Современный арт: Рынок современного искусства 2000–2020: обзор Artprice в разгар пандемии

Содержание

Рынок современного искусства 2000–2020: обзор Artprice в разгар пандемии

Рынок современного искусства 2000–2020: обзор Artprice в разгар пандемии | Артгид

У вас отключено выполнение сценариев Java Script. Измените, пожалуйста, настройки браузера.

Процесс

ПрактикаСобытияАрт-сообщество

Текст: Ольга Гурова23.12.2020   188794

Ежегодно портал Artprice публикует годовой отчет о состоянии мирового рынка современного искусства. Но в 2020 году мировой арт-рынок взял паузу, и Artprice воспользовался этим, чтобы сделать обзор рынка современного искусства за последние двадцать лет так, как он видится сейчас, во времена глобального кризиса, связанного с пандемией.

Цзэн Фаньчжи. Тайная вечеря. 2001. Холст, масло. Продана в октябре 2013 на Sotheby’s, Гонконг, за $23,3 млн. Courtesy Sotheby’s

Вплоть до конца 1990-х годов современное искусство было маргинальным сегментом арт-рынка, сейчас же оно составляет 15% мирового аукционного оборота изобразительного искусства и является основным двигателем его роста: за 20 лет его рост составил 2100%. В наше время коллекционеры не зациклены на работах умерших художников, они позволяют новым художникам убедить себя с помощью новых форм, новых методов, новых ориентиров. Некоторые цены росли так быстро, что MoMA, например, упустил возможность приобрести картину Жан-Мишеля Баскиа. В то же время создан новый рынок доступных объектов с принтами и тиражными работами. Вдохновленное поп-артом, современное искусство продолжает демократизироваться, вступая в диалог с более широкой аудиторией. Символом этого стал стрит-арт: работы Бэнкси известны во всем мире. Революцией стало признание женщин-художников молодого поколения, к которому следует добавить успех художников из Африки и африканской диаспоры.

Короче говоря, за 20 лет рынок современного искусства пережил глубокую трансформацию. Понятно, что пандемия, разразившаяся в 2020 году, нарушила ритм развития рынка. Таким образом, переживая эту паузу, мы можем провести серьезный анализ метаморфоз рынка современного искусства, таящего в себе самые большие риски и самые большие возможности, прежде чем он возобновит свою полную неожиданностей работу.

Рынок современного искусства находится на пике

За 20 лет рынок современного искусства претерпел глубокие структурные изменения: все больше художников (с 5400 до почти 32 тыс. представленных сегодня на аукционном рынке), все больше работ (с 12 тыс. до 123 тыс. лотов). Рынок рос и расширялся географически (с 39 до 64 стран, участвующих в аукционах). Его рост ускорился с распространением удаленных транзакций и теперь является наиболее динамичным и прибыльным сегментом всего арт-рынка. За 20 лет количество аукционных домов, участвующих в торгах на рынке современного искусства, увеличилось вдвое, количество сессий — втрое, а количество проданных лотов — в шесть раз.

 

2000

2010

2019

Аукционный оборот ($)

92 млн

1145 млн

1993 млн

Цена топ-лота ($)

2,2 млн

16,9 млн

91,1 млн

Средняя цена лота ($)

7430

30 400

25 140

Лотов продано

12 355

37 670

79 290

Лотов выставлено на продажу

19 180

61 885

122 875

Доля непроданных лотов

36%

39%

35%

Число торгов

1794

2960

5874

Число художников

5425

18 284

31 918

Города

359

377

539

Страны

39

58

64

Аукционные дома

467

618

843

Комиссия покупателя

14,4%

16,9%

20%

Доля рынка

2,9%

8,6%

14,9%

Самый продаваемый художник

Жан-Мишель Баскиа

 

Оборот аукционов современного искусства уже обогнал по объемам такие сегменты арт-рынка, как искусство старых мастеров или искусство XIX века.

Работы некоторых современных художников уже достигли статуса «исторических ценностей» и ценятся в денежном выражении так же, как и величайшие художники модернизма, такие как Моне или Пикассо. Баскиа является обладателем первого и последнего аукционных рекордов двадцатилетия. Одна из его работ в 1998 году первой для современного искусства преодолела планку в $1 млн, а другая в 2017-м стала самым дорогим произведением современного искусства, проданным на аукционе («Без названия» (1982), Sotheby’s, $110,5 млн) — аукционный рекорд Баскиа за 20 лет вырос в 65 раз. За этот же период средняя цена произведения современного искусства утроилась. Этот рост сделал современное искусство основным двигателем роста мирового арт-рынка в XXI веке.

Современное искусство 2000–2020: ключевые цифры

► В 6 раз больше художников и в 6 раз больше лотов.
► +2100% рост аукционного оборота.

► Баскиа — рекордсмен мировых аукционов в сегменте современного искусства: $110 млн.
► Современное искусство сейчас составляет 15% мирового арт-рынка против 3% 20 лет назад.
► На Китай и США приходится 68% мирового аукционного оборота рынка современного искусства.
► С 2000 года работы современного искусства принесли $22,7 млрд.
► Более 60% рынка современного искусства приходится на живопись.

Одним из основных факторов роста рынка современного искусства стало внезапное появление на нем китайских покупателей, приход которых привел к коренному изменению рынка. Быстрый рост китайской экономики позволил одним богатым предпринимателям начать коллекционирование произведений искусства, в то время как другие начали покупать произведения искусства, чтобы диверсифицировать свои инвестиции. Возникновение в Китае сектора «арт-бизнеса» было быстрым и впечатляющим, оно включало появление специализированных инвестиционных фондов. В подражание практике фондового рынка, предлагались «доли» в работах с целью получения быстрого и значительного прироста капитала.

Большие суммы вкладывались, в основном, в произведения китайских художников, что значительно увеличило их стоимость. В 2011–2012 годах на аукционном рынке Китая было продано вдвое больше произведений современного искусства стоимостью выше $100 тыс., чем во всей Европе. С течением времени многие китайские покупатели стали серьезными коллекционерами — это основатель гиганта электронной коммерции Alibaba Джек Ма, Эдриан Чен или Лин Хан. Некоторые создали частные музеи для размещения своих коллекций — например, Буди Тек с его музеем в Шанхае.

Однако рост рынка современного искусства был обусловлен не только Китаем. Он возник как следствие продолжающейся глобализации арт-рынка. Цены росли на работы ведущих индийских, ближневосточных и западных художников. В Нью-Йорке и Лондоне началась целая череда новых аукционных рекордов.

Такаси Мураками. ДОБ в Странном лесу. 1999. Сталь, пластик, армированный стекловолокном, стекловолокно, смола, акрил. Courtesy автор. © 1999 Takashi Murakami / Kaikai Kiki Co., Ltd. All Rights Reserved

Мураками, японец в Нью-Йорке

Стремительный взлет Такаси Мураками стал символом трансформаций на рынке современного искусства. Почти отсутствовавший на радарах в 2000 году, в 2008 году он вошел в десятку самых продаваемых художников. Своего рыночного пика работы Мураками достигли в 2008 году, когда на аукционе Sotheby’s его работа «Мой одинокий ковбой», вдохновленная мангой и культурой кавай, была продана за $13,5 млн, в 10 раз выше эстимейта, что открыло для Мураками двери американского рынка. Сам художник присутствовал в аукционном зале, чтобы купить работу Ёситомо Нары «Зажги мой огонь» (2001) за $1,1 млн. Таким образом, современные японские художники вошли в число самых дорогих наряду с Джеффом Кунсом и Деймианом Херстом, также умело использующими в свою пользу коды массовой коммуникации и маркетинг.

Херст и Sotheby’s до и после события

В середине сентября 2008 года номинальному главе так называемых «Молодых британских художников» (YBA) удалось навсегда вписать свое имя в историю арт-рынка, когда он а) начал продавать свои работы непосредственно через Sotheby’s минуя обычную схему, включающую арт-галереи, и б) сделал это в критический момент в мировых финансах (проведение аукциона совпало с крахом крупного инвестиционного банка Lehman Brothers).

Около 200 работ было доставлено из студии Херста прямо в аукционный зал, и общие результаты торгов Beautiful Inside My Head Forever были ошеломляющими. 45 работ было продано дороже $1 млн, несколько новых работ были проданы по исключительным ценам, в том числе «Золотой телец» (2008), ушедший за $18,5 млн. Это событие принесло Деймиану Херсту целое состояние и укрепило его славу, сделав его первым художником, сыгравшим решающую роль в коммерциализации своих работ.

Деймиан Херст. Золотой телец. 2008. Стекло, золото, позолоченная нержавеющая сталь, силикон, теленок и раствор формальдегида, постамент из каррарского мрамора. Фото: Prudence Cuming Associates. © Damien Hirst and Science Ltd. All rights reserved, DACS 2012

Крах Lehman Brothers ознаменовал начало мирового финансового кризиса и сразу после этого мировой рынок искусства резко сократился. Сокращение финансовых рынков и связанные с этим экономические последствия вызвали волну увольнений во всем арт-мире. Поскольку банки прекратили кредитовать коллекционеров на покупку произведений искусства, оборот аукционных домов неизбежно сократился. Сегмент современного искусства потерял две трети своего аукционного оборота в 2009 году ($588 млн против $1,6 млрд в 2008 году). Однако падение было кратковременным, и индикаторы рынка начали быстро восстанавливаться. В конце 2010 года объем рынка современного искусства вырос примерно до $1,1 млрд, а впоследствии достиг $1,5 млрд в 2011 году (против $1,59 млрд в 2008 году). Рынок работ Херста так и не вернулся к прежней эйфории времен торгов Beautiful Inside My Head Forever, но со временем стабилизировался. Его основные работы продаются более чем за $1 млн, но более медленными темпами: с января 2019 по июль 2020 года работы Херста принесли $5,5 млн по сравнению с $65 млн в 2008 году. За последние 20 лет Херст зарекомендовал себя как третий самый успешный современный художник (с общим объемом вторичного рынка $695 млн) после Баскиа и Кунса.

Новый пик 2014 года и быстрый рост китайского арт-рынка

В 2014 году на арт-рынке была отмечена беспрецедентная активность: на аукционах по всему миру было выставлено рекордное количество (более 100 тыс. ) лотов современного искусства, из которых 64 тыс. (тоже рекорд) нашли своих покупателей, глобальный оборот рынка современного искусства увеличился за два года на $1 млрд и достиг $2,4 млрд. Этот новый пик отразился на арт-рынке в целом, годовой оборот которого составил $16,4 млрд.

Китай стал играть гораздо более активную роль. Страна становилась все более привлекательной для мировых инвесторов, в том числе для аукционного дома Christie’s, который решил сосредоточить свои продажи в Шанхае. Со своей стороны, Sotheby’s предпринял попытку нарастить продажи в Пекине. Но сердцем азиатского рынка стал Гонконг, куда произведения искусства могли поступать без ограничений. В 2014 году на долю Гонконга приходилось 10% мирового аукционного оборота современного искусства, эта цифра актуальна и сегодня. Аукционный оборот Christie’s и Sotheby’s в Гонконге первоначально резко вырос из-за спроса на работы китайских художников, однако вскоре этот успех распространился и на известных западных художников. Совокупный оборот рынка современного искусства в Гонконге увеличился за 10 лет на 4200%: с $558 тыс. в 2000 году до $236 млн в 2011 году. В 2016 году на китайский рынок вышел и аукционный дом Phillips.

В 2019 году на эти три аукционных дома пришлось 86% всего оборота аукционов современного искусства в Гонконге, при этом Sotheby’s явно лидировал, обеспечив половину оборота аукционов современного искусства ($164,3 млн). На сегодняшний день Гонконг, на долю которого приходится 10% мирового оборота аукционов современного искусства, является третьей площадкой для продажи современного искусства после Нью-Йорка и Лондона.

Столпы рынка

Громкие имена известных современных художников — то, что привлекает толпы в музеи и придает престиж коллекциям. Их работы оцениваются в десятки миллионов долларов, поэтому значительная часть интереса рынка сосредоточена именно на них. Фактически, три четверти мирового аукционного оборота в сегменте современного искусства генерируется всего 100 художниками из 30 тыс. , представленных на аукционах. Другими словами, экономическое благополучие рынка современного искусства зависит от 0,3% представленных на нем художников.

Баскиа и Кунс вместе составляют 12% мирового оборота. За 20 лет было продано работ Баскиа, Кунса, Херста и Вула на $4,4 млрд — это почти 20% от мирового оборота рынка современного искусства. Баскиа был самым востребованным и самым дорогим современным художником уже в 2000 году. С тех пор изменился только уровень цен.

Жан-Мишель Баскиа. Без названия. 1982. © The Estate of Jean-Michel Basquiat / ADAGP, Paris / ARS

Локомотив Баскиа

Афроамериканский художник из Бронкса, Баскиа стал символом мультикультурализма. Спустя тридцать лет после его смерти его работы по-прежнему вызывают огромный интерес. Для рынка современного искусства он стал тем, чем Пикассо стал для рынка модернизма, но так было не всегда. В 1988 году его друзья, коллекционеры Ленор и Герберт Шорр предложили передать картину Баскиа Музею современного искусства, Нью-Йорк, но музей отказался от подарка. Музей считал Баскиа «мелким» и не смог предвидеть переломного момента, хотя одна из его работ — «Красный кролик» (1982) — была продана в ноябре 1988 года на аукционе Sotheby’s за $100 тыс. Его первый миллионный результат был достигнут через 10 лет и потребовалось еще 10 лет, чтобы добраться до отметки $10 млн. Спустя 30 лет после смерти Баскиа рынок продвинул его к отметке в $100 млн. В условиях глобализации и роста числа состоятельных людей количество покупателей работ Баскиа резко увеличилось, а спрос стал более разнообразным: его работы покупают коллекционеры из Китая, Индии, России, Европы, Америки и Японии — рекордную цену за работу Баскиа заплатил японский бизнесмен Юсаку Маэдзава.

Превысив символический порог в $100 млн, Баскиа утвердил свой статус рыночной легенды, как до него это сделал Пикассо. Однако рынки этих художников имеют совершенно разные структуры: Баскиа, скончавшийся в возрасте 27 лет, создал чуть менее 3 тысяч работ, в то время как Пикассо является автором десятков тысяч. Фактор дефицита сыграл ведущую роль в росте цен на работы Баскиа: поскольку наибольшим спросом пользуется период 1981–1982 годов, то это еще более ограничивает предложение.

Значительные работы Баскиа регулярно возвращаются на рынок, и рост их стоимости впечатляет. Например, картина «Оранжевая спортивная фигура» (1982) трижды перепродавалась: в начале 1990-х — за $66 тыс., в 2012 году — за $6,4 млн, а в 2015 году — за $8,8 млн. Установившая рекорд в $110,5 млн картина «Без названия» (1982) была куплена в 1984 году за $19 тыс. и через 33 года перепродана в 5800 раз дороже. В самые успешные годы Баскиа буквально доминировал на рынке современного искусства: публичные продажи его работ составляли 15% мирового аукционного оборота. Лишь один художник приближается к его результатам — это его творческая противоположность Джефф Кунс.

Джефф Кунс. Бак с тремя мячами в полном равновесии (из серии «Д-р Джей Сильвер»). 1985. Стекло, сталь, дистиллированная вода, хлористый натрий, три баскетбольных мяча. © Jeff Koons

Джефф Кунс и субъекты нового культа

Джефф Кунс, бывший брокер с Уолл-стрит, создал свои первые работы в 1980-х. Кунс изобрел лакшери китч — искусство одновременно общедоступное и претенциозное. Обожаемый одними и ненавидимый другими, посол американского неопоп-арта недавно был признан самым дорогим ныне живущим художником — его скульптурная работа «Кролик» (1986) была продана на аукционе Christie’s в 2019 году за $91,1 млн. В основе его такой американской истории успеха расширение не только методов создания искусства, но и способов его дистрибуции, где он прозорливо лавирует между сферами искусства, производства и бизнеса.

Творения одновременно высокотехнологичные и весьма доступные

Воздушные шары и гигантские сердца, 15-тонная собака, покрытая десятками тысяч растений, — все это работы Кунса, которые не так-то просто смонтировать. Для директора Национального музея современного искусства в Париже Бернара Блистена проекты Кунса «заново открывают архетипическую и символическую силу ноу-хау в сочетании с профессиональным и техническим мастерством». Действительно, все эти элементы широко представлены в работах Кунса, с этой точки зрения всегда очень амбициозных. Его работы предполагают сотрудничество с лучшими мастерами и техниками. Перед созданием серии «Равновесие» (1985) Кунс консультировался с лауреатом Нобелевской премии по физике Ричардом Фейнманом. Создание каждой подобной скульптуры — сложная задача, требующая нескольких лет работы, в результате чего было создано всего около 200 крупных работ.

Кто авторы 100 топ-результатов на рынке современного искусства 2000–2020?

Художник

Количество лотов

Аукционный рекорд

Жан-Мишель Баскиа (1960–1988)

33

$110,5 млн

Джефф Кунс (1955)

17

$91,1 млн

Питер Дойг (1959)

14

$28,8 млн

Кристофер Вул (1955)

11

$29,9 млн

Мартин Киппенбергер (1953–1997)

4

$22,6 млн

Цзэн Фаньчжи (1964)

3

$23,3 млн

Деймиан Херст (1965)

3

$19,2 млн

Ёситомо Нара (1959)

2

$24,9 млн

Чэнь Ифэй (1946-2005)

2

$22,6 млн

Керри Джеймс Маршалл (1955)

2

$21,1 млн

Маурицио Каттелан (1960)

1

$17,2 млн

Марк Гротьян (1968)

1

$16,8 млн

Такаси Мураками (1962)

1

$15,2 млн

KAWS (1974)

1

$14,8 млн

Дженни Савиль (1970)

1

$12,5 млн

Бэнкси (1974)

1

$12,2 млн

Чжан Сяоган (1958)

1

$12,1 млн

Джон Каррен (1962)

1

$12 млн

Марк Брэдфорд (1961)

1

$12 млн

 

Самый дорогой из ныне живущих художников

Известность Джеффа Кунса и цены на его работы неуклонно росли на протяжении последних 20 лет. Все началось в мае 2000 года с продажи «Женщины в ванне» (1998) за $1,7 млн. В следующем году та же работа была перепродана на $1 млн дороже. В июне 2008 года Кунс вышел на новый уровень, когда его «Воздушный шар (Пурпурный)» (1995/2000) установил его личный аукционный рекорд — чуть менее $26 млн, что на какое-то время сделало его самым дорогим ныне живущим художником. Рекорд 2008 года состоялся незадолго до яркой ретроспективы Кунса в Версале, вызвавшей неоднозначную реакцию. Художник многих раздражает тем, что является воплощением капиталистического триумфализма арт-рынка. В любом случае через 11 лет после нашумевшей версальской выставки Кунс находится на вершине финансового успеха, вернув себе в 2019 году статус самого дорого из ныне живущих художников благодаря скульптуре «Кролик».

Предаукционная реклама «Кролика» Джеффа Кунса. 2019. © Christie’s Images

Ключом к пониманию этого успеха является слово «культовый», и в Christie’s ясно это понимали, когда перед торгами зажгли на фасаде своего здания неоновую надпись ICON. Christie’s вложила колоссальные средства в продвижение хромированного кролика. Пропагандируя визуальную культуру удовольствия, общедоступную в своих образах, изощренную в своей конструкции, Кунс открыл путь, который хотят исследовать новые художники и который продолжает привлекать новых коллекционеров. Джефф Кунс, работы которого за 20 лет собрали на аукционах $938 млн, является самым успешным современным художником после Баскиа. Кунс, однако, далек от выразительной яркости Баскиа. Напротив, эти два художника из одного поколения воплощают разные тенденции одной эпохи.

Баскиа/Кунс на аукционах: ключевые цифры

► 1998: заплачен первый миллион долларов на аукционе за работу Баскиа.
► $110,5 млн: рекордная цена за произведение современного искусства (2017), работа Баскиа.
► 3000: количество признанных работ, созданных Баскиа при жизни.
► $91,1 млн: в 2019 году Кунс вернул себе титул самого дорогого ныне живущего художника.
► 12%: Баскиа и Кунс обеспечивают 12% мирового оборота современного искусства.
► $2 175 млрд — столько собрали работы Баскиа на аукционах за последние 20 лет против $938 млн у Кунса.

Изменение годового аукционного оборота лидеров арт-рынка (2000–2019)

Кит Харинг: с $1,5 млн до $34,5 млн.
Джефф Кунс: с $5,2 млн до $96,3 млн.
Баскиа: с $10,5 млн до $108,7 млн.
Джордж Кондо: с $264 тыс. до $29,8 млн.
Ричард Принс: с $1 млн до $25 млн.
Альберт Оэлен: с $55,5 тыс. до $25,9 млн.
Рудольф Стингел: с $12 тыс. до $21,4 млн.
Мартин Киппенбергер: с $586 тыс. до $11,4 млн.
Марк Танси: с $100 тыс. до $13,4 млн.

Бэнкси. Devolved Parliament. 2009. Холст, масло. Фото: Sotheby’s

Живопись прежде всего

Живопись занимает 65% мирового рынка современного искусства

Самые дорогие работы нашего времени отражают успех поп-арта (и его наследников), исторического и современного американского абстрактного искусства, культовых уличных художников, а также китайских и японских художников, вышедших на рынок в новом тысячелетии. Работы в этих категориях, отмеченные самыми высокими рыночными ценами, обычно наполнены энергией, имеют большие размеры и насыщенные цвета. Семи- или восьмизначные результаты столь же важны для рынка в целом (поднимая его вверх), сколь и редки: они касаются менее 1% аукционных результатов, тогда как три четверти рыночных работ на холсте продаются менее чем за $5 тыс. За 20 лет живопись зарекомендовала себя как главный локомотив рынка современного искусства: на нее в 2019 году приходилось 65% выручки от продаж современного искусства по сравнению с 52% в 2000 году.

Скульптура: формирование и разрушение

На рынке современной скульптуры представлены мощные и часто противоречивые работы — животные в разрезе Деймиана Херста, провокационные инсталляции Маурицио Каттелана, распятые лягушки Мартина Киппенбергера — бунтарские, запоминающиеся и популярные. Другие визуальные художники, в том числе Кунс и Капур, более известны своим техническим мастерством, их работы требуют значительных исследовательских и производственных ресурсов.

Рынок скульптуры также развивался и в горизонтальном направлении, с работами, доступными во множестве размеров и материалов. В частности, так произошло с Такаси Мураками, который по стопам Энди Уорхола основал собственную фабрику — Kaikai Kiki Co. Сегодня в компании работает сотня человек, которые создают уникальные работы, лимитированные серии, анимационные фильмы и обложки пластинок, компания также поддерживает молодых японских художников. В японской культуре нет разделения на «высокую» и «низкую» культуру, и это прекрасно отражено в работах мастерской Мураками. Они образуют целое, неотъемлемой чертой которого является современный потребительский подход, как его понимал наставник Мураками Энди Уорхол, и как впоследствии это поняли Кунс и KAWS, каждый по-своему.

Скульптура является второй по величине категорией в продажах современного искусства, на нее приходится 16% аукционного оборота. За 20 лет объем продаж вырос на 1485% благодаря феноменальному росту цен на работы Кунса и KAWS, британских художников Херста и Гормли, немцев Мартина Киппенбергера и Томаса Шютте, японцев Такаси Мураками и Ёситомо Нары и итальянца Маурицио Каттелана.

Фотография… Большой поворотный момент

Точкой поворота для рынка фотографии стал 2007-й, когда была побита серия мировых аукционных рекордов, а годовой оборот значительно вырос, достигнув $102 млн, по сравнению с $17 млн в 2000 году. Фотоработы легко транспортировать и хранить, и большинство из них доступны при небольшом бюджете (50% фоторабот, проданных на аукционах, стоят меньше $2 тыс.). Некоторых покупателей привлекают монументальные масштабы некоторых современных фотохудожников, напоминающие крупноформатную живопись. Таким образом, фотография привлекает все больше покупателей и коллекционеров, а количество проданных фотографий за 20 лет увеличилось более чем в четыре раза — с 1300 лотов до почти 5000 лотов в 2019 году.

Ричард Принс. Ковбой. 2001–2005. Эктахром, печать. © Christie’s Images

В феврале 2007 года огромный диптих Андреаса Гурски (99 cent II (2001)) был продан в Лондоне за $3,3 млн, установив на несколько месяцев новый рекорд для современной фотографии. В ноябре того же года культовый «Ковбой» (2001–2002) Ричарда Принса размером 2,5 метра был продан за $3,4 млн. Джефф Кунс является одновременно автором и героем самой дорогой фотографии. Его фоторабота «Новый Джефф Кунс» была продана в 2013 году на Sotheby’s за $9,4 млн. Первая арт-ярмарка, посвященная исключительно фотографии (Paris Photo), состоялась в 1997 году, тогда же мы открыли для себя первые «монументальные» форматы, сочетавшие фотографический эффект присутствия с силой живописи, работы, подобные тем, что представляла Синди Шерман. С тех пор она смогла поднять фотографию до уровня «благородного» вида искусства. За 20 лет ее работы собрали на арт-рынке $143,2 млн, что привело ее на 25-е место в мировом рейтинге самых успешных современных художников.

Новый ландшафт

В начале 2000-х индустрия арт-рынка стремилась открывать новые места, новых художников и новых клиентов в Бразилии, России, Индии, Китае и на Ближнем Востоке. Первой реакцией стали большие спекулятивные покупки, пока рынки в этих странах не достигли определенной зрелости и операторы аукционов не начали работать более разумно и инклюзивно. В результате географической экспансии крупных аукционных домов произошла диверсификация продаж, организованных в Азии, и создание специализированных отделов, посвященных незападному искусству. Выйдя за рамки своего западного «автофокуса», арт-рынок открыл художников, которые еще 20 лет назад были неизвестны.

В начале 2000-х годов Artprice насчитывал 467 аукционных операторов, продающих современное искусство по всему миру, сегодня их 843 — таким образом, за 20 лет число игроков на рынке удвоилось. В этот период основные британские и американские аукционные дома — Christie’s, Sotheby’s, Phillips и Bonhams — стремились расширить свою деятельность на новые источники роста от Азии до Ближнего Востока. Одним из заметных последствий этих шагов стало создание чрезвычайно динамичного глобального рынка для таких художников как Жан-Мишель Баскиа, Джордж Кондо и KAWS. Три основных аукционных дома продолжают доминировать в глобальном масштабе: Sotheby’s с 30% мирового оборота сегмента современного искусства, Christie’s с 28% и Phillips с 11%. Но одно из основных отличий от начала 2000 годов состоит в том, что теперь за ними следуют семь китайских аукционных домов во главе с China Guardian и основанным в 2005 году Poly International. Очень быстро Китай занял третье место на мировом рынке современного искусства (23%), которое удерживал в течение трех лет, прежде чем занять первое (с 2010 по 2014). За 20 лет рост китайского оборота в области современного искусства увеличился в 65 раз. Включая Гонконг (10%), Китай в 2019 году образует 33% ($659 млн) мирового рынка современного искусства, в то время как доля США — 35%. Вместе две державы — Китай и США — занимают 68% всего аукционного бизнеса сегмента современного искусства.

Рост оборота рынка современного искусства в основных странах с 2000 года

США: +1023%.
Китай (включая Тайвань и Гонконг): +64170%.
Великобритания: +2870%.
Франция: +1107%.
Германия: +1300%.
Япония: в 2000 рынок не существовал, 6-я страна в 2019 году ($22,9 млн).

Наджат Макки. Что происходит за закрытыми дверями. 1993. Холст, акрил, медная дверная ручка. Источник: www.mutualart.com

От Дубая до Дохи

В начале 2000-х годов Дубай и Абу-Даби стали инвестировать колоссальные ресурсы, чтобы стать крупными культурными центрами. В 2007 году были созданы арт-ярмарки Art Dubai и Abu Dhabi Art Fair и запущен ряд крупных культурных проектов: филиалы Лувра, музея Гуггенхайма и др. Дубай, который стал столицей ближневосточного арт-рынка, привлек в 2006 году Christie’s и Bonhams. Катар и ОАЭ в 2008 году переживали золотой век, но рынок быстро выдохся, и ряд художников с Ближнего Востока начал демонстрировать серьезную дефляцию цен. Например, картина Наджат Макки «Что происходит за закрытыми дверями» была продана в 2007 году за $52 тыс., в пять раз превысив эстимейт, но пять лет спустя за ту же работу заплатили всего лишь $19 тыс. Рынок сошел на нет, и в 2012 году Bonhams полностью прекратил свои торги в Катаре.

В то время казалось, что лучше сосредоточиться на Дохе, что и сделал Sotheby’s в 2009 году. Эмираты стали крупным клиентом аукционных домов в стремлении пополнить коллекции своих новых музеев. Королевской семье Катара приписывают ряд самых впечатляющих сделок 2000-х годов. Их годовой бюджет на приобретение искусства составлял $1 млрд. Помимо искусства модернизма и послевоенного искусства, Катар интересовался и звездами современного искусства, такими как Луиз Буржуа, Такаси Мураками и Деймианом Херстом, чьи выставки с успехом прошли в стране. Однако три работы Херста, предложенные Sotheby’s на торгах в Дохе в марте 2009 года, не нашли своих покупателей. В последующие годы активность продолжала снижаться, и Sotheby’s прекратил торги в Дохе в 2018 году, предпочитая развивать свой лондонский отдел, посвященный Ближнему Востоку.

Китайская мечта

В середине 2000-х Пекин и Шанхай стали, по выражению китайского правительства, новыми «деревнями индустрии культуры». За относительно короткий срок ряд китайских художников приобрел статус «звезд», их громкий успех был отмечен во всем мире. Под воздействием растущего национального и международного спроса цены на современное китайское искусство быстро росли. В 2007 году главный объект энтузиазма публики Чжан Сяоган имел более высокий годовой оборот, чем Джефф Кунс. В том же году в Лондоне работа Цзэна Фаньчжи впервые преодолела отметку в $1 млн, и коллекционеры и инвесторы бросились покупать его работы. Произведения ведущего современного художника Китая экспонировались в ряде крупнейших мировых институций, в том числе в Музее современного искусства города Парижа и в Лувре.

Цзэн Фаньчжи. Из серии «Маски». 1996. Холст, масло. Courtesy Zeng Fanzhi Studio / UCCA

В 2008 году китайские художники составляли большую группу среди самого дорогого сегмента рынка современного искусства. После этого периода процветания цены на работы некоторых художников упали, но не на работы Цзэна Фаньчжи, которые стали продаваться еще дороже, сделав его символом успеха китайского искусства. В настоящее время Цзэн Фаньчжи занимает пятое место среди самых рыночно успешных современных художников, уступая лишь Баскиа, Кунсу, Херсту и Вулу. За 20 лет его работы собрали на аукционах $518,5 млн. Он является одним из 32 китайских художников, вошедших в список Топ-100 самых успешных. В настоящее время работы этих 32 художников продаются по ценам, сопоставимым с признанными звездами современного европейского и американского искусства. Если же брать топ-1000 ведущих современных художников, то там присутствуют 395 китайцев против 165 американцев. Иными словами, после 20 лет аукционов современного искусства китайское доминирование в этом сегменте рынка является подавляющим.

No Man’s Land

Еще один шаг к гендерному паритету

No Man’s Land — так назвали выставку, организованную в 2015 году в Майами влиятельными коллекционерами Доном и Мерой Рубен. На выставке были представлены работы около 100 женщин-художников, среди которых были такие ведущие художницы как Яёи Кусама, Марлен Дюма и Сесили Браун. Целью выставки было исправление вопиющего дисбаланса в мире искусства. Проведенное в 2015 году исследование Моры Рейли подтверждает слоган, выдвинутый в 1970 году группой Guerrilla Girls: «Должны ли женщины обнажаться, чтобы попасть в Метрополитен-музей?» Согласно отчету Моры Рейли, только 29% персональных выставок, организованных в период с 2007 по 2014 в Музее Уитни, были посвящены женщинам-художникам, 25% — в Тейт Модерн, 20% — в MoMA, 16% — в Центре Помпиду. Но для некоторых музеев и это было прогрессом. Например, Музей Гуггенхайма, Нью-Йорк посвятил работам женщин-художников 14% своих выставок, но в 2000-м не провел ни одной такой выставки!

Топ-10 ведущих современных женщин-художников (2000–2019)

 

Художник

Аукционный оборот

Лотов продано

Рекорд

1

Синди Шерман (1954)

$143,2 млн

1284

$6,8 млн

2

Сесили Браун (1969)

$112,8 млн

229

$6,8 млн

3

Марлен Дюма (1953)

$100,1 млн

708

$12,5 млн

4

Дженни Савиль (1970)

$60,6 млн

69

$12,5 млн

5

Жюли Мерету (1970)

$57,8 млн

150

$5,6 млн

6

Элизабет Пейтон (1965)

$42,3 млн

357

$1,7 млн

7

Розмари Трокель (1952)

$33,1 млн

469

$5 млн

8

Беатриз Мильязеш (1960)

$32,9 млн

116

$2,1 млн

9

Кэди Ноланд (1956)

$28 млн

38

$9,8 млн

10

Трейси Эмин (1963)

$26,6 млн

767

$4,3 млн

 

Устранение разрывов

Гендерный разрыв в мире искусства совершенно очевиден: женщины недостаточно представлены в галереях, в постоянных экспозициях музеев и на временных выставках. Все это приводит к меньшему освещению в СМИ и снижению рыночного спроса, что, в свою очередь, приводит к значительно более низким аукционным ценам по сравнению с аналогичными работами мужчин.

Яёи Кусама. Белый № 28. 1960. Холст, масло. Продано в 2014 году на Christie’s, Нью-Йорк за $7,1 млн. © Christie’s Images

В 2015 году, когда было опубликовано исследование Моры Рейли, самая высокая аукционная цена за работу ныне живущей художницы составляла $7,1 млн, заплаченные за холст Яёи Кусамы «Белый № 28» (1960) на Christie’s в Нью-Йорке, самая высокая цена за работу ныне живущего художника-мужчины была $58,4 млн — столько стоила скульптура Джеффа Кунса «Собака – воздушный шар (Апельсин)», также проданная на Christie’s. Разница составляла более $50 млн. За годы, прошедшие после публикации отчета, произошли положительные изменения: в 2016 году был проведен ряд громких выставок в MoMA и галерее Саатчи, запущен ряд инициатив, направленных на корректировку гендерного состава коллекций музеев, таких как MoMA Women’s Project (MWP). Женщины стали обладателями ряда премий самого высокого уровня: Императорская премия в 2016 году присуждена Аннет Мессаже, «Золотой лев» Венецианской биеннале в 2017 году — пионеру феминистского перформанса Кароли Шниман.

Семь женщин вошли в сотню самых успешных художников

Разница в ценах на работы женщин и мужчин, конечно же, отражается на объемах аукционного оборота — в результате лишь семь художниц вошли в сотню самых рыночно успешных художников за 2000–2019 годы. Синди Шерман, с наилучшими показателями, занимает 25-е место в мировом рейтинге, но ее показатели намного ниже, чем у 24 опережающих ее мужчин: аукционный оборот Шерман составляет лишь седьмую часть оборота Джеффа Кунса, а ее аукционный рекорд в 13 раз ниже.

Дженни Савиль и Сесили Браун

Растущая рыночная доля некоторых художниц идет рука об руку с их признанием в Зале славы истории искусства. Рынок естественным образом следил за этими изменениями. Полностью отсутствовавшие в каталогах аукционов 2000 года работы Дженни Савиль теперь желанные гости на ранке. Они привлекла огромное внимание в 2018 году, когда ее полотно Propped (1992) было продано на лондонском аукционе Sotheby’s за £9,5 млн ($12,5 млн), что сделало ее самой дорогой ныне живущей женщиной-художником.

Сесили Браун. Внезапно прошлым летом. 1999. Холст, масло. Продано в 2018 году на Sotheby’s, Нью-Йорк, за $6,8 млн. Courtesy Sotheby’s

Одно из самых больших достижений рынка за последние 20 лет — это успех Сесили Браун. Она опередила Синди Шерман в рейтингах аукционного оборота за 2017 и 2018 годы, став важной фигурой на рынке современного искусства. В 2018 году ее работа «Внезапно прошлым летом» (1999) установила важный рекорд — $6,8 млн по сравнению с $1 млн, который был заплачен за ее работу в 2010 году. Музей Гуггенхайма, Уитни, Метрополитен, Национальная галерея и галерея Тейт могут поздравить себя с приобретением работ этой превосходной художницы до того, как ее цены достигли нынешнего порога.

Новое поколение

В новом поколении художников женщины представлены значительно шире. Среди них выделяется Тауба Ауэрбах (1981 г.р.), занявшая 120-е место в мировом аукционном рейтинге современных художников (2000–2019), хотя ее аукционный дебют состоялся лишь в 2010 году. За прошедшие годы у нее прошло около 100 выставок в США и Европе, и ее работы пользуются все большим спросом на аукционах. Ее «прорыв» состоялся в 2014 году, когда три акрила принесли ей новые аукционные рекорды, каждый был продан более чем за $1 млн: от $1,5 млн до $1,9 млн. В 1990-е годы такое могло случиться только с признанным художником не моложе 50 лет. Однако рост цен на работы Ауэрбах произошел слишком быстро, и с тех пор рынок ее работ несколько сократился из-за того, что ряд ее отличных произведений не нашел покупателей, поскольку первоначальная цена была слишком высокой.

Тауба Ауэрбах. Без названия (Сгиб). 2010. Холст, акрил. Продано в ноябре 2014 на Phillips за $2,28 млн. Courtesy Phillips

Black (also) matters (in art)

Музеи и частные коллекции в последние годы предлагают нам пересмотреть западные культурные коды, которые сформировали историю искусства и арт-рынок, придавая большее значение художникам из Африки и африканской диаспоры.

Импульс шел от галерей

За последние 10 лет влиятельные международные галереи интегрировали афроамериканских, афробританских и африканских художников, работы которых часто связаны с вопросами идентичности, расы, культуры и политики. Давид Цвирнер работает с Керри Джеймсом Маршаллом, Нжидекой Акуниили Кросби и Ноа Дэвисом. Hauser & Wirth поддерживает ряд художников из африканской диаспоры, включая Эми Шеральд, Лорну Симпсон и Марка Брэдфорда. Все это привело к росту цен на работы этих художников.

Когда художник начинает сотрудничество с мощной галерей, это посылает сильный сигнал спекулянтам. В настоящее время связь между подписанием контракта с крупной галереей и ростом цен происходит буквально мгновенно. Эми Шеральд заключила контракт с Hauser & Wirth Gallery в 2018 году, в том же году, когда Мишель Обама заказала ей официальный портрет. Цены на ее работы на вторичном рынке сразу выросли до шестизначных цифр. Подписав контракт с галереей Цвирнера в 2013 году, Керри Джеймс Маршалл преодолел порог в $1 млн в 2014 году со своим холстом «Виньетка» (2003), который в 2007 году был продан за $541 тыс. Маршалл родился на пять лет раньше Баскиа, но ему потребовалось гораздо больше времени, чтобы добиться признания и статуса иконы американской живописи. Сегодня, с тех пор как его работа «Прошлые времена» была продана в 2018 году за $21,1 млн, он является самым дорогим из ныне живущих чернокожих американских художников нашего времени.

Керри Джеймс Маршалл. Прошлые времена. 1997. Холст, акрил, коллаж. Продано в мае 2018 года на Sotheby’s, Нью-Йорк, за $21,1 млн. Courtesy Sotheby’s

Аукционные дома также стали занимать активную позицию. Последней на сегодняшний день стала виртуальная выставка Say It Loud, организованная Christie’s летом 2020 года. На выставке были представлены работы начинающих и молодых чернокожих художников, и она стала первым событием, организованным Christie’s Corporate Social Responsibility (CSR) в новом отделе, посвященном «инициативам по социокультурному и расовому многообразию и инклюзии». Christie’s выходит за границы деятельности аукционного оператора и использует свое лидерство на рынке в качестве «позитивной силы», предлагая серию выставок и образовательных программ с целью «усилить голоса чернокожих художников».

В поисках новизны

Галереи всегда находятся в поиске молодых талантов, новых и оригинальных работ, уникальности и рентабельности. Все что требуется — это привлечение одной из крупных галерей (или не столь крупных), чтобы художник немедленно вышел из анонимности и чтобы спрос раздулся, как воздушный шар. Цены на аукционном рынке могут взлететь буквально в мгновение ока, особенно если коллекционеры стоят в очереди в престижных галереях. В сверхбыстрых историях успеха нет недостатка, и за последние годы их число увеличилось: в качестве примера можно привести истории ирландской художницы Дженив Фиггис, француженки Жюли Кёртисс или американца Джонаса Вуда. Но в то время как одни художники добиваются чрезвычайно положительного развития карьеры, другие страдают от исключительно неустойчивого спроса.

Зомби и акулы

Как это бывает на всех волатильных рынках, некоторые сделали карьеру, используя позитивную динамику, и небольшому количеству умных бизнесменов удалось очень быстро ускорить рост цен на работы молодых художников до высокого уровня. Естественно, такие случаи трудно идентифицировать, поскольку они связаны с властью и структурами, нетрадиционными методами (если не незаконными) и нечетким числом бенефициаров, но достаточно сказать, что стремительно растущие цены на работы очень молодых художников часто указывают на перегрев рынка, искаженного спекуляциями. Стефан Симховиц, которого прозвали «акулой современного искусства», сейчас находится в черном списке нескольких галерей, которые отказываются продавать ему работы. Этот коллекционер-консультант-дилер, безусловно, сыграл активную роль в карьерах нескольких художников, но его методы не всем нравятся. Пресса называет его «хищником», «циником», «спекулянтом», обвиняя его в том, что он покупает по низкой цене и быстро перепродает, стремясь получить как можно бóльшую прибыль, рассматривая произведения искусства как товар. Сам Симховиц называет себя «покровителем искусств». А его клиенты видят в нем гения капиталистического авантюризма.

Зомби-формализм

Согласно некоторым источникам, Стефан Симховиц находился в центре спекулятивного пузыря 2012–2014 годов, известного как зомби-формализм и включавшего молодых абстрактных художников. Этот термин, введенный искусствоведом Уолтером Робинсоном, описывает картины, напоминающие американский абстрактный экспрессионизм, теоретиком которого был Клемент Гринберг. Элемент «зомби» относится к реинкарнации несколько забытой эстетики работ Поллока, Мориса Луиса и Фрэнка Стеллы, а «формализм» — к привлекательной элегантности упрощенного стиля живописи без каких-либо новых художественных замыслов. Этот стиль относится к таким художникам как Джейкоб Кассай, Алекс Исраэль, Оскар Мурильо и Сет Прайс, цены на работы которых взлетели до сотен тысяч долларов в 2014 году, но затем рынок их работ рухнул, и они вернулись к первоначальным цифрам в несколько десятков тысяч долларов.

Рыночные перекосы такого рода наносят ущерб надежности рынка: так называемые «новые» тенденции в абстрактном искусстве, накачиваемые инвесторами, пытающимися быстро заработать, не очень хороши для арт-рынка в целом. Тем художникам, которые еще не заручились поддержкой влиятельных галерей, трудно оправиться от такой нестабильности.

Амоако Боафо. Лимонный купальный костюм. 2019. Холст, масло. Продано в феврале 2020 года на Phillips за £675 тыс. при эстимейте £30–50 тыс. Courtesy Phillips

Новая мода на Африку

За год до краха «зомби-формализма» Симховиц обратился к тому, что должно было стать следующим большим трендом: молодым африканскими художниками. В 2015 году он купил три работы Чабалалы Селф (1990 г. р.) по $6 тыс. каждая. В 2019 году он перепродал их за сотни тысяч долларов. В 2020 году Симховиц повторил эту операцию с работой Амоако Боафо: он купил его картину «Лимонный купальный костюм» (2019) в галерее Джеффри Дейча за $25 тыс. и перепродал ее на Phillips за $881 тыс. При этом Дейч продавал эту работу Боафо, ошибочно полагая, что она пополнит важную коллекцию африканского искусства. Боафо выразил обеспокоенность тем, что его картина использовалась таким образом. Сам Симховиц подчеркивает «лицемерие» своих недоброжелателей и, кажется, наслаждается своим имиджем, имеющим несколько дьявольский оттенок. В некотором смысле этот влиятельный человек нового поколения, похоже, сменил Чарльза Саатчи, создавшего рынок для «Молодых британских художников» в 1990-х годах.

Hi-lite и уличная культура

В ноябре 2019 года Christie’s провел в Гонконге торги под названием Hi-lite. Успешная распродажа 16 лотов отразила одну из основных тенденций арт-рынка: неопоп-эстетику раскованного китча, возглавляемую художниками, чьи «несерьезные» (light — lite) работы доступны для понимания и получения удовольствия. В каталоге торгов были представлены работы художников, «чья эстетика неопопа и связь с коммерческим искусством, мультфильмами и стрит-артом сделали их культовыми во всем мире». Движение Hi-lite не имеет географических границ: это космополитическая тенденция, объединяющая японских художников Аю Такано, MR, Осаму Тэдзуку, европейцев Эрика Паркера и Николя Парти, китайца Лю Е, американца KAWS. Исключительно популярные у широкой аудитории художники Hi-lite и Street Culture прекрасно иллюстрируют глобализацию арт-рынка. Тремя самыми популярными художниками этого направления являются KAWS, Такаси Мураками и Ёситомо Нара. За последние 10 лет стоимость их работ значительно выросла, что обусловлено чрезвычайно высокой популярностью и глобальным спросом. Самый успешный их них — Нара: за 20 лет его работы собрали $327,7 млн, что дало ему 9-е место в мировом рейтинге, Мураками — на 15-м месте.

Ёситомо Нара. Нож за спиной. 2000. Продано в 2019 году на Sotheby’s, Гонконг за $24,9 млн. Courtesy Sotheby’s

В октябре 2019 года работа Нары установила новый рекорд на торгах Sotheby’s в Гонконге. Спустя 11 лет после того, как его работа перешагнула отметку в $1 млн, его картина «Нож за спиной» (2000) была продана почти за $25 млн. За 20 лет на аукционах продано более 2700 работ Нары, а индекс цен на его работы за тот же период вырос примерно на 1000%.

KAWSмания

С точки зрения скорости цены на работы американского уличного художника KAWS росли даже быстрее, чем на работы Нары. Новый любимец арт-рынка 11 лет работал с галереей Эмманюэля Перротена, которая впервые выставила его работы в 2008 году. В то время максимальная цена на работы художника составляла $8750 за «Компаньона» (любимого персонажа художника) размером около 120 см, выпущенного серией в 100 экз. Сегодня такая же работа стоила бы около $100 тыс. KAWS прославился благодаря сотрудничеству с Канье Уэстом, брендами Dior, Nike и Uniqlo. За несколько лет он стал феноменом в поп- и городской культуре. Свой аукционный рекорд KAWS установил 1 апреля 2019 года на торгах Sotheby’s в Гонконге. Работа The Kaws Album (2005) апроприирует как Симпсонов, так и Beatles, а ее окончательная цена $14,8 млн (в 15 раз дороже эстимейта) иллюстрирует безумие, окружающее этого сверхпопулярного художника. С общим оборотом в $165,7 млн с момента его аукционного дебюта KAWS входит в двадцатку самых успешных современных художников. Популярный от Азии до США KAWS олицетворяет доминирующую эстетику нео-поп на глобализированном арт-рынке.

KAWS. Из капсульной коллекции KAWS:HOLIDAY. 2018. Фото: Seunghoon Jeong/hypebeast.com

Разнообразный выбор

Современные художники обращаются к десяткам миллионов людей, предлагая им свои двумерные, трехмерные или даже виртуальные работы. Как это ни парадоксально, этот новый «коммерциализм» сыграл важную роль в том, чтобы сделать искусство более демократичным. Мураками, Нара, Херст, Кунс, Бэнкси, KAWS — самые продаваемые во всем мире. Каждый продал за последние 20 лет на аукционах до 6000 работ. Следуя примеру Кита Харинга, они создали серии работ и/или объектов, которые более доступны по цене, чем работы, обычно продаваемые в галереях. Раздвигая границы между искусством и массовой коммерцией, они привлекают все сегменты покупателей, от богатых коллекционеров до начинающих.

Более демократичное искусство

Некоторые корни этого явления можно проследить у Кита Харинга, который в 1986 году открыл двери своего магазина Pop Shop на Манхэттене. Этот художественный магазин был нацелен на то, чтобы привлечь тот же тип людей, что и его дикие проекты в метро: «Не только коллекционеров, но и детей Бронкса». Задача заключалась в создании альтернативного рынка, рассчитанного на наибольшее количество людей. Харинг остается одним из самых популярных, востребованных и продаваемых художников современности. С точки зрения аукционных сделок он занимает второе место в мире с количеством проданных лотов — 4806 за 20 лет (по общему аукционному обороту он 10-й — $304,4 млн).

Через 30 лет после открытия Pop Shop, в 2019 году Бэнкси открыл собственный магазин под названием Gross Domestic Product™. Но жизнь за 30 лет изменилась, и уличный художник торгует через интернет-магазин. Деньги от продаж используются для спасения мигрантов в Средиземном море. В рейтинге самых успешных за 20 лет Бэнкси занимает 38-е место с 2800 лотами, проданными за $100,4 млн с 2000 года.

Искусство+популярность+коммерция

Такаси Мураками всегда с энтузиазмом относился к объединению изящных искусств и «коммерции», как говорил его наставник Энди Уорхол. Зачем разделять то, что является частью целого? Особенно сегодня, когда искусство не имеет границ. Искусство Мураками проникло повсюду. Его производство не ограничивается скульптурами, картинами, гравюрами, объектами и тиражными сериями, которые можно найти на вторичном рынке. Он начал целую серию сотрудничеств: с люксовым брендом Louis Vuitton; с брендом уличной одежды Supreme; с певцом и бизнесменом Канье Уэстом и с калифорнийской певицей Билли Айлиш (65,7 миллиона подписчиков в Instagram), сохраняя при этом чрезвычайно целостную вселенную. Мураками буквально «производственная машина». Он художник и бизнес-менеджер, а также руководит большой командой помощников на своем предприятии Kaikai Kiki Co. Самый продаваемый художник на планете (5 512 лотов с 2000 года), он также является одним из самых доступных благодаря своим многочисленным работам.

Художественная/коммерческая динамика, созданная Джеффом Кунсом, не так уж далека от созданной Мураками. Часть его работ носит коммерческий характер, чтобы охватить как можно больше людей. Он приспособил механизмы и инфраструктуры промышленного производства для создания как пафосных шедевров, так и популярных «продуктов». Его «Щенки» и «Собаки-воздушные шары», выпущенные в сотнях экземпляров, продаются по цене от нескольких сотен долларов до десятков тысяч.

Собака-воздушный шар от Кунса, Компаньон от KAWS, Mr. Dob от Мураками… самые популярные художники Hi-Lite изобрели повторяющихся персонажей с мгновенно узнаваемой детской и сатирической эстетикой. Короче говоря, каждому из них удалось создать свой товарный знак.

Цифровая гибкость

В общей схеме цифровой коммерции арт-рынок отстает. Лишь остановка в связи с коронавирусным кризисом заставила его ускориться. Незадолго до весны 2020 года вся «нормальная» деятельность оказалась парализованной в результате беспрецедентного кризиса здравоохранения. Это не первый кризис арт-рынка, первый был связан с войной в Персидском заливе в 1990–1993 годах, когда цены на искусство пережили резкое падение, второй, связанный с субстандартным кредитованием, обрушился на арт-рынок осенью 2008 года после краха Lehman Brothers и привел к значительному падению цен и дефициту товарооборота для аукционистов.

Однако индустрия искусства никогда не сталкивалась с кризисом, сопоставимым с кризисом COVID-19. Музеи, ярмарки, галереи, арт-центры и аукционные дома обязаны соблюдать рекомендации правительства по сдерживанию распространения вируса, закрыв свои двери для публики после 11 марта 2020 года. Последствия были катастрофическими для многих галерей, оборот некоторых из которых резко упал (иногда более чем на 90%). На вторичном рынке чрезвычайная ситуация в области здравоохранения привела к отсрочке или даже полной отмене физических продаж.

Новые инициативы

Но кризис стал и моментом, когда профессионалы начали думать о том, как продолжить диалог со своей аудиторией. После отмены физического мероприятия Art Basel Гонконг запустила онлайн-замену своей ярмарки. Эта инициатива привлекла впечатляющее количество виртуальных посетителей: 250 тыс. по сравнению с менее чем 90 тыс. физических посетителей на Art Basel Гонконг в 2019 году.

Аукционные дома избежали наихудшего сценария — тотального схлопывания арт-рынка — и срочно обновили свои веб-сайты, чтобы увеличить онлайн-продажи, единственный канал, через который поддерживалась аукционная активность и контакты с коллекционерами. В начале кризиса Sotheby’s опередил конкурентов, поставив онлайн-продажи в центр своей стратегии развития. Его поглощение в 2019 году медиа- и телекоммуникационным магнатом Патриком Драи, похоже, способствовало этому развитию. После роста на 25% в 2019 году онлайн-продажи Sotheby’s сделали еще один шаг вперед в 2020-м. Уже в марте Sotheby’s продал в 10 раз больше работ, чем Christie’s. В апреле Sotheby’s собрал $6,4 млн, что стало рекордом для продаж через интернет. Более половины проданных лотов превысили эстимейт. Несмотря на период большой неопределенности, покупатели размещали заявки, намного превосходящие ожидания. К лету покупательские привычки уже изменились: от 30 до 35% участников онлайн-продаж Sotheby’s были «новыми участниками».

Джордж Кондо. Antipodal Reunion. 2005. Холст, масло. Продано в апреле 2020 года на онлайн-торгах Sotheby’s за £1,035. Courtesy Sotheby’s

Первая продажа на более чем миллион долларов был осуществлена благодаря картине Джорджа Кондо (Antipodal Reunion, 2005), которая принесла $1,3 млн, что в два раза превышало эстимейт. Это была самая высокая цена, когда-либо уплаченная за картину на онлайн-торгах, организованных американской компанией. Результат, похоже, вдохновил Sotheby’s на повышение качества предлагаемых работ, и в последующие недели уровень цен на торгах быстро вырос. 29 июня Sotheby’s достиг нового рубежа, продав — снова через интернет — триптих Фрэнсиса Бэкона по мотивам «Орестеи» за $84,5 млн. Продажа этого триптиха фактически открыла для арт-рынка новую эру престижных виртуальных продаж.

Christie’s и дополненная реальность

После двух месяцев разработки и тестирования, в мае 2020 года Christie’s активизировался, увеличив объем продаж через интернет вдвое. Впоследствии он удвоил усилия и изобретательность, чтобы перезапустить свой рынок элитных товаров в июле с помощью крупного международного «ивента» под названием ONE: A Global Sale of the 20th Century. Первая в своем роде — описанная как «беспрецедентное событие» в пресс-релизе аукционного дома — ONE объединила четыре престижных сессии в Гонконге, Париже, Лондоне и Нью-Йорке. По всему миру было продано не менее 80 исключительных лотов: 10 в Гонконге, 15 в Париже, 21 в Лондоне и 34 в Нью-Йорке, что принесло $420 млн. Новые звезды сегмента современной живописи, такие как Джонас Вуд и Николя Парти, продали свои работы за семизначные суммы.

ONE была экспериментом во многих отношениях: помимо распространенных цифровых носителей, она также использовала дополненную реальность (AR). QR-коды, связанные с работами, позволяли виртуально проецировать их в гостиные будущих участников торгов (созвучная времени «иммерсивная» операция, которую KAWS уже предвосхитил в марте с загружаемыми виртуальными Компаньонами для смартфонов). В 2020 году мир искусства наконец-то осознал идею дематериализации — и тем самым устранил одно из последних серьезных препятствий на пути развития — расстояние.

Эти новые инструменты могут помочь мотивировать покупателей. Для многих покупателей физический контакт с произведением искусства по-прежнему важен для принятия решений, но, несомненно, он будет гораздо менее важен для «цифровых аборигенов», прибывающих на рынок.

В заключение обзора Artprice предлагает список из 1000 самых успешных современных художников по аукционному обороту за период с 2000 по 2019 годы. Приводим первую десятку.

 

Художник

Место рождения

Аукционный оборот

Лотов продано

Аукционный рекорд

1

Жан-Мишель Баскиа (1960–1988)

США

$2 175 601 772

1480

$110 487 500

2

Джефф Кунс (1955)

США

$938 580 226

1902

$91 075 000

3

Деймиан Херст (1965)

Британия

$695 561 587

4244

$19 213 271

4

Кристофер Вул (1955)

США

$623 835 363

565

$29 930 000

5

Цзэн Фаньчжи (1964)

Китай

$518 502 109

639

$23 276 760

6

Ричард Принс (1949)

Панама

$506 072 375

1110

$9 685 000

7

Питер Дойг (1959)

Британия

$490 529 397

695

$28 810 000

8

Чжан Сяоган (1958)

Китай

$357 471 050

744

$12 142 379

9

Ёситомо Нара

Япония

$327 724 900

2727

$24 949 674

10

Кит Харинг (1958–1990)

США

$304 437 285

4806

$6 537 500

 

В список также вошли российские художники:

319

Семен Файбисович (1949)

Россия

$7 628 318

47

$632 265

462

Леонид Пурыгин (1951-1995)

Россия

$4 636 319

126

$224 577

693

Константин Разумов (1974)

Россия

$2 563 941

501

$36 430

787

Григорий Гурьянов (1961–2013)

Россия

$2 202 764

30

$305 916

789

Гриша Брускин (1945)

Россия

$2 202 086

66

$424 000

895

Тимур Новиков (1958-2002)

Россия

$1 857 995

67

$142 503

997

Валерий Кошляков (1962)

Россия

$1 588 081

38

$171 917

Artprice. Полностью отчет можно прочитать здесь.

 

Понравился материал? Поддержи искусство и «Артгид»!

Публикации
  • Арт-рынок

    Топ-10 аукционных продаж 2019 года

    Рекорд Тамары де Лемпицкой, неувядающий Хокни, нож за спиной, Бэнкси, KAWS и, конечно, сверкающий кролик!

  • Арт-рынок

    Топ-10 аукционных продаж 2018 года

    Самое дорогое «ню», новые чемпионы среди ныне живущих художников и другие рекорды.

  • Арт-рынок

    Рынок современного искусства в 2017 году: финансовый потенциал

    Результаты ежегодного исследования портала Artprice.

Читайте также


Раз в неделю

Выставки недели в России: выбор «Артгида». Сентябрь 2022

Спецпроект

Пэчворк и художественные практики. Часть II

Спецпроект

Венецианская биеннале: «Молоко снов» в океане кошмаров

Книги

Владислав Софронов. Положение мертвых. Ревизионистская история «русского космизма»

Показать еще

10 самых влиятельных художников • Интерьер+Дизайн

В потоке анонсов музейных выставок, сводках аукционных домов и сообщениях галерей проступают важные фигуры самых влиятельных художников современного искусства. Перед вами десять мэтров, слава которых достигла зенита.

По теме:  Гид для визуалов: 12 выставок в новогодние каникулы

1. Пьер Юиг

Пьер Юиг. Фото: Ola Rindel.

After A Life Ahead, 2017

 

Human Mask, 2014. Los Angeles County Museum of Art.

Untilled, 2011-2012.

Player, 2010. «Infinite Experience», MALBA, Buenos Aires (2015).

 

Французский художник Пьер Юиг (Pierre Huyghe, р. 1962, Париж) живет и работает в Париже и Нью-Йорке. Концептуалист, одна из ключевых фигур направления «Реляционная эстетика» современного искусства, любимец французских интеллектуалов. Широкое признание получил как автор многоканальных арт-видео и видеоинсталляций. В 90-х годах занимался post-production (повторное использование фильмов и изображений из журналов и газет). В 2017 прозвучал проектом, выставленным на арт-биеннале в Венеции — инсталляция «Невозделанное» и фильм «Сонм и облако», снятый в заброшенном парижском Музее народных традиций с участием музейных работников, а также фантастической инсталляцией After A Life Ahead, показанной в Мюнстере. Юиг раскопал пол в старого заброшенного катка и установил панели на крыше, которые открывались и закрывались в соответсвии с музыкальной партитурой. Сооружению этой инсталляции предшествовала многолетняя работа: эксперименты и подготовительные штудии. Кроме того Юиг в 2017 году стал обладателем премии Нашера, молодой, но уже престижной награды в области современной скульптуры.

 

2. Ай Вэйвэй

Ай Вэйвэй. 2016.

 

Law of the Journey. 2017.

«Гензель и Гретель». Совместно с архитекторами Жаком Херцогом и Пьером де Мероном. Park Avenue Armory. Нью-Йорк.

 

Good Fences Make Good Neighbors. Нью-Йорк. 2017.

Китайский художник Ай Вэйвэй (р. 1957, Пекин) живет и работает в Берлине. Главная его тема — глобальные проблемы миграции и отношение к мигрантам. В 2017 Вэйвэй представил в Праге инсталляцию Law of the Journey: 70-метровая надувная лодка с 258 надувными фигурами, обличает политику стран, игнорирующих тяжелое положение беженцев, плывующих к безопасным берегам. Он также снял фильм «Человеческий поток», с которым дебютировал на Венецианском кинофестивале в сентябре. Документальный и очень эмоциональный раcсказ о перемещении миллионов людей по всему миру. Со своей камерой Ай Вэйвэй побывал в секторе Газа (Палестина), Турции, Бангладеше, Иордании, на американско-мексиканской границе. Фильм включен в шорт-лист документальных фильмов-номинантов Оскаровской премии. Ай Вэйвэй отправил 300 экспонатов в Нью-Йорк на выставку современного искусства «Хорошие заборы порождают хороших соседей». До февраля 2018 баннеры с изображением беженцев наклеены на автобусные остановки в Гарлеме, Бруклине и Бронксе. Важнейшей частью проекта стала огромная стальная клетка, построенная под аркой на площади Вашингтона.

По теме: Ай Вэйвэй и архитекторы Herzog & de Meuron: мания преследования

 

3. Вольфганг Тильманс

Немецкий фотограф (р. 1968 в Ремшайде, Германия). Живет и работает в Берлине и Лондоне. Лауреат престижнейшей Hasselblad Award. Многие помнят Вольфганга Тильманса как хроникера молодежной культуры 1990-х. Он оказался первым не британцем среди лауреатов престижной Turner Prize (2000). Все грани творчества Тильманса были отражены в масштабной персональной выставке мастера, организованной Фондом Бейелер (Fondation Beyeler). Работы, выполненные с 1986 по 2017 год, среди которых натюрморты и откровенные портреты, изображения, полученные при помощи Хerox, фотографии, снятые без камеры, и суперсовременные аудивизуальные инсталляции.

4. JR

JR (Жан Рене).

 

JR на набережной в Париже. 2015.

Инсталляция в Пантеоне. Париж. 2014.

 

«Женщины-герои». Рио-де-Жанейро. 2008.

Малыш Кикото. Текате. Южная Кадифорния. 2017.

В сентябре 2017 огромный младенец появился на границе между Мексикой и Калифорнией. Малыш Кикито — плод воображения 34-летнего французского стрит-артиста JR. Кикито с любопытством заглядывает через пограничное ограждение, установленное в мексиканском городке Текате. Он появился там благодаря поддержке местных жителей cразу после указа Трампа, запрещающего легализацию несовершеннолетних перебежчиков. JR (р. 1983, в Париже) живет и работает в Париже и Нью-Йорке. JR — инициалы Жана Рене, он родился в парижском пригороде и начинал с граффити на стенах и крышах. В 18 нашел в метро забытый туристом фотоаппарат, и это решило его судьбу. Его часто называют французским Бэнкси. Среди самых известных проектов — «Женщины-герои» (2008) и «Морщины города» (2012). В 2017 году JR снял фильм Faces/Places (Лица/Деревни), совместно с 89-летней режиссером Аньес Вардой (Agnès Varda). Фильм-путешествие по французским окраинам рассказывает о красоте окружающего мира, о случайных и неожиданных встречах, а еще — о дружбе, выросшей из сотрудничества двух совершенно разных людей: режиссера Аньес Варда и художника JR, который напомнил Аньес молодого Годара. В 2017 году фильм получил приз в Каннах, а Аньес Варда — почетный Оскар за заслуги в кинематографе.

По теме: Олимпийские игры в Рио и искусство JR

5. Барбара Крюгер

Барбара Крюгер.

 

FOREVER, Sprüth Magers Berlin. 2017.

 

FOREVER, Sprüth Magers Berlin. 2017.

Belief+Doubt, 2012. Hirshhorn Museum and Sculpture Garden.

Untitled (Your body is a battleground), 1989.

Работа Барбары Крюгер для Performa Biennial. Калифорнийская компания Volcom изготовила футболки, скейтборды, кепки и толстовки с дизайном от художника. Полный набор стоит 300 долл.

 

Американская художница Барбара Крюгер (Barbara Kruger, р. 1945 в Ньюарке, США) живет и работает в Нью-Йорке и Лос-Анджелесе. Крюгер уже вошла в историю современного искусства благодаря своим эффектным работам с типографикой и шрифтами, а также взрывному общественно-политическому темпераменту. В 2017 ретроспектива Барбары Крюгер прошла в Национальной галерее искусств в Вашингтоне. В берлинском пространстве галереи Sprüth Magers она представила инсталляцию Forever — комнату с черно-белыми надписями фраз из романов Верджинии Вульф. В Нью-Йорке на биеннале Performa 17 Крюгер покрыла красно-белыми надписями школьный автобус, каток и карточки для проезда в метро. Центральной частью проекта стала программная работа Unitled (Невежество — блаженство).

6. Яёи Кусама 

Яёи Кусама (р. 1929 в Матсумото, Япония) живет и работает в Токио. Карьера Кусамы развивается в течение 70 лет. Сегодня 88-летняя японская художница ностоящая поп-звезда. На ее выставки в Америке, Европе и Азии выстраиваются огромные очереди. Во многом успех ее искусства, эффектно объединяющего минимализм и поп-арт, обеспечили социальные сети: инсталляции Кусамы, заряженные нереальным драйвом, давно стали самым модным фоном для селфи. Кусама не только любима широкой публикой, но и коммерчески успешна. Одна из ее работ продалась на аукционе Christie’s примерно за 7 млн долларов. В 2017 Токио открылся ее музей. Пятиэтажный корпус возведен неподалеку от мастерской художницы и психиатрической лечебницы, в которой Кусама добровольно проживает с 1977 года. Кроме того, в 2017 году вышла книга для детей, посвященная работам Кусамы. А завершился год грандиозной выставкой художницы в Judd Fondation и двумя проектами в галерее David Zwirner — «Бесконечные зеркальные комнаты» и «Бесконечная сеть».

7. Дэмиен Херст

Дэмиен Херст.

 

Treasures from the Wreck of the Unbelievable. Демон с чашей.

 

Treasures from the Wreck of the Unbelievable. Отрубленная голова Медузы.

Treasures from the Wreck of the Unbelievable. Сфинкс.

Treasures from the Wreck of the Unbelievable. Остатки статуи Аполлона.

 

Британский художник Дэмиен Херст (р. 1965, Бристоль) живет и работает в Лондоне. «Несомненно, одна из худших выставок последнего десятилетия», — так написал арт-критик Эндрю Рассет о масштабном проекте Херста, показанном на арт-биеннале в 2017 году. «Сокровища затонувшего «Невероятного» — грандиозная инсталляция, которая заняла обе выставочные площадки коллекционера Франсуа Пино в Венеции: бронзовый Микки-маус, поросший кораллами, нефритовая голова Медузы Горгоны, египетские статуи, греческие доспехи, китайские колокола, боги и герои…  По словам самого Херста, стоимость выставки «Treasures from the Wreck of the Unbelievable» составила более 50 млн фунтов стерлингов. Таковой современное искусство: цены на отдельные предметы колеблются от нескольких сотен до миллионов. Скульптуры на выставке чередовались со стеклянными шкафами, которые иллюстрировали самую старую из идей Херста — экспонируя вещи в витрине, мы придаем сакральный смысл акту коллекционирования. «Это все о том, во что вы хотите верить», — высказался Херст в интервью New York Times. Последняя масштабная ретроспектива Херста состоялась в 2012 году в лондонской Тейт Модерн, после этого проекта, в котором Херст подробно высказался о смерти, его главным делом стало строительство собственной Newport Street Gallery (открыта в 2015). В 2016 году он вернулся к Ларри Гагосяну, галеристу, повлиявшему не только на его эстимейты.

По теме: Дэмиен Херст (Damien Hirst): невероятные сокровища в Венеции

8. Георг Базелиц

Георг Базелиц.

 

Bild für die Väter, 1965.

 

Head and Bottle (Kopf und Flasche). 1981-82. MoMA.

 

Георг Базелиц (Georg Baselitz, настоящее имя Ханс-Георг Керн) родился в 1938 году в Дойчбазелице, Германия. Живет и работает в Зальцбурге, Австрия. Художник, график и скульптор, по праву называемый одной из основных фигур немецкого неоэкспрессионизма. В 2018 году 80-летие художника будет отмечено грандиозной выставкой в швейцарском Fondation Beyeler. Базелиц предстанет во всей полноте своего творчества как живописец, скульптор и фантастический мастер печатной графики. Выставка, организованная в тесном сотрудничестве с художником, по жанру максимально приближена к ретроспективе, объединяющей многие из самых важных картин и скульптур, созданных Базелицем за последние шесть десятилетий. Мощные, крупноформатные полотна, демонстрирующие каждый этап карьеры художника, раскрывают огромный диапазон его творческого воображения. Критик абстракции Базелиц в течение всей жизни стремился развивать традиции предметной живописи и в каждое десятилетие каким-то удивительным образом оказывался среди самых продвинутых авангардистов.

 

9. Илья и Эмилия Кабаковы. 

Илья и Эмилия Кабаковы.

«В будущее возьмут не всех». Фрагмент экспозиции в Тейт Модерн. 2017.

«В будущее возьмут не всех». Фрагмент экспозиции в Тейт Модерн. 2017.

 

И. Кабаков. Автопортрет. 1962.

 

Илья Кабаков, (р. в 1933 в Днепропетровске). В последнее время работает в соавторстве со своей племянницей и женой Эмилией Кабаковой (урожд. Леках, р. 1945 в Днепропетровске). Кабаковы живут в Нью-Йорке (на Лонг-Айленде). В 60-е годы Кабаков стал сооснователем и лидером сформировавшегося к концу десятилетия художественного течения «московский концептуализм». В 1987 году он эмигрировал и с 1989 года стал жить в США, работая в соавторстве со своей женой Эмилией. В эти годы Кабаковы занимались новой формой изобразительного искусства — тотальной инсталляцией, отличающейся полным погружением зрителя в придуманное и выстроенное художником пространство. «В будущее возьмут не всех» — так называется большая выставка Ильи и Эмилии Кабаковых, которую показали в 2017 году кураторы лондонской Тейт Модерн. В экспозиции — произведения, которые находятся в собрании самой Тейт Модерн, а также из Государственной Третьяковской галереи и Государственного Эрмитажа. 

10. Бэнкси

Граффити Бэнкси.

Фрагмент номера Walled Off Hotel . Граффити Бэнкси.

Граффити Бэнкси.

 

Бэнкси является одним из самых известных граффити-артистов. Его работы начали появляться на улицах городов в начале 1990-х годов. Оцениваются они в миллионы долларов. По одной версии, его настоящее имя — Роберт или Робин Бэнкс. По другой — Роберт Дель Ная, британский музыкант (группа Massive Attck), певец и граффитист. Родился в 1974 году в Бристоле. Живет и работает в Лондоне. Самая загадочная фигура современного искусства и самых дорогой художник среди стрит-артистов. Весной 2017 открылся отель Бэнкси в Вифлееме, на границе Израиля и Палестины. В Walled Off Hotel («обнесенный стеной отель») — 10 комнат, окна которых выходят на бетонную стену. Стены некоторых из них оформлены граффити Бэнкси. 

Научитесь видеть прекрасное в двух мазках, или зачем нам современное искусство — Моноклер

Рубрики : Арт, Культура, Последние статьи


Нашли у нас полезный материал? Помогите нам оставаться свободными, независимыми и бесплатными, сделав любое пожертвование: 

Donate


Что такое современное искусство, как научиться его понимать, и почему не каждая «странная» картина — это contemporary art: беседуем с молодым искусствоведом.

Открываете очередной номер случайного журнала, сидя где-нибудь в салоне самолета или в кафе, натыкаетесь на новости об очередной сделке на аукционе, где картина «известного современного художника» сошла с лота за несколько миллионов долларов, и впадаете в ступор? Недоумению вашему нет предела, ведь картину привычной картиной и не назовешь: пара мазков, четыре точки, а то и вообще изрезанное полотно. Как это можно объяснить? Помочь разобраться в этой непростой ситуации с радостью вызвался молодой специалист, искусствовед, научный сотрудник Музея Модерна в Самаре, Ирина Свиридова.

 

 

Чтобы понять предмет, нужно определиться терминологически. И в связи с этим возникает вопрос: что, по-твоему, есть современное искусство?

Те, кто начинают заниматься искусством, рано или поздно в результате приходят к современности. Я сейчас буду немного занудной, и скажу, что мы будем говорить не о современном искусстве, а о contemporary art, потому что современное искусство – это то, что начинается с 60-х годов 19 века, с импрессионизма. Это уход от классической традиции, классических эталонов. А вот то, что сейчас происходит, — это contemporary art.

Мы живем в определенное время, и следовало бы жить в своем времени. Нам постоянно в университете твердили о том, что нужно слушать свою музыку, т.е музыку нашего времени, нужно читать свою литературу, чтобы не жить в прошлом, а знать, что происходит здесь и сейчас. Так же и с визуальным искусством.

 

И все же, что такое современное искусство?

Если говорить конкретно об определении, то это очень сложный вопрос. И я над этим думаю уже достаточно долго. Я бы сказала, что не только современное искусство, а в принципе искусство по стандартной формулировке – это отражение действительности в художественных образах. Т.е. это действительность, которую мы переживаем, но поданная через интерпретацию художника.

 

А как понять современное искусство обычному человеку? Зачастую такой человек приходит на выставку и видит, например, мусор. И не понимает, что это и как воспринимать? Приходит ли это с опытом или этому нужно учиться?

На самом деле, касаясь современного искусства, мы вступаем на достаточно скользкую дорожку, потому что сейчас искусства очень много. Если раньше всегда было одно какое-то направление, например, барокко, и ведущие художники писали именно в этом стиле, то сейчас такого потокового направления нет. И каждый человек, художник, пытается выразить себя по-особенному. Он пытается сделать то, чего до него не делали.

Я думаю, сейчас можно выделить два направления: это художники-исследователи (как раз именно такое после 70-х годов 20-го века и появилось), которые изучают социальные процессы, и результаты своих исследований они показывают в своем творчестве. И чтобы понять это направление искусства, нужно знать теоретическую базу. Автор выражает какую-то мысль, обычно она каким-то образом обоснована, и эту мысль нужно знать, чтобы понять суть происходящего.

И второе направление – это те художники, которые выражают свои эмоции, себя самого, свои чувства, переживания. И здесь уже нет никакой теоретической базы. Здесь все рассчитано на эмоции, т.е. то, как человек не мозгом, а чувствами это воспримет. Искусство ради искусства.

 

Что заставляет людей замирать перед произведением искусства?

В музее, где я работаю (Музей Модерна, Самара) несколько лет назад была выставка «Мир искусства» (это такая большая группа русских художников начала 20-го века). На эту выставку привезли большую скульптуру Врубеля, и есть даже видео, где показано, как одна пожилая дама минут десять стоит перед этой скульптурой. Она ее обходила, смотрела, как будто находилась в активном диалоге со скульптурой, и это вошло в архив нашего музея. Я считаю, что человек – это такой сгусток из воспоминаний, эмоций, знаний, из всего, что происходит вокруг него. Если человек замирает перед каким-то произведением, то он резонирует вместе с ним. Он находит в этом что-то созвучное его состоянию в данный момент. Если это касается современного искусства, то обычно это нечто невыразимое. Почему-то…почему-то хочется стоять и чувствовать, что это твое. Но есть еще один вариант: у каждого человека есть чувство внутренней гармонии, причем гармонии и формы, и цвета. Поэтому, скорее всего, человеку что-то кажется гармоничным в произведении, и это влияет на него.

 

Существует категория людей, утверждающих, что ходить на выставки современного искусства – это пустая трата времени и денег. Что специалист может ответить на эти реплики?

Я отвечу просто: изучайте историю искусства! Для обычных людей, которые так говорят, искусство заканчивается на Шишкине и Айвазовском. Того же Малевича они знают, но совершенно не понимают. Им необходимо, во-первых, понять то, что сейчас искусство отличается от творчества художников-реалистов 19-го века. Нужно принять для себя тот факт, что актуальное искусство — странное, пугающее, непонятное, есть и будет, и потом начать его изучать. В любом случае, все заключается в знании, и если у человека есть представления об истории искусства, то он более спокойно будет относиться к современным художественным процессам и будет хотя бы пытаться их понять. И это единственный совет, который я вообще могу дать таким людям.

 

Чем руководствуются художники, когда называют свои картины?

Я думаю, опять же, представлением, — что он хотел сказать в этом произведении. Вот есть какая-то мысль, и он выражает ее в художественном образе. Иногда мысль не умещается в этом образе, и тогда она распространяется и на название тоже. Реальность достаточно проста и более тривиальна. Иногда название придумывается где-то за несколько часов до открытия выставки.

 

Почему чьи-то картины, на которых изображена пара пятен или мазков, могут стоить миллионы, а чьи-то нет?

Да, это вопрос, который волнует многих. Обычно говорят — да мой пятилетний сын так же нарисует! Как раз в середине 20-го века встает проблема взаимоотношения творения и творца: это произведение — искусство, поэтому я художник. Или вот я назвал себя художником, и поэтому все, что я делаю – это искусство? И сейчас очень много зависит от личности художника. Это человек, которого критик, по сути, назвал художником, значит все, что он делает, является искусством. Любой человек может намалевать картину, но это не продастся, потому что сам человек не известен в арт-обществе.

Важным является творческий метод художника и то, насколько новаторским он оказывается. Допустим, Джексон Поллок с его абстрактным экспрессионизмом и техникой разбрызгивания краски. Он стал первым, вошел в историю, стал одним из самых знаменитых художников XX века, и как раз его работы продаются за баснословные деньги. Как, впрочем, и творчество Марка Ротко, которого обычно любят вспоминать «жители» социальных сетей. Все эти авангардные художники имели классическое образование, но они на этом не остановились, а пошли дальше, разрабатывали свое видение искусства. Если кто-то захочет повторить творческий метод Ротко или Малевича, то это уже, конечно, котироваться на арт-рынке не будет, потому что «такое уже видели».

 

Но ведь кто-то в арт-общество попадет, начиная с таких картин? Это что, везение?

Сейчас многое зависит от интерпретаторов и трансляторов, ими обычно становятся частные галереи, которые собирают вокруг себя художников. Они их часто выставляют, и обществу преподносят как настоящих мастеров. Так как галерист — профессионал в своем деле, то у обычных людей не должно возникнуть сомнения в таланте выбранного художника. Для такого искусства — лаконичного, непонятного, с виду простого — необходимо попасть в тренд. Искусство живет и развивается вместе с обществом, оно отвечает на запросы сегодняшнего дня. Если мы видим на картине круг и прямоугольник, то, скорее всего, только так возможно выразить все то, что происходит в современном художнику мире.

 

Как наткнуться на такого критика, который скажет, что это искусство?

Есть критики, которые сделали себе имя в арт-сообществе. Они уважаемы, к их мнению прислушиваются. Обычно достаточно много говорят и пишут, поэтому главное услышать. И его мнение многое решает. Но достаточно сложный процесс – сделать из человека художника. Например, Ротко все равно связан с абстракционизмом, и он стал одним из таких главных людей своего направления. Его заметил какой-то галерист, который начал выставлять, продвигать и продавать. Я думаю, что по большой части решает человек, который дает теоретическое обоснование. Талант тоже решает многое в современном искусстве. Это должно быть новаторским, новым словом в искусстве, еще одним шажком.

 

Как сегодня доносить сложный язык искусства до ленивого зрителя? И какие способы существуют?

А зачем? Я не понимаю, зачем всем людям любить искусство? Все знают, что есть литература, но не все любят читать или не любят определенный жанр. Самое важное, как мне кажется, это сделать так, чтобы человек именно принял искусство. Сейчас очень много холивара: зачем все это, это не нужно! Это нужно, потому что является отражением нашей современной жизни. Человек может не любить, и ничего страшного в этом не будет. На самом деле, мой не очень большой опыт показал, что доносить информацию можно лекциями. Читать информацию можно спокойно и в Интернете, но людям интересно послушать такого человека, который будет говорить простым языком, легко. Я постоянно шучу и обычно не говорю то, что мне неинтересно. Современное искусство требует знаний. Оно закодировано, и чтобы понять, нужно знать язык, код. И без этого никуда. Ленивым — только ходить на лекции, вот все, что могу посоветовать.

 

Любая система со временем претерпевает какие-либо изменения. Какой скачок ждет современное искусство, и как ты представляешь его в будущем?

Повторюсь: искусство очень сильно завязано на современности. И оно будет в любом случае отвечать современным проблемам и тенденциям. Все-таки художники — это обычные люди, которые живут в обществе, тоже чувствуют, думают, что-то себе там представляют и с ними что-то случается, поэтому они все происходящее вокруг творчески переосмысливают и показывают в своих работах. Сейчас есть достаточно серьезная тенденция к уходу от изобразительности к документированию, причем, этот процесс очень сильно связан с природой. Искусство просто может вылиться в наблюдение, и главной задачей художника будет увидеть какой-то отдельный, иногда скрытый, процесс, и показать его всем остальным . Еще вариант: эти позиции (искусство как исследование и искусство как выражение эмоций) будут расширяться и отходить друг от друга, существовать как параллельные стези, которые не пересекутся. И это не будет одним единым стилем в будущем. Сейчас все очень пестро, ярко и неоднородно.

 

Занимается ли сам искусствовед творчеством?

Обычно да. У меня подруга, с которой мы все 6 лет обучения прошли вместе, — художник. Ей это интересно и так она выражает свое отношение к миру. Лично мне это не то чтобы неинтересно, я просто не хочу идти в творчество. Я хочу заниматься теорией и критикой!

 

Будни российского искусствоведа. Какие они?

Искусствоведов сейчас много и они везде. Занимаются самой разной деятельностью. Я — научный сотрудник музея, поэтому в мои обязанности входит организация выставок. Я такой некий культурный менеджер. Пишу тексты, лекции. И лекции — это достаточно удачный проект, который город действительно поддержал. На каждую лекцию приходит около 20 человек и больше, чтобы просто послушать про искусство. Готовлюсь к этим лекциям, нахожу интересную информацию, чтобы простым языком донести до посетителей. Но в голове сейчас бюрократические штуки, потому что вся документация музея — одна сплошная бешеная отчетность. Это то, что сильнее всего мешает работе.

 

 

Ты, как молодой специалист, уже столкнулась с какими-либо проблемами. Что ты можешь выделить в категорию проблем на твоем месте работы?

Первое, что мне хотелось бы выделить, — это бюрократический аппарат. Если делать какое-то мероприятие, то обычно, когда ты доходишь до него сквозь экономистов, юристов и так далее, то от этого художественного проекта ничего не остается. Но сможем ли мы победить сейчас эту бюрократию? — вряд ли. Нужно пытаться абстрагироваться от этого. Второе — сейчас музеи, как и кинотеатры, должны зарабатывать. Очень плохая тенденция. Здесь музей направлен не на просвещение, а на рейтинги. И есть не явная, но достаточно сильная конкуренция между музеями. Это я считаю очень неправильным. Нужно создавать в городе такую культурную среду, чтобы человек выбирал не между музеями, а между, допустим, музеем и торговым центром. Очень хочется, чтобы люди больше проводили время, познавая что-то. Я нахожусь в этой среде, и знаю, что и где происходит, но до большинства людей не доходит эта информация. Мне кажется необходимым создание единой платформы, сайта, где будут сконцентрирована вся информация обо всех музеях города.

И, в-третьих, устойчивый стереотип, что музей — мертвое скучное место. Современный музей – это пространство, в котором можно интересно проводить время. Например, у нас большинство проектов направлено на молодую публику. Нужно доносить, что музеи — это нескучно, интересно, и даже «развлекательнее», чем кинотеатры. Наверно, это три главные проблемы.

Обложка: Смитсоновский музей американского искусства/©Wikimedia Commons.

Если вы нашли ошибку, пожалуйста, выделите фрагмент текста и нажмите Ctrl+Enter.

интервьюискусство

Похожие статьи

9 современных художников, за которыми надо следить

Назвать кого-то «вторым Бэнкси» уже давно звучит как сомнительный комплимент – кроме Бэнкси есть десятки актуальных художников, упаковывающих социальные или чисто эстетические высказывания в разноцветные (или черно-белые) уличные картинки. Вместе с лимитированной арт-серией Hennessy Very Special, воплотившей своенравный и независимый дух стрит-арта, рассказываем о современных уличных (и не только) художниках, за которыми надо следить, а также о городах, куда стоит поехать, чтобы посмотреть на их работы.

 

Felipe Pantone


  Сайт  |  Instagram

 

 

Фелипе Пантоне родился в Буэнос-Айресе, в 10 лет переехал Испанию, а в 12 – начал рисовать граффити. Впрочем, официальное образование в области изящных искусств он тоже получил – в Валенсии, где и находится его студия. Пантоне – это псевдоним. Когда художник начинал заниматься стрит-артом, его ник был Paint One, но в процессе это все слилось в одно слово. А вот если ты встретишь Фелипе где-то на улице, ты его не узнаешь – художник принципиально не фотографируется. Стиль Фелипе напомнит тебе о каллиграфии, винтажной типографике и оп-арте, художественном течении второй половины XX века, которое использовало оптические иллюзии и геометрические абстракции, дающие зрителю впечатление движущихся узоров. Художник много путешествует, поэтому темы динамичности, трансформации, современных технологий и их связи с искусством тоже важны в его творчестве: он даже пишет об этом в своем манифесте, который так и называется – Dynamic Phenomena.

Сейчас Фелипе продолжает рисовать на улицах, устраивает собственные выставки и сотрудничает с разными компаниями. Например, Пантоне стал первым современным художником, сделавшим фильтры специально для Instagram, а в этом году стал автором этикетки лимитированной серии Hennessy Very Special Limited Edition и арт-объекта — инсталляции, состоящей из ста пронумерованных элементов, каждый из которых можно купить и персонализировать. Это продолжение одного из проектов художника – Configurable Art. Он считает, что в мире, где все подвержено кастомизации – от телефона до кроссовок – любой желающий может собрать и собственный арт-объект из предложенных Пантоне паттернов, глитчей и элементов компьютерной графики. Configurable Art — это взаимодействие технологий, интернета и искусства. Принципу динамичности и тут нашлось место: художественные элементы, которые можно использовать для создания рисунка, обновляются.

Ближайшее произведение Фелипе – монументальное граффити на боковой стене торгового центра «Атриум» в Москве и 24-метровaя инсталляция «Фонтан данных» внутри. Работы Пантоне также можно увидеть в арт-квартале Винвуд в Майами, Риме, Гонконге и других городах – из последних творений нас больше всего впечатлила трехмерная инсталляция в Siam Center (Бангкок, Таиланд).

Если не собираешься никуда ехать, можешь не сходя с места заценить его мурал в виде QR-кода (самый большой в мире, как утверждает сам художник) высотой 25 метров и шириной 30. Оригинал находится в бельгийском Хасселте, но отсканировать можно на сайте художника.

 

 

 

Vhils


  Сайт   |  Instagram

 

 

Вилс родился в Лиссабоне и рос там в то время, когда атмосфера в Португалии была весьма терпима к граффити, а рисовать на улице было безопасно и намного интереснее, чем сидеть у телевизора. Так что Вилс начал ставить теги на пути в школу, потом переключился на поезда – он жил возле пригородной железнодорожной линии, потом стал выбираться в другие города Португалии и Европы, присоединяться к арт-группам и участвовать в выставках. В конце концов добрался и до Лондона, где закончил престижный колледж искусств и дизайна, а в 2008-м Бэнкси (ну да, какая статья про стрит-арт без Бэнкси!) пригласил его поучаствовать в фестивале стрит-арта в Лондоне. Дальше были другие фестивали, выставки и биеннале современного искусства, работы по всему миру – в галереях и на улицах.

Это тот самый автор, работы которого ты узнаешь в любом городе мира из-за специфической фактуры и техники: это портреты людей, созданные с помощью абразивных инструментов и жидкостей, разрушения штукатурки стен, скретчинга и даже контролируемых взрывов. Часть работы всегда остается незаконченной – дальше в дело вступает окружающая среда, под воздействием которой произведение продолжает меняться. Вилс напоминает, что стрит-арт – это не только краска, а еще и дрель, молоток и зубило, и в его случае уличное искусство больше похоже на археологические работы, открывающие то, что лежит под поверхностью. Создание некоторых его произведений занимает не меньше месяца. Среди героев портретов – и реальные герои, узнаваемые жителями города, и неизвестные люди, превращенные в иконы, например, жители трущоб в Рио-де-Жанейро, чьи лица появились на стенах, оставшихся после сноса домов.

Много масштабных творений Вилса ты встретишь на улицах Лиссабона и других городов Португалии (чекай карту). Не пропусти крутую коллаборацию с Шепардом Фейри, которая сочетает фирменные яркие краски Шепарда с фирменным грубым многослойным стилем Вилса. Если до Лиссабона ехать далеко, можешь сгонять в Киев. Там на улице Михайловской – портрет Сергея Нигояна, первого погибшего во время Евромайдана, а в Москве – портрет Маяковского, практически выгравированный на многослойной штукатурке.

 

 

 

JonOne


  Сайт  |  Instagram

 

 

Джон начал рисовать граффити в 1980 году в Нью-Йорке, где в то время наркотики достать было легче, чем краску. Атмосфера была довольно унылая и беспросветная, и люди, которые просто писали свои имена на стенах, казались настоящим символом свободы и бунта. Джон присоединился к ним со своим маркером, начав со стен собственного дома, а когда это не встретило поддержки у жильцов, переключился на метро – ведь это настоящий музей стрит-арта, который мчится через весь город. Было опасно: на краску не хватало денег и ее пришлось украсть, можно было попасть под поезд, пока прячешь баллончик с краской. Джон стал выделяться: пока остальные рисуют графику, он переключается на абстракции, его начинают звать на выставки и арт-тусовки, а один новый богатый знакомый приглашает в Париж. 

В Нью-Йорк он уже не вернулся, а остался в парижском арт-сквоте Hospital Ephemeral, где жило множество художников и который стал его студией. Джон рисует не только на стенах, но и на холсте: работа, созданная в Hospital Ephemeral, была продана за рекордную для стрит-арта цену во Франции (€ 25 000). Теперь у него своя студия, орден Почетного легиона и внушительный список коллабораций: помимо бутылки Hennessy, он раскрасил самолет Боинг-777 и банковскую карточку. Впрочем, это не мешает ему ходить в испачканных краской брюках (в них он демонстративно фотографируется на фоне своих картин). Все его работы абстрактны и могут напомнить тебе стиль Джексона Поллока и Жана-Мишеля Баския – точки, линии и потеки краски в неоновых оттенках.  

Прямо сейчас ты можешь увидеть его работы в Париже на выставке Art Élysées в секции урбан-арта в рамках Парижской недели искусства. Еще один шанс – выставка Blue Night в Galerie Droste (Katernberger Str. 100) в Вуппертале, которая продлится до 23 ноября. Несколько работ есть в постоянной коллекции Ghost Gallery в Марселе.

 

 

 

Scott Campbell


  Сайт

 

 

Скотт Кэмпбелл – художник и татуировщик со своей студией в Нью-Йорке, который делал тату Роберту Дауни-младшему, Пенелопе Крус, Стингу и другим знаменитостям. Скотт изучал биохимию и планировал стать медицинским иллюстратором, но бросил учебу, переехал в Сан-Франциско и начал заниматься татуировками, путешествовал по Азии (зарабатывая себе на дорогу снова-таки тем, что делал тату), а потом осел в Нью-Йорке, открыв свою студию Saved Tattoo в Бруклине – первым звездным клиентом стал Хит Леджер.  

Помимо тату, Скотт занимается созданием арт-объектов, творческими коллаборациями и перформансами. Одним из них была акция, когда он сделал татуировки 23 посетителям выставки. Через дыру в стене. Какими будут тату, участники, конечно, заранее не знали. 

Художник выставлялся в московском «Гараже» и лондонском Covent Garden. У работ Скотта всегда потенциал скандала: сшитые куски свиной кожи с набитыми татуировками, объекты, созданные из вещей, найденных в тюрьме в Мехико, художественно разрезанные долларовые купюры, графика на яичной скорлупе, реплика отвертки из золота и драгоценных камней. 

 

 

Ryan McGinness


  Сайт  |  Instagram

 

 

Цветы, флуоресцирующие мандалы, похожие на причудливую радужку глаза и странные уличные знаки – это фирменный стиль нью-йоркского художника Райана МакГиннесса. Он вырос на культуре серферов и скейтбордистов, проходил стажировку в Музее Энди Уорхола – отзвуки всего этого ты и встретишь в его работах, использующих яркие краски, образы поп-культуры и логотипы корпораций.

Среди его работ – оформление скейт-парка в Детройте, где художник перепридумал визуальный стиль запрещающих уличных знаков, сделав их сюрреалистичными и абсурдными. Продолжением взаимодействия художника с уличной средой стала инсталляция Sign Trees, выглядящая как «деревья» из уличных знаков – на которых вместо привычных простых символов появляются голова оленя, метроном или сложный орнамент. Разгадывать, что именно предписывает или запрещает такой знак, можно бесконечно. Однажды сюрреалистичные знаки художника появились прямо на улицах Нью-Йорка, причем ответственным за производство и установку был городской департамент транспорта. Бруклин тоже получил свою порцию странных зеленых знаков, а парк Хай-Лайн – светящуюся неоновую инсталляцию в виде фигур женщин. Работы художника найдешь в постоянных коллекций музеев современного искусства в Нью-Йорке, Сан-Диего, Цинциннати.

 

 

Shepard Fairey


  Сайт  |  Instagram

 

 

Даже если ты не знаешь его имени, ты точно знаешь его работы: тот самый портрет Барака Обамы с надписью Hope и Большой брат с надписью Obey – это изображение французского борца Андре Руссимоффа по кличке Giant.

Начиналось все совсем не на улице: Шепард ходил в консервативную частную школу и жил довольно скучной жизнью, пока не открыл для себя скейтбординг и панк-рок, начав разрисовывать доски и одежду для друзей. В результате он закончил целых две художественных школы, причем довольно престижные – школу искусств в Калифорнии и Род-Айлендскую школу искусства и дизайна, одну из старейших художественных школ США. В Калифорнии Шепард увлекся хип-хопом и задумался о расизме и социальной справедливости – эта тема до сих пор важна в его работах.

В какой-то момент Шепард напечатал наклейку с надписью Obey, раздавал ее друзьям-скейтбордистам и сам расклеивал ее повсюду. Позднее это стало отдельным брендом стривира – Obey Clothing. Шепарда арестовывали 18 раз, но сейчас у него есть своя галерея и студия дизайна в Лос-Анжелесе, причем в том, что касается галереи, он заботится не о прибыли, а о том, чтобы дать площадку молодым художникам. 

Шепард делает муралы, плакаты и коллажи из старых газет и обоев – ему нравится, чтобы работа была текстурной и многослойной, нравится, что работу на улице кто-то может заклеить, добавив к ней еще один слой. Так процесс свободного творчества не прекращается. Его стиль – портреты, напоминающие работы Энди Уорхола и пропагандистские плакаты, обычно с политическим подтекстом (Шепард делает плакаты для благотворительных организаций и протестных маршей). Художник любит порассуждать о философии, цитирует Хайдеггера и Ороуэлла, так что если хочешь не только визуальной, но и интеллектуальной пищи, почитай его манифест и эссе. 

Стикеров и муралов Шепарда полно по всему миру. Выделим три: мурал в Москве «Искусство должно распространяться повсюду» (фасад трамвайного депо имени П.Л. Апакова на Мытной), вдохновленный советским авангардом и конструктивизмом с его простыми формами и базовыми цветами; мурал в Йоханнесбурге – портрет Нельсона Манделы в честь 25 годовщины начала протестов против апартеида, и мурал с изображением Марианны, символа Французской республики в Париже, посвященный жертвам атак 2015 года. Ни к чему не призываем, но если у тебя давно чесались руки попробовать себя в качестве уличного художника, то знай, что на сайте Шепарда можно скачать те самые стенсилы Obey.  

 

 

Os Gemeos


  Сайт  |  Instagram  |  Facebook

 

 

Бразильских близнецов ты, скорее всего, знаешь: их фирменные желтые гиганты могут взглянуть на тебя со стены практически любого города мира. 
Близнецы родились в 1974-м году в Сан-Паулу (мама и старший брат – художница и скульптор), а в 12 лет увлеклись хип-хоп культурой и граффити. Сан-Паулу – живой и хаотичный город, улицы которого они и начали расписывать. Интернета и смартфонов тогда не было, поэтому в поисках информации братья иногда вырывали страницы из книг в библиотеке, а в поисках вдохновения обращались к бразильской культуре. И пока другие художники вовсю переходят на виртуальное искусство, для них по-прежнему важно искусство физическое. Постепенно братья вливались в бразильскую арт-тусовку, а после интервью в журнале об уличном искусстве становятся знаменитыми.

Сегодня рисунки близнецов можно увидеть в Австралии, Аргентине, Германии, Греции, Испании, Португалии, США, Франции и Чили. В Рио-де-Жанейро они расписывали поезда в рамках социального проекта вместе с немецкими, итальянскими и американскими художниками и местными школами: художники проводили мастер-классы, а дети создавали свои рисунки. Огромные работы Os Gemeos появлялись на стенах шотландского замка Кельбурн XIII века, лондонской галереи Tate Modern и минской заводской улицы Октябрьской. Узнать Os Gemeos просто – желтые человечки (братья говорят, что этот образ – то, как они видят себя во сне) и сказочные вселенные. Наслаждайся.

 

 

 

Futura


  Instagram

 

 

Futura – один из первых уличных художников в США, который лично знал многих активистов уличной сцены периода волны граффити 70-х. Псевдоним – дань любви к фильму «Космическая одиссея 2001» Стенли Кубрика. В целом, жизнь Futura похожа на путь многих других современных художников: начинал с граффити-тегов, перешел к абстрактной живописи на холстах, попал с уличных стен в музеи и галереи, коммерциализировал свое искусство, став дизайнером – но штука в том, что все это он сделал на двадцать лет раньше. И пока другие вдохновлялись Энди Уорхолом и Жаном-Мишелем Баския, он был знаком с ними лично.

Futura довольно быстро понял, что теги и буквы в нью-йоркской подземке его не устраивают, и перешел к абстрактной живописи, напоминающей о космосе, звездных туманностях и солнечных системах (они могут напомнить тебе композиции Кандинского из точек и линий). Художник несколько лет служил в флоте, что позволило ему повидать многие страны мира, а вернувшись домой, вернулся и к уличному искусству в местной арт-тусовке. Сейчас его работы можно найти в Нью-Йорке, Париже и Лондоне – больше в музеях, чем на улицах. Новаторским (для того времени – дело было в 2000-х) стал мультимедиа арт-проект Defumo, когда культурный центр в Италии трое известных стрит-арт художников за неделю превратили в музыкальный клуб. Документация проекта связала между собой муралы, фотографию, видео, анимацию, аудиозаписи и музыку – это было действительно дело будущего. 

Наконец, Futura был одним из первых, кто превратил свое творчество в успешный бизнес. В самом начале 90-х он путешествовал в музыкальном туре вместе с британской панк-рок группой и вживую создавал граффити-работы во время их концертов. Потом он занимался дизайном уличной одежды и обложек для дисков, а его абстрактная живопись выставлялась на сольных выставках в Нью-Йорке, Париже и Барселоне.

 

 

Kaws
 

 Instagram

 

 

Еще одна классическая история успеха: нью-йоркский граффитчик из 1990-х становится признанным художником и дизайнером, создавая скульптуры для именитых заказчиков. Его работы узнаешь по главному герою – печальному серо-коричневому клоуну и другими переработанным героям популярной культуры с глазами-крестиками (под общим названием Companion).

Изначально Kaws занимался только рисунками, причем он получил профессиональное художественное образование и днем создавал анимацию, а ночью выходил на улицу в качестве граффитчика. Потом перешел на 3D-скульптуры, создавая их размером от нескольких сантиметров до 10 метров из алюминия, дерева и бронзы – и в этом оказался ключ к коммерческому успеху. Первой такой скульптурой был виниловый Микки-Маус, в других героях можно узнать переосмысленных Симпсонов, смурфов, Снуппи и Губку Боба – в общем, все иконы поп-культуры. Их сейчас можешь увидеть в музеях и коллекциях по всему миру, включая музеи современного искусства в Нью-Йорке, Сан-Диего и Детройте. В качестве дизайнера он создает игрушки, одежду, скейтборды – все вещи исключительно limited edition, а однажды сделал свою версию трофея премии  MTV Video Music Awards.

 

 

 

Мы сделали этот материал вместе с Hennessy – брендом, который поддерживает современное искусство. Каждый из художников, ставших героями этой статьи, имеет за плечами опыт арт-коллаборации с Hennessy. Ежегодно на протяжении 9 лет бренд выбирает одного яркого современного стрит-артиста и предлагает ему сделать свой дизайн лимитированной серии Hennessy Very Special. В этом году в твою коллекцию может попасть бутылка от Felipe Pantone – а это достойный экспонат. Следи за Hennessy: вдруг работа твоего любимого художника попадет к ним на этикетку в следующем году?

 

 

Фото: официальные страницы художников

ООО «Дигеста Диджитал»
УНП ‎192317837

Современная живопись — Профиль магистратуры — HSE ART

Александра Кузнецова

Координатор направлений «Коммуникационный дизайн», «Современное искусство», «Типография и дизайн книги», «Дизайн и реклама»

Леонид Бажанов

Руководитель направления «Современное искусство»

Пьер-Кристиан Броше

Людмила Алябьева

Академический руководитель аспирантуры

Александра Старусева-Першеева

Координатор направлений «История и теория дизайна и искусства», «Экранные искусства»

Екатерина Умнова

Руководитель профиля «Медиа-арт»

Никита Бугаев

Направление «Современное искусство», Направление «Саунд-арт и саунд-дизайн»

Руслан Будник

Направление «Современное искусство», Направление «Саунд-арт и саунд-дизайн»

Эмма Васильева

Направление «Театр. Перформанс. Ивент», Направление «Современное искусство»

Евгений Вороновский

Руководитель направления «Саунд-арт и саунд-дизайн»

Наталья Гаврилова

Направление «Анимация и иллюстрация», Направление «Современное искусство», Направление «Экранные искусства»

Владимир Дубосарский

Направление «Современное искусство»

Владислав Ефимов

Направление «Фотография», Направление «Современное искусство»

Александр Журавлев

Направление «Современное искусство», Направление «История и теория дизайна и искусства»

Тимофей Кайгородов

Направление «Современное искусство», Направление «Саунд-арт и саунд-дизайн», Технический офис

Сергей Кужавский

Направление «Современное искусство»

Дарья Кузнецова

Направление «Современное искусство»

Владимир Левашов

Направление «Фотография», Направление «Современное искусство», Направление «История и теория дизайна и искусства»

Диана Мачулина

Направление «Современное искусство»

Кирилл Преображенский

Направление «Современное искусство», Направление «Экранные искусства»

Ирина Сахно

Направление «Современное искусство», Направление «История и теория дизайна и искусства»

Арсений Сергеев

Направление «Современное искусство»

Евгений Фадеев

Направление «Современное искусство», Направление «Саунд-арт и саунд-дизайн»

Александр Шабуров

Направление «Современное искусство», Направление «Вариативы и авторские курсы»

Григорий Шмидко

Направление «Современное искусство», Направление «Саунд-арт и саунд-дизайн», Технический офис

Наталья Авдонина

Олег Буянов

Евгений Былина

Шота Гамисония

Владислав Генералов

Анна Графкова

Арман Гущян

Ильдар Зайнетдинов

Мария Зайцева

Николай Кашевник

Василий «Bvoice» Константиновский

Направление «Саунд-арт и саунд-дизайн»

Анна Костина (Филиппова)

Константин Аджер

Геннадий Курлаев

Антон Курышев

Игорь Макаров

Алексей Маслодудов

Александра Митлянская

Анна Михайлова

Екатерина Мордвинкина

Елизавета Морозова

Виктория Моторнюк

Алексей Наджаров

Анастасия Нефедова

Руководитель направления «Ивент-дизайн. Театр и перформанс»

Александр Носовский

Виктория Петренко

Игорь Попов

Наталья Рябчикова

Александр Сенько

Екатерина Сиверс

Оксана Симатова

Олег Сироткин

Артем Слесарев

Владислав Тарнопольский

Иван Твердовский

Творческий руководитель направления «Экранные искусства»

Марина Тимофеева

Вера Трахтенберг

Дмитрий Цветков

Мария Челоянц

Екатерина Ширшкова

Дарья Юрийчук

Современный Арт-деко: Новые правила стиля

Дизайнерская мебель на заказ — Интернет магазин Wonderwood

Мебель дизайнерская и предметы интерьера

    Блог
  • Современный Арт-Деко: новые правила стиля

 

 

 Стиль Арт-Деко в дизайне относится к наиболее значимым находкам последнего столетия. Симбиоз техник, постоянные поиски новых форм, стремление к совершенству породило целую индустрию различных предметов интерьера. Сегодня, внимательно приглядевшись к новинкам мировых выставок, можно подметить стремление дизайнеров к простым и понятным формам.  Кристально четкая геометрия предметов интерьера, исполненных с применением дорогих фактурных материалов в сочетании с индустриальными металлом и стеклом — все это современный Арт-Деко, триумфально возвращающийся со своими прежними принципами, но в совершенно новой ипостаси.

 

   

 

Мебель и предметы интерьера Art Deco всегда поражали роскошной, но при этом элегантной декоративностью. Родившись на стыке эпох, когда пышная классика порядком приелась, а барокко и необарокко резко начали сдавать позиции, яркий и дорогой стиль стал прекрасной возможностью для стильных и богатых людей обзавестись не только высоко бюджетными, но и модными интерьерами.

 

 

                   

 

 

Архитектурная составляющая стиля Арт-Деко позволяла ему вбирать в себя самые яркие элементы современности. Вспомните декорации культовой ленты Феллини «Сладкая жизнь», роскошное убранство «Титаника», интерьеры «Великого Гэтсби». Изящные статуэтки появились под влиянием «Русских сезонов» Дягилева, египетские мотивы — в период сенсационного открытия гробницы Тутанхамона, великолепные вентиляторы-пропеллеры — на волне стремительного развития авиации. Вера в человеческие возможности и экзотика, театральность и буйство фантазии словно объединились для того, чтобы создать Арт-Деко — немеркнущее в своей привлекательности и функциональной изысканности стилевое направление.

 

 

     

 

                           

 

Взгляните на эти великолепные работы, достойные того, чтобы украсить богатейшие особняки на Парк-Авеню. Лучшие традиции стиля в связке с элементами американской классики в интерьере отображены в этой роскошной коллекции. Внятная геометрия форм мастерски объединена с характерной волнообразной структурой японского дерева тамо, а экзотические мотивы передает дорогая отделка: элементы из высококлассной хромированной стали, эбенового дерева, розовой латуни, а также кристаллы Сваровски и муранское стекло.

 

    

 

Новый Арт-Деко

 

Новое время диктует свои правила. Современный Арт-Деко все также жадно впитывает в себя самые популярные элементы своего времени. Унаследовав структуру и логику своего исторического аналога, новый Арт-Деко адаптируется под актуальные запросы времени.  Чеканное следование законам симметрии и акцент на дорогих фактурах никуда не исчезли, но «обросли» самыми популярными деталями сегодняшнего дня.

 

 

                                                      

 

 

 

Ключевыми акцентами стилевого оформления Арт-Деко в интерьере являются сложные фактуры. Причем происхождение материалов может быть как природным, так и искусственным. В предметах декора и мебели органично переплетены дорогой текстиль и металл, благородная древесина и стекло. Суть кроется не в самом их происхождении, а в качестве и уровне проработки деталей, а также в подлинности декоративных объектов. По этой причине создать настоящий интерьер в стиле Art Deco с низким бюджетом довольно сложно — он не просто выглядит дорого, а на самом деле такой.

 

Современный Арт-Деко, металл и стекло в дизайнерских коллекциях сезона

 

Включение матовой латуни, блестящей стали, мягкого велюра в пастельной гамме, изящной керамики в темных матовых оттенках, использование закаленного стекла — все это ярко характеризует новые правила стиля в интерьере. Большие структурированные диваны с минимумом древесины в отделке — дань комфорту и новым впечатлениям времени.

 

 

                                         

 


 

 

 

Впрочем, отказ от следования любой идеологии в пользу создания комфортного, статусного и абсолютно нового в эстетике пространства всегда был характерен для Art Deco. Поэтому при создании уникального интерьера вовсе не обязательно слепо следовать канонам. Высшим пилотажем в среде дизайнеров считается умение внедрять правила современного Арт-Деко в совершенно неожиданные пространства. Например, в лофт.

 

                                                       

  

Дорогие друзья, рады сообщить, что в нашей коллекции также представлены интересные образцы предметов мебели Арт-Деко, создателей которых вдохновила новая эра развития этого роскошно-элегантного стиля. 

 

 

Надеемся, что модели из нашего каталога помогут решить самые смелые идеи при оформлении помещения.

С наилучшими пожеланиями, творческий коллектив WONDERWOOD.

Оставайтесь с нами.

 

Поделиться:

Американская классика в интерьере: горячие тренды 2017

Всем отличного настроения и творческих всплесков! После некоторого периода затишья мы решили исправить положение и вновь начать публиковать интересные обзоры о сфере интерьерной моды и дизайнерской мебели. В 2017 году на пике популярности закрепились несколько трендов, один из которых — эклектика по-американски, или, как принято говорить, современный американский интерьер.

Читать далее

Кровати с мягким изголовьем.

Элитные кровати для вашей спальни Спальня… Эта комната предназначена для комфортного отдыха и полноценного сна. Здесь царит уютная, расслабляющая, вместе с тем романтичная атмосфера. В интерьере должно присутствовать что-то интимное, сокровенное. Центральный элемент оформления – кровать. Купить в Москве подходящую модель очень просто. Именно от параметров спального места зависит качество отдыха.

Читать далее

Дизайн студии от Джордана Паннаса.

Джордан Паннас живет в Нью-Йорке. За свой 20-летний опыт он стал автором большого количества проектов. Предлагаем вам посмотреть дизайн квартиры-студии его авторства

Читать далее

Подпишитесь на наши новости!

10%
Скидка на Ваш первый заказ
Акции
Подарки и распродажи
Шоу-рум
Информация о представленных новинках

Нажимая на кнопку «Подписаться», я соглашаюсь на обработку персональных данных.

Сомневаетесь? Приезжайте в наш Шоу-рум!

Шоу-рум Wonderwood предоставит Вам бесплатную услугу по подбору и расстановке мебели в Вашем интерьере!

О современном искусстве (обучение в Гетти)


О современном искусстве


Примечание. Слова, выделенные жирным шрифтом ниже, определены в глоссарии для этой учебной программы (см. ссылки «Для класса»).

Строго говоря, термин « современное искусство» относится к искусству, созданному и произведенному художниками, живущими сегодня. Современные художники работают и реагируют на глобальную среду, культурно разнообразную, технологически продвинутую и многогранную. Работа в широком диапазоне медиумы , современные художники часто размышляют и комментируют современное общество. При взаимодействии с современным искусством зрителям предлагается отбросить такие вопросы, как «Хорошо ли произведение искусства?» или «Является ли работа эстетически приятной?» Вместо этого зрители думают, является ли искусство «сложным» или «интересным». Современные художники могут подвергать сомнению традиционные представления о том, как определяется искусство, что представляет собой искусство и как создается искусство, создавая диалог со стилями и движениями, существовавшими до них, а в некоторых случаях и отвергая их.

С начала 20 века некоторые художники отказались от реалистического изображения и изображения человеческой фигуры и все больше уходят в сторону абстракции. В Нью-Йорке после Второй мировой войны мир искусства придумал термин «абстрактный экспрессионизм», чтобы охарактеризовать направление в искусстве, которое не было ни полностью абстрактным, ни экспрессионистским. Тем не менее, движение призвало художников уделять больше внимания процессу создания искусства, а не конечному продукту. Такие артисты, как Джексон Поллок, довели искусство до хореографических высот, капая краской величественными, но спонтанными жестами. Как заметил один критик, холст был ареной, на которой можно было действовать: «то, что происходило на холсте, было не картиной, а событием». Это представление об искусстве как о событии возникло благодаря движению под названием абстрактный экспрессионизм , который сильно повлиял на последующие направления в искусстве и продолжает вдохновлять художников, живущих сегодня.

Современные художники, работающие в рамках постмодернистского движения , отвергают концепцию мейнстримного искусства и принимают понятие «художественный плюрализм», принятие различных художественных замыслов и стилей. Независимо от того, находятся ли они под влиянием перформанса , поп-арта, минимализма, концептуального искусства или видео или опираются на них, современные художники используют бесконечное разнообразие материалов, источников и стилей для создания искусства. По этой причине сложно кратко обобщить и точно отразить сложность концепций и материалов, используемых современными художниками. В этом обзоре рассказывается о некоторых современных художниках, чьи работы выставлены в музее Гетти, и о концепциях, которые они исследуют в своих работах.

Образец (по Дюреру) , Джон Балдессари, 2000 г. Музей, Лос-Анджелес

Современные художники, как и многие художники, которые им предшествовали, могут узнавать и черпать вдохновение в произведениях искусства прошлых периодов как в предмете, так и в формальных элементах. Иногда это вдохновение принимает форму ассигнования . Художник Джон Бальдессари «позаимствовал» изображение жука-оленя 1505 года у немецкого художника Альбрехта Дюрера и сделал его своим. Используя современные материалы (струйная печать на панели из стекловолокна), Бальдессари сопоставил оригинальное изображение со скульптурой в виде гигантской стальной булавки. Вставляя стальной штифт в холст, Baldessari комбинирует материалы очень современным способом.

В 1960-х годах художники начали обращаться к видео, чтобы дать новое определение изобразительному искусству. С помощью видеоарта многие художники бросили вызов предвзятым представлениям об искусстве как о дорогостоящем, высокоинтеллектуальном и понятном только элитным членам общества. Видеоарт — это не обязательно вид искусства, которым люди хотели бы владеть, а скорее опыт. Продолжая тенденцию переосмысления прежних идей и идеалов об искусстве, некоторые современные видеохудожники стремятся покончить с понятием искусства как товара. Художники, обращающиеся к видео, использовали художественную форму как инструмент для изменений, средство для идей. Некоторое видеоискусство открыто признает силу телевидения и Интернета, тем самым открывая двери в мир искусства массам.

Такие художники стремятся поднять процесс создания искусства на новый уровень и выйти за рамки представления о том, что искусство должно цениться только как эстетически приятный продукт. Видеоарт иллюстрирует это, поскольку зритель наблюдает за произведением в процессе его создания; они наблюдают, как разворачивается процесс. Видеоинсталляции сочетают видео со звуком, музыкой и/или другими интерактивными компонентами. В фильме Николь Коэн «, пожалуйста, садитесь, » зрителей просят быть активными участниками. Используя инновационные видеотехнологии, участники могут сидеть на точных копиях французских стульев 18-го века и смотреть телеэкраны, в которых они виртуально вставлены в исторические воссоздания французских пространств 18-го века. В то время как традиционные произведения искусства находятся в галереях с табличками «Не трогать», Коэн приглашает вас физически принять участие. Таким образом, зритель становится частью произведения искусства.

Роберт Ирвин — еще один художник, стремившийся привлечь внимание зрителя, что можно увидеть в его саду в Центре Гетти. В Центральном саду, который Ирвин игриво назвал «скульптурой в форме сада, стремящегося стать искусством», зрители могут увидеть лабиринт из растений, камней и воды. Здесь посетители полностью погружаются в ощущение пребывания внутри произведения искусства. Обоняние, осязание и звук сопоставляются с цветами и текстурами сада. Вся листва и материалы сада были выбраны так, чтобы подчеркнуть игру света, цвета и отражения. Заявление Ирвина «Всегда меняется, никогда не повторяется дважды» высечено на полу площади, напоминая посетителям о постоянно меняющейся природе этого живого произведения искусства. Таким образом, Ирвин опровергает представление о том, что произведение искусства должно быть нарисовано на холсте. Скорее природа может быть искусством.

Создавая сад, специально разработанный для Центра Гетти, Ирвин занимается искусством, специфичным для конкретного места. Многие современные художники, создающие работы для конкретных мест, перемещают искусство из музеев и галерей в сообщества, чтобы решать социально значимые проблемы и / или повышать общественное сознание. В случае с садом Ирвина и That Profile Мартина Пурье (также выставленным в Центре Гетти) музеи заказывают произведения искусства для улучшения и включения окружающей среды. Профиль , расположенный на площади у подножия лестницы, ведущей в музей, имитирует сетку самого здания Центра Гетти. При весе 7500 фунтов That Profile огромен. Однако изящные и изогнутые линии работы имеют «легкое и воздушное» качество, которое выгодно подчеркивает окружающие горы и виды на океан, видимые с площади Гетти.

Вопросы типа «Что такое искусство?» и «Какова функция искусства?» являются относительно новыми. Создание искусства, которое бросает вызов зрительским ожиданиям и художественным условностям, — это отчетливо современная концепция. Однако художники всех эпох являются продуктами своих родственных культур и периодов времени. Современные художники имеют возможность выражать себя и реагировать на социальные проблемы так, как не могли художники прошлого. Знакомясь с современным искусством в Центре Гетти, зрители используют другие критерии для оценки произведений искусства, чем те, которые использовались в прошлом. Вместо того, чтобы спрашивать: «Мне нравится, как это выглядит?» зрители могут спросить: «Нравится ли мне идея, представленная этим художником?» Непредвзятость имеет большое значение для понимания и даже оценки искусства нашей эпохи.

Что такое современное искусство? Полный путеводитель по современному движению

Яёи Кусама, «Желтая тыква», 1994 г. (фото от Адама Рифи/Shutterstock)

Для многих людей определение современного искусства может оказаться непростой задачей. Хотя его название упрощенно и прямолинейно, его современный смысл не так ясен. К счастью, понять, что представляет собой «современность», вполне возможно, если проследить историю концепции и исследовать лежащие в ее основе темы.

Что такое современное искусство?

Сад Чихули и стекло в центре Сиэтла (Фото: стоковые фотографии с сайта ApinBen4289/Shutterstock)

В самом общем смысле термин современное искусство относится к искусству, а именно к живописи, скульптуре, фотографии, инсталляции, перформансу и видеоарту, которые производятся сегодня. Несмотря на кажущуюся простоту, детали, связанные с этим определением, часто немного размыты, поскольку толкование «сегодня» у разных людей может сильно различаться. Поэтому точная отправная точка жанра все еще обсуждается; однако многие искусствоведы считают конец 19 века60-е или начало 1970-х (конец современного искусства или модернизма) — адекватная оценка.

 

История: основные направления современного искусства и художники

Учитывая его определение «искусство сегодняшнего дня», вы можете быть удивлены, узнав, что современное искусство на самом деле имеет относительно долгую историю. Чтобы проследить его эволюцию, давайте взглянем на основные движения и важных художников, которые составляют его историю.

 

Поп-арт

Энди Уорхол, «Цветы» (Фото: Stock Photos from Radu Bercan/Shutterstock)

Задуманное как реакция на предшествующие движения в современном искусстве, считается, что современное искусство началось вслед за Поп-арт . В послевоенной Великобритании и Америке поп-арт был основан такими художниками, как Энди Уорхол и Рой Лихтенштейн . Он определяется интересом к изображению массовой культуры и переосмыслению коммерческих продуктов как доступного искусства. Хотя это движение существовало примерно с 1950-х до начала 1970-х годов, оно возродилось как нео-поп-арт в XIX веке.80-х благодаря таким артистам, как Джефф Кунс .

 

Фотореализм

Портрет Чака Клоуза (Фото: Stock Photos from Rushay/Shutterstock)

Подобно тому, как художники, работающие в стиле поп-арт , стремились художественно воспроизвести объекты, те, кто участвовал в фотореализме  – параллельном движении, стремились создавать гиперреалистичные рисунки и картины. Фотореалисты часто работали с фотографиями, что позволяло им точно воспроизводить портреты, пейзажи и другую иконографию. Чак Клоуз и Герхард Рихтер часто работали в этом стиле.

 

Концептуализм

Ай Вэй Вэй, «Круг животных/Зодиакальные головы», 2010 г. (Фото: стоковые фотографии Alisa_Ch/Shutterstock)

В свою очередь, поп-арт также способствовал формированию концептуализма , отвергавшего идею искусства как товара. В концептуальном искусстве преобладает идея , стоящая за произведением искусства. Основные художники-концептуалисты включают Дэмиена Херста 9.0084 , Ай Вэй Вэй и Дженни Хольцер . Хотя это экспериментальное движение уходит корнями в искусство начала 21 века, оно возникло как официальное движение в 1960-х годах и до сих пор остается основным движением в современном искусстве.

 

Минимализм

Дональд Джадд, «Без названия», 1973 г. (Фото: стоковые фотографии Todamo/Shutterstock)

Подобно концептуализму, Минимализм материализовался в 1960-х годах и до сих пор преобладает. Согласно Тейт, оба движения «бросили вызов существующим структурам создания, распространения и просмотра произведений искусства». Однако минимализм отличается тем, что его простая абстрактная эстетика предлагает зрителям реагировать на то, что они видят, а не на то, что, по их мнению, представляет данное произведение искусства. Дональд Джадд , Сол Левитт и Дэн Флавин — некоторые ключевые художники-минималисты.

 

Перформанс

Фото: общественное достояние на Wikimedia Commons

Еще одно направление с концептуалистскими корнями — Performance Art . Перформанс, зародившийся в 1960-х годах и сохранивший свою популярность сегодня, представляет собой вдохновленный драмой подход к искусству. Хотя эта форма искусства исполняется художниками (как следует из названия), она предназначена не только для развлечения. Вместо этого его цель — передать сообщение или идею. В число ведущих артистов перформанса входят Марина Абрамович , Йоко Оно и Йозеф Бойс .

 

Искусство установки

Яёи Кусама, «Сверкающие огни душ», 2008 г. (Фото: стоковые фотографии с сайта ephst/Shutterstock)

Как и перформансы, инсталляция представляет собой иммерсивное искусство. Инсталляции — это трехмерные конструкции, которые трансформируют свое окружение и меняют восприятие пространства зрителями. Часто они масштабны и ориентированы на конкретный сайт, что позволяет художникам превращать любое пространство в настраиваемую интерактивную среду. Известные художники-инсталляторы включают Яёи Кусама , Дейл Чихули и Брюс Манро.

 

Искусство Земли

Роберт Смитсон, «Спиральная пристань» (Фото: общественное достояние через Wikimedia Commons)

Уникальный взгляд на искусство инсталляции, Earth Art  (или Land Art) – это направление, в рамках которого художники превращают природные ландшафты в произведения искусства, характерные для конкретных мест. Роберт Смитсон , Христо и Жанна-Клод и Энди Голдсуорти прославились своими авангардными земляными работами.

 

Стрит-арт

Кит Харинг, «Роспись Пизы, 1989 год».

Как одно из самых последних направлений современного искусства, стрит-арт  — это жанр, получивший известность с появлением граффити в 1980-х годах. Уличное искусство, часто уходящее корнями в социальную активность, включает в себя фрески, инсталляции, трафаретные изображения и наклейки, установленные в общественных местах. К ключевым уличным художникам относятся фигуры 19 века.80-х, например Жан-Мишель Баския и Кит Харинг , а также практикующие художники, такие как Бэнкси и Шепард Фейри .

 

Современное искусство и цифровая эпоха

Фото: стоковые фотографии с mundissima/Shutterstock

Современное искусство постоянно развивается, и все больше художников используют преимущества новых технологий для развития своего творчества. Это включает в себя сгенерированное кодом искусство , которое может создавать все, от абстрактных произведений до футуристических векторных портретов. По мере развития искусственного интеллекта некоторые художники используют эту технологию для создания гиперреалистичных портретов, которые проверяют границу между реальностью и воображением.

Крипто-арт , , использующий преимущества технологии блокчейн, набирает обороты с 2020 года. Благодаря тому, что цифровой художник Beeple совершил знаменательную продажу на Christie’s за 69 миллионов долларов со своим коллажем NFT, все больше художников и учреждений изобразительного искусства видят возможности этого вида искусства. Крипто-арт позволяет цифровым художникам монетизировать работы, которые раньше было трудно продать. Бум в искусстве NFT позволяет художникам, создающим эфемерные произведения — будь то инсталляции, перформансы или фрески — получать компенсацию и собирать деньги таким образом, о котором раньше никто не слышал.

 

Что дальше для современного искусства?

стоковых фотографий с сайта mujiri/Shutterstock

В то время как некоторые из художников, которых мы рассмотрели, либо уже мертвы, либо не могут заниматься, многие из вышеупомянутых великих людей, включая, помимо прочего, Дэмиена Херста , Ай Вэй Вэй , Марина Абрамович , Яёй Кусама и Джефф Кунс продолжают создавать авангардные произведения живописи, скульптуры, инсталляции и перформанса.

Помимо этих известных деятелей, многие подающие надежды современные художники потрясают мир своим оригинальным подходом к искусству. Помимо внесения собственных изменений в традиционные формы, такие как живопись, скульптура и инсталляция, они также популяризировали неожиданные формы искусства, такие как вышивка, оригами и татуировки, доказывая безграничные возможности всеобъемлющего жанра.

 

Эта статья была отредактирована и обновлена.

Статьи по теме:

10 лучших музеев современного искусства для посещения по всему миру

12 современных художников рассказали нам, что нужно для создания великого произведения искусства

6 лучших музеев современного искусства в мире

The Eyes Have It in Power-Challenging Show Хью Локка

Мое знакомство с работами гайанского британского художника Хью Локка, чьи капризные, сверкающие золотом, поражающие воображение скульптуры в настоящее время встроены в фасад музея Метрополитен, появились в 2007 году на групповой выставке современного карибского искусства в Бруклинском музее. Вкладом Локка был портрет королевы Елизаветы II, самый, может быть, единственный интересный из тех, что я встречал.

Для этого он взял стандартное изображение суверена на почтовой марке длиной до бюста и перевел его в 10-футовый настенный рельеф, составленный из сотен, а возможно, и тысяч мелких, тщательно отобранных предметов дешевизны: пластиковых игрушечных пистолетов и мечей. , резиновые ящерицы и жуки, а также красные и желтые искусственные цветы.

Визуальный эффект был сенсационным: расплавленный и колючий, чудовищный и хрупкий. В контексте антиколониальной шумихи в сериале и собственной биографии Локка — родился в Шотландии в 19В возрасте 59 лет он вырос в новой независимой британской колонии — у Элизабет Локка явно были критические послания. Но их было трудно прочитать в его работах. Была ли ферзь атакована или подверглась нападению? Цветет или гниет? Единственным верным было то, что она поймала глаз и удержала его.

Image

«Эльдорадо» Хью Локка (2005), смешанный портрет королевы Елизаветы II, увиденный в Нью-Йорке в 2007 году, был «расплавленным и колючим, чудовищным и хрупким», — пишет наш критик, — «с критическими посланиями к доставить». Кредит … Хью Локк / Общество прав художников (ARS), Нью-Йорк / DACS, Лондон; через Hales Gallery, Лондон и P·P·O·W, Нью-Йорк; Фото FXP Photography

Двадцать пять лет спустя Локк снова в нью-йоркском музее, на этот раз соло и в центре сцены, как создатель впечатляющей группы скульптур, установленных в нишах экстерьера Метрополитена на Пятой авеню. Он третий художник, приглашенный для работы над фасадной комиссией музея, созданной в 2019 году (его предшествовали Вангечи Муту и ​​Кэрол Боув). до сих пор наиболее специфичный для Met.

Он состоит из четырех скульптур, отлитых из стекловолокна и окрашенных в золотой цвет, установленных по обе стороны парадной входной лестницы музея. Две большие части представляют собой монументальные урнообразные трофеи, установленные на орнаментальных основаниях и украшенные линейными узорами и рельефными фигурами. В двух небольших работах основания являются основным элементом, поддерживающим то, что выглядит как фрагменты разбитых трофеев.

Фасад Beaux-Arts 1902 года в Метрополитен-музее, рекламирующий имидж учреждения как возвышенного, представляет собой заряженную обстановку для определенного нового искусства. Высоко на крыльях музея стоят аллегорические статуи живописи, скульптуры, архитектуры и музыки, вырезанные в гладком неоклассическом стиле. В перемычках арок над главным входом спрятаны медальоны с портретами белых мужских божеств искусства — Микеланджело, Рембрандта, Веласкеса, Дюрера — в ансамбле, разработанном более века назад, чтобы приветствовать посетителей в удобно отредактированной версии того, что « искусство» и «энциклопедический».

Установка похожего на урну трофея Хью Локка на фасаде Метрополитена, вдохновленного восьмым веком до нашей эры. слоновая кость человека, ведущего антилопу, найденная в руинах Нимруда, древнего ассирийского города на территории современного Ирака. Фото… Общество прав художников (ARS), Нью-Йорк/DACS, Лондон; Анна-Мари Келлен/Метрополитен-музей

В отличие от этого, заказ Локка предлагает более широкое культурное введение в историю искусства, которая ждет внутри, и реалистичный взгляд на то, как искусство действует в мире. Как и в случае с портретом королевы, предметом этой новой работы является власть, выразительный метод — сдержанное изобилие; и торжество и упрек трудно различить.

Вероятно, первое, что нужно знать о проекте, задуманном в консультации с Шиной Вагстафф, бывшим заведующим отделом современного и современного искусства Музея Метрополитена, и Келли Баум, куратором отдела и исполняющим обязанности председателя, — это то, что многие из его изображений относятся к конкретным предметам в коллекции музея, которые художник просматривал в онлайн-каталоге музея во время блокировки Covid. Большинство предметов, которые он вытащил, являются старинными и попали в музей после того, как были «найдены» — если использовать термин, который может охватывать изрядное количество археологических краж — современными копателями, дилерами и институциональными скрягами. Достаточно сказать, что омофонический титул Локка «Позолота» намекает как на золотую краску, которой покрыты его скульптуры, так и на политически инструментальное использование и неправильное использование искусства на протяжении веков.

Несколько предметов, полностью или частично изображенных на трофеях Локка, когда-то были активными или пассивными игроками в силовых играх, в качестве дипломатических убеждений, идеологических силовиков или, в случае восьмого века до н.э. Ассирийская резьба по слоновой кости человека, ведущего за рога антилопу, как добычу для обогащения казны.

Одним из источников вдохновения для «Позолоты» Хью Локка стала эта гравюра восьмого века до нашей эры. Неоассирийская слоновая кость, найденная в Нимруде, древнем городе на территории современного Ирака. Кредит … Художественный музей Метрополитен, Нью-Йорк Деталь бронзовой статуэтки мальчика в восточном платье, греко-римское, I век до н.э. вдохновил Локка на изображение головы на одном из его больших «Трофеев». Кредит … Метрополитен-музей, Нью-Йорк. Ручка урны на фасадной комиссии Хью Локка «Позолота» основана на детали этого мушкетона с кремневым замком, 179 г.3-94.Credit… The Metropolitan Museum of Art, New York

По мере того, как меняется политика, меняется и понимание и оценка искусства. Навершия в виде головы тигра, украшающие рукоятки двух трофеев Локка, скопированы с ружья, когда-то принадлежавшего индийскому мусульманскому правителю 18-го века Типу Султану, известному в свое время как «Тигр Майсура». Из поколения в поколение его хвалили в книгах по истории как антиколониального борца за свободу. Однако в последнее время, в один из моментов правого национального толка, его ругают как антииндуиста и стирают из записей.

Сама идентичность может быть утеряна — и со временем заново изобретена — с искусством, соответствующим образом меняющим смысл и ценность, о чем свидетельствует изображение головы на втором «Позолоченном» трофее. Оригинал относится к полнометражной картине I века до н.э. бронзовая статуэтка пухлого пацана в узких штанах и остроконечной шляпе. Его одежда, кажется, привязывает его к чему-то на эллинистической окраине, хотя он был обнаружен в Египте, и его экзистенциальный статус поднимался и понижался учеными на протяжении многих лет, некоторые идентифицировали его как фригийского бога природы, другие как сын царевича. Марка Антония и Клеопатры и других в качестве декоративного приспособления для светильника.

Два из четырех трофеев в серии Локка представляют собой простые фрагменты, на каждом из которых изображена нижняя половина разбитого лица. По их видимым чертам — ртам и подбородкам — я предположил, что упомянутые работы Метрополитена: фигура власти Конго 19-го века из Центральной Африки в одном случае, голова египетской царицы 18-й династии, вырезанная из желтой яшмы, в другом?

«Позолота: Трофей 1» (2022 г.). Два из четырех трофеев в серии Локка представляют собой простые фрагменты, на каждом из которых изображена нижняя половина разбитого лица. Кредит… Общество прав художников (ARS), Нью-Йорк / DACS, Лондон; Лила Барт для The New York Times «Gilt: Trophy 4» (2022) — образ, придуманный художником. Кредит… Общество прав художников (ARS), Нью-Йорк/DACS, Лондон; Лила Барт для The New York Times

Но нет. Хотя Локк хорошо знаком с незападными экспозициями музея и принял доколумбовый мотив для этих полуликов, в сущности, он их выдумал. Оставив нас с чем? Образцы искусства в состоянии заторможенного формирования или окончательного распада? Как ему хорошо известно, оба описания до сих пор отражают точку зрения на незападное искусство, которой придерживаются многие западные музеи.

Что визуально объединяет «Gilt», так это два повторяющихся мотива. Одним из них является наличие одинаково спроектированных оснований, на которых покоятся четыре отдельных трофея. Адаптированные из скульптуры итальянского барокко, они имеют форму согнутой назад головы рептилии с открытым ртом, которая, кажется, проглатывает трофеи или извергает их. Напуганно-уродливый образ, он ощущается как большой палец в коллективном оке аллегорических фигур фасада и святых искусства.

Глаза явно важны для Локка как изображения и как инструменты власти. Большой. мультяшные, отлитые с низким рельефом, доминируют над двумя большими трофеями, глядя вдаль, заставляя их чувствовать себя разумными. И все в этой детализированной работе этого художника — от королевского портрета, сделанного из ружей и жуков, до золотых сосудов, до краев наполненных культурными данными, — привлекает внимание, а значит, и разум. Вы смотрите на искусство; искусство смотрит на вас; вы оба меняетесь. Так и должно быть.

«Позолота: трофеи 2 и 3» (2022 г.) Хью Локка на фасаде. Кредит … Общество прав художников (ARS), Нью-Йорк / DACS, Лондон; Лила Барт для The New York Times

Фасадная комиссия: Хью Локк, позолота

До 22 мая, Метрополитен-музей, 1000 Пятая авеню, Манхэттен, (212) 535-7710; www.metmuseum.org.

Berlin Art Week исследует идею ценности в условиях быстрой джентрификации

Арт-рынок

Кьяра Дзампетти Эгиди

15 сентября 2022 г. 16:34

Вид инсталляции «K60» в Wilhelm Hallen, 2022 г. Фото Джо Кларка. Предоставлено Халленом №3.

Неделя искусств в Берлине — самое важное событие в городе для современного искусства. В этом году (14–18 сентября) более 50 крупных игроков в мире искусства Берлина — художники, галереи, проектные пространства, ярмарки и музеи — сотрудничают в программе выставок, показов, перформансов, бесед и других мероприятий. Работы более 1000 начинающих и признанных художников представлены на площадках, разбросанных по всему городу. Зрители могут увидеть работы Рэйчел Россин, Лу Янг, Дженны Сутелы, Анны Удденберг, Симоны Форти и Лейлы Хекмат и многих других.

Учитывая растянувшийся характер недельных праздников — и самого Берлина — фестивальный центр в Уферхаллене становится центральным узлом. Uferhallen — это промышленная площадка площадью почти 200 000 квадратных футов, расположенная в Веддинге, мультикультурном районе в северо-западной части центрального берлинского района Митте. На сайте есть BAW Garten, место проведения семинаров и выступлений, а в BAW Open Studios проходят дискуссии и обмен мнениями.

Арам Бартолл, монтажный вид This Is Fine , 2022 г., в «На равных условиях» в Уферхаллене, 2022 г. Фото Марвина Систерманса. Предоставлено художником и Uferhallen.

Реклама

Гигантская инсталляция Арама Бартолла, на которой изображен массивный смайлик в виде пламени, приветствует посетителей перед входом в Уферхаллен. Художник из Берлина использует этот символ, чтобы обозначить этот район как горячую точку культурного обмена и производства произведений искусства, но также и опасную. В настоящее время 150 художников, в том числе Аста Гретинг, Джон Бок и Моника Бонвичини, живут и содержат свои студии в Уферхаллене, но они не знают, как долго они смогут оставаться.

В течение многих лет инвесторы в недвижимость планировали превратить историческое место в дорогие квартиры и офисы. Проект преобразит исторические малоэтажные кирпичные здания с добавлением многоэтажной башни, создав в геометрической прогрессии больше трафика и повысив цены на жилье до уровня, который заставит местных жителей покинуть этот район. Джентрификация — старая история, но ее влияние на Берлин особенно сложно для мира современного искусства. С 1990-х годов многие международные художники и галереи переехали в Берлин, чтобы найти просторные харизматичные пространства по доступным ценам.

FORT, инсталляция Little Darlings , 2017 г., в «На равных условиях» в Уферхаллене, 2022 г. Фото Кьяры Зампетти Эгиди. Предоставлено художником и Кьярой Дзампетти Эгиди.

Хотя рост цен на недвижимость и нехватка жилья наносят ущерб творческой среде в целом, они вдохновили на новые продуманные выставки в рамках Berlin Art Week. «На равных условиях», расположенный в главном здании Uferhallen, явно задает вопросы о джентрификации и ее последствиях. Текст на стене у входа спрашивает: «Подавляющее большинство берлинских художников пытаются сопротивляться экономическому перемещению пространств для художественных экспериментов… Какова цена участия в политической войне за пространство? Как соотносятся культурный и денежный капитал? Обе стороны разговора находятся в равных условиях?»

Групповая выставка включает 26 работ, отобранных кураторами Софией Грефе и Аркадием Кощеевым. Среди них Little Darlings , инсталляция с подборкой собачьих домиков немецкого дуэта художников FORT , и немецкой художницы Бьянки Кеннеди , мы все в этом вместе , трехканальная видеоинсталляция с монтажом исторических сцен из фильмов. людей в ваннах. В целом эти работы рассматривают коммодификацию культурных и художественных ценностей.

Бьянка Кеннеди, вид инсталляции Мы все вместе в «Учимся купаться» в Куртеатре Бадена, 2021. © Бьянка Кеннеди. Предоставлено художником и Uferhallen.

Такие соображения становятся все более опасными с началом пандемии: ряд берлинских художников переехали из города, чтобы получить доступ к более зеленым пейзажам и воспользоваться возможностями удаленной работы в близлежащих городах и деревнях. Художник Иса Мельшаймер находится в процессе такого переезда. Она отметила, насколько сложно определить город: «Я не могу сказать, где находится центр Берлина, если он вообще есть», — сказала она.

Во время Недели искусств в Берлине Мельсхаймер представляет масштабные керамические и другие работы на бумаге в рамках большой групповой выставки «K60». Выставка является результатом сотрудничества 15 берлинских галерей: Александр Леви, Карлье | gebauer, ChertLüdde, Efremidis, Esther Schipper, Klosterfelde Edition, HUA International, Klemm’s, Mehdi Chouakri, neugerriemschneider, Nome, PSM, Soy Capitán, Sprüth Magers и Sweetwater.

Вид установки «К60» в Вильгельм Халлен, 2022 г. Фото Джо Кларка. Предоставлено Халленом №3.

«K60» находится в Wilhelm Hallen, бывшем чугунолитейном заводе в Райникендорфе, районе на северо-западе Берлина. На сайте есть ансамбль охраняемых исторических залов, лофтов и офисов. Архитектура из красного кирпича разграничивает более 200 000 квадратных футов полезной площади, большая часть которой посвящена творческой работе и производству.

Галерист Мехди Шуакри открыл здесь второе пространство, которое, по его мнению, является дополнением к его галерее в Шарлоттенбурге. «Одно — классическое пространство с витриной; другой — историческое промышленное пространство, позволяющее осуществлять крупномасштабные проекты, а также производство и хранение», — сказал он. Он отметил, что в Райникендорфе живут и работают многие художники, такие как Анджела Буллох, Берта Фишер и Томас Шейбиц. По его словам, в Берлине происходит то же, что и в других европейских столицах, таких как Париж: художники и галереи ищут интересные промышленные пространства для показа и производства крупномасштабных работ, а такие места можно найти только в восточной и северной частях Берлина.

Роза Барба, вид инсталляции «Radiant Exposures» в Esther Schipper, Берлин, 2022 г. Фото Андреа Россетти. Предоставлено Эстер Шиппер.

Хотя это может означать, что художники действительно перемещаются на периферию Берлина, галерист Эстер Шиппер отвергает идею о существовании такой периферии. Будучи крупнейшим городом Германии, Берлин простирается на 23 мили с севера на юг и на 28 миль с востока на запад. Чтобы добраться куда угодно, требуется время, а Райникендорф так же удобен для Митте, как и собственная галерея Шиппера, которая находится в другой части центра города. Во время Берлинской недели искусств Шиппер выставляет работы Розы Барба в своей галерее на Потсдамской улице.

Помимо мероприятий в Uferhallen и Wilhelm Hallen, галереи и учреждения открыли выставки по всему городу с участием известных художников. Уроженка Бейрута и лондонская художница Мона Хатум организовала ретроспективу в Neuer Berliner Kunstverein (в сотрудничестве с Центром современного искусства Kindl и музеем Георга Кольбе). Американская художница из Берлина Лейла Хекмат превратила Haus am Waldsee в религиозный санаторий для женщин. В аэропорту Темпельхоф, бывшем аэропорту на юге Берлина, на ярмарке Positions Art Fair продается современное искусство.

Вид инсталляции на выставке Positions Art Fair, 2021. Фото Клары Венцель-Тайлер. Предоставлено Берлинской неделе искусств.

Неделя искусств в Берлине географически разбросана как по добровольным, так и по вынужденным причинам. Его разрастание позволяет посетителям открыть для себя различные центры городов и их местные сообщества, создавая живое чувство связи. Хотя художники, галеристы и кураторы подвергают сомнению идею берлинской периферии, ясно, что город по-прежнему остается сильной столицей искусства. Несмотря на рынок недвижимости и другие сложные экономические факторы, Берлин быстро адаптируется к изменениям. Сам город остается важным центром искусства и арт-рынка в Европе.

Кьяра Дзампетти Эгиди

Произведения искусства стоимостью 70 миллионов долларов, выставленные в MoMA, выставлены на аукцион

Находка модернистских шедевров из коллекции произведений искусства основателя CBS Уильяма С. Пейли, в том числе работы Пикассо и Бэкона, которые уже давно Срочная ссуда Музею современного искусства (MoMA) в Нью-Йорке будет продана через Sotheby’s этой осенью. Доходы от продаж, о которых впервые сообщалось в Wall Street Journal во вторник вечером, помогут музею собрать около 70 миллионов долларов в фонд для расширения своих цифровых предложений.

На аукционах современного и современного искусства Sotheby’s в Лондоне и Нью-Йорке будут представлены 29 из 81 произведения, которые фонд семьи Пейли завещал Музею современного искусства после его смерти в 1990 году. , Три этюда для портрета Генриетты Мораес (1963), который, по оценкам Sotheby’s, принесет не менее 30 миллионов фунтов стерлингов (34,7 миллиона долларов) на аукционе 14 октября в Лондоне. И гитара Пикассо на столе (1919), который когда-то висел в спальне руководителя телевидения на Манхэттене, как ожидается, будет продан за $20-30 млн, когда он появится на аукционе в Нью-Йорке 14 ноября. , оценивается в 20–30 миллионов долларов.

Гленн Лоури, директор MoMA, сообщил Wall Street Journal , что из-за падения показателей посещаемости музея, которые еще не полностью восстановились до своих показателей до пандемии, музей стремится наращивать трафик в Интернете. . «Мы расширяем нашу цифровую аудиторию, не теряя ее, — сказал Лоури газете, — поэтому мы понимаем, что нам нужно увеличить наши возможности за пределами площадки и в Интернете».

Часть планов MoMA включает в себя создание большего количества виртуальных обходов своих выставок, которые уже доказали свою популярность в Интернете, и производство большего количества контента с кураторами. Он также может сотрудничать с университетом, чтобы предлагать курсы искусства, опираясь на сотрудничество с онлайн-платформой Coursera с 2012 года. По данным музея, на сегодняшний день около 1,6 миллиона студентов из 250 стран посещают уроки искусства MoMA.

А поскольку произведения искусства были предоставлены Музею современного искусства в долгосрочную аренду от Фонда Уильяма С. Пейли, МоМА обходит щекотливую проблему отказа от участия, чтобы собрать средства для своих онлайн-проектов. В музее также говорят, что ключевые работы из коллекции Палей, такие как 9 картин Пикассо,0094 «Мальчик, ведущий лошадь» (1905–06) и «Эстак » Сезанна (1882–1883) останутся в Музее современного искусства.

По данным Sotheby’s, Палей начал собирать свою коллекцию в 1930-х годах, когда современное искусство все еще было смелым направлением для богатых коллекционеров. Он присоединился к совету MoMA в его зачаточном состоянии, всего через восемь лет после его основания, и будет выполнять функции председателя и президента музея в течение 50 лет своего покровительства.

Пьер-Огюст Ренуар Les Fraises (около 1905 г.) оценивается в 3–4 миллиона долларов.

Помимо помощи Музею современного искусства в приобретении шедевров для своей постоянной коллекции в течение этого времени, в том числе Авиньонских девиц Пикассо, Палей оставил коллекцию из 81 работы музею в качестве завещания, а МоМА выступал в качестве распорядителя, в то время как его фонд сохранил Собственность, по данным музея. Через два года после его смерти музей выставил всю коллекцию на обозрение и отправил выставку в турне по США.0004

Теперь многие из этих работ могут вернуться в частные руки. Уильям С. Пейли, сын коллекционера и вице-президент его фонда, рассказал Wall Street Journal , что фонд работал с кураторами MoMA, чтобы выбрать предметы, которые будут проданы.

Картина Жоана Миро Peinture (1949) оценивается в 700 000–1 миллион долларов.

Наряду с работами Бэкона и Пикассо на аукционе Sotheby’s будет представлена ​​роскошная картина Пьера-Огюста Ренуара с изображением груды клубники на столе, Les Fraises (около 1905 г. ), оцениваемая в 3–4 миллиона долларов; натюрморт Пьера Боннара с вазой с фруктами 1939 года, эстимейт от 2,5 до 3,5 миллионов долларов; картина Жоана Миро 1949 года с изображением двух причудливых фигур, эстимейт от 700 000 до 1 миллиона долларов; и бронзовый этюд фигуры из монументальной скульптурной картины Огюста Родена «Граждане Кале» ( задуман между 1887 и 1895 годами), которая не имеет оценки. Все эти работы будут выставлены на аукцион современного искусства Sotheby’s в Нью-Йорке 14 ноября.0004

«Я помню, как мой отец любил великие произведения искусства, которые он собирал, и которые были важной частью моего личного опыта взросления», — сказал сын Пейли, Уильям К. Пейли, вице-президент фонда. «Очень приятно, что фонд может использовать эту группу работ из его коллекции для дальнейшей поддержки MoMA, которой он был так предан».

Следите за новостями Artnet на Facebook:

Хотите быть впереди мира искусства? Подпишитесь на нашу рассылку, чтобы получать последние новости, поучительные интервью и острые критические выводы, которые способствуют развитию беседы.

Сюрреалистическое искусство сейчас повсюду. Цены довольно сюрреалистичны, даже слишком

Арт-рынок имеет сильную атмосферу сюрреализма в начале осеннего сезона.

Это поразило меня, когда я метался по Нью-Йорку на прошлой неделе, от Армори Шоу до сопутствующих мероприятий и выставок в галерее. Эстетика была горячей, как никогда раньше, и охватила сегменты рынка, начиная от ультрасовременного и заканчивая историческим. И когда дело дошло до цен, они тоже казались довольно сюрреалистичными.

Возьмем 37-летнюю Кристину Куорлз, чьи новые картины в Hauser & Wirth оценены в 1,2 миллиона долларов. Большинство из них были созданы этим летом во время ее пребывания в Сомерсете, Англия, где мегагалерея управляет бутик-отелем, рестораном и фермой.

Другие новые работы художницы представлены на Венецианской биеннале, где главная выставка «Молоко грез» исследует наследие сюрреализма через призму феминизма. Вся эта энергия помогла артисту продвинуться в 2019 году. картина «Ночь обрушилась на нас, вверх на нас » за рекордные 4,5 миллиона долларов на аукционе Sotheby’s в мае.

Кристина Куорлз, Ночь, которая обрушилась на нас, на нас (2019). Предоставлено Сотбис.

Если это кажется большим числом (а так оно и есть — предыдущий максимум Куорлза в 685 500 долларов был установлен всего шестью месяцами ранее), учтите, что самым дорогим произведением искусства импрессионистов и модернистов, проданным на аукционе в этом году, является картина Рене Магритта «Империя». des lumières (1961) за 79 долларов.0,4 миллиона на аукционе Sotheby’s в Лондоне в марте. Когда в последний раз художник-сюрреалист побеждал Моне и Пикассо?

«Возобновился интерес к сюрреалистическому языку, подходу к фигурации, ощущению сверхъестественного, похожести на сон», — сказал Джон Корбетт, совладелец чикагской галереи Corbett vs. Dempsey, чей стенд в Независимая ярмарка 20th Century, посвященная сюрреалистическим работам. «Я читаю много художественной литературы молодых писателей, и там тоже много этого. Вы видите это в фильмах. Магический реализм возрождается. В этом материале есть что-то, что кажется актуальным прямо сейчас».

Независимые экспоненты опирались на исторический сюрреалистический материал. Я уже писал об открытии Станислао Лепри, итальянского художника и любовника коллеги-сюрреалиста Леонор Фини, который стал предметом персональной презентации в галерее Томмазо Калабро в Милане. К моменту окончания выставки галерея сообщила о 10 продажах по цене от 40 000 до 70 000 долларов. (Все сообщаемые цены являются запрашиваемыми ценами; при продаже часто предоставляются конфиденциальные скидки, предлагаемые покупателям.)

Stanislao Lepri, Le Créateur des anges (1969), представленный миланской галереей Томмазо Калабро на художественной ярмарке Independent 20th Century в Нью-Йорке.

И это еще не все! Корбетт против Демпси продал диптих Гертруды Аберкромби (1909–1977), сюрреалистки со Среднего Запада, за 300 000 долларов. (Двенадцать из 20 лучших аукционных цен Аберкромби также были установлены в этом году. ) Между тем парижская Galerie 1900-2000, специализирующаяся на сюрреализме и дадаизме, нашла покупателей на произведения Франсиса Пикабиа и Андре Бретона, соучредителей движения. после Первой мировой войны.  

Но сюрреализм вышел за рамки 20-го века. Его сказочная эстетика и приверженность сверхъестественному и автоматизму стали представлять собой большой зонтик для большого количества современного искусства, создаваемого сегодня.

«Это циклический вкус, который происходит в данный момент», — сказал советник Тодд Левин, который на протяжении многих лет размещал множество сюрреалистических работ, как исторических, так и современных. «Это означает много разных вещей для многих разных людей».

В наши дни это универсальная форма для определенного стиля репрезентативной живописи — очень часто это фигурация с изюминкой.

Гертруда Аберкромби, Деревья жизни: части 1 и 2 (1949–50). Предоставлено Корбеттом против Демпси.

«В наши дни этим словом можно так злоупотреблять», — сказал Билл Пауэрс, чья Half Gallery показала миниатюрные картины гонконгского художника Чанг Я Чин на Armory Show, которые, как можно увидеть, исходят из этой традиции. Три выставленные работы были проданы по цене от 7000 до 10 000 долларов.

Галерея Джессики Сильверман из Сан-Франциско быстро нанесла мягкую пастель на бумагу, Полностью расширенный от Лои Холлоуэлл за 60 000 долларов. Ранние работы звездного художника были вдохновлены сюрреализмом, и он снова возвращается в этом направлении.

Лои Холлоуэлл, , полное расширение, 9 июля 2022 г. (2022 г.). Предоставлено художником; Галерея Пейс; и Джессика
Сильверман, Сан-Франциско.

Бельгийская галерея Родольфа Янссена провела персональную презентацию своего соотечественника Томаса Леруа, чьи сюрреалистические картины интимного масштаба играют с двойственностью, одновременно смешной и серьезной, привлекательной и гротескной. Галерея заявила, что продала семь из 10 картин по цене 28 000 и 34 000 евро. Один отправился в Азию, а остальные — к американским коллекционерам.

Большим успехом арт-ярмарки Spring/Break стала галерея и библиотека Вермонта Kishka Gallery & Library, которая заполнила свой стенд 100 игривыми и красочными фарфоровыми существами от Меган Богонович. Напоминая о человеческих, цветочных и инопланетных формах (моя коллега Сара Касконе назвала его «сьюссовским»), эти маленькие сгруппированные существа стоили от 700 до 1200 долларов за штуку и продавались как горячие пирожки в день открытия.

Выставки в галерее тоже захватили настроение. Luxembourg & Co, новая галерея опытного дилера Даниэллы Люксембург и ее дочери Альмы Люксембург, открылась в здании Фуллера выставкой Жоана Миро. Стоимость работ варьируется от 3 до 9 миллионов долларов.миллионов, а два из них застрахованы на сумму более 20 миллионов долларов, сообщили в галерее.

Вид инсталляции «Хоан Миро: ноги на земле, глаза на звездах» в Люксембург + Ко, Нью-Йорк. Фото: Энди Ромер.

В паре кварталов к югу толпы поклонников хлынули в галерею Антона Керна, чтобы увидеть новые картины, работы на бумаге и скульптуры помешанной на волосах художницы-миллениала Джули Кертис. На гуаши под названием Pinch изображена цапля, схватившая женский сосок своим длинным розовым клювом. Картина под названием Балкон ловко передал пейсы, меховую шапку и прическу безликой хасидской семьи.

Спектакль «Сомнамбулы» был распродан к вечеру открытия по цене от 22 000 до 250 000 долларов. Коллекционер Кэрол Сервер взволнованно рассказала мне, что купила одну из картин, , Зал ожидания (позже я узнал, что запрашиваемая цена составляла 120 000 долларов, что все еще намного ниже аукционного рекорда художника в 466 200 долларов). Помните, всего пять лет назад картины Кёртисса, тогда еще начинающего художника, стоили от 3000 до 6000 долларов в галерее 106 Green.

«Это довольно хороший показатель интереса к ее работе и перегретого рынка, на котором мы сейчас находимся», — сказал Корбетт в ответ на разницу в цене. «На первичном рынке трудно поддерживать непропорционально более низкие цены на вторичном рынке, не превращая его в рай для плавников».

Следите за новостями Artnet на Facebook:

Хотите быть впереди мира искусства? Подпишитесь на нашу рассылку, чтобы получать последние новости, поучительные интервью и острые критические выводы, которые способствуют развитию беседы.