11 самых известных женщин-художниц – ARTandYou.ru
Невооруженным глазом ясно, что женщин художников в истории искусства значительно меньше, чем художников мужчин. Занятный парадокс, ведь современному человеку увлечение рисованием может показаться занятием исключительно женским. Однако, в этом же представлении и кроется ответ – в мировой истории культуры оставили след лишь те женщины, для которых искусство становилось профессией, перечеркивавшей все остальные формы их социальной активности. Действительно, искусство, в еще большей степени, чем любая другая профессия, требует полнейшей отдачи. Женщине, которая лишь недавно добилась эмансипации традиционно отводились другие социальные роли. Заниматься карьерой, работать вообще, женщинам не особенно полагалось. Так и с точки зрения психологии и природы, в определенный момент самым важным делом женщины становится семья и дети. Таким образом, большинство женщин-художников сознательно делали свой выбор не в пользу искусства. Стоит также сказать о том, что карьера многих известных художников была сформирована именно женщинами, находившимися рядом – Гойа и Герцогиня Альба, Дали и Гала (которая также обучалась рисованию будучи в России).
Существует также масса примеров, когда женщина-художник перенимала на себя функции менеджера занимаясь продвижением карьеры своего мужа-художника или сына-художника.
В целом считается, что женщина порой просто не может писать так, как мужчина. Например, когда мы смотрим на полотна Ван Гога, Гогена, Сикейроса сразу же чувствуется их исключительно мужская «сильная» линяя и рисунок. Однако из всех правил всегда есть исключения. Ярчайшие примеры женщин-художниц доказывают то, что в живописи они могут быть ничуть не хуже мужчин. В каком-то смысле их по праву можно называть феминистками от живописи. Даже в те времена, когда этого термина еще не существовало, они добивались успеха, несмотря на массу противоречащих этому факторов.
Софонисба Ангиссола – (ок. 1533 – 1625)Итальянская художница. Ее жизнь и творчество приходятся на самый значительный период Итальянского Ренессанса, именуемый искусствоведами высоким Возрождением. Таким образом, Ангиссола, пожалуй, наиболее известная художница Итальянского Возрождения.
С 1559 года она становится придворной художницей испанского короля Филиппа II. Известна Ангиссола в основном придворными портретами членов королевской семьи. Ее работы находятся в ведущих музеях мира, таких как Прадо в Мадриде и музей Флоренции.
Французская художница. Была придворной художницей королевы Франции Марии Антуанетты, по протекции которой была избрана в члены Королевcкой академии живописи и скульптуры. Впоследствии Лиже-Лебрен писала портреты многочисленных знатных особ таких, как Виллем I – король Голландии, Станислав Понятовский – король Польши, леди Гамильтон – любовницу адмирала Нельсона, княгиню Анну Федоровну – жену князя Константина Павловича второго сына Павла I и других членов российской императорской семьи. Большую известность также имеют ее мемуары, часть которых посвящена воспоминаниям о России, в которой художница провела 6 лет. Писала в основном портреты в жанре рококо и классицизма.
Американская художница, имя которой по праву стоит в одном ряду с величайшими импрессионистами. Во-первых, будучи дружна с многими из них, она много сделала для их популяризации в Америке. Во-вторых, сама писала в жанре импрессионизма и снискала достаточно большую славу и признание как художник. Лейтмотивом ее творчества был психологический мир женщин, в особенности отношения матери и ребенка.
Сюзанна Валадон – (1865 – 1938)Французская художница. В детстве работала в цирке акробаткой, но в возрасте 15 лет упала с трапеции и была вынуждена завершить цирковую карьеру. В цирке познакомилась и в дальнейшем выступала натурщицей для Ренуара, Дега, Лотрека и других. Ее портреты встречаются в известных работах данных художников, так что ее внешний вид может оказаться знаком многим. В частности, она изображена на картине Ренуара «Зонтики» в левой части холста, есть и ее персональные портреты, например, «Девушка, плетущая волосы» Ренуара или «Прачка» Лотрека.
Воодушевленная Эдгаром Дега Сюзанна сама стала художницей. В 1894 году она стала первой женщиной принятой в Societe National des Beaux-Arts в Париже. Когда она умерла на ее похороны пришли Пабло Пикассо и Жорж Брак. Ее сын Морис Утрилло также снискал большую славу как художник. Писала Валадон, в основном, портреты и пейзажи. Ее работы находятся в собрании центра Жоржа Помпиду в Париже и музее Метрополитен в Нью-Йорке.
Русско-немецкая художница. Ученица Репина. Первоначально работала в стиле реализма, достигнув такого мастерства, что была названа «Русским Рембрандтом». В 1888 году на охоте на всю жизнь повредила кисть правой руки, но с годами смогла работать ей как ранее. В 1895 с А.Г. Явленским переехала в Мюнхен, где познакомилась с Штуком, Кандинским, Ленбахом. Под влиянием которых начала работать в стиле экспрессионизма. Выставлялась вместе с группой «Синий Всадник»(1912), вставила свои работы на первом немецком осеннем салоне (1913).
происходила из известного рода представителей разнообразных творческих профессий — Бенуа-Лансере, сама была замужем и имела детей, при этом сумела оставить не малый след в живописи. Безусловно, здесь немаловажным аспектом является то, что в дворянских семьях того времени навыкам рисовать, музицировать, писать и декламировать стихи обучали с раннего детства и практически все образованные дамы того времени в-принципе неплохо рисовали. Зинайда Серебрякова, очевидно, также имела определенную протекцию благодаря связям своих родственников. Тем не менее, Серебрякова является одной из самых талантливых и известных российских художниц. Она одинаково сильно воплощает в себе оба начала: тонкую чувственную женскую натуру и художника, четко знающего, что он делает и почему.
Наталья Гончарова (1981 – 1962)Как и Зинаида Серебрякова принадлежала к знатному дворянскому роду. Она была правнучатой племянницей А.
С. Пушкина по линии жены поэта Натальи Гончаровой. В отличие от Серебряковой, Гончарова не была замечена в особой склонности к рисованию. Тем не менее, с детства увлекалась созданием чего-нибудь своими руками. Возможно, поэтому ее творческий путь развивался в стиле модерн, ее тяга к декоратизму, примитивизму четко видна в ее работах. Кстати, она была одной из первых среди европейских художников обратившей внимание на технику коллажа. Художницей Гончарову вдохновил стать будущий муж М.Ф. Ларионов, с которым они познакомились во время учебы в училище. Он вдохновлял ее на многочисленные творческие поиски, какое-то время она работала в разработанном им же стиле лучизме. Тем не менее, будучи замужем за Ларионовым, Гончарова вряд ли уступала ему в мастерстве живописи, заняв свое особое место в истории искусства.
Одна из самых известных женщин-художниц. В данном случае, как и с Гончаровой, первоначально ее талант помог раскрыть, к тому времени уже известный и состоявшийся художник Диего Ривера, в последствие ставший ее мужем.
Однако в известности Кало во многом превзошла своего учителя и мужа. Ривера признавался впоследствии, что несмотря ни на что, творчество Фриды сразило его с первого раза и на всю жизнь. Как известно Фрида Кало не могла иметь детей после катастрофы, в которую попала в юности. Эта же катастрофа, приковавшая ее на многие месяцы к кровати, способствовала ее все большему увлечению живописью и выработала ее особую, ни с чем несравнимую трагически-тяжелую манеру живописи. Душевная трагедия Фриды, как женщины, которой, несмотря на большое уважение, всю жизнь приносил страдания и сам Диего Ривера, известный ловелас, определила ее триумф как художницы. Сложно представить, каким было бы творчество Фриды и принесло бы оно ей такой же успех, если бы не ее тяжелая женская доля.
Величайший скульптор ХХ столетия. Одно из ее главных произведений скульптура «рабочий и колхозница» созданное для всемирной выставки в Париже 1937, навсегда останется одним из визуальных образов советского союза.
С 1947 года скульптура является эмблемой киностудии «Мосфильм». Вера Мухина стала лауреатом пяти Сталинских премий. И все же на самом деле ее творчество гораздо более относится к искусству и наследию модерна, нежели социалистического реализма. Кстати, именно дизайну Веры Мухиной относят знаменитый граненый стакан.
За свою долгую жизнь прошла огромный творческий путь, охватывающий разные стили, направления и техники. Ее в равной степени можно назвать и живописцем и скульптором. Она работала и в фигуративной технике и в технике абстрактной. Однако все ее произведения одинаково пропитаны женскими переживаниями и страхами, от которых она пыталась избавиться своим творчеством. Наиболее всего она, наверное, запомнится многочисленными скульптурами пауков, которых боялась с детства. А также своими художественными концепциями, отражающими во многом женские проблемы – сексуальное насилие, жестокость и непонимание. Вот уж кого больше всего можно назвать феминисткой в живописи так это Луиз Буржуа — один из символов женского начала в традиционно мужском художественном сообществе первой половины ХХ века.
представительница течения Молодых Британских Художников, обладательница премии Тернера (1999), в своем творчестве также как и Луиз Буржуа открыто выражает сексуальный контекст и феминистские настроения. Славу ей принесла телепрограмма, посвященная премии Тернера, на которую Трэйси завалилась в усмерть пьяная. Эпатаж, должно быть, занимает важное место в ее творчестве – секс и мастурбация в рисунках, использованные презервативы и женские тампоны в инсталляциях . Все это вызывало шквал негодования в Британии и во всем мире, однако судя по всему для художницы это всего лишь способ обратить внимание на несправедливую со стороны природы и мужчин женскую долю.
Безусловно, лишь этими именами список выдающихся женщин-художниц не ограничивается. Тем не менее, можно наглядно проследить. чем ближе к сегодняшему дню, тем свободнее женщины-художники выражают свои исключительно женские настроения и переживания. В тоже время сегодня их количество становится все больше.
Без стеснения женщины начинают выражать свои чувства и протесты, в том числе через искусство.
Узнавайте новости мира искусства быстрее в нашем телеграм-канале https://t.me/artandyouru
Женщины-классики: 17 художниц, которых вы не знали
Крупным планом
В Международный женский день The Art Newspaper Russia вспоминает художниц разных эпох, остававшихся в тени более успешных коллег-мужчин
Дарья Палаткина
07.03.2017
Вопрос, почему в истории искусств не было великих художниц, до сих пор не теряет актуальности, хотя арт-критик Линда Нохлин ответила на него еще в 1971 году в одноименном эссе. Наша редакция, со своей стороны, решила вспомнить художниц прошлого, которые занимались живописью, скульптурой, работой по ткани — словом, искусством, несмотря на недоступность образования, отсутствие прав и пренебрежение современников.
Плаутилла Нелли (1524–1588)
Италия
Плаутилла Нелли. «Святая Екатерина с цветком». Courtesy of The Uffizi Gallery
Первая известная флорентийская художница эпохи Возрождения была монахиней флорентийского монастыря Святой Екатерины Сиенской, а впоследствии стала его настоятельницей.
В отличие от большинства монастырских художниц, ее творчество не ограничивалось иллюстрацией манускриптов — она писала многофигурные полотна большого формата на религиозные сюжеты, причем живописи она училась самостоятельно, копируя работы других мастеров. Художница, надолго забытая историей искусств во многом из-за небольшого количества сохранившихся произведений, была тем не менее довольно популярна в свое время. Например, Джорджо Вазари отмечал ее работы в «Жизнеописаниях наиболее знаменитых живописцев, ваятелей и зодчих». Причем он, вполне в духе феминистской критики искусства, писал, что Плаутилла Нелли «могла бы создать чудесные вещи, если бы она, подобно мужчинам, имела возможность учиться и заниматься рисунком и воспроизводить живую натуру». Работы художницы можно увидеть в Галерее Уффици, где в рамках долгосрочной выставочной программы по исправлению исторической несправедливости к женщинам открылась выставка «Плаутилла Нелли. Монастырское искусство и благочестие по следам Савонаролы» (до 4 июня).
Катерина ван Хемессен (1528 — после 1587)
Нидерланды
Катерина ван Хемессен. «Портрет женщины». Courtesy of Rijksmuseum, Amsterdam
Фламандская художница была дочерью довольно известного мастера Яна ван Хемессена, который и обучил ее живописи. В основном писала портреты, но сохранились и ее картины на религиозные сюжеты (писать их было более престижно, чем жанровые вещи). Ей принадлежит один из самых ранних в Северной Европе автопортретов за работой (подчеркивать общественное положение художника было не принято, как и демонстрировать рабочие инструменты). Художница была достаточно успешна в свое время: она входила в гильдию святого Луки и даже имела трех учеников. Позднее, примерно в 1540-х годах, Катерина ван Хемессен стала придворной художницей Марии Австрийской. Высокое покровительство обеспечивало ей свободу от контроля гильдии и приличное содержание, а после смерти Марии Австрийской в 1558 году Катерина ван Хемессен получала пенсию, обеспечивавшую ей комфортное существование.
Софонисба Ангвиссола (около 1532 — 1625)
Италия
Софонисба Ангвиссола. Courtesy of The Kunsthistorisches Museum, Vienna, Austria
Софонисбу Ангвиссолу от многих профессиональных художниц отличает происхождение: она родилась в аристократической семье, в то время как большинство ее коллег были дочерями художников, которые и обучали их ремеслу. Как и все пять ее сестер, она получила разностороннее образование, включавшее живопись, по одной из версий, из-за того, что в семье долго не рождался наследник, а обеспечить шестерых дочерей приданым было сложно. Преуспеть в профессиональном занятии живописью, впрочем, удалось только Софонисбе, в немалой степени благодаря активному содействию отца, просившего о поддержке молодой художницы авторитетных мастеров, в том числе Микеланджело. В качестве придворной художницы она почти 15 лет служила при испанском дворе, где имела высокий статус, судя по тому, что перед ее возвращением в Италию король Филипп II выбрал ей в мужья состоятельного сицилийского аристократа и обеспечил приданым.
Художница специализировалась на портрете, поскольку не могла состязаться с мужчинами в изображении многофигурных композиций: женщинам было запрещено изучать обнаженную натуру. В своих работах она совмещала традиции итальянского и испанского портрета, из-за чего многие картины Ангвиссолы в XIX веке, когда интерес к ее творчеству практически пропал, ошибочно приписывались Алонсо Санчесу Коэльо, работавшему при испанском дворе приблизительно в тот же период, Джованни Морони и даже Тициану. Первая большая персональная выставка художницы состоялась только в 1994 году, примерно на это же время пришлась реабилитация ее имени в истории искусств.
Мариетта Робусти (около 1560 — 1590)
Италия
Мариэтта Робусти. «Автопортрет». Courtesy of The Uffizi Gallery
Старшая дочь Якопо Робусти, больше известного как Тинторетто. Художник сам обучал ее, и впоследствии она работала в его мастерской. Биограф Тинторетто Карло Ридольфи писал, что Мариетта в детстве переодевалась в мальчика, чтобы везде сопровождать отца.
О ее жизни известно немного, как и о творчестве. Сохранилась всего одна точно атрибутированная работа Мариетты Робусти — «Портрет пожилого мужчины с мальчиком» (около 1585), долго считавшаяся полотном Тинторетто, пока в 1920 году на нем не обнаружили монограмму художницы. Идентификацию ее произведений затрудняет схожесть манеры с отцовской и отсутствие достоверных описаний того, в создании каких именно работ художника она принимала участие. Об успешности Мариетты можно судить по тому, что дважды ее приглашали стать придворной художницей — Филипп II и Максимилиан II, и оба раза отец не отпустил дочь, а уехать по своей воле она не имела права. Вместо службы при дворе Тинторетто выдал ее замуж за венецианского ювелира Якопо Аугуста. Небольшое количество сохранившихся работ объясняется и непродолжительностью жизни художницы: она умерла в возрасте примерно 30 лет, предположительно при родах.
Юдит Лейстер (1609–1660)
Нидерланды
Юдит Лейстер. «Автопортрет». Courtesy of National Gallery of Art, Washington DC
Почему Юдит Лейстер стала художницей и у кого она училась живописи (ее отец был пивоваром), неизвестно.
Однако в 1633 году она вступила в харлемскую гильдию святого Луки и стала в ней единственной женщиной, у которой была собственная художественная мастерская и ученики мужского пола. В 1636 году художница вышла замуж за своего коллегу Яна Минсе Молинара и практически перестала заниматься живописью, по крайней мере самостоятельно. Творческое наследие Юдит Лейстер, писавшей в основном жанровые сцены, как это часто случалось с художниками-женщинами, после ее смерти практически растворилось: многие работы были утеряны, еще часть приписывалась другим авторам. Например, «Веселая пара» (1630) до 1893 года считалась одной из лучших работ Франса Халса, и именно под его именем картину купил Лувр. А амстердамский Рейксмузеум приобрел в качестве одной из самых известных работ того же Халса ее «Веселого хозяина» (1629).
Мэри Бил (1633–1699)
Великобритания
Мэри Бил. «Портрет неизвестной». Courtesy of Moyse’s Hall Museum
Мэри Бил считается первой профессиональной художницей Англии, и, что особенно примечательно, именно ее труд приносил основной доход семье.
Муж художницы помогал ей в мастерской и занимался административной частью работы. В свое время она считалась одной из лучших портретисток Англии, ее картины высоко оценивал популярный тогда придворный художник Питер Лели, с которым она дружила и чье художественное влияние испытала.
Мэри Мозер (1744–1819)
Великобритания
Мэри Мозер. «Натюрморт». Courtesy of British Royal collectio
Менее известная современница Ангелики Кауфман была второй женщиной-основательницей Королевской академии художеств. На знаменитом групповом портрете академиков (1771–1772) Иоганна Цоффани она представлена портретом рядом с изображением Кауфман — женщины-академики, очевидно, не могли участвовать в сцене с обнаженными моделями-мужчинами, поэтому художник обозначил их присутствие портретами. Как и Кауфман, Мэри Мозер имела швейцарское происхождение, правда, в отличие от первой, родилась в Лондоне, в семье художника по эмали Джорджа Майкла Мозера, чьи связи в немалой степени помогли карьере его дочери.
Первую медаль Королевского общества искусств она получила в 14 лет за рисунки цветов. На изображении цветочных натюрмортов она сосредоточилась и в дальнейшем, став одной из всего лишь двух художников с такой специализацией в академии.
Мари-Дениз Вильер (1774–1821)
Франция
Мари-Дениз Вильер. «Рисующая молодая женщина». Courtesy of Metropolitan Museum of Art
Как это часто бывало с художницами, работы Мари-Дениз Вильер практически не сохранились, а биография известна отрывочно. Ее сестры также занимались живописью, сама она обучалась у Анн-Луи Жироде-Триозона и, возможно, у Жака Луи Давида, который не только брал в ученицы женщин, но и поощрял их интерес к историческим сюжетам. Он подталкивал художниц к участию в салонах, куда после Великой Французской революции им был открыт широкий доступ. Мари-Дениз Вильер в салонах участвовала неоднократно, однажды удостоившись премии в 1,5 тыс. франков. Копию ее представленной на одном из салонов картины «Ребенок в колыбели, уносимый наводнением месяца нивоз X года» заказывал князь Николай Юсупов для Архангельского.
Cамая известная картина Вильер «Рисующая молодая женщина» (1801) из Метрополитен-музея долгое время считалась работой Давида и прошла целую серию переатрибуций — от Франсуа Жерара до другой ученицы Давида, Констанс Карпентье.
Роза Бонер (1822–1899)
Франция
Роза Бонёр. «Пахота в Невере». Courtesy of Musée d’Orsay
Была, пожалуй, самой успешной художницей XIX века и одним из наиболее известных художников-анималистов. Ее отец — учитель рисования — принадлежал к школе сенсимонистов, провозглашавших идеалы женского равенства. «Почему я не могу гордиться тем, что я женщина? Мой отец, ярый приверженец гуманизма, много раз говорил мне, что роль женщины — возвысить род человеческий, что женщина есть Мессия грядущих веков. От него, из его учения я узнала о великом, благородном предназначении пола, принадлежностью к которому я горжусь и независимость которого буду отстаивать до последнего дня моей жизни…» — говорила Роза Бонер. Вся ее жизнь шла вразрез с традиционными представлениями о женственности: она не вышла замуж, объясняя отказ от брака нежеланием терять независимость, носила брючный костюм (оправдывала спецификой работы с животными) и жила с женщинами, хотя лесбиянкой себя никогда не называла.
Международный успех пришел к ней после показа на Салоне в 1853 году полотна «Ярмарка лошадей». Позднее королева Виктория организовала приватный показ этой картины в Букингемском дворце, и вообще в Великобритании работы Бонер пользовались даже большей популярностью, чем в ее родной Франции. Впрочем, на родине она стала первой художницей, получившей орден Почетного легиона, а среди других ее наград были испанский орден Изабеллы Католической и орден Леопольда Бельгийского, что подтверждает ее международную известность.
Марианна Норт (1830–1890)
Великобритания
Марианна Норт. Nepenthes northiana. Phillips, A., A. Lamb & C.C. Lee Publishing 2008
Путешественница и ботанический иллюстратор, Марианна Норт не была художницей в строгом смысле слова: она не получила профессионального образования. В детстве и юности Марианна часто посещала Королевские ботанические сады Кью, директор которых был другом ее отца, где изучала тропическую флору. После смерти родителя Марианна Норт, которой на тот момент было почти 40 лет, получила солидное наследство, оно позволило ей не выходить замуж и путешествовать почти всю оставшуюся жизнь.
К браку она питала глубокое отвращение, считая, что он превращает женщину в «кого-то наподобие старшей прислуги». Почти четверть века, с 1871 по 1885 год, она посвятила путешествиям по всему миру и изображению растений. Свои находки Норт писала маслом, хотя жанр ботанической иллюстрации подразумевал графику, и изображала растения в их естественной среде, а не на белом фоне, как было принято тогда. В отсутствие цветной фотографии ее работы с тщательно прорисованными деталями были полезны в научных целях. Своими ботаническими находками Марианна Норт делилась с Чарльзом Дарвином, а работы передала Королевским ботаническим садам Кью, где на ее же средства специально для них была построена галерея.
Харриет Пауэрс (1837–1911)
США
Харриет Пауэрс. «Библейское полотно». Courtesy of Museum of Fine Arts, Bosto
Харриет Пауэрс родилась в рабстве на территории штата Джорджия. Она совмещала традиционную американскую технику квилта с аппликацией, имеющей восточноафриканские корни, и создавала уникальные лоскутные полотна.
Сохранились всего две ее работы, в которых она обращалась к библейским сюжетам, местным легендам и, по не до конца понятным причинам, астрономическим явлениям. Первое ее произведение — «Библейское полотно» (1885–1886) — купила художница Дженни Смит, заметив его на выставке хлопка в Атенсе в 1886 году. Тогда Пауэрс отказалась расставаться с работой, однако четырьмя годами позже из-за финансовых трудностей была вынуждена продать ее, пояснив смысл изображенных сюжетов: все они были взяты из Библии. Сюжеты второй из известных работ Харриет Пауэрс позаимствованы не только из Библии, но и из легенд, в ней она также изобразила стихийные бедствия и даже некоторые события американской истории. После отмены рабства у Пауэрс и ее мужа была небольшая ферма и примерно полтора гектара земли, но в 1890-х благосостояние семьи стало ухудшаться, муж начал продавать землю, а потом и вовсе бросил жену с детьми. Больше она замуж не выходила и до конца жизни, скорее всего, жила на доходы от шитья.
Мэри Кассатт (1844–1926)
США, Франция
Мэри Кэссет.
«Чаепитие». Courtesy of Museum of Fine Arts, Bosto
Большую части жизни проведя во Франции, Мэри Кассатт была одной из первых женщин (и единственной американкой), примкнувших к находившимся на тот момент в оппозиции к официальному искусству импрессионистам. Несмотря на вполне академическое художественное образование (она училась у салонного художника Жана Леона Жерома и сама неоднократно выставлялась на Салоне), Кассатт приняла приглашение Эдгара Дега присоединиться к независимой группе художников. Под влиянием Дега изменила технику письма и тематику своих работ, начав писать в основном матерей с детьми, которые и стали главным мотивом ее творчества. Помимо непосредственно живописи, Кассатт выступала в роли арт-консультанта коллекционеров. Благодаря ее советам собрание Генри Осборна Хэвемайера и его жены Луизины, большая часть которого сейчас хранится в Метрополитен-музее, пополнилось работами Дега, Эдуарда Мане, Камиля Писсарро и Клода Моне.
Эмилия Шанкс (1857–1936)
Россия, Великобритания
Эмилия Шанкс.
«Новенькая в школе». Государственная Третьяковская галерея
Первая из двух женщин, принятых в Товарищество передвижных художественных выставок (второй была Антонина Ржевская), родилась в семье успешного английского предпринимателя Джеймса Шанкса, владельца ювелирной мастерской и магазина в Москве. Посещала Московское училище живописи, ваяния и зодчества в качестве вольнослушательницы, ее учителями были Владимир Маковский, Илларион Прянишников и Василий Поленов, с которым она продолжала дружить и после окончания училища в 1890 году. Параллельно живописи Эмилия Шанкс увлекалась фотографией, снимая в основном сельский быт и природу. С 1891 года выставлялась вместе с передвижниками, и уже в 1892 году ее работу «Новенькая в школе» высоко оценил Илья Репин, а Павел Третьяков приобрел ее в свою коллекцию. В 1894 году Эмилию Шанкс 15 голосами (больше, чем за Валентина Серова) избрали членом Товарищества передвижных художественных выставок. Накануне Первой мировой войны она вместе с семьей вернулась в Лондон, где продолжила выставляться в Королевской академии художеств.
Мария Башкирцева (1858–1884)
Россия, Франция
Мария Башкирцева. «Зонтик». Courtesy of The Russian Museum
Известна в основном благодаря своему дневнику, особенно популярному в начале XX века: поклонницей Башкирцевой была Марина Цветаева, его высоко оценивали Валерий Брюсов и Сергей Андреевский. Большую часть жизни Башкирцева, родившаяся в Полтавской губернии, прожила во Франции, куда ее в детстве увезла мать после расставания с отцом художницы. Юная Мария хотела стать балериной, затем певицей и даже начала делать шаги в этом направлении, но в 16 узнала, что больна туберкулезом, а лет с 18-ти из-за болезни стала терять сначала голос, а потом и слух. Примерно тогда же Мария, больше всего мечтавшая о славе, решила заняться живописью и поступила в частную Академию Жюлиана (Национальная высшая школа изящных искусств была по-прежнему недоступна для женщин). Свое художественное образование она оценивала невысоко. «Я обречена на одиночество или на посредственность женской мастерской, — пишет она в дневнике.
— Здесь вас не толкают вперед, не поощряют, и вы гниете на месте. Ах, почему я только женщина?» Она активно выступала против закрытости для женщин системы академического художественного образования и даже написала об этом статью в журнал «Гражданка» под псевдонимом Полин Орель. Тем не менее художница выставлялась на Салоне, а ее работы приобрел Лувр. Скончалась Мария Башкирцева в 25 лет от чахотки, успев создать около 150 картин, 200 графических работ и немного скульптуры, из которых сохранилась небольшая часть, многое погибло во время Второй мировой войны.
Мария Якунчикова (1870–1902)
Россия, Франция
Мария Якунчикова. Выполненное по эскизу художницы настенное лоскутное панно. Courtesy of Christie’
Мария Якунчикова родилась в семье предпринимателя Василия Якунчикова и Зинаиды Мамонтовой. Савва Мамонтов приходился ее матери двоюродным братом, а родная сестра Зинаиды Вера была замужем за Павлом Третьяковым, так что шансов остаться в стороне от искусства у будущей художницы практически не было.
Живописью она увлеклась уже в детстве — для обучения детей Якунчиковых был нанят художник Николай Мартынов. В 15 лет пошла вольнослушательницей в Московское училище живописи, ваяния и зодчества и вскоре сблизилась с семьей Поленовых (ее старшая сестра Наталья в 1882 году вышла замуж за Василия Поленова), регулярно участвуя в их рисовальных вечерах. Особенно дружна Якунчикова была с младшей сестрой художника Еленой Поленовой, которая увлекалась народным искусством сама и увлекла Якунчикову. Когда Марии было 18 лет, у нее обнаружили туберкулез. Врачи рекомендовали сменить климат, и Якунчикова переехала в Европу, бывая с тех пор в России только наездами. В Париже она поступила в Академию Жюлиана, а приезжая на родину, жила и работала у Поленовых в Бехове и у Мамонтовых в Абрамцеве, где немало внимания уделяла декоративно-прикладному искусству, особенно керамике и выжиганию по дереву. В 1896 году вышла замуж за врача Леона Вебер-Баулера, через два года у них родился первый сын. В это же время Сергей Дягилев пригласил Марию Якунчикову принять участие в «Выставке русских и финляндских художников» и заказал ей обложку для журнала «Мир искусства».
В 1900 году она участвовала в оформлении кустарного отдела русского павильона Всемирной выставки в Париже, где ее работа получила серебряную медаль. Но вскоре у сына Якунчиковой обнаружили туберкулез, а рождение в 1901 году второго ребенка подорвало ее здоровье окончательно — в 1902 году художница умерла. «Она была характерно-русской женщиной с типично-русским дарованием… Лишь только она начала развиваться как художница, она вышла замуж, затем — дети, затем — серьезная болезнь сына и, наконец, смерть. Якунчикова мало успела, особенно по сравнению с тем, что могла. Но во всем, что она, впопыхах, между детскими пеленками и шумом Парижа имела время сделать — она выказывала глубину чудесного дарования, чутья и любви к далеким от нее русскими лесам, этим „елочкам и осинкам“, к которым она относилась с каким-то благоговением и к которым стремилась всю жизнь», — писал о Якунчиковой Сергей Дягилев.
Эльза фон Фрейтаг-Лорингхофен (1874–1927)
США
Эльза фон Фрейтаг-Лорингхофен.
Courtesy of Library of Congre
Эльза Плёц родилась в Германии в семье строителя и политика, который вел разгульную жизнь и бил ее мать. Заразившись сифилисом, последняя пыталась покончить с собой и позже умерла в психиатрической больнице. Как говорила Эльза, мать «оставила мне в наследство… борьбу». Она была трижды замужем и все три раза неудачно. Последний супруг Эльзы — Леопольд Карл Фридрих барон фон Фрейтаг-Лорингхофен, за которого она вышла уже в Америке, сбежал, прихватив ее ничтожные сбережения и оставив ей свой титул и возможность войти в аристократические круги Нью-Йорка. Всю свою жизнь Эльза превратила в дадаистское произведение искусства: она писала стихи, устраивала перформансы, создавала скульптуры и коллажи из найденных на помойке предметов. Художник Джордж Бидл в 1917 году описывал ее комнату в Нью-Йорке как забитую «какими-то разрозненными железками, автомобильными шинами… урнами для мусора, наводившими ужас и отвращение, которые для ее истерзанного, но чрезвычайно чувствительного восприятия стали объектами прекрасного…» «Для меня ее комната была так же органична, как, например, студия Бранкузи в Париже», — говорил он.
Существует теория, что легендарный «Фонтан» принадлежал именно руке Эльзы, а Марсель Дюшан всего лишь присвоил себе авторство — подробнее об этом можно прочитать в нашем материале.
Елена Киселева (1878–1974)
Россия, Югославия
Елена Киселева. «Девушки на выданье». Courtesy of MRI
Елена Киселева, чьи работы стали известны широкой публике благодаря выставке в Музее русского импрессионизма (до 12 марта), имела все шансы войти в историю отечественного искусства: выпускница Императорской академии художеств, обучалась в мастерской Ильи Репина, стала первой женщиной, в 1907 году получившей заграничное пенсионерство, а в 1910 году принятой в Общество архитекторов-художников. Писала в основном портреты. «Композиция или пейзаж мне были мало интересны. Я всегда была портретисткой и страстно любила изображать красивых, интересных женщин», — признавалась Киселева. Забвению художницы немало способствовала эмиграция в Королевство сербов, хорватов и словенцев (будущую Югославию), куда она переехала с мужем в 1920 году.
Об этом времени она писала: «Жизнь давно забрала меня всю целиком, и художницей я была как-то сбоку, в стороне. А главное, была очень сложная, трудная жизнь. А тут революция, война, беженство. В это трудное время у меня создалась новая семья, родился сын, — где уж тут было думать о художестве». После смерти сына в 1944 году она и вовсе перестала заниматься живописью. Наследием Елены Киселевой в конце 1960-х годов заинтересовалась воронежский искусствовед Марина Лунева, которая переписывалась с художницей и активно способствовала возвращению части ее работ на родину.
Подписаться на новости
20 лучших художниц всех времен
С помощью Кэт Видинг, младшего специалиста отдела послевоенного и современного искусства Christie’s, BAZAAR.com путешествует по истории, чтобы выбрать 20 художниц, навсегда изменивших мир искусства .
1
Элизабет Луиза Виже Лебрен (французская, 1755–1842)
Getty Images
Полностью самоучка, Элизабет Луиза Виже Ле Брун стала художницей, несмотря на серьезные препятствия (как и любая женщина в Париже конца 18-го века) и активно работала в одни из самых неспокойных периодов в европейской истории.
С вмешательством Марии-Антуанетты она была принята во Французскую академию в возрасте 28 лет как одна из четырех женщин-членов. Виже Лебрен особенно хвалили за ее симпатичные портреты аристократок, которые считались более естественными, чем работы ее современников. Вынужденный бежать из Парижа во время революции, художник путешествовал по Европе, впечатляюще получая заказы во Флоренции, Неаполе, Вене, Санкт-Петербурге и Берлине, прежде чем вернуться во Францию после урегулирования конфликта.
На фото: Элизабет Луиза Виже-Лебрен, Автопортрет в соломенной шляпе (1782).
2
Мэри Кассат (американка, 1844–1926)
Getty Images
Одна из трех женщин-художников и единственная американка, официально связанная с импрессионизмом, Мэри Кассат также была бесценным консультантом, помогая представить европейское искусство крупным коллекционерам в Соединенных Штатах. Кассат твердо верила, что живопись должна отражать современную жизнь.
Ее современная женщина искусно изображена на картине 1878 года 9.0025 В Ложе , первой импрессионистской работе художника, выставленной в США. Многие художники-мужчины изображали женщин в театральных ложах как объекты для демонстрации, но главная героиня Кассат играет динамичную роль, наблюдая за происходящим. Тем не менее преобладает мужской взгляд, так как вдалеке седовласый театрал смотрит прямо на нее в собственный бинокль. Как зритель и наблюдатель, мы замыкаем круг.
На фото: Мэри Кассат, В ложе (1878 г.), МИД Бостона.
3
Хильма аф Клинт (шведка, 1862-1944)
Getty Images
Только когда в Музее Гуггенхайма был проведен крупный обзор ее работ, Хильма аф Клинт наконец получила широкое признание как выдающийся пионер абстрактного искусства; ее самые ранние абстрактные композиции были завершены за несколько лет до работ Василия Кандинского, Казимира Малевича и Пита Мондриана.
На фото: Хильма аф Клинт, Десять крупнейших, № 7, Взрослость (1907).
4
Джорджия О’Киф (американка, 1887–1986)
Getty Images
Основополагающая фигура американского модернизма Джорджия О’Кифф в 1915 году была одной из первых американских художников, создавших чисто абстрактные произведения искусства, в отличие от господствовавшего движения американского реализма. В Music, Pink and Blue 1918 года О’Киф абстрагирует цветочный сюжет с помощью экстремальной обрезки, создавая арку из разноцветных лепестков, которые гудят с музыкальной энергией, подсказанной названием. Теории русского художника Василия Кандинского отчасти вдохновили О’Киф исследовать «идею о том, что музыку можно превратить во что-то для глаз», чтобы достичь чистого выражения, свободного от других внешних отсылок.
На фото: О’Киф позирует с Pelvis Series Red with Yellow (1945) в Альбукерке, Нью-Мексико, 1960 год.
5
Августа Сэвидж (американка, 1892–1962)
Getty Images
Скульптор-новатор, связанный с Гарлемским ренессансом, Августа Сэвидж также была влиятельным учителем и активистом, выступавшим за равные права афроамериканцев в искусстве. Родившийся недалеко от Джексонвилля, штат Флорида, Сэвидж переехал в Нью-Йорк в 19 лет.21-летняя, чтобы изучать искусство в Cooper Union, опередив 142 человека в списке ожидания на ее место в колледже. В 1923 году Сэвидж подала заявку на участие в летней художественной программе, спонсируемой французским правительством, но в конечном итоге была отклонена из-за ее расы. Так началась ее пожизненная борьба за демократизацию и уравнивание искусств. Один из ее первых заказов, бюст У. Э. Б. Дюбуа для Гарлемской библиотеки, был хорошо принят, и Сэвидж приступила к лепке других афроамериканских лидеров, включая Маркуса Гарви и Уильяма Пикенса-старшего 9.0005
В 1929 году ее скульптура ребенка из Гарлема, Gamin, принесла ей широкое признание и помогла ей получить стипендию для обучения в Академии де ла Гранд Шомьер, расположенной в Париже, где она выставляла свои работы и получила множество наград.
Сэвидж вернулась в Соединенные Штаты в 1931 году и основала Студию искусств и ремесел Savage, которая в 1932 году стала Центром искусств сообщества Гарлема. Два года спустя она стала первой афроамериканской художницей, избранной в Национальную ассоциацию женщин. Художники и скульпторы. Всю оставшуюся жизнь художница продолжала создавать новаторские работы — она была одной из четырех женщин, получивших заказ от 19-го века.39 World’s Fair — и посвятила свое время обучению искусству окружающих.На снимке: Августа Сэвидж работает над произведением, Нью-Йорк, штат Нью-Йорк, 1938 год.
6
Фрида Кало (Мексика, 1907-1954)
Getty Images
Яркие автопортреты Фриды Кало с ее легендарной смелой монобровью и усами однажды были описаны Андре Бретоном, основателем сюрреализма, как «лента вокруг бомбы». Действительно, картины Кало одновременно соблазнительны и конфронтационны. В «Двух Фридах (Las dos Fridas)» с 1939, завершенный вскоре после развода Кало с мексиканским художником-монументалистом Диего Риверой, Кало изображает две свои личности — одну в традиционном костюме техуаны с разбитым сердцем, а другую в современной одежде, независимую, с полным сердцем.
На фото: Фрида Кало, Две Фриды (Las dos Fridas) (1939), на выставке в 2007 году.
7
Луиза Буржуа (французская, 1911-2010)
Getty Images
Луиза Буржуа родилась в Париже в семье родителей, которые занимались реставрацией гобеленов, помогая им в мастерской, заполняя недостающие части рисунков, изображенных на гобеленах. Хотя она изучала математику и геометрию в Сорбонне, в конце концов она вернулась к искусству, занимаясь гравюрой, живописью и крупномасштабной скульптурой на протяжении всей своей долгой и разнообразной карьеры. Хотя формально она не была связана с каким-либо конкретным художественным движением, она выставлялась с абстрактными экспрессионистами и исследовала в своих работах такие темы, как одиночество, ревность, гнев, сексуальность и бессознательное.
В 1982 году, в возрасте 70 лет, Буржуа наконец-то получила возможность проявить себя, когда в Музее современного искусства была представлена ретроспектива ее работ, на которой были представлены искаженные человекоподобные фигуры, подвешенные к проводам; тканевые творения из ее старой одежды; и огромные скульптуры пауков, которыми ее больше всего помнят сегодня.
На снимке: Луиза Буржуа, Maman (1999 г.), сфотографирована в Гамбурге, Германия, в 2012 г.
8
Агнес Мартин (канадка, 19 лет)12-2004)
Shutterstock
Агнес Мартин, часто ассоциируемая с минималистским движением, существовала в своей собственной лиге и не поддается простой классификации. Сильно личная и духовная, Мартин объяснила, что ее картины приходят к ней полностью сформированными, размером с почтовые марки, которые она переводит на крупномасштабные холсты. Блестящая золотая икона Дружба 1963 года — великолепный пример оригинальной сетки художника.
Тонко прочерченные линии Мартина, кажущиеся совершенными, но при ближайшем рассмотрении проникнутые чувством человеческой руки, создают бесконечное поле с таинственным качеством — воплощение трансцендентного спокойствия. Ретроспектива работ Мартина открывается в музее Гуггенхайма в Нью-Йорке в октябре 2016 г.
На фото: Агнес Мартин, Friendship (1963), на выставке в Тейт Модерн в Лондоне в 2015 году.
9
Леонора Кэррингтон (британка-мексиканка, 1917-2011)
Getty Images
Художница и писательница, известная своими сюрреалистическими работами, Леонора Кэррингтон родилась в Соединенном Королевстве и изучала живопись в Школе искусств Челси, а затем в 1936 году перешла в Академию изящных искусств Озенфанта в Лондоне. В том же году , она посетила Международную выставку сюрреалистов и увлеклась работами немецкого художника Макса Эрнста. В следующем году они встретились на вечеринке и закрутили короткий роман, живя вместе в Париже до начала Второй мировой войны, после чего Эрнст был арестован местными властями и вынужден бежать от преследований.
Он бежал в Соединенные Штаты с помощью Пегги Гуггенхайм, на которой позже женился.
Вскоре после того, как они расстались, Кэррингтон была госпитализирована с психическим расстройством и лечилась сильнодействующими препаратами. После освобождения она бежала в Мексику, где ее глубоко вдохновил местный фольклор, который во многом повлиял на ее творчество. Ее очень автобиографические картины содержат отсылки к колдовству, метаморфозам и оккультизму, изображая фантастических существ и преследующие сцены. В 70-х она стала участником женского освободительного движения и разработала плакат под названием «9».0003 Mujeres Conciencia, за дело в 1973 году. В 1986 году она получила Премию за выслугу на съезде Women’s Coucus for Art в Нью-Йорке за свою приверженность своей политической работе.
На фото: Леонора Кэррингтон, Испытание Оуайна (1959).
10
Элейн Стертевант (американка, 1924–2014 гг.
)
Christies Images/Bridgeman Images
Работы Элейн Стертевант (известной под своей фамилией) вызывают двоякое впечатление; то, что на первый взгляд выглядит как картина Энди Уорхола или Джаспера Джонса, на самом деле является ее собственной работой, в которой формы и приемы оригинала воспроизведены с пугающей точностью. С 1964 года Стертевант использовала работы своих современников-мужчин, чтобы подвергнуть сомнению гендерную иерархию, оригинальность и авторство, а также структуры искусства и культуры. На самом деле Уорхол даже согласился позволить Стертеванту использовать своего производителя экранов для производства того же экрана Мэрилин, который он использовал в своей собственной работе. Как вспоминает Стертевант, когда Уорхола спрашивали о деталях его процесса, он говорил людям «спросить Элейн».
На фото: Элейн Стертевант, Диптих Уорхола (1973), продано на Christie’s в 2015 году.
11
Бетье Саар (американка, 1926 г.
р.)
Getty Images
Одна из самых знаменитых художниц в области ассамбляжа, Бетье Саар — настоящая икона в сфере современного искусства. Она родилась в Лос-Анджелесе, училась в Калифорнийском университете в Лос-Анджелесе, который окончила в 1947 году со степенью в области дизайна, но со страстью к гравюре. В 1967 году она посетила выставку скульптора по найденным предметам Джозефа Корнелла, которая радикально повлияла на ее творческую траекторию. Она начала выстилать коробки для сборки своими собственными отпечатками и рисунками и заполнять их найденными предметами, создавая предметы, посвященные расе и текущим событиям.
После убийства доктора Мартина Лютера Кинга-младшего в 1968 году ее работа стала более откровенно политической и экстремальной. В 1970-е годы Саар был членом Движения черных искусств, состоящего из поэтов, писателей, исполнителей и художников, которые объединили активизм и искусство, чтобы противостоять структурам власти белых и озвучить опыт черных.
В ее самой известной работе, «Освобождение тети Джемаймы » (1972), изображена кукла-мама, вооруженная винтовкой и гранатой, готовая бороться с предрассудками, физическим насилием и пренебрежительными стереотипами, навязанными чернокожим американцам. Как объяснил Саар: «Моя цель как художника — создавать работы, разоблачающие несправедливость и раскрывающие красоту. Радуга — это буквально спектр цветов, а духовно символ надежды и обещания».
На фото: Бетье Саар, Brides of Bondage , на выставке в Saddleback College в Mission Viejo, Калифорния, 1998 год.
12
Хелен Франкенталер (американка, 1928–2011)
Getty Images
Прорывная картина Хелен Франкенталер «пятно», Горы и море, 1952 года сыграла ключевую роль в переходе от грандиозного жеста абстрактного экспрессионизма к плоским, медитативным формам живописи цветового поля. В первую очередь колорист, Франкенталер выливал банки с краской на необработанный холст, позволяя материалу впитываться в основу, образуя аморфные формы.
Будучи женщиной абстрактного экспрессионизма, Франкенталер прорвалась сквозь движение, в котором доминировали мужчины, и позволила услышать свой собственный уникальный художественный голос. Ее работы в настоящее время являются частью давно назревшей выставки под названием «Женщины абстрактного экспрессионизма», которая открылась в Художественном музее Денвера в июне 2016 года и отправится в Музей монетного двора в Шарлотте и Художественный музей Палм-Спрингс.
На фото: Хелен Франкенталер c. 1956.
13
Яёи Кусама (яп., 1929 г.р.)
Getty Images
Королева в горошек Яёи Кусама была значительной силой авангардного искусства в 1960-х годах и продолжает раздвигать границы искусства — даже в моде благодаря ее недавнему сотрудничеству с Louis Vuitton. Ее «происшествия» в 1960-х годах были новаторскими, в частности, Narcissus Garden 9.0004 1966 года, которую художник исполнил на мировой сцене на Венецианской биеннале.
Спонсируемый коллегой-художником Лучио Фонтаной, Кусама собрал 1500 серебряных шаров — трехмерных точек в горошек — на лужайке и предложил их для продажи посетителям по 1200 лир (два доллара) каждый в качестве критики коммерциализации мира искусства.
На фото: Яёи Кусама, Narcissus Garden (1966), на выставке в Chatsworth House в Чатсуорте, Англия, 2009 г.
14
Джуди Чикаго (американка, 1939 г.р.)
Дональд Вудман
Отдавая дань уважения выдающимся женщинам в истории, художница-феминистка, писательница и педагог Джуди Чикаго ушла намного дальше во времени, чем Париж конца 18-го века. В The Dinner Party с 1974 по 1979 год Чикаго создал культовую инсталляцию, посвященную памяти 1038 женщин в истории, с вышитыми входными знаменами, выгравированным полом и массивным треугольным банкетным столом с сервизом для 39 человек.женщины, с гостями от Изначальной Богини до Джорджии О’Киф.
В настоящее время размещенная в Центре Саклера в Бруклинском музее, инсталляция является центральным элементом феминистского искусства, созданным в ключевой период 1970-х годов, когда женщины-художницы решали проблемы гендера.
На фото: Джуди Чикаго, Званый ужин (1974-1979), Бруклинский музей.
15
Марина Абрамович (серб, 1946 г.р.)
Гетти Изображений
Марина Абрамович, самопровозглашенная бабушка перформанса, развивает свою практику уже более пяти десятилетий. Она родилась в Белграде, Югославия (ныне Сербия), в семье строгих родителей, тесно связанных с коммунистическим режимом страны. Она изучала живопись в Академии изящных искусств в Белграде, а затем получила степень магистра в Академии изящных искусств в Загребе.
Она начала изучать искусство перформанса в 70-х, отказавшись от холста и вместо этого превратившись в медиума, чтобы более тесно общаться со своей аудиторией.
Включая перформанс, звук, видео, фотографию и скульптуру, ее работа, состоящая из длинных рутин, которые часто подвергают ее физической опасности или боли, исследует такие темы, как доверие, выносливость, очищение, истощение и уход, и заставляет зрителей смотреть на поскольку она проверяет пределы своего тела.
В 1976 году Абрамович начала сотрудничать с немецким художником Улаем, и они оставались творческими и романтическими партнерами до 1988 года, когда она обнаружила, что он изменил ей. В 2010 году Абрамович поставил перформанс на выносливость в Музее современного искусства под названием «Художник присутствует ». В течение двух с половиной месяцев она сидела на одном конце стола и приглашала зрителей сесть напротив нее, чтобы ненадолго поучаствовать в молчаливых встречах. Удивив Абрамович и тронув ее до слез, Улай сел с другой стороны стола, и они разделили трогательный момент после более чем 20-летнего молчания.
На фото: Марина Абрамович исполняет Марина Абрамович: Художник присутствует в Музее современного искусства 9 марта 2010 года в Нью-Йорке.
16
Адриан Пайпер (американец, 1948 г.р.)
Getty Images
«Дорогой друг, я черный. Я уверен, что вы не осознавали этого, когда делали/смеялись/согласились с этим расистским замечанием», — говорится в My Calling (Card) Адриана Пайпера № 1 от 1986 года. до 1990 года. Художник-концептуалист и перформанс Пайпер является первопроходцем в решении острых вопросов, связанных с полом и расой. В ней 9В серии 0233 Мифическое существо Пайпер превратилась в чернокожего мужчину из низшего сословия и гуляла по улицам Кембриджа, разоблачая абсурдность стереотипов общества.
Будучи светлокожей чернокожей художницей, ее конфронтационные работы остаются чрезвычайно пророческими и значимыми сегодня, заставляя нас подвергать сомнению социальную иерархию и восприятие идентичности. Недавно Пайпер была награждена премией «Золотой лев» как лучший художник на 56-й Венецианской биеннале в 2015 году за свою работу.
0025 The Probable Trust Registry , который состоит из киосков корпоративного вида, где посетители могут подписать контракты, соглашаясь жить в соответствии с набором правил, поощряющих личную ответственность.
На снимке: Адриан Пайпер получает награду «Золотой лев» на 56-й Венецианской биеннале в 2015 году.
17
Мэрилин Минтер (американка, 1948 г.р.)
Getty Images
Стирая границы между чувственным и гротескным, фотореалистичные работы Мэрилин Минтер обращаются к современным идеалам красоты, сексуальности и человеческому телу в стиле глянцевых модных образов. Известная своими картинами на эмали и металле, у нее есть процесс, который состоит из фотографирования на пленку, обработки их в темной комнате и наложения нескольких избранных для создания совершенно новой композиции, на которой будет основана ее окончательная картина.
Получив степень бакалавра в Университете Флориды в 1970 году и степень магистра иностранных дел в Сиракузах в 1972 году, Минтер переехала в Нью-Йорк и начала снимать безвкусные сцены, связанные с женским домашним хозяйством, такие как кухонный пол и различные продукты питания.
В 80-х она сосредоточила свой объектив на более чувственных темах, а именно на женском теле и порнографии. Ее откровенно сексуальные работы вызвали широкую негативную реакцию, что заставило Минтер исследовать, почему страсть, желание и близость были — и остаются — окутаны публичным дискомфортом. Сочетая в себе элементы изящной фэшн- и бьюти-фотографии и яркие рекламные образы, работа Минтера сопоставляет понятия гламура и безупречности (накрашенные губы, ослепительные туфли на шпильке и блестящие веки) с менее желательными реалиями (потом, слюной, волосами и грязью).
На фото: Мэрилин Минтер, Orange Crush (2009), на выставке в ее студии в Нью-Йорке в 2009 году.
18
Синди Шерман (американка, 1954 г.р.)
Getty Images
Важный художник поколения Pictures, группы американских художников начала 70-х, которые были известны своим анализом медиакультуры, Синди Шерман создает фотографические автопортреты, критикующие пол и идентичность.
Работая режиссером, визажистом, парикмахером, стилистом, моделью, сценографом и фотографом, художница превращается в сложных персонажей и снимает себя в не менее сложных сценах.
После окончания Университета штата Нью-Йорк в Буффало Шерман переехал в Нью-Йорк в 1976 году, чтобы продолжить карьеру фотографа. Вскоре после прибытия она начала работать над безымянными кадрами из фильма (1977-80), своим ныне культовым сериалом, в котором она появляется во множестве обличий и настроек, изображая женские стереотипы, встречающиеся в кино и средствах массовой информации, включая несчастную домохозяйку . , брошенный любовник и уязвимый наиф . С тех пор она продолжала перевоплощаться во множество персонажей, заставляя свою аудиторию противостоять другим распространенным стереотипам и их искусственности.
На протяжении всей своей карьеры Шерман сотрудничала с рядом модных брендов, включая Prada, Dolce & Gabbana, Balenciaga и Marc Jacobs, а также с модными журналами, включая Interview и Harper’s BAZAAR .
В 2016 году она подрабатывала звездой уличного стиля для сатирической статьи в мартовском номере Bazaar .
На фото: Синди Шерман, Untitled #414 , (2003), на выставке в Национальной портретной галерее в центре Лондона в 2016 году.
19
Ширин Нешат (иранка, 1957 г.р.)
Getty Images
Родившаяся в Казвине, Иран, Ширин Нешат переехала в Соединенные Штаты в 1974 году, чтобы учиться в Калифорнийском университете в Беркли, получив степень бакалавра и магистра изящных искусств в 1983 году. Вскоре после окончания учебы она переехала в Нью-Йорк. Йорк, где она проработала 10 лет в Магазине искусства и архитектуры. Только вернувшись в Иран в 1993 году, через 14 лет после Исламской революции, она снова начала заниматься искусством.
Известная своими работами в области фотографии, видео и кино, проекты Нешат часто исследуют различные оппозиции, от ислама и Запада до мужчин и женщин.
Как она объяснила на выставке, организованной инициативой по сбору средств Art 19: «Я всегда считала, что художники должны быть политически сознательными, и в моем личном случае родиться в Иране, стране, которая подорвала основные права человека, особенно после исламского революции, я неудержимо стремился к созданию искусства, связанного с проблемами тирании, диктатуры, угнетения и политической несправедливости. Хотя я не считаю себя активистом, я считаю, что мое искусство, независимо от его природы, является выражением протеста и призывом к человечности».
Ее первые видеоинсталляции — Turbulent (1998), Rapture (1999) и Fervor (2000) — исследовали гендер и общество, в частности ограничения исламских законов в отношении женщин; ее первый полнометражный фильм « Махдохт » (2004 г.), основанный на романе Шахрнуша Парсипура « женщины без мужчин, », аналогичной теме. Нешат была удостоена впечатляющего количества наград за свою работу, в том числе Международной премии на Венецианской биеннале 1999 года и Серебряного льва за лучшую режиссуру на Венецианской биеннале 2009 года.
Венецианский кинофестиваль.
На фото: Ширин Нешат позирует в своей студии в Сохо, Нью-Йорк, 2011 год.
20
Микалин Томас (американка, 1971 г.р.)
Getty Images
Микалин Томас, наиболее известная своими картинами в стиле коллажей, создает яркие портреты и детализированные интерьеры, затрагивающие такие темы, как сексуальность, раса, красота и пол, и исследует, как представление женщин в популярной культуре определяет наше определение женственность. Используя стразы, которые служат аналогией женственности, Томас привлекает внимание к определенным компонентам своих изделий (волосы, обувь и т. д.) и просит зрителей задуматься о том, что обычно характеризует женственность.
Вдохновленная множеством течений, включая импрессионизм, кубизм и дадаизм, художница часто ссылается на фигуративные работы ранних модернистов, таких как Пабло Пикассо, Анри Матисс и Эдуард Мане, в своих портретах, изображая своих героинь в позах, популяризированных ею.
предшественников-мужчин в попытке ниспровергнуть их представление о женщинах как о объектах.
Член Post-Black Art Movement, категории современного афроамериканского искусства, Томас имеет степень бакалавра искусств Института Пратта и степень магистра искусств Йельской школы искусств, а также работает в области фотографии, видео, скульптуры и инсталляций.
На фото: Микалин Томас позирует в Artists’ Studios в Нью-Йорке в 2008 году.
12 знаменитых художниц, которых вам нужно знать, если вы любитель истории искусства — Леонардо да Винчи, Винсент Ван Гог, Пабло Пикассо и т. д. А как насчет женщин, которые помогли сформировать визуальную историю мира? Как и во многих других областях, женщинам исторически не рекомендовалось делать карьеру в искусстве, но есть много невероятных женщин, которые выстояли. У этих известных художниц больше общего, чем их пол и карьерный путь — все они сами по себе являются первопроходцами, преодолевая множество барьеров в своей личной и общественной жизни.
Конечно, эти женщины, скорее всего, были бы недовольны включением в список женщин-художников, предпочитая, чтобы их ценили как художников вне их пола. К сожалению, поскольку женщины продолжают бороться за равенство во всех областях, эти выдающиеся артисты часто упоминаются с точки зрения их пола. К счастью, больше, чем когда-либо, этих выдающихся женщин противопоставляют их сверстникам-мужчинам, и они получают положительное признание за их вклад в историю искусства. Такие организации, как Advancing Women Artists, работают над тем, чтобы женские таланты прошлого не остались за бортом книг по истории.
Взгляд на некоторых великих художниц прошлого — это также хронология истории искусства. Женщины были ведущими фигурами в каждом художественном движении от итальянского Ренессанса до американского модернизма и далее. Прокладывая свой путь через историю искусства — от придворной художницы 16-го века для короля Филиппа II до иконы 20-го века Фриды Кало — давайте взглянем на силу, характер и талант этих исключительных женщин.
Если вы любитель искусства, вот 12 известных художниц, которых вам нужно знать.
Софонисба Ангиссола (1532–1625)«Трое детей с собакой» Софонисбы Ангвиссолы. около 1570-1590 гг. (Фото: Викимедиа, общественное достояние)
Художник Софонисба Ангиссола была первопроходцем итальянского Возрождения. Родившись в относительно бедной дворянской семье, ее отец позаботился о том, чтобы она и ее сестры получили всестороннее образование, включающее изобразительное искусство. Это включало ученичество у уважаемых местных художников. Это создало прецедент для будущих художниц, которые до этого момента обычно ходили в ученики только в том случае, если у члена семьи была мастерская. Талант Ангвиссолы привлек внимание Микеланджело, с которым она осуществляла неформальное наставничество посредством обмена рисунками.
Хотя ей как художнице не разрешалось изучать анатомию или практиковаться в рисовании моделей из-за воспринимаемой вульгарности, ей все же удалось сделать успешную карьеру.
Во многом своим успехом она обязана своей роли художницы при дворе короля Испании Филиппа II. В течение 14 лет она развивала свои навыки как в официальной придворной портретной съемке, так и в более интимных портретах знати. Ее картины известны тем, что передают дух и яркость ее натурщиков, и теперь их можно найти в коллекциях по всему миру.
Артемизия Джентилески (1593–1653)
«Автопортрет как аллегория живописи» Артемизии Джентилески. 1638–39. (Фото: Википедия, общественное достояние)
Будучи дочерью известного художника, Артемизия Джентилески получила доступ к миру искусства в юном возрасте. Вначале она смешивала краски в мастерской своего отца, и он поддержал ее карьеру, когда заметил, что она исключительно одарена. Как известная художница периода итальянского барокко, Артемизия Джентилески не позволяла своему полу удерживать ее от предмета. Она рисовала масштабные библейские и мифологические картины, как и ее коллеги-мужчины, и была первой женщиной, принятой в престижную Академию изящных искусств во Флоренции.
Ее наследие иногда затмевается ее биографией, а ее кровавые изображения Юдифи и Олоферна часто интерпретируются через призму ее изнасилования руками коллеги-художника. Тем не менее, ее талант неоспорим, и она по-прежнему известна своим реалистичным изображением женских форм, глубиной цветов и поразительным использованием света и тени.
Джудит Лейстер (1609–1660)
«Счастливая парочка» Джудит Лейстер. 1630 г. (Фото: Википедия, общественное достояние)
Родилась в Харлеме, Джудит Лейстер была ведущей художницей Золотого века Голландии. Типичный для голландских художников этого периода, Лейстер специализировался на жанровых картинах, натюрмортах и портретах. Подробности ее художественного образования неясны, но она была одной из первых женщин, принятых в гильдию художников Харлема. Позже она провела успешный семинар с несколькими учениками-мужчинами и была известна непринужденным, неформальным характером своих портретов.
Несмотря на то, что она была довольно успешной при жизни, ее репутация пострадала после ее смерти из-за неудачных обстоятельств. Все ее творчество было выдано за произведение либо ее современником Франсом Хальсом, либо ее мужем. Во многих случаях ее подпись скрывали коллекционеры, стремящиеся получить прибыль из-за высокой рыночной стоимости работ Франса Хальса. Только в конце 19 века эти ошибки были обнаружены, и ученые начали вновь ценить мастерство Лейстера как художника.
Элизабет Виже Лебрен (1755–1842)
«Автопортрет в соломенной шляпе» Элизабет Виже Лебрен. 1782. (Фото: Википедия, общественное достояние)
Французская художница-портретист Элизабет Виже Ле Брюн создала впечатляющее количество работ, насчитывающих около 1000 портретов и пейзажей. Будучи дочерью художника, она получила раннее обучение от своего отца и уже в подростковом возрасте профессионально рисовала портреты.
Большой прорыв в ее карьере произошел, когда она была названа художником-портретистом Марии-Антуанетты, а позже ей было разрешено поступать в многочисленные художественные академии.
Ее картины перекрывают разрыв между театральным стилем рококо и более сдержанным неоклассическим периодом. Она пользовалась постоянным успехом в своей карьере, даже находясь в изгнании после Французской революции, поскольку была любимым художником аристократии по всей Европе. Ниттерс наслаждалась ее способностью успокаивать их, что привело к созданию портретных картин, которые были живыми и лишенными жесткости. Естественная, непринужденная манера ее портретов считалась революционной в то время, когда портретная живопись часто требовала формальных изображений высших классов.
Роза Бонёр (1822–1899)
«Ярмарка лошадей» Розы Бонёр. 1852–55. (Фото: Википедия, общественное достояние)
Как и у многих художниц, Роза Бонёр, отец , был художником.
Французская художница-реалистка считается одной из самых известных художниц 19 века, известной своими крупноформатными картинами с изображением животных. Она регулярно выставлялась в известном парижском салоне и добилась успеха за границей как в Соединенных Штатах, так и в Великобритании. Бонёр провела много времени, зарисовывая живых животных в движении, что объясняет ее замечательную способность запечатлевать их сходство на холсте.
Bonheur также известен тем, что ломает гендерные стереотипы. С середины 1850-х годов она носила мужскую одежду, даже получив на это разрешение полиции. Хотя ее часто критиковали за то, что она носила брюки и свободные блузки, она продолжала носить их на протяжении всей своей жизни, ссылаясь на их практичность при работе с животными. Она также была открытой лесбиянкой, сначала прожив с партнером Натали Микас более 40 лет, а затем, после смерти Микаса, наладила отношения с американской художницей Анной Элизабет Клампке. Живя своей жизнью открыто в эпоху, когда правительство осуждало лесбиянство, Бонёр заявила о себе как о новаторской личности как в своей карьере, так и в личной жизни.
Берта Моризо (1841–1895)
Берта Моризо «Дама за туалетом». 1875 г. (Фото: Википедия, общественное достояние)
Считающаяся одной из великих женщин-импрессионистов, Берта Моризо жила искусством. Она родилась в аристократической французской семье и была внучатой племянницей знаменитого художника рококо Жана-Оноре Фрагонара. Сначала она выставляла свои работы в уважаемом парижском салоне, прежде чем присоединиться к первой выставке импрессионистов с Моне, Сезанна, Ренуара и Дега. У Моризо особенно близкие отношения с Эдуаром Мане, который написал несколько ее портретов, и в конце концов она вышла замуж за его брата.
Ее искусство часто было сосредоточено на домашних сценах, и она предпочитала работать пастелью, акварелью и углем. Работая в основном в небольших масштабах, ее легкие и воздушные работы часто критиковали как слишком «женственные». Моризо написала в своем дневнике о своей борьбе за то, чтобы ее воспринимали всерьез как художницу, заявив: «Я не думаю, что когда-либо был мужчина, который обращался с женщиной как с равной, и это все, о чем я бы просил, потому что я знаю, что я Я стою столько же, сколько и они.
Мэри Кассат (1844–1926)
«Купание ребенка» Мэри Кассат. 1893 г. (Фото: Википедия, общественное достояние)
Американская художница Мэри Кассат провела взрослую жизнь во Франции, где стала неотъемлемой частью группы импрессионистов. Кассат родилась в обеспеченной семье, которая поначалу протестовала против ее желания стать художницей. В конце концов она бросила художественную школу из-за того, что ее разочаровало отдельное отношение к ученицам: они не могли использовать живых моделей и вынуждены были рисовать по слепкам.
Переехав в Париж в возрасте 22 лет, Кассат искала частное ученичество и проводила свободное время, копируя картины старых мастеров в Лувре. Карьера Кассат уже пошла в гору, когда она присоединилась к импрессионистам и подружилась с Дега на всю жизнь. В то же время она была откровенна в своей тревоге по поводу официальной системы искусства, которая, по ее мнению, требовала от женщин-художников флиртовать или дружить с покровителями-мужчинами, чтобы двигаться вперед.
Она создала свой собственный карьерный путь с импрессионистами, осваивая пастель для создания мягких, легких работ, в которых часто выделялись женщины, выступающие в роли опекунов. На протяжении всей своей жизни Кассат продолжала поддерживать равенство женщин, даже участвуя в выставке в поддержку избирательного права женщин.
Джорджия О’Киф (1887–1986)
Посмотреть этот пост в Instagram
⠀ «Цвет — одна из величайших вещей в мире, благодаря которой стоит жить…» — Джорджия О’Кифф⠀ ⠀ #GeorgiaOKeeffe #Flowers #OKeeffeInspired #Quotes #Art #Interpretation #ISaidWhatISaid ⠀ ⠀ Джорджия О’Киф. Серия I «Бело-голубые цветочные формы», 1919 г. Масло на доске, 19 7/8 x 15 3/4 дюйма. Музей Джорджии О’Киф. Дар Фонда Джорджии О’Киф. © Музей Джорджии О’Киф. [2006.5.87]
Сообщение, опубликованное музеем Джорджии О’Кифф (@okeeffemuseum)
Будучи художницей в авангарде американского модернизма, Джорджия О’Киф является одной из самых знаменитых художниц в истории. Ее ранние рисунки и картины привели к смелым экспериментам с абстракцией, когда она сосредоточилась на живописи, чтобы выразить свои чувства, открыв эру «искусства ради искусства». При жизни ее карьера была тесно связана с мужем Альфредом Штиглицем. В то время как известный фотограф поддерживал идею о том, что американское искусство может сравниться с европейским и что женщины-художники могут создавать искусство не менее мощное, чем мужчины, он также препятствовал интерпретации ее работ.
Стиглиц рассматривал творчество как выражение сексуальности, и эти мысли в сочетании с его интимными портретами О’Киф подтолкнули к мысли, что ее картины с цветами крупным планом были метафорами женских гениталий. Это концепция, которую художница всегда отрицала, хотя ее работы, несомненно, чувственны.
О’Киф провела большую часть своей карьеры, борясь с интерпретацией своего искусства исключительно как отражение ее пола. На протяжении всей своей жизни она отказывалась участвовать в чисто женских художественных выставках, желая, чтобы ее определяли просто как художницу, свободную от пола.
Тамара де Лемпицка (1898–1980)
Польская художница Тамара де Лемпицка известна своими очень стилизованными портретами и обнаженными телами, олицетворяющими эпоху ар-деко. Де Лемпицка провела большую часть своей карьеры во Франции и Соединенных Штатах, где ее работа была одобрена аристократами. Одна из ее самых известных картин, Автопортрет в зеленом Bugatti , иллюстрирует холодный и отстраненный характер фигур Де Лемпицка. В работе, созданной для обложки немецкого модного журнала, Де Лемпицка излучает независимость и неприступную красоту.
Ее картины часто содержали рассказы о желании, соблазнении и современной чувственности, что делало их революционными для своего времени.
Де Лемпицка пользовалась успехом до начала Второй мировой войны, но интерес к ее работам возродился, когда в 1960-х годах ар-деко снова стал популярным. Ее сразу узнаваемый стиль делает ее особенно любимой среди поклонников художников ар-деко, и сегодня ее работы популярны как никогда, а Мадонна является известным коллекционером ее картин.
Фрида Кало (1907–1954)
Посмотреть эту публикацию в Instagram
«Autorretrato con Collar de espinas». (1940) #FridaArt #FridaKahlo #Painting #Art #Legend #Mexico #Artist #Painter #Kahlo
Пост Фриды Кало (@fridakahlo) на
В настоящее время нет другой художницы 20-го века с таким узнаваемым именем в 9 лет.
0345 Фрида Кало . В то время как драма ее трагического несчастного случая в молодости и ее бурные отношения с мужем Диего Риверой иногда затмевали ее художественные способности, нельзя отрицать силу ее живописи. Она особенно известна своими автопортретами, посвященными темам личности, страданий и человеческого тела.
Хотя при жизни о ней иногда писали исключительно как о «жене Диего Риверы», ее творчество только набирало обороты после ее смерти. Самые известные картины Фриды Кало принадлежат важным художественным музеям мира, а сама она завоевала статус поборницы феминисток, чиканос и ЛГБТ-сообщества.
Хелен Франкенталер (1928–2011)
Посмотреть эту публикацию в Instagram
Публикация Фонда Хелен Франкенталер (@helenfrankenthalerfoundation)
Выросла на Манхэттене, Хелен Франкенталер изучала живопись в Далтонской школе и Беннингтонском колледже.
Она начала свою обширную выставочную карьеру в 1952 году, выставив свою картину 9.0003 Горы и море . Учась у художника Ганса Хоффмана, будучи молодой художницей, она стала важной фигурой в художественном движении абстрактного экспрессионизма. Ее картины отличались красочными, органическими формами. В первые годы ее карьеры эти композиции, как правило, были сосредоточены на холсте. К 1960-м годам работы Франкенталера часто занимали все полотно. Ее шестидесятилетняя работа демонстрирует постоянную эволюцию стиля.
Сегодня Франкенталера помнят как пионера живописи цветового поля — стиля, в котором большие полосы цвета используются в качестве «предмета» картины. Чтобы добиться эффекта яркого цвета, Франкенталер разбавляла краски скипидаром перед нанесением их на незагрунтованное полотно. Результатом этого метода «замачивания пятен» стал почти акварельный вид с цветом, встроенным в органические слои. Ее и подобные произведения вошли в знаменитый 1964 выставка под названием Post-Painterly Abstraction , курируемая искусствоведом Клементом Гринбергом.
Сегодня ее работы можно найти в большинстве крупных американских художественных музеев.
Июньский лист (с 1929 г. по настоящее время)
Посмотреть это p
ost on Instagram
Сообщение, опубликованное галереей Пиппи Хаулдсворт (@pippyhouldsworthgallery)
Родился и вырос в Чикаго, июнь Лист ненадолго прошла обучение в Институте дизайна IIT, а затем в нежном возрасте 18 лет начала самостоятельное обучение в Париже. В 1954 году она вернулась в Иллинойс, чтобы получить степень бакалавра и магистра в области художественного образования. Однако в 1958 году она вернулась в Париж, получив финансирование от программы Фулбрайта. С годами она разработала аллегорический стиль в нескольких средах. С помощью рисунков пером и тушью, картин на холсте и кинетической скульптуры работы Листа охватывают абстрактное и необычное.
