикассо большую часть времени работал на юге Франции. Это был период неоклассицизма, предполагавшего изображение массивных, скульптурно вылепленных тел. Художник мог при этом испытывать влияние средиземноморской культуры (в 1917 году Пикассо осматривал фрески Помпеи) и, как полагают некоторые критики, Энгра, великого мастера точной линии. Картина «Бег» позже была воспроизведена на опускающемся занавесе, созданном Пикассо для Дягилевского балет «Голубой экспресс».
Примитивизм
Свободное владение различными стилями письма прекрасно иллюстрирует картина «Игра в мяч» 1928 г. Спустя шесть лет после «Бега» Пикассо вновь изображает крупные фигуры на фоне морского ландшафта, но теперь классические пропорции и изысканные формы заменены примитивными «детскими» фигурами. Цвет реформирован по тому же принципу. Эта картина лишь одно из многих, похожих по манере, полотен, написанных Пикассо в 1928 и 1929 годах, когда его семья проводила отпуск на нормандском побережье Франции.
Пикассо неоднократно говорил, как он восхищается примитивным искусством и рисунками детей. Однажды он сказал: «Когда я был в их возрасте, я умел рисовать как Рафаэль. Мне потребовалась целая жизнь, чтобы научиться рисовать как они».
Кубистический переворот
Написанный в 1912 году «Натюрморт с плетёным стулом» был первой картиной, относящейся к синтетическому кубизму. Синтетический кубизм предполагает использование реальных, а не нарисованных художником, элементов — например, обычной газеты. Это картина с двойным сюрпризом, поскольку ненастоящим тут является как раз плетёный стул — его рисунок отпечатан на клеёнке. Если на аналитической стадии своего развития кубизм сам по себе был радикальным новшеством, то на синтетической он стал ещё более дерзким. Со времён Ренессанса европейские художники писали то, что они видят. Никому из них не приходило в голову разложить предмет на внешние элементы и композиционно объединить их. Пикассо и Брак пошли именно по этому пути, взорвав традиционные представления.
Синтетический кубизм позволил художникам-бунтарям использовать более яркие краски. Прежде они были скованы рамками аналитического кубизма, в котором ключевой была форма (а не цвет). Теперь, помимо доминировавших до этого серых и коричневых тонов, в палитре кубистов добавились живые цвета. Аналитический кубизм эксплуатировал довольной узкий круг тем, в основном ограничиваясь жизнью кафе. Выходы за эти рамки были редки. Примером такого выхода служат портреты, созданные Пикассо, — например, портрет торговца произведениями искусства Амбруаза Воллара.
При создании кубистических картин Брак и Пикассо обычно ограничивались узким кругом тем и жанров (среди последних они предпочитали натюрморт). По большей части, художники изображали простые «вневременные» предметы и формы, чтобы зритель яснее представил, из каких форм состоит хорошо знакомый ему предмет и как можно переставлять эти формы.
Пикассо-кубист очень много работал с человеческим телом, хотя иногда в кубистической манере писал и портреты. Он обладал острым взглядом и умел создавать впечатляющие образы. Позже художник неоднократно обращался к мифологическим сюжетам. Особенно его привлекали мифы о минотавре, который был наполовину мужчиной и наполовину быком.
Гравюра
За свою жизнь Пикассо создал более 2000 гравюр. Многие из них вошли в так называемую «Сюиту Воллара» (1930-е годы) — в частности, «Минотавр, обнажающий женщину». Помимо этого, Пикассо занимался литографией и линогравюрой. Гравюры Пикассо различаются по настроению и стилю — от изысканных ранних гравюр до поздних гравюр, исполненных в дерзкой манере. Линолеум позволяет получать большие четкие изображения, так как вырезать рисунок на его поверхности гораздо легче, чем на дереве или металле. Этим объясняется привязанность Пикассо к этой технике — в ней он создал целый ряд плакатов, изобретя при этом способ наносить несколько цветов с одного и того же клише.
Пикассо и политика
«Герника» стала выражением протеста против бушевавшей в Испании гражданской войны. Пикассо был потрясён событиями Второй мировой войны — это одна из причин его вступления в 1944 году во Французскую коммунистическую партию. В послевоенный период художник написал немало картин с явной политической окраской. Фреска «Мир» (1952 г.) — одна из них.
Формы и чувства
Пикассо не слишком доверял теориям и говорил: «Когда мы любим женщину, мы не начинаем измерять её конечности. Мы любим её нашими чувствами». Он стремился как можно живее и непосредственнее передать свои эмоции. Приём искажения человеческой фигуры всегда работал на решение именно этой задачи.
Характерным для художественной системы Пикассо было разложение на части человеческого тела. Перемещение в пространстве глаз, ушей, рта и носа позволяло художнику острее и адекватнее передать свои ощущения.
Многие работы Пикассо автобиографичны, и, в первую очередь, это относится к портретам женщин, которых любил художник. Некоторые из этих образов откровенно эротичны. За это Пикассо и хвалили, и осуждали. Некоторые поздние женские образы Пикассо отличаются грубой агрессивностью, однако другие написаны с удивительной нежностью.
Методы работы
Парадоксально, но Пикассо-новатор в художественной технике часто бывал довольно консервативен. Он любил писать маслом по холсту, иногда предпочитая дерево или картон. Для небольших картин использовал бумагу и акварель. Впрочем, Пикассо, не задумываясь, отвергал традиционные методы, если они становились для него веригами. Особенно это касается кубистических картин. Чтобы создать фактурную поверхность, он смело смешивал краску с песком или опилками. Свои картины художник чаще всего писал на столе, а не на мольберте, и обыкновенно работал по ночам, при электрическом освещении, находя это освещение более «восхитительным», чем солнечный свет. Большинство картин Пикассо не поражают внушительными размерами; «Гернику» можно назвать исключением. Рисунки Пикассо, как правило, представляют собой самостоятельные работы, хотя для самых значительных своих картин он делал ряд предварительных набросков.
Мнения критиков о последнем этапе творчества Пикассо неоднозначны. Некоторые склонны считать, что после окончания Второй мировой войны Пикассо не создал ничего значительного. Другие полагают, что он оставался выдающимся мастером до самой смерти. Его поздние работы отличаются богатством красок и свободой письма. Ряд специалистов называют позднего Пикассо предтечей неоэкспрессионизма — направления, ставшего доминирующим в авангардном искусстве 1980-х годов.
Не только живопись
В своём неустанном стремлении расширить рамки искусства Пикассо обращался к скульптуре и керамике. Его работы и здесь по-настоящему революционны.
Согласно традиционным представлениям о скульптуре, она могла быть либо высечена из твёрдого материала (камень, мрамор и т.д.), либо вылеплена из мягкого материала (вроде глины). С 1912 гола Пикассо начал «собирать» свои скульптуры из самых разных материалов. Так, «Женская голова» (1931 г.) сделана из предметов кухонной утвари, а голова обезьянки («Обезьяна с малышом», 1952 г.) — из игрушечной машинки.
Позже Пикассо увлёкся керамикой и обнаружил, что трёхмерные керамические предметы имеют двумерные, пригодные для рисования, плоскости. Он очень любил работать с материалом, позволявшим ему создавать сложные формы, какой является, например, ваза в виде птицы с раскрытыми крыльями-руками и нарисованными на груди лицами.
«Пикассо меняет стиль чаще, чем носки»
13 марта 1961 года 79-летний Пабло Пикассо женился на 37-летней модели Жаклин Рок. Ей посвящено наибольшее количество картин художника. После смерти Пикассо Жаклин взяла на себя ответственность за сохранение наследия художника, благодаря ей музеи пополнили свои коллекции бесценными шедеврами. А накануне одной из его выставок Жаклин застрелилась.
Чудо при рождении
Пабло Пикассо родился 25 октября 1881 года в Малаге, небольшом городе Андалузской провинции Испании, в семье живописца, преподавателя школы изобразительных искусств и куратора городского музея, Хосе Руиса Бласко.
Автопортрет 30 июня 1972. (pinterest.com)
Одна из самых известных историй из жизни Пикассо — о его чудесном спасении при рождении. Дело в том, что ребенок был настолько слабым, что акушерка посчитала его мертвым. Куривший рядом дядя Пабло пустил дым младенцу в лицо. Новорожденный скорчил гримасу и заплакал.
А через некоторое время Пабло крестили, дав при этом довольно длинное имя: Пабло Диего Хосе Франсиско де Паула Хуан Непомусено Мария де лос Ремедиос Сиприано де ла Сантисима Тринидад Мартир Патрисио Руис и Пикассо. Что поделать — каждый предок хотел оставить след в истории.
Как стать художником
С 7 лет ребенок занимался рисованием, за что спасибо отцу. Собственно, тяга к искусству обнаружилась с первым словом: в отличие от большинства детей, которые начинают с чего-то в духе «мама», «папа», Пикассо стартовал с «карандаша».
Любительница абсента, 1901. (pinterest.com)
Пикассо не терпел критики. В ответ на указание преподавателей, что делать, он всегда высказывался резко и грубо. За это его часто отправляли в карцер, что было скорее наградой для Пабло, нежели наказанием, ведь в заточении он мог рисовать, не отвлекаясь.
Ищите женщину
«К несчастью, а может, и к счастью, я смотрю на вещи через призму любви». Ни у одного из великих художников не было столько романов и возлюбленных, сколько у Пабло Пикассо. С возрастом он выбирал дам все моложе, повторяя: «Если я живу с юной, это помогает и мне оставаться юным».

Пикассо был женат дважды и имел четырех детей от трех женщин. Относился он к своим детям и внукам довольно жестоко. Сын от первого брака с Ольгой Хохловой жил в бедности, в то время как художник купался в достатке: платил за шикарные банкеты, лишь поставив свою подпись на салфетке, и похвалялся, что может покупать себе дома «за три картинки, намалеванные вчера». Он дарил свои рисунки друзьям, даже посвятил одну тарелку своей собаке, а своим внукам — ничего. Один из внуков покончил жизнь самоубийством в 24 года, выпив хлорку.
Девочка на шаре, 1905. (pinterest.com)
Секрет успеха
Творческая биография Пабло Пикассо по-настоящему экстремальна. Марк Шагал как-то сказал, что он меняет стиль чаще, чем носки. Традиционно принято выделять 11 периодов творчества Пикассо: ранний, голубой, розовый, африканский, аналитический кубизм, синтетический кубизм, классицизм, сюрреализм, предвоенный, послевоенный, поздний.
Один из великих фотографов 20 века, Дэвид Дуглас Дункан как-то спросил художника, какой из периодов ему наиболее близок, какой он считает самым значимым в своем творчестве. Пикассо растопырил пятерню: «Как вы думаете, какой из пальцев мне наиболее дорог? Они нужны мне все!»
Три музыканта, 1921. (pinterest.com)
Случались и курьезы. Вот как описывает один из них композитор Игорь Стравинский: «Из Неаполя я вернулся в Рим и провел чудесную неделю у лорда Бернерса. После этого надо было возвращаться в Швейцарию, и я никогда не забуду приключения, которое случилось со мной на границе в Кьяссо. Я вез с собою свой портрет, незадолго до того нарисованный Пикассо. Когда военные власти стали осматривать мой багаж, они наткнулись на этот рисунок и ни за что не хотели его пропустить. Меня спросили, что это такое, и когда я сказал, что это мой портрет, нарисованный одним очень известным художником, мне не поверили: «Это не портрет, а план», — сказали они. «Да это план моего лица, а не чего-либо другого», — уверял я. Однако убедить этих господ мне так и не удалось. Все эти пререкания отняли много времени, я опоздал на свой поезд, и мне пришлось остаться в Кьяссо до следующего утра. Что же касается моего портрета, то пришлось отослать его в Британское посольство в Риме на имя лорда Бернерса, который впоследствии переправил мне его в Париж дипломатической почтой».
Портрет Игоря Стравинского, 1920. (pinterest.com)
В 2006 году американский магнат Стив Уинн согласился продать картину Пабло Пикассо «Сон» за 139 миллионов долларов, и это стало бы одной из самых больших цен в истории за произведение искусства. Однако при демонстрации картины Уинн слишком сильно размахивал руками и повредил полотно локтем. Владелец расценил это как знак свыше и принял решение не продавать картину после восстановления.
Сон, 1932. (pinterest.com)
Хотя известность Пикассо получил за свои картины, он экспериментировал со скульптурой, керамикой, графикой. Даже разработал занавес, декорации и костюмы для нескольких балетных постановок. Пикассо писал стихи и стал автором двух пьес.
Пикассо и современная мода — коллекция, посвященная художнику, в рамках Миланской недели моды: lovers_of_art — LiveJournal
Одержимость Пикассо образом Минотавра нашла отклик в нескольких моделях Moschino
Эпатажный кубистский стиль Пабло Пикассо вдохновил модельеров Moschino на создание новой коллекции весна-лето 2020, которую представили на Миланской неделе моды. Коллекция стала данью уважения к живописным и скульптурным произведениям мастера, а каждый из ансамблей — прямая отсылка к произведениям художника.
Moschino — итальянская компания, основанная в 1983 году дизайнером Франко Москино, производитель модной одежды, тканей, парфюмерии, товаров для дома, аксессуаров и других предметов роскоши.
Креативный директор Moschino, дизайнер Джереми Скотт, перенес модернистские образы Пикассо на подиум. Зрителям представили вариации на тему картин, скульптур, коллажей Пикассо, приправленные его же принципами использования цветов и ломанных кубистических пространственных форм.
Пластическая скульптура Пикассо «Гитара» (1912-1914) как прототип для модного платья
Отдавая дань творчеству гениального испанца, Moschino продемонстрировали параллели с выдающимися шедеврами художника — в том числе модные аллюзии на картину «Авиньонские девицы» (1907), а также представили трехмерное платье в виде гитары и отдали должное столь любимому Пикассо образу минотавра. Выход на подиум «превратился» в картинную раму, рамки встречались и в виде аксессуаров (сумочек), или же служили элементом костюма. Не обошлось и без обнаженной натуры — правда, лишь в виде платья-«наброска».
Пабло Пикассо — Авиньонские девицы — 1907
Работа над «Авиньонскими девицами» заняла у Пикассо девять лет. Он сделал множество набросков к этому полотну, на которых изначально, кроме обнаженных женщин, присутствовали еще и мужчины — завсегдатаи публичного дома. Да и сама картина изначально называлась «Бордель в Авиньоне». Новое, более благопристойное название для полотна придумал художественный критик Андре Сальмон, организовавший выставку Пикассо в 1916 году, на которой «Авиньонские девицы» были впервые представлены публике. И даже спустя девять лет после создания картину назвали аморальной. Зрителей поражала не только бесстыдная нагота изображенных на полотне женщин, но и отказ Пикассо от общепринятых живописных канонов.
Кара Тейлор на показе Moschino во время Миланской недели моды
Фото Пьетро д’Апрано / Getty Images
Белла Хадид в ансамбле «а-ля арлекин» по мотивам картины Пикассо «Склонившийся арлекин» (1901)
Тельняшка с картины Пикассо «Моряк» (1943)
© 2018 Estate of Pablo Picasso / Общество прав художников (ARS), Нью-Йорк
Фото: Christie’s
А здесь видна отсылка к картине «Обнаженные мужчина и женщина» (1968)
Фото: Christie’s
Чествуя талант великого Пикассо, итальянский дом моды создал феерическую палитру, не забыв об увлечении маэстро танцами фламенко и боями быков. Джереми Скотт за кулисами показа заявил: «Музы вдохновляют художников, а художники вдохновляют мир».
За кулисами на показе Moschino 2020 во время Миланской недели моды в четверг 19 сентября 2019 года
Фото: Serichai Traipoom
Moschino Spring Summer 2020 Fashion Show
Moschino Весна/Лето 2020 Модное шоу
Пикассо и современная мода — коллекция, посвященная художнику, в рамках Миланской недели моды
Пабло Пикассо
Отец современного искусства
Пабло Пикассо был одним из самых прославленных творцов XX века. Его имя стало синонимом целого художественного направления, а его личность не только пленяла знавших его людей, но сумела покорить весь мир.
Пабло Пикассо родился 25 октября 1881 года в Малаге, шумном портовом городе на юге Испании. Его родители — Мария Пикассо Лопес и Хосе Руис Бласко. Хосе занимался живописью и преподавал её. В семье было четверо детей, Пабло был старшим.
В 1895 году семья переехала в Барселону, где Хосе стал работать в художественной школе Ла Лонхе. Пикассо начал учиться именно там, а в 1897 году продолжил образование в мадридской Академии изящных искусств. Вскоре он понял, что Академия ничего ему не даст, и вернулся в Барселону, где организовал собственную студию. Ему исполнилось тогда всего 16 лет.
Его ранние картины наполнены грустью. Первоначально он подписывался на них «П. Руис», однако позже дополнил эту подпись девичьей фамилией матери, превратившись в «П. Руис Пикассо». В двадцатилетнем возрасте он взял себе псевдоним, под которым его и узнал весь мир. Псевдоним потребовался Пикассо, чтобы его не путали с отцом. Пабло был на редкость самоуверенным юношей и не сомневался в том, что сумеет добиться грандиозного успеха.
ПАРИЖСКАЯ ЖИЗНЬ
Подобно всем амбициозным художникам того времени, Пикассо мечтал попасть в Париж. Его мечта сбылась только в 1900 году. В 1904 году он окончательно обосновался в Париже. 1900-1904 годы называются «голубым периодом» в творчестве Пикассо, поскольку большинство созданных им в эти годы картин написано в холодных голубых тонах. «Голубой период» сменился кратковременным «розовым», когда художник предпочитал более тёплую гамму (в основном оттенки розового).
В 1904 году Пикассо приобрёл студию в ветхом доме, расположенном в районе Бато-Лавуа. В течение следующих пяти лет он жил в этой студии. Именно здесь молодой художник познакомился с натурщицей Фернандой Оливье, ставшей его любовницей. Он не раз изображал Фернанду на своих картинах. Позже Фернанда вспоминала, что Пикассо в то время был «маленьким, смуглым, худым, жестоким, беспокойным, с тёмными, глубокими глазами, пронзительным взглядом… неуклюжим в движениях, с женскими неухоженными руками. Густая прядь волос, чёрных и блестящих, падала на его высокий выпуклый лоб».
ТВОРЧЕСКОЕ ОКРУЖЕНИЕ
В Париже Пикассо быстро вошёл в круг авангардистов и до конца жизни сохранил дружбу со многими поэтами. Среди них можно назвать Гийома Аполлинера, который одним из первых по достоинству оценил работы Пикассо, Макса Жакоба и Андре Сальмона, оставившего живые, хотя и не всегда правдивые воспоминания о тогдашней богемной жизни в Бато-Лавуа. Особенно сблизился Пикассо с Максом Жакобом. Зимой 1902-1903 гг., когда Пикассо буквально нищенствовал, Жакоб предложил художнику разделить с ним свою комнату. Кровать была одна, и приятели поделили её по времени суток: Жакоб спал ночью, а Пикассо днём, и это устраивало обоих, потому что Пабло предпочитал работать по ночам. Среди друзей Пикассо отметим ещё писателя и кинорежиссёра Жана Кокто и композиторов Эрика Сати и Игоря Стравинского. До самой старости сохранилась близость между художником и его другом детства Жауме Сабартесом, который с перерывами исполнял обязанности его секретаря.
Пикассо и Фернанда жили в Бато-Лавуа вполне богемной жизнью. Вместе с тем Пикассо не переставал трудиться и вскоре добился успеха. К 1907 году он стал известен среди коллекционеров и торговцев живописью, заинтересовавшихся юным талантом. При этом Пикассо ни разу не выставлял свои работы на обычных публичных выставках, и это было ещё одним проявлением его удивительного индивидуализма.
ВИХРЬ ЖИЗНИ
Среди людей, оказавших поддержку Пикассо, была американская писательница Гертруда Стайн (её портрет художник написал в 1906 году) и торговец картинами, немец по происхождению, Даниэль-Генрих Канвейлер.
Именно Канвейлер в 1907 году познакомил Пикассо с талантливым молодым художником Жоржем Браком. В течение нескольких лет оба художника работали в тесном сотрудничестве. В результате появилось новое направление в живописи — кубизм. Кубизм отрицал традиционное представление о том, что изображённый на картине предмет или человек должен рассматриваться только под одним определённым ракурсом. Плодотворное сотрудничество Брака и Пикассо продолжалось вплоть до 1914 года, когда началась мировая война и Брака призвали в армию.
В 1917 году художник посетил Рим, где работал над декорациями и костюмами к балету «Парад» в постановке русского балетмейстера Сергея Дягилева. Здесь Пикассо влюбился в Ольгу Хохлову, одну из танцовщиц русской труппы. Они поженились в 1918 году. Именно тогда Пикассо навсегда распрощался с богемной жизнью. С молодой женой он переехал в роскошную квартиру. Средства позволяли это сделать — к тому времени Пикассо стал процветающим и признанным художником.
В 1921 году у Пабло и Ольги родился сын Поль, однако их брак счастливым не назовёшь. По сути, он закончился в январе 1927 года, когда Пикассо увлёкся 17-летней Мари-Терез Вальтер. Самому мэтру было тогда 45 лет. В 1953 году у Мари-Терез родилась девочка, которую назвали Майей.
Положение было щекотливым, потому что брак Пикассо с Ольгой, заключённый по испанским законам, не мог быть расторгнут. Ольга и Пабло формально оставались мужем и женой вплоть до смерти Ольги, последовавшей в 1955 году. Ольга, оказавшаяся после их разрыва на грани помешательства, часто появлялась там, где бывал Пикассо, и громко поносила его. Такое положение вещей мучило художника. Глубокая депрессия, хорошо заметная по некоторым работам Пикассо, часто вызвана именно этим фактом. На какое-то время он вообще перестал писать и занялся поэзией.
Но не сложились отношения и с Мари-Терез. Они прекратились уже в 1937 году, когда её место в сердце художника заняла фотограф Дора Маар. Мари-Терез преследовала художника до конца жизни, покончив с собой вскоре после его смерти.
Несмотря на то, что Пикассо много лет прожил во Франции, связывавшие его с родиной нити никогда не обрывались, и на полотнах художника не раз возникали испанские темы. В январе 1937 года испанское правительство заказало Пикассо полотно для оформления национального павильона на Всемирной выставке в Париже. Гражданская война в Испании и бомбардировки мирных городов вдохновили художника на создание знаменитого шедевра — «Герники».
НОВЫЕ МУЗЫ, НОВЫЕ МЕСТА
Во время немецкой оккупации Пикассо оставался в Париже. В 1943 году он расстался с Дорой, в его жизни появилась новая муза — 21-летняя Франсуаза Жило. С ней он прожил 10 лет.
У них родились дети: в 1947 году сын Клод, а в 1949 году дочь Палома. Начиная с 1946 года, Парижу художник предпочитает юг Франции. С 1948 по 1955 годы его жизнь связана с Валлорисом, городком, где со времён Римской империи обитали знаменитые гончары. Знакомство с работами местных мастеров пробудило у Пикассо интерес к керамике. Он всерьёз взялся за новое для себя дело и продолжал заниматься керамикой почти до конца жизни. Другим увлечением Пикассо стал пацифизм. Надо отметить, что в 1944 году художник вступил во Французскую коммунистическую партию.
СТАРЫЙ БУНТАРЬ
Франсуаза Жило оставила Пикассо в 1953 году, забрав с собой Клода и Палому. Её место быстро заняла Жаклин Рок.
В 1961 году Жаклин и Пикассо поженились. В том же году художник обосновался на уединённой вилле Нотр-Дам-де-Ви. Это был большой старинный дом, расположенный среди деревьев на живописном склоне холма неподалёку от Канн, на французской Ривьере.
Даже перевалив за восьмой десяток лет, Пикассо продолжал энергично работать. Очевидно, мысли о приближающейся смерти подстёгивали художника, и он спешил. Поздние работы Пикассо говорят нам об угасании в тематике, но не в исполнении. Как художник, Пикассо по-прежнему был на высоте.
ПОСЛЕДНИЕ ГОДЫ
Пикассо стал героем многочисленных книг, статей, выставок и фильмов ещё при жизни. При этом сам художник в последние свои годы крайне редко появлялся на людях, предпочитая тихую уединённую жизнь в обществе Жаклин. Он умер 8 апреля 1973 года в возрасте 91 года и был похоронен в старинном замке Вовенарг, где жил и работал в 1958-1961 годах.
Эволюция стиля живописи Пабло Пикассо
Карьера Пабло Пикассо, которая охватывала почти 80 лет, имела успех не только в живописи, но и в скульптуре, керамике, дизайне и сценической деятельности.
Поэтому стремление Пикассо к экспериментам неудивительно.
Для прослеживания стилистической эволюции Пабло Пикассо искусствоведы разделяют его творчество на несколько периодов:
1. «ранний период»,
2. «голубой период»,
3. «розовый период»,
4.«африканский период»,
5. «кубизм»,
6. «классический период»,
7.«сюрреализм»,
8. военный и послевоенный периоды
9. период поздних работ.
1. Ранний период.
«Портрет матери художника», 1896 год.
Пикассо начал писать в раннем детстве – в его первых картинах образы обладали максимальным сходством с оригиналом, как и цветовая палитра.
Все изображения расположены в хронологическом порядке.
У каждого изображения есть описание.
2. «Голубой» период.
«Свидание (Две сестры)», 1902 год.
«Акробаты (Мать и сын)», 1905 год.
В 1904 году Пабло Пикассо начал отдавать предпочтение розовым тонам, создавая образы из мира театра и цирка. Его персонажами стали в основном бродячие артисты – клоуны, акробаты или танцовщики.4. «Африканский» период.
«Автопортрет», 1907 год.
Короткий период, который пришёлся на 1907-1908 годы, был навеян архаичным искусством Африки, с которым Пикассо познакомился на выставке в музее Трокадеро. Для художника это стало настоящим открытием – простые, а где-то даже примитивные, формы древних скульптур показались Пабло Пикассо удивительной особенностью, которая несла в себе огромный художественный заряд.
Еще одна работа из этого периода —
«Авиньонские девицы», 1907 год.
5. Кубизм.
«Скрипка и гитара», 1913 год.
Портрет Ольги в кресле, 1917 год.
Фигуры на пляже, 1931 год. Знакомство с Марией Терезой Вальтер, а также общение с сюрреалистами, повернули Пабло Пикассо в сторону сюрреализма. Переход к этому направлению можно описать его же выражением: «Я изображаю предметы так, как я думаю о них, а не так, какими я их вижу».8. Война и послевоенный период.
«Плачущая женщина», 1937 год.
Нависшая над Европой угроза, а также страх перед войной, заставили Пикассо если не прямо отражать настроение на полотне, то придавать картинам мрачность и трагизм. Послевоенное же творчество художника можно назвать счастливым – в работах художника прослеживается остроумие и отсутствие мрачных сюжетов.
9. Поздние работы.
«Жаклин с цветами», 1954 год.
Источник: Искусствовач
