11 самых известных женщин-художниц – ARTandYou.ru
Невооруженным глазом ясно, что женщин художников в истории искусства значительно меньше, чем художников мужчин. Занятный парадокс, ведь современному человеку увлечение рисованием может показаться занятием исключительно женским. Однако, в этом же представлении и кроется ответ – в мировой истории культуры оставили след лишь те женщины, для которых искусство становилось профессией, перечеркивавшей все остальные формы их социальной активности. Действительно, искусство, в еще большей степени, чем любая другая профессия, требует полнейшей отдачи. Женщине, которая лишь недавно добилась эмансипации традиционно отводились другие социальные роли. Заниматься карьерой, работать вообще, женщинам не особенно полагалось. Так и с точки зрения психологии и природы, в определенный момент самым важным делом женщины становится семья и дети. Таким образом, большинство женщин-художников сознательно делали свой выбор не в пользу искусства. Стоит также сказать о том, что карьера многих известных художников была сформирована именно женщинами, находившимися рядом – Гойа и Герцогиня Альба, Дали и Гала (которая также обучалась рисованию будучи в России).
Существует также масса примеров, когда женщина-художник перенимала на себя функции менеджера занимаясь продвижением карьеры своего мужа-художника или сына-художника.
В целом считается, что женщина порой просто не может писать так, как мужчина. Например, когда мы смотрим на полотна Ван Гога, Гогена, Сикейроса сразу же чувствуется их исключительно мужская «сильная» линяя и рисунок. Однако из всех правил всегда есть исключения. Ярчайшие примеры женщин-художниц доказывают то, что в живописи они могут быть ничуть не хуже мужчин. В каком-то смысле их по праву можно называть феминистками от живописи. Даже в те времена, когда этого термина еще не существовало, они добивались успеха, несмотря на массу противоречащих этому факторов.
Софонисба Ангиссола – (ок. 1533 – 1625)Итальянская художница. Ее жизнь и творчество приходятся на самый значительный период Итальянского Ренессанса, именуемый искусствоведами высоким Возрождением. Таким образом, Ангиссола, пожалуй, наиболее известная художница Итальянского Возрождения.
С 1559 года она становится придворной художницей испанского короля Филиппа II. Известна Ангиссола в основном придворными портретами членов королевской семьи. Ее работы находятся в ведущих музеях мира, таких как Прадо в Мадриде и музей Флоренции.
Французская художница. Была придворной художницей королевы Франции Марии Антуанетты, по протекции которой была избрана в члены Королевcкой академии живописи и скульптуры. Впоследствии Лиже-Лебрен писала портреты многочисленных знатных особ таких, как Виллем I – король Голландии, Станислав Понятовский – король Польши, леди Гамильтон – любовницу адмирала Нельсона, княгиню Анну Федоровну – жену князя Константина Павловича второго сына Павла I и других членов российской императорской семьи. Большую известность также имеют ее мемуары, часть которых посвящена воспоминаниям о России, в которой художница провела 6 лет. Писала в основном портреты в жанре рококо и классицизма.
Американская художница, имя которой по праву стоит в одном ряду с величайшими импрессионистами. Во-первых, будучи дружна с многими из них, она много сделала для их популяризации в Америке. Во-вторых, сама писала в жанре импрессионизма и снискала достаточно большую славу и признание как художник. Лейтмотивом ее творчества был психологический мир женщин, в особенности отношения матери и ребенка.
Сюзанна Валадон – (1865 – 1938)Французская художница. В детстве работала в цирке акробаткой, но в возрасте 15 лет упала с трапеции и была вынуждена завершить цирковую карьеру. В цирке познакомилась и в дальнейшем выступала натурщицей для Ренуара, Дега, Лотрека и других. Ее портреты встречаются в известных работах данных художников, так что ее внешний вид может оказаться знаком многим. В частности, она изображена на картине Ренуара «Зонтики» в левой части холста, есть и ее персональные портреты, например, «Девушка, плетущая волосы» Ренуара или «Прачка» Лотрека.
Воодушевленная Эдгаром Дега Сюзанна сама стала художницей. В 1894 году она стала первой женщиной принятой в Societe National des Beaux-Arts в Париже. Когда она умерла на ее похороны пришли Пабло Пикассо и Жорж Брак. Ее сын Морис Утрилло также снискал большую славу как художник. Писала Валадон, в основном, портреты и пейзажи. Ее работы находятся в собрании центра Жоржа Помпиду в Париже и музее Метрополитен в Нью-Йорке.
Русско-немецкая художница. Ученица Репина. Первоначально работала в стиле реализма, достигнув такого мастерства, что была названа «Русским Рембрандтом». В 1888 году на охоте на всю жизнь повредила кисть правой руки, но с годами смогла работать ей как ранее. В 1895 с А.Г. Явленским переехала в Мюнхен, где познакомилась с Штуком, Кандинским, Ленбахом. Под влиянием которых начала работать в стиле экспрессионизма. Выставлялась вместе с группой «Синий Всадник»(1912), вставила свои работы на первом немецком осеннем салоне (1913).
происходила из известного рода представителей разнообразных творческих профессий — Бенуа-Лансере, сама была замужем и имела детей, при этом сумела оставить не малый след в живописи. Безусловно, здесь немаловажным аспектом является то, что в дворянских семьях того времени навыкам рисовать, музицировать, писать и декламировать стихи обучали с раннего детства и практически все образованные дамы того времени в-принципе неплохо рисовали. Зинайда Серебрякова, очевидно, также имела определенную протекцию благодаря связям своих родственников. Тем не менее, Серебрякова является одной из самых талантливых и известных российских художниц. Она одинаково сильно воплощает в себе оба начала: тонкую чувственную женскую натуру и художника, четко знающего, что он делает и почему.
Наталья Гончарова (1981 – 1962)Как и Зинаида Серебрякова принадлежала к знатному дворянскому роду. Она была правнучатой племянницей А.
С. Пушкина по линии жены поэта Натальи Гончаровой. В отличие от Серебряковой, Гончарова не была замечена в особой склонности к рисованию. Тем не менее, с детства увлекалась созданием чего-нибудь своими руками. Возможно, поэтому ее творческий путь развивался в стиле модерн, ее тяга к декоратизму, примитивизму четко видна в ее работах. Кстати, она была одной из первых среди европейских художников обратившей внимание на технику коллажа. Художницей Гончарову вдохновил стать будущий муж М.Ф. Ларионов, с которым они познакомились во время учебы в училище. Он вдохновлял ее на многочисленные творческие поиски, какое-то время она работала в разработанном им же стиле лучизме. Тем не менее, будучи замужем за Ларионовым, Гончарова вряд ли уступала ему в мастерстве живописи, заняв свое особое место в истории искусства.
Одна из самых известных женщин-художниц. В данном случае, как и с Гончаровой, первоначально ее талант помог раскрыть, к тому времени уже известный и состоявшийся художник Диего Ривера, в последствие ставший ее мужем.
Однако в известности Кало во многом превзошла своего учителя и мужа. Ривера признавался впоследствии, что несмотря ни на что, творчество Фриды сразило его с первого раза и на всю жизнь. Как известно Фрида Кало не могла иметь детей после катастрофы, в которую попала в юности. Эта же катастрофа, приковавшая ее на многие месяцы к кровати, способствовала ее все большему увлечению живописью и выработала ее особую, ни с чем несравнимую трагически-тяжелую манеру живописи. Душевная трагедия Фриды, как женщины, которой, несмотря на большое уважение, всю жизнь приносил страдания и сам Диего Ривера, известный ловелас, определила ее триумф как художницы. Сложно представить, каким было бы творчество Фриды и принесло бы оно ей такой же успех, если бы не ее тяжелая женская доля.
Величайший скульптор ХХ столетия. Одно из ее главных произведений скульптура «рабочий и колхозница» созданное для всемирной выставки в Париже 1937, навсегда останется одним из визуальных образов советского союза.
С 1947 года скульптура является эмблемой киностудии «Мосфильм». Вера Мухина стала лауреатом пяти Сталинских премий. И все же на самом деле ее творчество гораздо более относится к искусству и наследию модерна, нежели социалистического реализма. Кстати, именно дизайну Веры Мухиной относят знаменитый граненый стакан.
За свою долгую жизнь прошла огромный творческий путь, охватывающий разные стили, направления и техники. Ее в равной степени можно назвать и живописцем и скульптором. Она работала и в фигуративной технике и в технике абстрактной. Однако все ее произведения одинаково пропитаны женскими переживаниями и страхами, от которых она пыталась избавиться своим творчеством. Наиболее всего она, наверное, запомнится многочисленными скульптурами пауков, которых боялась с детства. А также своими художественными концепциями, отражающими во многом женские проблемы – сексуальное насилие, жестокость и непонимание. Вот уж кого больше всего можно назвать феминисткой в живописи так это Луиз Буржуа — один из символов женского начала в традиционно мужском художественном сообществе первой половины ХХ века.
представительница течения Молодых Британских Художников, обладательница премии Тернера (1999), в своем творчестве также как и Луиз Буржуа открыто выражает сексуальный контекст и феминистские настроения. Славу ей принесла телепрограмма, посвященная премии Тернера, на которую Трэйси завалилась в усмерть пьяная. Эпатаж, должно быть, занимает важное место в ее творчестве – секс и мастурбация в рисунках, использованные презервативы и женские тампоны в инсталляциях . Все это вызывало шквал негодования в Британии и во всем мире, однако судя по всему для художницы это всего лишь способ обратить внимание на несправедливую со стороны природы и мужчин женскую долю.
Безусловно, лишь этими именами список выдающихся женщин-художниц не ограничивается. Тем не менее, можно наглядно проследить. чем ближе к сегодняшему дню, тем свободнее женщины-художники выражают свои исключительно женские настроения и переживания. В тоже время сегодня их количество становится все больше.
Без стеснения женщины начинают выражать свои чувства и протесты, в том числе через искусство.
Узнавайте новости мира искусства быстрее в нашем телеграм-канале https://t.me/artandyouru
15 известных художниц и где найти их работы — tiqets.com
Приближается Международный женский день 2023 года, а весь март посвящен достижениям и вкладу женщин во всем мире, и вот некоторые из самых влиятельных и известных женщин-художников, потрясающих мир искусства.
Перейти к разделу
1. Трейси Эмин (Великобритания, 1963 г. — настоящее время)С приход / Послание Трейси Эмин, Ливерпульский соборНевозможно удержать выжившего после рака Трейси Эмин вниз. Эта известная современная художница настолько наглая, что вышла замуж за скалу в 2016 году. Объясняя «тяжелое» решение Художественная газета она сказала: «Это просто означает, что в данный момент я не одна… и это никуда не денется». Раскачать!
Трейси Эмин поразила мир серия необычных, заставляющих задуматься работ, основанных на ее жизни.
«Моя кровать» В главных ролях восхитительно несексуальные испачканные трусы, использованные презервативы, пустые бутылки из-под спиртного, тесты на беременность и забрызганные едой простыни, проданные за колоссальные 3.77 миллиона долларов на аукционе Christie’s в 2014 году.
Использование Эмином материалов служит платформой для обсуждения важных тем, от сексизма до незарегистрированных изнасилований, распущенности и публичных домогательств. Она даже назвала художественное движение под названием ‘Stuckism’ после ее бывшего Билли Чайлдиша.
📍 Где посмотреть работы Трейси Эмин: Исследуйте темные территории и необузданные эмоции, воплощенные в работах Трейси Эмин, хранящихся в музей современного искусства в Нью-Йорке Галерея Тейт в Лондоне, а Коллекция Гетц в Мюнхене.
2. Фейт Рингголд (американка, 1930-настоящее время)Родившийся в Гарлеме чернокожий художник и активист.
Вера Рингголд начинала как учитель рисования в государственной школе, где ее картины под названием «Американский народ» изображали движение за гражданские права с женской точки зрения. Она — икона феминизма, на протяжении многих лет вдохновляющая чернокожих художниц.
Мало того, что она возглавила протесты за диверсификацию художественных музеев, она даже попала в тюрьму в 1970-х годах за выставку, посвященную Маски в африканском стиле собственного творения и раскрашенные политические плакаты.
Рингголд также является опытным специалистом по шитью. повествовательные одеяла в ее художественном резюме. Ее серия лоскутных одеял «Танцы в Лувре» из 90-х показывает чернокожие семьи, наслаждающиеся европейским искусством. Среди других известных лоскутных одеял Ринггольда «Кто боится тети Джемаймы?» (1983), трибьют-одеяло Майкла Джексона «Кто плохой?» (1988) и ее самый известный «Смоляной пляж» (1988).
Если значимое активистское искусство — одна из ваших страстей, Рингголд — одна из известных женщин-художниц, которую вы должны добавить в свой список!
📍 Где посмотреть работы Фейт Рингголд: Теперь адаптированный в виде детской сказки, «Смоляной пляж» является частью постоянной коллекции Гуггенхайма в Нью-Йорке.
Соня Бойс революционное лицо современного британского искусства. Она вызвала бурю в СМИ в 2018 году, когда сняла картину Джона Уильяма Уотерхауса 1896 года «Гилас и нимфы» со стены Манчестерской художественной галереи на неделю в знак протеста против изображения женских тел в истории искусства. Этот британский художник афро-карибского происхождения стал первая чернокожая женщина, вошедшая в Постоянная коллекция галереи Тейт в 1987 году.
Эта известная современная художница известна своими красочными и женственными портретами, но использует в своих работах целый ряд медиа и часто сотрудничает с другими художниками. В начале своей карьеры Бойс втягивала себя в исторические эпизоды, в которых не участвовали цветные люди, и она известна тем, что исследует связи между звуком и памятью.
Под флагом чернокожих художниц она была выбрана Британским советом в качестве первая чернокожая женщина, которая будет представлять Великобританию на Венецианской биеннале 2021 года. и преподавал изобразительное искусство более 30 лет в качестве Профессор черного искусства и дизайна Лондонского университета искусств.
📍 Где посмотреть работы Сони Бойс: Старейшая в мире международная художественная выставка, Венецианская биеннале, показал работу Бойса в 2021. Вы можете увидеть ее текущая выставка в галерее Саймона Ли, Тернер Современник, А Галерея Уайтчепел в Лондоне.
4. Вивьен Вествуд (Великобритания, 1941–2022 гг.)Изображение из ShowStudio.comМодельер и влиятельный человек еще до того, как это стало чем-то особенным, Дама Вивьен Вествуд принесла моду новой волны в мейнстрим со своим собственным чутьем.
Как одна из самых известных женщин-художников в области дизайна одежды, Вествуд прославилась в 1970-х годах благодаря сотрудничеству Kings Road с промоутером и менеджером Sex Pistols Малкольмом Маклареном.
После этого она почти создал фирменный образ для зарождающегося панк-движения в Лондоне. и открыла ряд собственных магазинов.
Эта мощная панк-королева и известная художница имеет историю вызывания споров шокирующими произведениями, культовыми британскими образами и политическими заявлениями, что объясняет, почему мир начал смотреть.
Вскоре она стала дизайнером для множества частных и знаменитых клиентов. Принцесса Евгения имела хороший вкус, чтобы носить лейбл Вивьен на всех церемониях королевской свадьбы в 2011 году, в то время как Гвен Стефани, Оливия Уайлд, Люси Лью и Рэйчел МакАдамс потрясли ее творения на красной дорожке.
📍 Где посмотреть работы Вивьен Вествуд: После ее смерти в 2022 году по всему миру открылись выставки, посвященные жизни и творчеству Вивьен Вествуд. Познакомьтесь с некоторыми иконами стиля художника в этом онлайн-выставка от V&A, включая яркий дизайн обуви, бондажные наряды и провокационные футболки эпохи панка.
Ингрид Поллард — британский художник и фотограф, чей зондирующий объектив изображает социальные устои общества с акцентом на расовые различия через пейзажи и портретную живопись.
Поллард родилась в Гайане, а в детстве эмигрировала в Лондон со своей семьей, где живет и работает до сих пор. Ее серия фотографий 1980-х годов под названием «Пасторальные интерлюдии» переносит нас в повседневную жизнь чернокожих среди английских пейзажей.
Как защитник других чернокожих художниц, Недавняя работа Полларда включает в себя повторное изучение британских и международных архивов с целью деколонизации этнографических и государственных изображений бывших колоний.
📍 Где посмотреть работы Ингрид Поллард: Один из четырех номинантов на Премия Тернера в 2022 году, ее работы в настоящее время выставлены в Галерея Тейт в Лондоне, а также Музей Виктории и Альберта и Коллекция Совета по делам искусств Великобритании.
С карьерой, охватывающей четыре десятилетия, счастливчик Энни Лейбовиц считается одним из величайших фотографы-портретисты нашего поколения и одна из самых известных художниц на планете. Ее работа, несомненно, изменила лицо искусства, каким мы все его знаем.
Культовая портретная фотография Лейбовиц была вдохновлена такими фотографами, как Роберт Франк и Анри Картье-Брессон, двумя художниками 20-го века, которые ввели документальную фотографию в настоящее, и ее десятилетней ролью главный фотограф в Перекати-поле журнал поставить ее на идеальный путь для соло.
Модели Лейбовиц включают Вупи Голдберг в ванне с молоком, беременную Деми Мур, Джона Леннона, The Rolling Stones и Долли Партон, в то время как ее последняя работа до сих пор вдохновляет многих на страницах журнала.
Ярмарка тщеславия журнал. Даже покойная королева Елизавета II не избежала ее всевидящего, всеобличающего объектива.
📍 Где посмотреть Работы Анни Лейбовиц: Энни Лейбовиц представляет «Upstate», недавно выпущенную печать ограниченного тиража, которая принесет пользу Black Lives Matter, Инициативе равного правосудия и усилиям по оказанию помощи COVID-19. Он представляет собой сетку фотографий, сделанных во время карантина. Посмотреть сейчас онлайн.
7. Джорджия О’Киф (американка, 1887 — 1986)Джорджия О’Киф, общественное достояние, через Wikimedia CommonsХудожника Джорджия О’Киф сделал для женских гениталий то, что Моцарт сделал для фортепиано. Ее монументальные натюрморты, основанные на цветочных композициях, напоминающих вагины, сделали ее одной из самых противоречивых, но известных художниц в мире.
Признан «Мать американского модернизма» она также известна своими успокаивающими пейзажами пустыни Нью-Мексико и небоскребами Нью-Йорка.
Музей Джорджии О’Киф в Санта-Фе., открытая через 11 лет после смерти художника и первый музей, когда-либо посвященный художнице-одиночке в США.
Впечатляет то, что О’Киф установила рекорд аукциона среди художников-женщин в 2014 году своей картиной «Джимсон Виид / Белый цветок № 1» (1932), проданной на Sotheby’s за 44.4 миллиона долларов.
📍 Где посмотреть работы Джорджии О’Киф: В музее Джорджии О’Киф в Санте-Фе, штат Нью-Мексико, находится самая большая коллекция работ Джорджии О’Киф в мире. С апреля по август 2023 года вы также можете увидеть подборку ее работ на Музей современного искусства (MoMa) в Нью-Йорке.
8. Яёи Кусама (японец, 1929-настоящее время)Лиззи Шаанан Pikiwiki Israel, CC BY 2.5 , через Wikimedia CommonsПринцессу в горошек невозможно определить. Яёи КусамаВ своей обширной карьере он видел странные, творческие набеги на живопись, коллаж и экологические инсталляции.
Родившаяся в Японии в 1929 году, в детстве она ничего не любила, кроме рисования и живописи. Когда ее неодобрительные родители разлучили их, сославшись на искусство как на способ заработать на жизнь, она только заработала больше… и доказала, что они ошибались.
Кусама бросилась в поп-арт, минимализм и феминистские направления в искусстве задолго до того, как они стали мейнстримом, и она оказала влияние на современников от Энди Уорхола до Дональда Джадда. На этом ее таланты не заканчиваются — Кусама также писательница и поэтесса, и, как известно, она даже увлекается модой и кино.
Она одна из первых художников, которые экспериментировали с перформансом и экшн-артом. Какая женщина… хоть и немного не в себе.
📍 Где посмотреть Работа Яёи Кусамы: В настоящее время она готовится к выходу на бис «Бесконечные зеркальные комнаты» в Галерея Тейт до апреля 2023 года и Выставка «Ты, я и воздушные шары» будет представлена на Factory International в Манчестере этим летом.
Многие считают сербскую «бабушкой перформанса». Марина Абрамовичпротиворечивая работа означает, что она подвергает себя экстремальному физическому и психологическому давлению, в то время как изучение отношений между исполнителем и слушателем.
В статье под названием Любовники (1988), она и ее бывший, как известно, прошли 2,500 км друг к другу с двух сторон Великой Китайской стены, встретившись посередине, чтобы «попрощаться». Сейчас это расставание, которое вы не забудете! В 1993 году в фильме «Художник присутствует» она сидела в атриуме музея, а иногда веселые, часто взволнованные зрители по очереди сидели напротив нее.
В последние годы Абрамович была вынуждена защищаться от теоретиков заговора, которые обвинили Microsoft (партнера по рассматриваемому произведению искусства), помимо прочего, в работе с «ведьмой», но Леди Гага любит ее. Она классно помогла певцу бросить курить.
📍 Где посмотреть работы Марины Абрамович: Впервые в Великобритании произведения Абрамович и серия лекций с участием самой художницы будут доступны для посетителей на Королевская Академия Искусств с сентября по декабрь 2023 года.
10. Фрида Кало (Мексика, 1907 – 1954)Гильермо Кало, общественное достояние, через Wikimedia CommonsМгновенно узнаваемая по ее многочисленным автопортретам, большинство поклонников искусства знают одну из самых известных художниц Мексики. Фрида Кало всего одним взглядом на ее брови. Ее эксцентричный образ жизни, бурные отношения с коллегой-художником Диего Риверой и трагическая смерть делают Фриду Кало интересным персонажем, не говоря уже об одной из величайших художниц всех времен.
Фрида Кало родилась в Мехико на рубеже 20-го века, и многие ее работы автобиографичны. Пораженная полиомиелитом в детстве, а затем пострадавшая от травм, полученных в автомобильной аварии в подростковом возрасте, Кало, возможно, была ограничена в движениях, но ее художественный талант процветал. Ее сюрреалистический стиль, резкие концептуальные контрасты и яркие цвета укрепили Фриду Кало как одна из самых известных художниц века.
📍 Где посмотреть работы Фриды Кало: Полная коллекция произведений искусства Кало состоит из 200 картин, эскизов и рисунков., из которых 143 шт. автопортреты. В сочетании с другими артефактами из ее жизни, Музей Фриды Кало в Мехико демонстрирует ее художественные инструменты, мебель и сотни предметов вышитой одежды в традиционном мексиканском стиле.
11. Артемизия Джентилески (итальянка, 1593 – 1653)Артемизия Джентилески, Общественное достояние, через Wikimedia CommonsЧтобы не уступать своим современникам-мужчинам, таким как Рафаэль, Микеланджело и Донателло, Артемизия Джентилески до недавнего времени жил в тени итальянского искусства эпохи Возрождения.
Как видно из этого потрясающего автопортрета, Артемизия Джентилески находится в авангарде женщин в искусстве эпохи Возрождения.
Она начала заниматься профессиональным искусством в зрелом возрасте 15 лет по образцу стиля Караваджо. Она вошла в историю как первая женщина, принятая в Accademia di Arte del Disegno во Флоренции., учреждение, основанное знаменитой семьей Медичи.
Однако несравненный талант Джентилески сопровождается травмой. Джентилески подверглась сексуальному насилию со стороны коллеги-художника, и сюжеты ее картин часто отражают жестокие изображения мужчин и женщин. Такие картины, как «Иаиль и Сисара» и «Юдифь и ее служанка с головой Олоферна», изображают женщин, восстанавливающих свою власть — обычно обезглавливая мужчин.
📍 Где посмотреть работы Артемизии Джентилески: Искусство Артемизии Дженилески, часто изображающее библейские или мифические сцены, украшает стены Галерея Уффици во Флоренции, Мет в Нью-Йорке и Национальная галерея в Лондоне.
Случайно родившаяся в Чикаго, Джуди Коэн сменила фамилию на Чикаго после смерти отца и первого мужа. Желая чего-то «полностью независимого» от мужчин прошлого, настоящего и будущего в своей жизни, она стала художницей. Джуди Чикаго.
Джуди Чикаго, наиболее известная своей инсталляцией, метко названной «Званый ужин» в 1970-х годах, стала нарицательной. «Званый ужин» состоит из большой треугольной поверхности с рассадкой, которая отмечает важные женские фигуры на протяжении всей истории с символической сервировкой стола, представляющей каждого гостя.
Спустя почти 60 лет после «Званого ужина» коллективная работа Чикаго была представлена в Музее де Янга в Сан-Франциско, в том числе «Проект «Рождение», в котором представлены рукоделие и вышивка множества сотрудничающих художников, изображающие прогрессивные этапы беременности и родов.
и «Проект Холокоста», который чтит ее еврейское наследие и миллионы жертв Холокоста.
📍 Где посмотреть работы Джуди Чикаго: «Званый ужин» находится в постоянной экспозиции Центра феминистского искусства Элизабет А. Саклер в Бруклинский музей В Нью-Йорке.
13. Малиха Абиди (США, 1998 – настоящее время)Малиха Абиди, «Почему я марширую». (Фото: Малиха Абиди)Прорывным художником в мире NFT является Малиха Абиди, американский художник пакистанского происхождения, специализирующийся на красочном цифровом искусстве, яркой анимации и острых иллюстративных комментариях.
Несмотря на то, что NFT (невзаимозаменяемые токены) все еще относительно новы на рынке, они относятся к токенам на основе блокчейна, которые представляют собой уникальный актив, начиная от произведений искусства и заканчивая цифровым контентом и другими медиа.
Как основатель ЖенщиныПодъем, Малиха Абиди основывает свою работу на проблемы социальной справедливости, затрагивающие женщин во всем мире.
Прибыль от ее работ часто жертвуется организациям, занимающимся вопросами гендерного равенства, группам защиты интересов BIPOC и учебным заведениям для девочек.
📍 Где посмотреть работы Малихи Абиди: Абиди является автором нескольких книг и создал иллюстрации и анимацию для нескольких веб-сайтов. проверить ее цифровой репертуар.
14. Хильма аф Клинт (шведка, 1862–1944)Фото автора Музей Гуггенхайма, «Хильма аф Клинт: картины будущего»С коллекцией произведений искусства, запечатанной в течение 20 лет после ее смерти, чистое любопытство является одной из причин, по которой шведская художница Хильма аф Клинт оставила свой след в этом списке известных художниц.
Без ее ведома Климт считается одним из первые художники, создавшие абстрактное искусство в западном мире. За свою жизнь она произвела более 1,300 оригинальных картин и рисунков — в том числе личный альбом для зарисовок, — который, согласно ее воле, хранился в тайне в течение двух десятилетий после ее смерти.
Затаив дыхание, работы Клинт стали доступны после истечения мандата для ожидающего мира, и ее искусство было замечено на выставке в таких местах, как Музей Гуггенхайма в Нью-Йорке, Moderna Museet в Стокгольме и несколько музеев в Нидерландах.
📍 Где посмотреть работы Хильмы аф Клинт: В паре с голландским художником Питом Мондрианом вы найдете работы Клинта на Tate Modern в Лондоне, а также Kunstmuseum в Гааге, Нидерланды.
15. Мария Примаченко (украинка, 1909 – 1997)Укрпочта, CC BY-SA 4.0Через Wikimedia CommonsЗнаменитая художница, вдохновившая и Пабло Пикассо, и Марка Шагала, взяла на себя новую роль – бедственное положение Украины.
Мария Примаченкомифические животные, раскрашенные психоделическими принтами и узорами, вдохновляли тысячи людей на протяжении ее карьеры, а ее наследие навсегда запечатлено в культурных волокнах Украины.
Ее работы украшают монеты и почтовые марки, и на десятилетия она стала национальным символом украинского искусства.
В ее причудливых рисунках представлены существа, которые имитация вышивки, квилтинга и гобеленов, практика, заложенная в культуре украинских женщин.
Жизнь Пирамаченко полна трагедий, и война была ей не чужда. Она выросла в тени нацистского режима и железного занавеса коммунизма. Сегодня ее работа выступает за мир и протест против путинской России. В 1966 году Примаченко была присуждена Национальная премия Украины имени Тараса Шевченко, одна из самых престижных наград страны, и она ни разу не продала ни одного произведения за деньги — все были подарками.
📍 Где посмотреть Мария ПримаченкоАвтора Работа: Около 650 работ Пирамаченко можно найти на Национальный музей украинского народного декоративного искусства в Киеве, а ее работы были представлены на международной выставке в рамках 59-й Венецианской биеннале в 2022 году.
С этим списком известных художниц со всего мира у вас будет еще одна причина отпраздновать Международный женский день 2023 года.
Сравните своих фаворитов с лучшие женщины-художники, отобранные женщинами-хранителями музеев, или загляните в любое количество музеев, чтобы найти известные художники эпохи Возрождения.
Теги: женский день
20 лучших художниц всех времен
1
Элизабет Луиза Виже Ле Брун (Франция, 1755–1842)
Getty Images Полностью самоучка, Элизабет Луиза Виже Ле Брун стала художницей, несмотря на серьезные препятствия (как и любая женщина). в конце 18-го века в Париже) и действовал в одни из самых неспокойных периодов в европейской истории. С вмешательством Марии-Антуанетты она была принята во Французскую академию в возрасте 28 лет как одна из четырех женщин-членов. Виже Лебрен особенно хвалили за ее симпатичные портреты аристократок, которые считались более естественными, чем работы ее современников. Вынужденный бежать из Парижа во время революции, художник путешествовал по Европе, впечатляюще получая заказы во Флоренции, Неаполе, Вене, Санкт-Петербурге и Берлине, прежде чем вернуться во Францию после урегулирования конфликта.
На фото: Элизабет Луиза Виже Лебрен, Автопортрет в соломенной шляпе (1782).
2
Мэри Кассат (американка, 1844–1926)
Getty ImagesОдна из трех женщин-художниц и единственная американка, официально связанная с импрессионизмом, Мэри Кассат также была бесценным советником, помогая представить европейское искусство крупным коллекционерам в Соединенных Штатах. Состояния. Кассат твердо верила, что живопись должна отражать современную жизнь. Ее современная женщина искусно изображена на картине 1878 года 9.0017 В Ложе — первая импрессионистская работа художника, выставленная в США. Многие художники-мужчины изображали женщин в театральных ложах как объекты для демонстрации, но главная героиня Кассат играет динамичную роль, наблюдая за происходящим. Тем не менее преобладает мужской взгляд, так как вдалеке седовласый театрал смотрит прямо на нее в собственный бинокль. Как зритель и наблюдатель, мы замыкаем круг.
На фото: Мэри Кассат, В ложе (1878 г.
), МИД Бостона.
3
Хильма аф Клинт (шведка, 1862–1944)
Getty ImagesТолько когда в Музее Гуггенхайма был проведен крупный обзор ее работ, Хильма аф Клинт наконец получила широкое признание как выдающийся пионер абстрактного искусства; ее самые ранние абстрактные композиции были завершены за несколько лет до работ Василия Кандинского, Казимира Малевича и Пита Мондриана. С октября 2018 года по апрель 2019 года выставка « Hilma af Klint: Paintings for the Future » представляла собой множество больших, ярких, несколько волшебно выглядящих абстрактных работ и остается самой посещаемой выставкой Гуггенхайма за всю историю.
Родившаяся в Стокгольме, аф Клинт посещала городскую Королевскую академию изящных искусств, которую окончила в 1887 году и впоследствии стала широко известна своими фигуративными работами и работала секретарем Ассоциации шведских женщин-художников. В это время спиритуализм и теософия набирали силу, поскольку люди, в том числе аф Клинт, искали способ примирить религию со многими последними научными достижениями.
Эти системы верований вдохновили ее на первую большую группу непредметных, необъективных работ. Звонил Картины для храма, 193 картины были созданы между 1906 и 1915 годами и исследовали дуалистическое восприятие творения, эволюции и вселенной. Аф Клинт, предназначенный для установки в спиральном храме, распорядился, чтобы работы не демонстрировались до 20 лет после ее смерти. Эти картины, наряду с некоторыми из ее более ранних произведений, составляли основную часть выставки в Гуггенхайме — спиральном святилище само по себе.
На фото: Хильма аф Клинт, Десять крупнейших, № 7, Взрослость (1907 г.).
Реклама — Продолжить чтение ниже
4
Джорджия О’Киф (американка, 1887–1986)
Getty Images Основополагающая фигура американского модернизма, в 1915 году Джорджия О’Киф была одним из первых американских художников, создавших чисто абстрактное произведение искусства, в отличие от доминирующего движения американского реализма.
В Music, Pink and Blue из 1918 года О’Киф абстрагирует цветочный сюжет с помощью экстремальной обрезки, создавая арку из разноцветных лепестков, которые гудят с музыкальной энергией, подсказанной названием. Теории русского художника Василия Кандинского отчасти вдохновили О’Киф исследовать «идею о том, что музыку можно превратить во что-то для глаз», чтобы достичь чистого выражения, свободного от других внешних отсылок.
На фото: О’Киф позирует с Pelvis Series Red with Yellow (1945) в Альбукерке, Нью-Мексико, 1960 год. с Гарлемским ренессансом Августа Сэвидж также была влиятельным учителем и активистом, выступавшим за равные права афроамериканцев в искусстве. Родившаяся недалеко от Джексонвилля, штат Флорида, Сэвидж переехала в Нью-Йорк в 1921 году, чтобы изучать искусство в Cooper Union, опередив 142 человека в списке ожидания на место в колледже. В 1923 года Сэвидж подала заявку на участие в летней художественной программе, спонсируемой французским правительством, но в конечном итоге получила отказ из-за своей расы.
Так началась ее пожизненная борьба за демократизацию и уравнивание искусств. Один из ее первых заказов, бюст У. Э. Б. Дюбуа для Гарлемской библиотеки, был хорошо принят, и Сэвидж приступила к лепке других афроамериканских лидеров, включая Маркуса Гарви и Уильяма Пикенса-старшего. из Гарлема, Гамин, принес ей широкое признание и помог ей получить стипендию для обучения в Академии де ла Гранд Шомьер, расположенной в Париже, где она выставляла свои работы и получила множество наград. Сэвидж вернулся в США в 1931 и открыла Savage Studio of Arts and Crafts, которая в 1932 году стала Центром искусств сообщества Гарлема. Два года спустя она стала первой афроамериканской художницей, избранной в Национальную ассоциацию женщин-художников и скульпторов. Всю оставшуюся жизнь художница продолжала создавать новаторские работы — она была одной из четырех женщин, получивших заказ на Всемирной выставке 1939 года, — и посвятила свое время обучению искусству окружающих.
На снимке: Огаста Сэвидж работает над произведением, Нью-Йорк, штат Нью-Йорк, 19 лет.
38.
6
Фрида Кало (Мексика, 1907-1954)
Getty ImagesЖестокие автопортреты Фриды Кало с ее культовой смелой монобровью и усами когда-то были описаны Андре Бретоном, основателем сюрреализма, как «ленты [s ] вокруг бомбы». Действительно, картины Кало одновременно соблазнительны и конфронтационны. В «Двух Фридах (Las dos Fridas)» 1939 года, завершенных вскоре после развода Кало с мексиканским художником-монументалистом Диего Риверой, Кало изображает две свои личности — одну в традиционном костюме техуана с разбитым сердцем, а другую в современной одежде, независимую, с полным сердцем. Постоянное переделывание и наслоение Кало собственной личности было важным предшественником политики идентичности и продолжает вдохновлять художников сегодня.
На фото: Фрида Кало, Две Фриды (Las dos Fridas) (1939), на выставке в 2007 году.
Реклама — Продолжить чтение ниже Images
Луиза Буржуа родилась в Париже в семье родителей, занимавшихся реставрацией гобеленов, и росла, помогая им в мастерской, заполняя недостающие части рисунков, изображенных на гобеленах.
Хотя она изучала математику и геометрию в Сорбонне, в конце концов она вернулась к искусству, занимаясь гравюрой, живописью и крупномасштабной скульптурой на протяжении всей своей долгой и разнообразной карьеры. Хотя формально она не была связана с каким-либо конкретным художественным движением, она выставлялась с абстрактными экспрессионистами и исследовала в своих работах такие темы, как одиночество, ревность, гнев, сексуальность и бессознательное.
В 1982 году, в возрасте 70 лет, Буржуа, наконец, получила возможность проявить себя, когда в Музее современного искусства была представлена ретроспектива ее работ, на которой были представлены искаженные человекоподобные фигуры, подвешенные к проводам; тканевые творения из ее старой одежды; и огромные скульптуры пауков, которыми ее больше всего помнят сегодня.
На снимке: Луиза Буржуа, Maman (1999 г.), сфотографирована в Гамбурге, Германия, в 2012 г.
8
Агнес Мартин (канадка, 19 лет)12-2004)
Shutterstock Агнес Мартин, часто ассоциируемая с минималистским движением, существовала в своей собственной лиге и не поддается простой классификации.
Сильно личная и духовная, Мартин объяснила, что ее картины приходят к ней полностью сформированными, размером с почтовые марки, которые она переводит на крупномасштабные холсты. Блестящая золотая икона Friendship 1963 года является великолепным примером оригинальной сетки художника. Тонко прочерченные линии Мартина, кажущиеся совершенными, но при ближайшем рассмотрении проникнутые чувством человеческой руки, создают бесконечное поле с таинственным качеством — воплощение трансцендентного спокойствия. Ретроспектива работ Мартина открывается в музее Гуггенхайма в Нью-Йорке в октябре 2016 г.
На фото: Агнес Мартин, Friendship (1963), выставленная в Tate Modern в Лондоне в 2015 году. известная своими сюрреалистическими работами, Леонора Кэррингтон родилась в Соединенном Королевстве и изучала живопись в Школе искусств Челси, а затем в 1936 году перешла в Академию изящных искусств Озенфанта в Лондоне. В том же году она посетила Международную выставку сюрреалистов и нарисовала работе немецкого художника Макса Эрнста.
В следующем году они встретились на вечеринке и закрутили короткий роман, живя вместе в Париже до начала Второй мировой войны, после чего Эрнст был арестован местными властями и вынужден бежать от преследований. Он бежал в Соединенные Штаты с помощью Пегги Гуггенхайм, на которой позже женился.
Вскоре после того, как они расстались, Кэррингтон была госпитализирована с психическим расстройством и лечилась сильнодействующими препаратами. После освобождения она бежала в Мексику, где ее глубоко вдохновил местный фольклор, который во многом повлиял на ее творчество. Ее очень автобиографические картины содержат отсылки к колдовству, метаморфозам и оккультизму, изображая фантастических существ и преследующие сцены. В 70-х она стала участником женского освободительного движения и разработала плакат под названием «9».0009 Mujeres Conciencia, за дело в 1973 году. В 1986 году она получила Премию за выслугу на съезде Женского собрания искусства в Нью-Йорке за свою приверженность своей политической работе.
На фото: Леонора Кэррингтон, Испытание Оуайна (1959).
Реклама — Продолжить чтение ниже
10
Элейн Стертевант (американка, 1924-2014)
Christies Images/Bridgeman Images Работы Элейн Стертевант (известной по своей фамилии) вызывают двоякое впечатление; то, что на первый взгляд кажется картиной Энди Уорхола или Джаспера Джонса, на самом деле является ее собственной работой, в которой формы и приемы оригинала заимствованы с пугающей точностью. С 1964 года Стертевант использовала работы своих современников-мужчин, чтобы подвергнуть сомнению гендерную иерархию, оригинальность и авторство, а также структуры искусства и культуры. На самом деле Уорхол даже согласился позволить Стертеванту использовать своего производителя экранов для производства того же экрана Мэрилин, который он использовал в своей собственной работе. Как вспоминает Стертевант, когда Уорхола спрашивали о деталях его процесса, он говорил людям «спросить Элейн».
На фото: Элейн Стертевант, Диптих Уорхола (1973), проданный Christie’s в 2015 году.
11
Бетье Саар (американка, 1926 г.р.)
Getty ImagesОдна из самых знаменитых художниц в области ассамбляжа, Бетье Саар — настоящая икона в сфере современного искусства. . Она родилась в Лос-Анджелесе, училась в Калифорнийском университете в Лос-Анджелесе, который окончила в 1947 году со степенью в области дизайна, но со страстью к гравюре. В 1967 году она посетила выставку скульптора по найденным предметам Джозефа Корнелла, которая радикально повлияла на ее творческую траекторию. Она начала выстилать коробки для сборки своими собственными отпечатками и рисунками и заполнять их найденными предметами, создавая предметы, посвященные расе и текущим событиям.
После убийства доктора Мартина Лютера Кинга-младшего в 1968 году ее работа стала более откровенно политической и экстремальной. В 1970-х Саар был членом Движения черных искусств, состоящего из поэтов, писателей, исполнителей и художников, которые объединили активизм и искусство, чтобы противостоять структурам власти белых и озвучить опыт черных.
В ее самой известной работе, «Освобождение тети Джемаймы » (1972), изображена кукла-мама, вооруженная винтовкой и гранатой, готовая бороться с предрассудками, физическим насилием и пренебрежительными стереотипами, навязанными чернокожим американцам. Как объяснил Саар: «Моя цель как художника — создавать работы, разоблачающие несправедливость и раскрывающие красоту. Радуга — это буквально спектр цветов, а духовно символ надежды и обещания».
На фото: Бетье Саар, Brides of Bondage , на выставке в колледже Сэддлбэк в Мишн-Вьехо, Калифорния, 1998 год. Картина « Горы и море, » 1952 года сыграла ключевую роль в переходе от грандиозного жеста абстрактного экспрессионизма к плоским, медитативным формам живописи цветового поля. В первую очередь колорист, Франкенталер выливал банки с краской на необработанный холст, позволяя материалу впитываться в основу, образуя аморфные формы. Будучи женщиной абстрактного экспрессионизма, Франкенталер прорвалась сквозь движение, в котором доминировали мужчины, и позволила услышать свой собственный уникальный художественный голос.
Ее работы в настоящее время являются частью давно назревшей выставки под названием «Женщины абстрактного экспрессионизма», которая открылась в Художественном музее Денвера в июне 2016 года и отправится в Музей монетного двора в Шарлотте и Художественный музей Палм-Спрингс.
На фото: Хелен Франкенталер c.
13
Яёи Кусама (яп., род. 1929)
Getty Images Королева в горошек, Яёи Кусама была значительной силой авангардного искусства в 1960-х и продолжает раздвигать границы искусства — даже в моде благодаря недавнему сотрудничеству с Louis Vuitton. Ее «хэппенинги» в 1960-х годах были новаторскими, в частности, .Narcissus Garden 1966 года, которую художник исполнил на мировой сцене на Венецианской биеннале. Спонсируемый коллегой-художником Лучио Фонтаной, Кусама собрал 1500 серебряных шаров — трехмерных точек в горошек — на лужайке и предложил их для продажи посетителям по 1200 лир (два доллара) каждый в качестве критики коммерциализации мира искусства.
На фото: Яёи Кусама, Narcissus Garden (1966), на выставке в Chatsworth House в Чатсуорте, Англия, 2009 г.
14
Джуди Чикаго (американка, 1939 г.р.)
Дональд ВудманОтдавая дань уважения выдающимся женщинам в истории, художница-феминистка, писательница и педагог Джуди Чикаго ушла значительно дальше во времени, чем Париж конца 18-го века. В Ужине с 1974 по 1979 год в Чикаго была произведена культовая инсталляция, посвященная 1038 женщинам в истории, с вышитыми входными знаменами, выгравированным полом и массивным треугольным банкетным столом с сервировкой для 39 женщин, с гостями, начиная от Изначальной Богини. в Джорджию О’Киф. В настоящее время размещенная в Центре Саклера в Бруклинском музее, инсталляция является центральным элементом феминистского искусства, созданным в ключевой период 19-го века.70-е годы, когда женщины-художницы вплотную занялись гендерными вопросами.
На фото: Джуди Чикаго, Званый ужин (1974-1979), Бруклинский музей.
15
Марина Абрамович (серб, род. 1946)
Getty ImagesМарина Абрамович, самопровозглашенная бабушка исполнительского искусства, совершенствует свою практику более пяти десятилетий. Она родилась в Белграде, Югославия (ныне Сербия), в семье строгих родителей, тесно связанных с коммунистическим режимом страны. Она изучала живопись в Академии изящных искусств в Белграде, а затем получила степень магистра в Академии изящных искусств в Загребе.
Она начала изучать искусство перформанса в 70-х, отказавшись от холста и вместо этого превратившись в медиум, чтобы более тесно общаться со своей аудиторией. Включая перформанс, звук, видео, фотографию и скульптуру, ее работа, состоящая из длинных рутин, которые часто подвергают ее физической опасности или боли, исследует такие темы, как доверие, выносливость, очищение, истощение и уход, и заставляет зрителей смотреть на поскольку она проверяет пределы своего тела.
В 1976 году Абрамович начал сотрудничать с немецким художником Улаем, и они оставались творческими и романтическими партнерами до 19 лет.
88 лет, когда она обнаружила, что он изменил ей. В 2010 году Абрамович поставил перформанс на выносливость в Музее современного искусства под названием «Художник присутствует ». В течение двух с половиной месяцев она сидела на одном конце стола и приглашала зрителей сесть напротив нее, чтобы ненадолго поучаствовать в молчаливых встречах. Удивив Абрамович и тронув ее до слез, Улай сел с другой стороны стола, и они разделили трогательный момент после более чем 20-летнего молчания.
На фото: Марина Абрамович исполняет Марина Абрамович: Художник присутствует в Музее современного искусства 9 марта 2010 года в Нью-Йорке.
Реклама — Продолжить чтение ниже
16
Адриан Пайпер (американец, 1948 г.р.)
Getty Images «Дорогой друг, я черный. Я уверен, что вы не осознавали этого, когда делали/смеялись/согласились с это расистское замечание», — говорится в книге Адриана Пайпера « My Calling (Card) № 1 с 1986 по 1990 год».
В ней 9В серии 0207 Мифическое существо Пайпер превратилась в чернокожего мужчину из низшего сословия и гуляла по улицам Кембриджа, разоблачая абсурдность стереотипов общества.
Будучи светлокожей чернокожей художницей, ее конфронтационная работа остается чрезвычайно провидческой и значимой сегодня, заставляя нас сомневаться в социальной иерархии и восприятии идентичности. Недавно Пайпер была награждена премией «Золотой лев» как лучший художник на 56-й Венецианской биеннале в 2015 году за свою работу.0017 The Probable Trust Registry , который состоит из киосков корпоративного вида, где посетители могут подписать контракты, соглашаясь жить в соответствии с набором правил, поощряющих личную ответственность.
На снимке: Адриан Пайпер получает награду «Золотой лев» на 56-й Венецианской биеннале в 2015 году. Фотореалистичные работы Минтера обращаются к современным идеалам красоты, сексуальности и человеческому телу в стиле глянцевых модных образов.
Известная своими картинами на эмали и металле, у нее есть процесс, который состоит из фотографирования на пленку, обработки их в темной комнате и наложения нескольких избранных для создания совершенно новой композиции, на которой будет основана ее окончательная картина.
Получив степень бакалавра в Университете Флориды в 1970 году и степень магистра иностранных дел в Сиракузах в 1972 году, Минтер переехала в Нью-Йорк и начала снимать безвкусные сцены, связанные с женским домашним хозяйством, такие как кухонный пол и различные продукты питания. В 80-х она сосредоточила свой объектив на более чувственных темах, а именно на женском теле и порнографии. Ее откровенно сексуальные работы вызвали широкую негативную реакцию, что заставило Минтер исследовать, почему страсть, желание и близость были — и остаются — окутаны публичным дискомфортом. Сочетая в себе элементы изящной фэшн- и бьюти-фотографии и яркие рекламные образы, работы Минтера сопоставляют понятия гламура и безупречности (накрашенные губы, ослепительные туфли на шпильке и блестящие веки) с менее желательными реалиями (потом, слюной, волосами и грязью).
На фото: Мэрилин Минтер, Orange Crush (2009), на выставке в своей студии в Нью-Йорке в 2009 году. Pictures Generation, группа американских художников начала 70-х, которые были известны своим анализом медиакультуры, Синди Шерман создает фотографические автопортреты, критикующие пол и идентичность. Работая режиссером, визажистом, парикмахером, стилистом, моделью, сценографом и фотографом, художница превращается в сложных персонажей и снимает себя в не менее сложных сценах.
После окончания Университета штата Нью-Йорк в Буффало Шерман переехал в Нью-Йорк в 1976 году, чтобы продолжить карьеру фотографа. Вскоре после приезда она начала работать над кадрами из фильма без названия (1977-80), своей ныне культовой серией, в которой она появляется в самых разных обличьях и декорациях, изображая женские стереотипы, встречающиеся в кино и средствах массовой информации, включая несчастную домохозяйку . , брошенный любовник и уязвимый наиф .
С тех пор она продолжала перевоплощаться во множество персонажей, заставляя свою аудиторию противостоять другим распространенным стереотипам и их искусственности.
На протяжении всей своей карьеры Шерман сотрудничала с рядом модных брендов, включая Prada, Dolce & Gabbana, Balenciaga и Marc Jacobs, а также с модными журналами, включая Interview и Harper’s BAZAAR . В 2016 году она подрабатывала звездой уличного стиля для сатирической статьи в мартовском номере Bazaar .
На фото: Синди Шерман, Untitled #414 , (2003), на выставке в Национальной портретной галерее в центре Лондона в 2016 году.
Реклама — Продолжить чтение ниже
19
Ширин Нешат (иранка, 1957 г.р.)
Getty Images Родившаяся в Казвине, Иран, Ширин Нешат переехала в Соединенные Штаты в 1974 году, чтобы учиться в Калифорнийском университете в Беркли. получив степень бакалавра и магистра изящных искусств в 1983 году.
Вскоре после окончания учебы она переехала в Нью-Йорк, где проработала 10 лет в Магазине искусства и архитектуры. Только вернувшись в Иран в 1993 году, через 14 лет после Исламской революции, она снова начала заниматься искусством.
Известная своими работами в области фотографии, видео и кино, проекты Нешат часто исследуют различные оппозиции, от ислама и Запада до мужчин и женщин. Как она объяснила на выставке, организованной инициативой по сбору средств Art 19: «Я всегда считала, что художники должны быть политически сознательными, и в моем личном случае родиться в Иране, стране, которая подорвала основные права человека, особенно после исламского революции, я неудержимо стремился к созданию искусства, связанного с проблемами тирании, диктатуры, угнетения и политической несправедливости. Хотя я не считаю себя активистом, я считаю, что мое искусство, независимо от его природы, является выражением протеста и призывом к человечности».
Ее первые видеоинсталляции — Turbulent (1998), Rapture (1999) и Fervor (2000) — исследовали гендер и общество, в частности ограничения исламских законов в отношении женщин; ее первый полнометражный фильм « Махдохт » (2004 г.
), основанный на романе Шахрнуш Парсипур « женщин без мужчин, », аналогичной теме. Нешат была удостоена впечатляющего количества наград за свою работу, в том числе Международной премии на Венецианской биеннале 1999 года и Серебряного льва за лучшую режиссуру на Венецианской биеннале 2009 года.Венецианский кинофестиваль.
На фото: Ширин Нешат позирует в своей студии в Сохо, Нью-Йорк, 2011 год. подробные интерьеры, посвященные таким темам, как сексуальность, раса, красота и гендер, и исследуют, как представление женщин в популярной культуре влияет на наше определение женственности. Используя стразы, которые служат аналогией женственности, Томас привлекает внимание к определенным компонентам своих изделий (волосы, обувь и т. д.) и просит зрителей задуматься о том, что обычно характеризует женственность.
Вдохновленная множеством течений, включая импрессионизм, кубизм и дадаизм, художница часто ссылается на фигуративные работы ранних модернистов, таких как Пабло Пикассо, Анри Матисс и Эдуард Мане, в своих портретах, изображая своих героинь в позах, популяризированных ею.
предшественников-мужчин в попытке ниспровергнуть их представление о женщинах как о объектах.
Член Post-Black Art Movement, категории современного афроамериканского искусства, Томас имеет степень бакалавра искусств Института Пратта и степень магистра искусств Йельской школы искусств, а также работает в области фотографии, видео, скульптуры и инсталляций.
На фото: Микалин Томас позирует в Художественной студии в Нью-Йорке в 2008 году. , Пабло Пикассо и т. д. А как насчет женщин, которые помогли сформировать визуальную историю мира? Как и во многих других областях, женщинам исторически не рекомендовалось делать карьеру в искусстве, но есть много невероятных женщин, которые выстояли. Эти известных художниц имеют больше общего, чем их пол и карьерный путь — все они сами по себе являются первопроходцами, преодолевая многие барьеры в своей личной и общественной жизни.
Конечно, эти женщины, скорее всего, были бы недовольны включением в список женщин-художников, предпочитая, чтобы их ценили как художников вне их пола.
Взгляд на некоторых великих художниц прошлого — это также хронология истории искусства. Женщины были ведущими фигурами в каждом художественном движении от итальянского Ренессанса до американского модернизма и далее. Прокладывая свой путь через историю искусства — от придворной художницы 16-го века для короля Филиппа II до иконы 20-го века Фриды Кало — давайте взглянем на силу, характер и талант этих исключительных женщин.
Если вы любитель искусства, вот 14 известных художниц, которых вам нужно знать.
Софонисба Ангиссола (1532–1625) «Трое детей с собакой» Софонисбы Ангвиссолы.
около 1570-1590 гг. (Фото: Викимедиа, общественное достояние)
Художник Софонисба Ангиссола была первопроходцем итальянского Возрождения. Родившись в относительно бедной дворянской семье, ее отец позаботился о том, чтобы она и ее сестры получили всестороннее образование, включающее изобразительное искусство. Это включало ученичество у уважаемых местных художников. Это создало прецедент для будущих художниц, которые до этого момента обычно ходили в ученики только в том случае, если у члена семьи была мастерская. Талант Ангвиссолы привлек внимание Микеланджело, с которым она осуществляла неформальное наставничество посредством обмена рисунками.
Хотя ей как художнице не разрешалось изучать анатомию или практиковаться в рисовании моделей из-за кажущейся вульгарности, ей все же удалось сделать успешную карьеру. Во многом своим успехом она обязана своей роли художницы при дворе короля Испании Филиппа II. В течение 14 лет она развивала свои навыки как в официальной придворной портретной съемке, так и в более интимных портретах знати.
Артемизия Джентилески (1593–1653)
«Автопортрет как аллегория живописи» Артемизии Джентилески. 1638–39. (Фото: Википедия, общественное достояние)
Будучи дочерью опытного художника, Артемизия Джентилески получила доступ к миру искусства в юном возрасте. Вначале она смешивала краски в мастерской своего отца, и он поддержал ее карьеру, когда заметил, что она исключительно одарена. Как известная художница периода итальянского барокко, Артемизия Джентилески не позволяла своему полу удерживать ее от предмета. Она рисовала масштабные библейские и мифологические картины, как и ее коллеги-мужчины, и была первой женщиной, принятой в престижную Академию изящных искусств во Флоренции.
Ее наследие иногда затмевается ее биографией, а ее кровавые изображения Юдифи и Олоферна часто интерпретируются через призму ее изнасилования от рук коллеги-художника.
Тем не менее, ее талант неоспорим, и она по-прежнему известна своим реалистичным изображением женских форм, глубиной цветов и поразительным использованием света и тени.
Джудит Лейстер (1609–1660)
«Счастливая парочка» Джудит Лейстер. 1630 г. (Фото: Википедия, общественное достояние)
Родилась в Харлеме, Джудит Лейстер была ведущей художницей Золотого века Голландии. Типичный для голландских художников этого периода, Лейстер специализировался на жанровых картинах, натюрмортах и портретах. Подробности ее художественного образования неясны, но она была одной из первых женщин, принятых в гильдию художников Харлема. Позже она провела успешный семинар с несколькими учениками-мужчинами и была известна непринужденным, неформальным характером своих портретов.
Несмотря на то, что она была довольно успешной при жизни, ее репутация пострадала после ее смерти из-за неудачных обстоятельств.
Все ее творчество было выдано за произведение либо ее современником Франсом Хальсом, либо ее мужем. Во многих случаях ее подпись скрывали коллекционеры, стремящиеся получить прибыль из-за высокой рыночной стоимости работ Франса Хальса. Только в конце 19 века эти ошибки были обнаружены, и ученые начали вновь ценить мастерство Лейстера как художника.
Анжелика Кауфман (1741–1807)
Анжелика Кауфман, «Автопортрет, колеблющийся между искусством музыки и живописи», 1791 (Фото: Wikimedia Commons, общественное достояние)
Анжелика Кауфман родилась в Швейцарии, дочь художника-монументалиста Иоганна Йозефа Кауфмана. Она получила художественное образование, работая помощницей своего отца с самого раннего возраста и копируя работы старых мастеров, когда они путешествовали по заказам. В молодости она также обучалась в Италии, где ее исторические картины и портреты были хорошо приняты.
После переезда в Лондон в 1766 году Кауфман стала одной из двух женщин-основательниц Королевской академии художеств.
Элизабет Луиза Виже Лебрен (1755–1842)
«Автопортрет в соломенной шляпе» Элизабет Виже Лебрен. 1782 г. (Фото: Википедия, общественное достояние)
Французская художница-портретист Элизабет Виже Ле Брюн создала впечатляющее количество работ, насчитывающих около 1000 портретов и пейзажей. Будучи дочерью художника, она получила раннее обучение от своего отца и уже в подростковом возрасте профессионально рисовала портреты. Большой прорыв в ее карьере произошел, когда она была названа художником-портретистом Марии-Антуанетты, а позже ей было разрешено поступать в многочисленные художественные академии.
Ее картины заполняют разрыв между театральным стилем рококо и более сдержанным неоклассическим периодом.
Она пользовалась постоянным успехом в своей карьере, даже находясь в изгнании после Французской революции, поскольку была любимым художником аристократии по всей Европе. Ниттерс наслаждалась ее способностью успокаивать их, что привело к созданию портретных картин, которые были живыми и лишенными жесткости. Естественная, непринужденная манера ее портретов считалась революционной в то время, когда портретная живопись часто требовала формальных изображений высших классов.
Роза Бонёр (1822–1899)
«Ярмарка лошадей» Розы Бонёр. 1852–55. (Фото: Википедия, общественное достояние)
Как и у многих художниц, Роза Бонёр, отец , был художником. Французская художница-реалистка считается одной из самых известных художниц 19 века, известной своими крупноформатными картинами с изображением животных. Она регулярно выставлялась в известном парижском салоне и добилась успеха за границей как в Соединенных Штатах, так и в Великобритании.
Бонёр провела много времени, зарисовывая живых животных в движении, что объясняет ее замечательную способность запечатлевать их сходство на холсте.
Bonheur также известен тем, что ломает гендерные стереотипы. С середины 1850-х годов она носила мужскую одежду, даже получив на это разрешение полиции. Хотя ее часто критиковали за то, что она носила брюки и свободные блузки, она продолжала носить их на протяжении всей своей жизни, ссылаясь на их практичность при работе с животными. Она также была открытой лесбиянкой, сначала прожив с партнером Натали Микас более 40 лет, а затем, после смерти Микаса, наладила отношения с американской художницей Анной Элизабет Клампке. Живя своей жизнью открыто в эпоху, когда правительство осуждало лесбиянство, Бонёр заявила о себе как о новаторской личности как в своей карьере, так и в личной жизни.
Берта Моризо (1841–1895)
Берта Моризо «Дама за туалетом». 1875 г. (Фото: Википедия, общественное достояние)
Считающаяся одной из великих женщин-импрессионистов, Берта Моризо жила искусством.
Она родилась в аристократической французской семье и была внучатой племянницей знаменитого художника рококо Жана-Оноре Фрагонара. Сначала она выставляла свои работы в уважаемом парижском Салоне, прежде чем присоединиться к первой выставке импрессионистов с Моне, Сезанна, Ренуара и Дега. У Моризо особенно близкие отношения с Эдуаром Мане, который написал несколько ее портретов, и в конце концов она вышла замуж за его брата.
Ее искусство часто было сосредоточено на домашних сценах, и она предпочитала работать пастелью, акварелью и углем. Работая в основном в небольших масштабах, ее легкие и воздушные работы часто критиковали как слишком «женственные». Моризо написала в своем дневнике о своей борьбе за то, чтобы ее воспринимали всерьез как художницу, заявив: «Я не думаю, что когда-либо был мужчина, который обращался с женщиной как с равной, и это все, о чем я бы просил, потому что я знаю, что я Я стою столько же, сколько и они.
Мэри Кассат (1844–1926)
«Купание ребенка» Мэри Кассат.
1893 г. (Фото: Википедия, общественное достояние)
Американская художница Мэри Кассат провела взрослую жизнь во Франции, где стала неотъемлемой частью движения импрессионизма. Кассат родилась в обеспеченной семье, которая поначалу протестовала против ее желания стать художницей. В конце концов она бросила художественную школу из-за того, что ее разочаровало отдельное отношение к ученицам: они не могли использовать живых моделей и вынуждены были рисовать по слепкам.
Переехав в Париж в возрасте 22 лет, Кассат искала частное ученичество и проводила свободное время, копируя картины старых мастеров в Лувре. Карьера Кассат уже пошла в гору, когда она присоединилась к импрессионистам и подружилась с Дега на всю жизнь. В то же время она была откровенна в своей тревоге по поводу официальной системы искусства, которая, по ее мнению, требовала от женщин-художников флиртовать или дружить с покровителями-мужчинами, чтобы двигаться вперед.
Она создала свой собственный карьерный путь с импрессионистами, осваивая пастель для создания мягких, легких работ, в которых часто выделялись женщины, выступающие в роли опекунов. На протяжении всей своей жизни Кассат продолжала поддерживать равенство женщин, даже участвуя в выставке в поддержку избирательного права женщин.
Хильма аф Клинт (1862–1944)
Хильма аф Клинт, «Сванен (Лебедь)», ок. 1914 г. (Фото: Wikimedia Commons, общественное достояние)
Хотя Василия Кандинского и Пита Мондриана часто называют пионерами европейского абстрактного искусства, на самом деле именно шведская художница Хильма аф Клинт была первым первопроходцем движения. Радикальная художница начала создавать смелые и красочные работы в 1906 и продолжала работать в последние годы своей жизни. Однако даже Аф Клинт понимала, что мир не готов к ее работе. Она редко выставляла свои картины и просила не показывать ее большое количество работ в течение 20 лет после ее смерти.
В конце концов, ее новаторские работы оставались неизвестными до 1986 года.
На протяжении всей своей взрослой жизни Аф Клинт была частью религиозного движения, где она практиковала своего рода трансцендентальный спиритизм. Она верила, что духи могут общаться с живыми, и начала участвовать в сеансах. Вступая в контакт с мертвыми, она делала подробные записи и практиковалась в автоматическом рисовании. Во время одного сеанса в 1906 художница, которой в то время было 43 года, заявила, что получила сообщение от высшего существа, которое просило «великого поручения». Аф Клинт утверждала, что ее попросили сделать картины на трансцендентном плане, которые однажды будут развешаны в круглом храме. В течение следующих девяти лет Аф Клинт был поглощен этой миссией. Она завершила Картины для храма , большую серию из 193 работ, охватывающих несколько более мелких тем.
Джорджия О’Киф (1887–1819 гг.)86)
instagram.com/p/ByqZ6a7HTt6/» data-instgrm-version=»12″>
Посмотреть этот пост в Instagram
⠀ «Цвет — одна из величайших вещей в мире, благодаря которой стоит жить…» — Джорджия О’Кифф⠀ ⠀ #GeorgiaOKeeffe #Flowers #OKeeffeInspired #Quotes #Art #Interpretation #ISaidWhatISaid ⠀ ⠀ Джорджия О’Киф. Серия I «Бело-голубые цветочные формы», 1919 г. Масло на доске, 19 7/8 x 15 3/4 дюйма. Музей Джорджии О’Киф. Дар Фонда Джорджии О’Киф. © Музей Джорджии О’Киф. [2006.5.87]
Сообщение, опубликованное музеем Джорджии О’Кифф (@okeeffemuseum)
Будучи художницей в авангарде американского модернизма, Джорджия О’Киф является одной из самых знаменитых художниц в истории. Ее ранние рисунки и картины привели к смелым экспериментам с абстракцией, когда она сосредоточилась на живописи, чтобы выразить свои чувства, открыв эру «искусства ради искусства».
При жизни ее карьера была тесно связана с мужем Альфредом Штиглицем. В то время как известный фотограф поддерживал идею о том, что американское искусство может сравниться с европейским и что женщины-художники могут создавать искусство не менее мощное, чем мужчины, он также препятствовал интерпретации ее работ.
Стиглиц рассматривал творчество как выражение сексуальности, и эти мысли в сочетании с его интимными портретами О’Киф подтолкнули к мысли, что ее картины с цветами крупным планом были метафорами женских гениталий. Это концепция, которую художница всегда отрицала, хотя ее работы, несомненно, чувственны. О’Киф провела большую часть своей карьеры, борясь с интерпретацией своего искусства исключительно как отражение ее пола. На протяжении всей своей жизни она отказывалась участвовать в чисто женских художественных выставках, желая, чтобы ее определяли просто как художницу, свободную от пола. Многие из ее поздних работ были вдохновлены ее домом и ранчо в Нью-Мексико. Там, на юго-западе, О’Киф утверждала, что нашла свой «духовный дом».
Тамара де Лемпицка (1898–1980)
Польская художница Тамара де Лемпицка известна своими очень стилизованными портретами и обнаженными телами, олицетворяющими эпоху ар-деко. Де Лемпицка провела большую часть своей карьеры во Франции и Соединенных Штатах, где ее работа была одобрена аристократами. Одна из ее самых известных картин, Автопортрет в зеленом Bugatti , иллюстрирует холодный и отстраненный характер фигур Де Лемпицка. В работе, созданной для обложки немецкого модного журнала, Де Лемпицка излучает независимость и неприступную красоту.
Ее картины часто содержали рассказы о желании, соблазнении и современной чувственности, что делало их революционными для своего времени. Де Лемпицка пользовалась успехом до начала Второй мировой войны, но интерес к ее работам возродился, когда в 1960-х годах ар-деко снова стал популярным. Ее сразу узнаваемый стиль делает ее особенно любимой среди поклонников художников ар-деко, и сегодня ее работы популярны как никогда, а Мадонна является известным коллекционером ее картин.
Фрида Кало (1907–1954)
Посмотреть эту публикацию в Instagram
«Autorretrato con Collar de espinas». (1940) #FridaArt #FridaKahlo #Painting #Art #Legend #Mexico #Artist #Painter #Kahlo
Пост Фриды Кало (@fridakahlo) на
В настоящее время нет другой художницы 20-го века с таким узнаваемым именем, как Фрида Кало . Хотя драма ее трагического несчастного случая в молодости и ее бурные отношения с мужем Диего Риверой иногда затмевали ее художественные способности, нельзя отрицать силу ее живописи. Она особенно известна своими автопортретами, посвященными темам личности, страданий и человеческого тела.
Хотя при жизни о ней иногда писали исключительно как о «жене Диего Риверы», ее творчество только набирало обороты после ее смерти. Самые известные картины Фриды Кало принадлежат важным художественным музеям мира, а сама она завоевала статус поборницы феминисток, чиканос и ЛГБТ-сообщества.
Хелен Франкенталер (1928–2011)
Посмотреть эту публикацию в Instagram
Публикация Helen Frankenthaler Foundation (@helenfrankenthalerfoundation)
Выросла на Манхэттене, Хелен Франкенталер изучала живопись в Далтонской школе и Беннингтонском колледже. Она начала свою обширную выставочную карьеру в 1952 году, выставив свою картину 9.0009 Горы и Море . Учась у художника Ганса Хоффмана, будучи молодой художницей, она стала важной фигурой в художественном движении абстрактного экспрессионизма.
Ее картины отличались красочными, органическими формами. В первые годы ее карьеры эти композиции, как правило, были сосредоточены на холсте. К 1960-м годам работы Франкенталера часто занимали все полотно. Ее шестидесятилетняя работа демонстрирует постоянную эволюцию стиля.
Сегодня Франкенталера помнят как ключевого представителя абстрактного экспрессионизма и пионера живопись цветового поля — стиль, в котором большие полосы цвета являются «предметом» картины. Чтобы добиться эффекта яркого цвета, Франкенталер разбавляла краски скипидаром перед нанесением их на незагрунтованное полотно. Результатом этого метода «замачивания пятен» стал почти акварельный внешний вид с цветными встроенными органическими слоями. Ее и подобные работы были включены в знаменитую выставку 1964 года под названием Post-Painterly Abstraction 9, организованную искусствоведом Клементом Гринбергом.0010 . Сегодня ее абстрактные картины можно найти в большинстве крупных американских художественных музеев.
Июньский лист (с 1929 г. по настоящее время)
Посмотреть это p
ost on Instagram
Сообщение, опубликованное галереей Пиппи Хаулдсворт (@pippyhouldsworthgallery)
Родилась и выросла в Чикаго, Июнь Лиф ненадолго прошла обучение в Институте дизайна ИИТ, прежде чем в нежном возрасте 18 лет отправиться в Париж для самостоятельного обучения.В 54 года она вернулась в Иллинойс, чтобы получить степень бакалавра и магистра в области художественного образования. Однако в 1958 году она вернулась в Париж, получив финансирование от программы Фулбрайта. С годами она разработала аллегорический стиль в нескольких средах. С помощью рисунков пером и тушью, картин на холсте и кинетической скульптуры работы Листа охватывают абстрактное и необычное.
