На Мондрианах и в ДэмианХёрстовских штанах: искусство, ставшее одеждой
https://ria.ru/20170120/1486068644.html
На Мондрианах и в ДэмианХёрстовских штанах: искусство, ставшее одеждой
На Мондрианах и в ДэмианХёрстовских штанах: искусство, ставшее одеждой — РИА Новости, 26.05.2021
На Мондрианах и в ДэмианХёрстовских штанах: искусство, ставшее одеждой
Анна Михайлова, МИА «Россия сегодня» Известный японский бренд повседневной одежды Uniqlo начинает торговать современным искусством по доступной цене. С 20… РИА Новости, 20.01.2017
2017-01-20T10:30
2017-01-20T10:30
2021-05-26T16:29
/html/head/meta[@name=’og:title’]/@content
/html/head/meta[@name=’og:description’]/@content
https://cdnn21.img.ria.ru/images/148606/13/1486061346_0:0:3001:1688_1920x0_80_0_0_945546222fa2d1b2dfe159629e6df28e.jpg
сша
франция
россия
РИА Новости
7 495 645-6601
ФГУП МИА «Россия сегодня»
https://xn--c1acbl2abdlkab1og.
xn--p1ai/awards/
2017
Анна Михайлова
https://cdnn21.img.ria.ru/images/136183/58/1361835896_0:151:640:791_100x100_80_0_0_a43be02189bd7349159a284e2423353c.jpg
Анна Михайлова
https://cdnn21.img.ria.ru/images/136183/58/1361835896_0:151:640:791_100x100_80_0_0_a43be02189bd7349159a284e2423353c.jpg
Новости
ru-RU
https://ria.ru/docs/about/copyright.html
https://xn--c1acbl2abdlkab1og.xn--p1ai/
РИА Новости
7 495 645-6601
ФГУП МИА «Россия сегодня»
https://xn--c1acbl2abdlkab1og.xn--p1ai/awards/
https://cdnn21.img.ria.ru/images/148606/13/1486061346_0:0:2667:2000_1920x0_80_0_0_73de24332b792a0de2fed775957293c9.jpgРИА Новости
7 495 645-6601
ФГУП МИА «Россия сегодня»
https://xn--c1acbl2abdlkab1og.xn--p1ai/awards/
Анна Михайлова
https://cdnn21.img.ria.ru/images/136183/58/1361835896_0:151:640:791_100x100_80_0_0_a43be02189bd7349159a284e2423353c.
jpg
авторы, сша, франция, сальвадор дали, казимир малевич, марк куинн, ив сен-лоран, пит мондриан (питер корнелис мондриаан), дэмиан херст, заха хадид, кристиан диор, россия
Одежда должна петься. Художник по костюмам – о тонкостях нарядов Дона | ОБЩЕСТВО:Люди | ОБЩЕСТВО
«Когда ты видишь, что всё гармонично в одежде – это же, как музыка!» – так считает художник по костюмам Нина Моисейченко, которая делает эскизы для исторических и народных костюмов, создавая их целыми коллекциями. Прошло уже тридцать лет с тех пор, как после окончания Ростовского художественного училища имени М. Б. Грекова Нина Моисейченко пришла работать в центр внешкольной работы «Досуг» Пролетарского района Ростова-на-Дону. Здесь она руководит театром костюма «Этно-Арт» и создаёт сценические наряды для детских вокальных ансамблей и хореографических коллективов.
Всё своё ношу с собойНаталья Емельянова, «АиФ-Ростов»: Нина Сергеевна, правда ли, что для того, чтобы нарисовать эскиз костюма, особенно национального, нужно знать историю народа?
Нина Моисейченко: Конечно же! Тридцать лет назад я занималась донским армянским костюмом.
У меня есть коллекция «Донской армянский костюм». Чтобы создать наряд, я купила итальянскую дорогую ткань – светло-молочный шёлк, вытканный маленькими фиолетовыми цветочками для девичьей блузки. В комплект также входила длинная фиолетовая юбка с жаккардовым чёрным рисунком и чёрный фартук с головным убором феской. Донской армянский костюм сильно отличается от классического национального. Он очень похож на казачий костюм: у них тоже юбки и блузки, отличие в том, что у армянок фартуки чёрного цвета. Все свадебные женские костюмы просто потрясающие! Представьте себе: красный шёлк, который отделан большим количеством чёрного кружева в память о геноциде армянского народа. Ведь почему армяне пришли на Дон? Потому что их преследовали турки. И Дон их принял. Поэтому они столько взяли от костюма донского казачества, при этом немало дав нам взамен.
– То есть одежда может рассказать о том, что довелось пережить народу?
– Конечно.
Для создания максимально достоверной коллекции мне пришлось побывать в армянских селениях, в музеях, изучить старинные фотографии. А всё для того, чтобы понять все нюансы национальной одежды. Очень чувствовалось влияние турецкого национального костюма. Как мне рассказывали, когда армяне бежали от турков, то женщины надевали на себя все украшения. И когда приезжали на новое место, то отрывали кусочек от своей золотой цепи, продавали его или меняли на хлеб. И на это жили. С тех пор и повелось, что армянские женщины носят много украшений. Костюм дополнялся серебряными позолоченными кованными поясами.
Свадебное платье было ярко-красного цвета. Потому что красный – это традиционно, это красиво, это дорого.
Донские армянки носили маркрид коди – переводится как жемчужный пояс. Шили его чаще всего из чёрного бархата, украшая жемчугом с золотой или серебряной головкой-пряжкой в виде растительного орнамента. По краям обычно вышивали инициалы хозяйки пояса. По традиции маркрид коди мама дарила дочери на свадьбу в подарок, и так передавалось из поколения в поколение. Во многих семьях до сих пор как реликвия хранятся такие жемчужные пояса.
– А что носили донские казачки?
– Что касается костюма донской казачки XIX – начала XX веков, то его основу составляют блуза и длинная юбка. Повседневная одежда состояла из длинной нижней рубахи с длинными рукавами и круглым слегка присборенным воротом, кофточки и юбки из ситца. Поверх рубахи надевали несколько юбок: нижнюю ситцевую, затем холщовую и одну или больше из ситца, а то и шёлка. Казачка всегда собрана, подтянута. Не допускалось оголять руки, плечи, носить одежду с вырезами.
Юбку и кофту из одной ткани называли парочка.
На нарядных блузах кокетка отделывалась рюшами, тесьмой. Блузки часто имели вышивку на груди, плечах и манжетах. На летних блузках рукав был укорочен, они шились с прострочкой под грудью, были свободны в талии. Юбки имели складки либо оборку по низу. Обязательным считался платок для замужней женщины. Его носили даже дома – простой белый хлопковый. Для красоты на плечи накидывали нарядные шерстяные шали с кистями. Их носили и в холодное время года, повязывая на голову, под низ поддевали хлопковый платок. Шали были так же шёлковыми, с длинной плетёной бахромой, очень дорогими. Такой подарок дарили на свадьбу. И всю жизнь казачка бережно носила шёлковую шаль.
Головной убор многое говорил о женщине его носящей, он был «говорящей» частью национального костюма. Так, русская девица всегда носила одну косу и обязательно (в тёплое время года) открывала макушку и саму косу, а замужняя женщина должна была иметь две косы, но волосы должны быть всегда скрыты от посторонних глаз.
Свадьба даже предусматривала ритуал переплётения косы: девичью косу распускали и затем переделывали под особую женскую причёску.
Цвет и орнамент костюма мог рассказать, из какой области, к примеру, приехала на ярмарку девушка. А возьмите мужские свадебные рубашки! Косоворотка откуда пошла? Там застёжка и вышивка с левой стороны, чтобы сердце оберегать. Длинные рукава все расшиты, чтобы руки защищать. А пояса? Существует даже свадебный обряд, когда невеста опоясывает своего жениха поясом. В народном костюме всё имеет смысл.
Так одна культура вливается в другую, затем берёт что-то от третьей и обогащается. В результате получается нечто оригинальное. Так что лучше и интереснее национального костюма ничего нет.
Коллекция, как диссертация– Расскажите, пожалуйста, о своих коллекциях костюмов. Какая из них была самой первой и самой сложной?
– Свою первую коллекцию костюмов «Русь» я создала из технической марли сразу же после окончания грековского училища.
Техмарля не красилась, её вымачивали, весь коллектив собирал луковую шелуху, чтобы у ткани был цвет. С этой коллекцией наш театр костюма «Этно-Арт» выступил на конкурсе модельного агентства «Имидж» из Ростова-на-Дону. Одна из сотрудниц этого агентства слёзно умоляла продать ей пальто из этой коллекции. Но если бы она только знала о том, что эта фантастическая вещь была сшита из мешковины и технической марли!
Самой сложной я считаю коллекцию славянского костюма XI–XIII веков «Гардарика». На тот момент, когда работала над этой коллекцией, то свободно могла диссертацию защитить. Потому что мне пришлось перелопатить научные труды, исследования российских академиков. У меня до сих дома стоят целые тома этой литературы. А всё потому, что очень мало информации по славянскому костюму этого периода.
На сегодняшний день у меня где-то 15 коллекций. Самая маленькая состоит из трёх нарядов «Донского армянского костюма», самая большая – из 13 костюмов «Уральского сказа». В коллекции «Триколор», посвящённой флагу РФ, девять и 11 костюмов в «Гернике» по картине Пабло Пикассо.
А за коллекцию «Триколор» мы получили Гран-при на международном фестивале, который проводил Московский Дом национальностей. Нужно было обыграть главную идею – флаг России. В моём понимании, я это потом выразила с помощью костюмов, белый цвет на флаге – это вера, чистота, а значит это иконописный костюм. Синий – честь, стойкость, они воплощены в военном костюме. А красный – это наша гордость, самосознание, что получило отражение в красных с золотом костюмах.
Участники театра костюма «Этно-Арт» показывают мои коллекции на разных фестивалях и концертах. К моде мы не имеем никакого отношения, с помощью костюмов выражаем мысли и идеи. Дети у нас очень талантливые. Так, в прошлом году в наш театр пришла шестилетняя Лиза Макарьева, которая сегодня придумывает новые движения, используя классические элементы дефиле для демонстрации костюмов.
Когда ты выкладываешь орнамент, то он должен петь. Одежда должна петься! Когда видишь, что всё гармонично в одежде – это же, как музыка! Я с содроганием смотрю на современную одежду в стиле унисекс – это ужас! Иногда, идя по улице, гадаю: это мальчик или девочка впереди меня?
…У Нины Моисейченко постоянно возникают новые идеи для коллекций, которые она записывает в свой «волшебный блокнотик». Их лет на 30, как говорит художник по костюмам, хватит! Вот и сейчас уже есть замысел сделать новую коллекцию, да только в сутках всего 24 часа.
Размышления художника-модельера о покрое одежды. Статья Д.П.Глаголева
АЛЬМАНАХ
Д.
П.Глаголев
преподаватель кафедры композиции Московского технологического института
РАЗМЫШЛЕНИЯ ХУДОЖНИКА-МОДЕЛЬЕРА О ПОКРОЕ ОДЕЖДЫ
источник — журнал МОД 1/71 Москва
Несмотря на «наступление» всевозможных нетканых материалов и пленок, ткань — одно из величайших изобретений человека — все еще удерживает свои позиции, а принцип ее выработки остается неизменным — таким же, каким был много веков назад. Изобретая ткань, человек использовал силу трения. Вспомните, как вы играли в детстве: шесть лучинок можно скрепить только в том случае, если они переплетены. Плетенка из лучинок подчиняется тем же законам, что и ткань. Попробуйте согнуть ее вдоль или поперек: вы ощутите упругость лучинок. Согнуть плетенку с угла на угол легче — в этом случае упругость уменьшается. Вот почему косые диагональные складки образуются на ткани легче других.
Когда же и как изобрели ткань?
Возможно, что идею ткани человеку подсказали сплетения волокон, паутина, кружева
из коры деревьев или кактусов, подобные тем, которые и сегодня используются в Мексике.
А, может быть, одно из самых древних ремесел — плетение корзин из прутьев предвосхитило
ткачество? Точного ответа на этот вопрос нет. Мы можем об этом лишь догадываться. Вероятно,
созданию тканей предшествовало другое изобретение — искусство скручивания волокон
в нить — прядение. Вспомним, что и папирус древних египтян расположением стеблей напоминал
непереплетенные основу и уток.
Самый способ выработки ткани обусловил ее прямоугольные очертания. Заметим,
что ткачество — работа очень трудоемкая. Поэтому первый творец одежды поступил
весьма разумно: не стал резать ткань, а использовал прямоугольный кусок полностью.
Так возникла одежда из одного полотнища, которое набрасывали на плечи, на бедра
или драпировали им всю фигуру с головы до ног.
Разумеется, в разных странах, у различных народов, в разные эпохи решения костюма
не были сходными. Египтяне носили передники, арабы придумали бурнус, римляне—
тогу, индийцы — дотисы и сари.
Вспомним украинскую плахту, русскую «занавеску», которые и сегодня имеют
схожие очертания. Многочисленные виды одежды из одного куска ткани оказались
очень жизнестойкими — их носят и сегодня. Как и много лет назад, женщины Индии
обертываются сари, а некоторые жители Востока носят набедренную повязку, один
конец которой перекидывают через левое плечо.
Женщины Мадагаскара наряду с современными модными юбками носят и старинную национальную
одежду — ламбе — прямоугольный кусок ткани с неширокими
цветными полосами. Индонезийский саронг — это тоже прямоугольное полотнище со скрепленными концами,
образующими юбку, излишки которой смещают на один бок и обертывают ими ногу.
В несколько измененном виде этот прием используется в национальной киргизской
одежде — бельдемче. Это вышитая юбка — прямоугольное
полотнище, обертывающее фигуру, концы которого расположены спереди и не скреплены
друг с другом, что дает возможность киргизке, когда она садится на коня, превратить
юбку в шаровары, обернув каждым концом бельдемче левую и правую ноги.
Одежда полинезийцев представляет собой согнутое пополам полотнище, концы которого
не скреплены друг с другом, а в середине оставлено отверстие для головы.
Мексиканское пончо — тоже прямоугольный кусок ткани с отверстием для головы
посередине: два угла прикрывают соответственно спину и грудь, а два других — плечи.
Первый шаг в «швейном производстве» был сделан, когда, не нарушая прямоугольной
формы куска ткани, скрепили его края: сначала их скалывали булавками, аграфами,
пряжками. Современная юбка-портфель — пример такой одежды. Со временем появились
более сложные формы: полотнище ткани стали перегибать вдоль основы или утка.
На куске ткани, сложенном вдвое, края (боковые срезы) сшивали, оставляя в верхней
части прорези для рук и головы. Так возник новый этап в истории костюма.
Со временем для большего удобства начинают подкраивать рукава, другими словами,
сложенное вдвое полотнище убавляют по ширине, еще более приближая одежду к телу.
Так появляются египетский калазирис и рубаха древних скифов почти одинакового
покроя.
Забота об удобстве и целесообразности заставляла искать новые формы, новые решения покроя. Создавая новые виды одежды применительно к изменяющимся условиям жизни, необходимо было принимать во внимание круг деятельности человека, его движения, характер труда. Говоря современным языком, портные начинают считаться с требованиями эргономики (наука, изучающая взаимосвязи системы «человек — машина»). У одежды китайского императора и его мандаринов были широчайшие насборенные рукава, потому что занятия этих вельмож сводились в основном к отращиванию длинных ногтей.
Крестьянину-труженику нужна была одежда с более узкими рукавами, не стесняющими
его движений. Однако неширокие рукава покроя кимоно мешают поднимать руки. Вероятно,
людям пришлось заштопать немало рукавов, прежде чем средство, позволяющее решить
задачу, было найдено.
Деталь, которая обеспечивает свободу движений в некоторых
вариантах кимоно и его разновидности — цельнокроеном рукаве, — ластовица. Это
небольшой кусок ткани в форме клина, квадрата или ромба (в современном покрое
могут встречаться и более сложные ее формы), вшивающийся в нижнюю часть проймы.
Русская пословица признает ее важность: «без ластовки
и рубаха не шьется». И, действительно, в русской рубахе она сохранилась до наших
дней. Когда ученым понадобилось реставрировать рубаху царевича Федора, сына
Бориса Годунова, они не могли определить назначение квадратных деталей из красной
тафты. Разгадка пришла, когда они увидели современную мужскую рубаху, привезенную
с Севера нашей страны, где в одежде еще сохранились некоторые древние традиции.
У этой рубахи были те же цветные детали — ластовицы.
Одну и ту же задачу, связанную с покроем, можно было решать по-разному.
Так, древние халдеи с той же целью — для большей свободы движения руки (они
были отличными стрелками из лука) делали один подкройной рукав, но его шов не
стачивался, а скреплялся завязками внизу.
Позднее, в средние века, появляются
отрезные рукава. Но они «приживались» к костюму очень долго. Поначалу их не
пришивали наглухо, а только привязывали, затем приметывали «на живую нитку».
Вообще, система крепления деталей разрабатывалась весьма медленно. Одним из древнейших способов следует считать шнуровку, при помощи которой соединяли все части костюма. Приходится только удивляться ее жизнестойкости — ведь она сохранилась в нашей обуви, нередко применяется в спортивной одежде и сравнительно недавно процветала в моде. Античное изобретение — пуговицы — не одну сотню лет пребывали в безвестности, прежде чем не были заново открыты. Но застежка существенно изменилась: вместо воздушных петель стали применять прорезные — это помогло добиться большого прилегания одежды.
Возникновение понятия «покрой» — во всей его сложности и многообразии — так,
как мы трактуем его сегодня, историки костюма склонны связывать с развитием
конструкции рыцарских доспехов.
«Железный костюм» приспосабливали к формам человеческого
тела и делали из подвижных деталей. Носить их на себе было нелегко и неудобно.
Потребовалась мягкая одежда, которая в буквальном смысле сгладила бы острые
углы. Ее стали делать из толстых, но мягких шерстяных тканей,
согласуя покрой со сложными деталями доспехов, которые
экономно выкраивали из стальных листов. В одежде из тканей также появляются
отрезные лифы, рукава и другие детали.
Особую важность покроя подчеркивает происхождение слова «портной». Во французском
и немецком языках этот термин ведет начало не от слова «шить», — как можно было
бы предположить, а от слов «кроить», «покрой». Любопытно, что во французском
языке само слово «кроить» происходит от слова «рост». «Кроить» — это значит
«делать по росту», «по мерке» — искусство, которого люди до 14 века не знали.
Таким образом появляется искусство покроя, когда
одежда, по выражению историка костюма Эрики Тиль, «перестает зависеть от ширины
ткацкого станка».
Чем более углубляемся мы в историю костюма, тем яснее представляем себе, что
современная одежда с ее отрезными рукавами, запахивающимися полами, воротником,
пуговицами является непростым изобретением, на совершенствование которого ушло
много времени. Некоторые элементы покроя сохраняются в одежде не только многие
годы, но даже века, И — кто знает, — может быть, тысячелетия.
Ученые считают, например, что манера запахивать одежду у
женщин и мужчин соответственно на левую и правую стороны ведет свое начало с
доисторических времен. Женщина держала в левой руке ребенка, а правой
готовила пищу — подкладывала поленья в костер, мешала варево в котле. Мужчина
был охотником и воином — в левой руке он держал щит, а в правой — оружие. В
том и другом случае одежду запахивали в сторону, противоположную занятой руке
(возможной опасности): женщины — на левую, мужчины — на
правую. Мудрое, всесторонне продуманное решение народной и исторической одежды, скорее
всего, объясняет тот факт, что современные художники все чаще обращаются к ней
в поисках вдохновения.
Большой опыт по созданию костюма, накопленный разными народами, изучают не только модельеры, но и специалисты других областей. Так, в свое время английский полярный исследователь капитан Скотт перед походом к полюсу учил свой экипаж собственноручно шить меховые куртки — анораки. Покрой этих эскимосских курток хорошо отвечает условиям суровой зимы: куртка с капюшоном, без застежки и надевается через голову. Идея анорака широко используется в современной спортивной одежде. Много поистине талантливых решений форм, покроя, а также колорита и особенностей отделки мы находим в традиционном костюме. Например, с точки зрения современных требований целесообразности и эстетики в русской рубахе-косоворотке можно найти немало интересного и поучительного.
При раскрое многих видов народной одежды «раскладку лекал» не делали, а резали
ткань с таким расчетом, чтобы отходов не оставалось. Говоря языком технолога,
их процент был равен нулю.
Это можно сказать и о покрое словацких штанов, грузинских
шальвар, платьев туркменок и узбечек и о многих других видах народного костюма.
Так же кроилась и русская рубаха — «чтоб петуху негде было клюнуть!». Обычно
кроили ее по старой рубахе. Об ответственности самой кройки говорят пословицы:
«кроеного не перекроишь», «семь раз примерь, а один
отрежь». В покрое не забывались и требования гигиены. В народной одежде часто
прибегали к складкам, сборкам, защипам; все это
способствовало и хорошему воздухообмену.
Характерно, что в народном костюме линии покроя издавна служили и средством
художественной выразительности. Их не стремились скрыть, а напротив, подчеркивали,
выявляли: «как ни крой — все швы наружу выйдут».
Конструктивные линии нередко подчеркивались вышивкой, кантом или обтачкой. Отделка
служила и практическим целям. В рубахе-косоворотке вышивка или кант, обычно
красного цвета, зачастую располагалась по застежке (ее чаще трогают руками и
она грязнится), а ластовицы тоже кроились из красной материи.
Даже орнамент не был просто украшением — солнце, петух, конь, проросшие зерна
овса — все эти декоративные мотивы были символами-оберегами, которые охраняли
покой и счастье, приносили плодородие и достаток.
С тех пор как возникли элементы кроя и костюм «приблизился» к телу, — особенности фигуры, ее пропорции, ритм продиктовали особые требования к одежде и нередко разным народам и в различное время подсказывали близкие и сходные решения. Например, очень древняя линия покроя, кругообразно охватывающая плечевой пояс, известна на протяжении всей истории костюма. Видимо, благодаря своим эстетическим достоинствам она применялась в оплечьях древних египтян и в бармах русского духовенства. Мы находим ее в покрое рубах-воротушек», которые носили крестьянки, в плащах и накидках средневековья, а в современных куртках и пальто называем ее круглой кокеткой.
Очевидно, что во всех случаях такой покрой хорошо отвечает пропорциям человека
и помогает широко варьировать форму одежды.
Но, может быть, у него есть и другое
значение? Зададим себе вопрос: что такое удобная одежда? Ведь главное, на что
мы здесь обращаем внимание, — хорошая посадка на фигуре. Большинство видов одежды
крепится, плотно прилегая, на плечевом поясе или на талии. Костюм «с чужого
плеча» вызывает у нас чувство неловкости и недовольства. Проблема определения
(на фигуре) участков плотного прилегания (специалисты называют их «опорными
плоскостями») и правильного «ответа» им разверткой на ткани — до сих
пор решается всеми конструкторами мира.
От решения этой задачи и зависит правильная посадка костюма,
а следовательно, и его удобство, элегантность, красота.
Искусство массового изготовления одежды заключается в том, чтобы найти оптимальные
решения ее основных конструктивных поясов, пригодные для большинства людей.
Практический вывод — одежду всегда надо подбирать «по плечу», «по косточке».
В современном покрое мы часто видим всевозможные кокетки, складки, вытачки,
подрезы, горизонтальные и вертикальные рельефы.
Конструктивное назначение этого
арсенала портновских средств — обеспечить хорошую «посадку». Линия круглой кокетки,
с которой начался этот разговор, как раз и отвечает границе «опорных плоскостей»
плечевого пояса и потому очень «удобна» для модельеров.
Изучая историю костюма, не следует считать, что случайные причины, вызывающие возникновение того или иного покроя, объясняют и его устойчивость в дальнейшем. Многие из привычных нам сегодня видов одежды выдержали подобное испытание временем, когда создавалась удачная их конструкция, находилась гармония объемов, линий и деталей.
Так было, например, с широко известным сегодня покроем рукава реглан. Название это произошло от фамилии некоего английского лорда Раглана, вернувшегося с Крымской кампании с тяжелым ранением в плечо. Он заказал портному просторное пальто, рукав которого не тревожил бы грубыми швами болезненную рану. Тогда безвестный портной и изобрел ставший теперь классическим и никогда не выходящим из моды покрой рукава.
Другой пример — фрак и один из видов одежды жителей Крайнего Севера. Казалось бы, что может быть общего в их покрое? Однако, если заглянуть в историю, станет ясно, что возникновение этих форм костюма вызвано почти одинаковыми условиями.
Вспомним, что фрак произошел от одежды военных, а точнее— от камзолов всадников, разъезжавших на лошадях. Полы камзола, отгибавшиеся ветром назад, мешали всаднику. Тогда их стали пристегивать на пуговицы, а позднее совсем срезали. Так возникли динамичные линии покроя фрака. По тем же причинам динамичной и как бы обтекаемой стала одежда эскимоса, которому часто приходится мчаться на оленьей упряжке навстречу ветру.
Точно так же в классическом английском костюме, который прошел длинный путь от военного камзола до современной повседневной одежды, нашли выражение художественные и утилитарные требования длительного периода, включающего и наше время. Подвергаясь изменениям моды, варьируя силуэт, детали, колорит, классический костюм сохраняет свои основные признаки и характер, что позволяет всегда его отличать от других видов одежды.
Следует подчеркнуть, что мы рассматривали чисто формальное, если так можно выразиться, «механическое» развитие покроя. В действительности же оно было связано не только со свойствами тканей и требованиями удобства. История костюма показывает, что на его изменения наряду с внешними факторами — климатом, развитием ремесел, совершенствованием архитектуры и транспорта — влияют и другие, белее глубокие причины — образ жизни людей, их социальное положение, религия, мировоззрение.
Можно привести пример, когда одна и та же цель — показать свое превосходство, возможность праздно вести жизнь, не заниматься трудом — приводит к почти одному и тому же покрою одежды у столь отдаленных по времени и месту жительства людей — у знатного древнего египтянина и у русского боярина. Их одеяния отличались длинными рукавами, которые носили «спустя», а руки продевали в специальные прорези в полах. Многие сильные мира сего вводили ограничения и запреты на одежду того или иного покроя. Особы королевской крови иной раз бывали не в силах соперничать в роскоши с богатыми, но не знатными модниками. Это приводило к изданию специальных декретов и указов, ограничивающих право пользования одеждой того же покроя, что и у королевской фамилии. Так, во Франции появились дворцовые правила с указанием допускаемой длины шлейфов: для королевы —11 локтей, для королевских дочерей — 9, внучек — 7, принцесс — 5 и для герцогинь 3 локтя (локоть — древняя мера длины). В некоторых германских землях у городских ворот устанавливались даже особые камни с обозначением длины шлейфа, разрешаемой различным сословиям. Если длина шлейфа превышала дозволенную этикетом, стражник обрубал излишки алебардой. Такие правила родили афоризм: «одежда королей отличается не тканью, а покроем».
Изменение эстетических взглядов людей неизбежно сказывается в покрое их костюма. Было время, когда линии покроя тщательно скрывались вышивкой, лентами, тесьмой. Средства достижения формы оставались в тени, уступая главенствующую роль ее внешним украшениям.
Сегодня конструктивные линии становятся средством эстетической выразительности. В органической связи покроя и формы мы видим теперь большие художественные возможности. Логичный и оригинальный ход конструкторской мысли всегда производит эстетическое впечатление. Швы, вытачки, рельефы — вся эта «кухня конструирования», будучи обнажена и художественно организована, создает моду сегодняшнего дня.
Современный художник-модельер, как правило, разрабатывает модель совместно с конструктором. Но деятельность каждого специалиста не разграничивается «от сих до сих», и модель не представляет собой эстафету, которую художник передает конструктору. Именно в совместных творческих поисках новых линий покроя, сочетаний цвета и дополнений рождается эстетическое начало костюма, ибо красоту никогда нельзя привязать к готовому — она должна быть в основе вещи.
Современным мастерам швейного дела покрой помогает выявить назначение различных видов одежды: повседневная и официальная отличаются скромными, сдержанными линиями, в спортивных костюмах подчеркиваются стремительность, сила, молодость. В этом случае линии покроя нередко усиливают контрастной отделкой, строчкой, кантами, вставками. Динамичность и напряженность еще белее выражаются в покрое одежды для труда, где как бы отражаются активные движения работающего человека, его творческая энергия, красота созидания.
В рабочей одежде покрой бывает очень своеобразным, применительно к требованиям профессии. Например, застежка может быть перенесена на плечо, на спину, рукава значительно выдвинуты вперед, а воротник — высоко поднят. Здесь не руководствуются только общими принципами моделирования, а исходят из конкретных задач и специфики производства. Некоторые элементы производственного костюма с характерной для них логикой конструкции проникают и в нашу повседневную одежду. То же самое можно сказать о стремительных, динамичных линиях костюма для активного отдыха и спорта.
Вероятно, это происходит и от того, что развитие науки и техники заметно изменяет наши художественные воззрения. Промышленный пейзаж все плотнее окружает человека. Техника становится как бы естественной средой, без которой немыслимо наше существование. Это неизбежно сказывается и на эстетических взглядах. Мы предпочитаем видеть вокруг рациональные формы, простые, но остроумные решения технических задач, хороший художественный сплав материала с формой. Костюмы наших космонавтов (а ведь это — тоже «производственная» одежда) оказали очень большое влияние на моду и, в частности, на покрой.
Заботясь о художественной и утилитарной стороне покроя, нельзя забывать о простоте изготовления одежды: чем проще приемы, тем больше художественных достоинств мы видим в самом предмете. Громоздкое, неуклюжее техническое исполнение уничтожает самую эстетическую сущность вещи. Поэтому и в покрое мы хотим видеть несложные, доступные массовому производству решения. Идеальны прямые линии — они дают наибольшую скорость шитья, удобны в раскрое больших настилов. Линии резкой кривизны, острые выступающие детали в работе могут осыпаться, деформироваться; это приведет к искажению всего силуэта.
В тех случаях, когда покрой хорошо продуман и организован — шить легко и быстро. Например, рукав мужской рубашки вшивают в пройму, не скрепляя его шва. А затем «на одном дыхании» машины стачивают полочку со спинкой и шов рукава. Это принято в технологии наших дней. Вероятно, с точки зрения технолога у летней шляпы из соломки идеальный «покрой» — она представляет собой непрерывную длинную ленту, которая сшивается по спирали одним швом, образуя заданную форму.
Разумеется, не всегда возможна облегченная технология. Какие же новые методы работы применяют специалисты?
Художники по костюму начали работать со своими коллегами текстильщиками-набивнистами над проектированием модных тканей с купонными рисунками, в которых предусматриваются условия массового раскроя, требования технологии и эстетики. При разработке тканей можно заранее предусмотреть и раскладку деталей будущей одежды. В одних случаях это сделать легко, например когда одежда элементарна: фартуки, передники, платки. В других — более сложно: нужно учитывать изменения деталей в зависимости от размера и роста. Такое предварительное продумывание покроя дает свои плоды: выигрывает художественная стороне модели, облегчается и удешевляется производство.
Самое моделирование одежды для фабрик мы понимаем сегодня как начальный этап слаженного технологического процесса, результатом которого является массовый выпуск продукции. Поэтому передовые модельеры развивают в себе не только сугубо художественное, ко и производственное мышление. Это означает, что художественная идея рождается как следствие глубокого творческого изучения возможностей промышленности — швейной, текстильной, галантерейной. Новая модель представляет собой как бы сплав мысли художника и инженера. При этом разработка ткани является первым и наиболее ответственным этапом моделирования одежды. Именно благодаря всесторонне продуманному оформлению ткани можно достичь в модели высокого художественного эффекта, экономичности, легкости раскроя и обработки. При сравнении покроя прошлого (относительно недавнего) с современной одеждой наряду с другими отличиями эстетического и структурного порядка бросается в глаза «поправка на утюг», которую делали старые конструкторы. «Выбитая грудь, сутюжка, оттяжка, «отпаривание» посадки и многие другие приемы технологии достигались только утюжкой, которая требует больших затрат времени и труда. Все это заставляет конструкторов искать решение задачи в покрое.
Но сама идея — достижение выпуклой формы за счет сдвига нитей — еще не снята с вооружения конструкторов. Они хотят найти холодный способ превращения плоскости в объем, не прибегая к влажно-термической обработке. Однако эти опыты еще не получили применения в массовом производстве. Специалисты-швейники пересматривают ставшие привычными и как бы незыблемыми конструкции и с успехом заменяют их новыми. Сегодня много новых линий предлагают эластичные материалы. Так, они изменяют привычный облик нашего мужского костюма. Например, в брюках традиционно два шва: шаговый и боковой. Совсем недавно, используя новый материал, попробовали их заменить на передний и задний, соответствующие сгибам половинок, и получилось неплохо. Благодаря новым свойствам ткани пиджак можно шить без боковых швов и передних вытачек, а брюки — с одним швом (без боковых) и с подкройным поясом. А применение плавких прокладок и клеящих материалов позволило создать для них прочный и легкий каркас. Почему же раньше не «додумались» до этого? Потому что не было материалов такой структуры и эластичности, которые выдержали бы новый покрой.
Многие ведущие художники моды за рубежом сегодня разделились на два лагеря. Одни придерживаются старых традиций и видят эстетику одежды в тщательной отработке силуэта и всех элементов покроя. Другие, напротив, не особенно заботясь о портновском искусстве, делают акцент на ткани и дополнениях к костюму. «Не пора ли пересмотреть условности?»— заявляют они. Не пора ли «не замечать» небрежностей, чаще всего вынужденных, и видеть лишь достоинства новых тканей и материалов — их фактуру, рисунки, колористические эффекты. В известной мере такой пересмотр уже состоялся. В нашей одежде покрой уже не играет подчиненную роль, «приспосабливаясь» к клеткам, полоскам и другим рисункам, как это было раньше.
Художники, развивая современную моду, нередко предпочитают «резать», смещать раппорты, нежели скрупулезно их соблюдать. В какой-то мере непочтение к традициям замечается и в наших требованиях к посадке, когда мы прощаем складки, папортки, морщинки и общую неподатливость новых материалов за их внешний вид, прочность и долговечность.
За всю историю костюма покрой претерпел эволюцию от примитивных форм до очень сложных, требующих множества портновских ухищрений и мастерства, а сегодня мы приходим к более простым решениям. В общем изменении покроя одежды, когда она становится свободнее и легче, открывая к телу человека доступ воздуху и солнцу, некоторые ученые увидели причину изменения физического строения людей — увеличение роста и лучшее развитие. Если представить, как туго, в буквальном смысле слова, приходилось людям в корсетах, стоячих воротниках и узких рукавах, с этим нельзя будет не согласиться. Любопытно, что характерную для нашей современной одежды монолитность и удобство предвидел Кампанелла. В книге «Город солнца» он рассказывает об «одночастной» одежде, напоминающей наш комбинезон.
Каково же будущее покроя как средства достижения фор мы и основного ее художественного начала? И каково будущее ткани? Ведь с каждым днем у нее появляется все больше конкурентов. Уже давно применяются не тканые материалы. Прогрессивный метод получения этих материалов потребовал и новых приемов их обработки. Специалисты вполне обоснованно решили: если ткань — нетканая, то пусть и одежда будет нешитая. Изобретены бумагоподобные материалы, которые применяют и для повседневной одежды, и даже для нарядных и свадебных платьев. Изготовлять одежду из таких материалов можно буквально одним ударом штампа. Так же делают плащи из полиэтилена. Причем пуговицы, петли, воротник и карманы «возникают» от того же удара пресса.
Ученые заняты сейчас разработкой образцов одежды, в которой вообще не будет линий покроя. Такую одежду получат напылением, штамповкой, литьем. На первых порах одежду из синтетических материалов шили на обычных машинах. Это приводило к затягиванию швов и небрежности внешнего вида. Потом нашли другие, более совершенные методы: склеивание, сварку, пайку деталей. Можно ли по-прежнему называть швейником того, кто занимается литьем и штамповкой пластических материалов, сваркой швов и припаиванием пуговиц?
Новые материалы требуют новых силуэтов, новых средств достижения формы, нового подхода к массовому изготовлению одежды. Будем ли мы держаться за старые приемы — раскрой, шитье, утюжку? В ряде предметов — нет. И поэтому покрой как средство достижения формы будет вытеснен более совершенными способами. Но нам придется искать тогда эквивалент другим его качествам: выразительности линий, членений, которые издавна несут в себе эстетическое начало.
А как обстоит дело с эстетикой? Иногда можно увидеть нарисованную краской или сделанную при помощи штампа имитацию строчки. На литых резиновых ботиках такие строчки подчеркивают линии «покроя». Вряд ли эти приемы можно считать художественными — для новых материалов надо искать новые способы оформления. Но поиски художников пока еще весьма осторожны.
Казалось бы, все модельеры — провозвестники нового, и поэтому они должны только приветствовать новые методы изготовления одежды, о которых здесь говорилось. Однако эти методы пленяют далеко не всех. Многие художники не только не хотят расстаться с «доброй старой тканью», но и придерживаются традиционных методов ее обработки. Видимо, модельерам не так-то легко забыть эстетические качества ткани. Покрой предоставляет им прекрасные возможности для проявления своего мастерства и творческой индивидуальности. Недаром говорится: «всяк портной на свой покрой». Говорить о том, что покрой исчерпал себя или устарел, еще рано.
Усилия науки направлены сейчас не только на поиски новых материалов, заменяющих ткань, но и на ускорение способов ее производства и на дальнейшее совершенствование качеств этого любимого всеми материала.
Методы и орудия раскроя тоже прошли огромный путь — от кремневых рубил первобытного человека до современных закройных машин и штампов. Создаются скоростные станки, где вместо челнока нити протаскиваются особыми штангами, каплей воды или струей воздуха. Помогает закройщику и электронно-вычислительная машина — легко и уверенно, без предварительной разметки, расправляется она с настилом тканей, вырезая нужные детали. Проводятся опыты с использованием луча лазера — им можно «кроить» без всяких настилов — с куска ткани, разматывая его по мере надобности, И в этом случае благодаря вычислительной машине размеры и раскладка выкроенных деталей будут безошибочны. Все это большое подспорье в работе с тканями, а их производство и дальнейшее изготовление одежды (новейшие швейные машины могут делать до 6000 стежков в минуту) — не такие уж медленные процессы даже для нашего века скоростей. Это означает, что сохраняется и переходит «границу прошлого с грядущим» и покрой. Уж очень велики у него заслуги и стаж служения человеку, А что касается переоценки эстетических взглядов и «пересмотра условностей», то вспомним по этому поводу одну пословицу. И на этот раз примем во внимание не только совет, который она предлагает, но вникнем в ее более глубокий смысл «Крой новый кафтан, да к старому — прикидывай».
НАЧАЛО НОВОСТИ СОДЕРЖАНИЕ САЙТА
Last modified: 24.09.2020
История костюма для концепт-художника. (с) Aлександра Семушина
Отличный, толковый текст про стилизацию.Сохраню себе. Найдено здесь: http://solncelika.livejournal.com/79712.html
Спасибо Солнцелике за находку.
Очень часто от концепт-художника требуется дизайн костюма. В дизайне персонажа львиная доля самого дизайна касается именно одежды, и естественно, встает вопрос, как этот дизайн создавать. К счастью, идея о необходимости референсов уже плотно укоренилась в умах концептеров, но как следствие, нужно разобраться, где эти референсы брать и как с ними работать.
Я считаю, что реальная история костюма является неисчерпаемым источником вдохновения, и может стать твердой базой для создания дизайна любой одежды, сколь фантастичной бы она не была. Я написала эту статью (а прежде прочитала лекцию), чтобы поделиться систематическим подходом, который я выработала, изучая историю костюма на протяжении пятнадцати лет. Естественно, это было лишь хобби, и ни на какую серьезную научную позицию я не претендую.
Зачем это вообще вам нужно? Казалось бы, ваше воображение способно породить сколько угодно безумных форм, да и примеров хорошего дизайна одежды вокруг немало. А если еще природа не обделила вас вкусом, все неизбежно будет тип-топ. Но в гейм-индустрии немалая конкуренция, более того, концепт-художник по персонажам — это самая желанная профессия, мне кажется, не менее чем для 80% всех художников в индустрии. Поэтому важно выделяться. Если вы будете заниматься компиляцией чужих дизайнов, далеко вы на этом не уедете. Надеюсь, объяснять, чем плоха вторичность в дизайне, нет необходимости.
Чтобы создавать интересный дизайн мало богатого воображения, нужна богатая библиотека образов. Воображение занимается созданием новых образов на основе тех, которые имеются у него в распоряжении. Вся ценная и уникальная работа воображения состоит в том, что оно занято свободной игрой с этими образами. Поэтому свое воображение нужно кормить. История костюма может дать вам богатую пищу для воображения. Но помимо того, чтобы просто смотреть на картинки, неплохо бы еще разбраться в основах.
В любое время, в любом месте, в реальности или в воображаемом сеттинге, есть три источника, которые формируют то, какой будет одежда:
Технология определяет, какие материалы будут доступны, какие технологические решения, какова будет сложность кроя. Например, пуговица с прорезной петлей — технологическое решение, которое произвело настоящую революцию в одежде. Каучук для создания эластичных элементов в одежде со временем убил сложный крой, который использовался на протяжении 19 века. Использование рамочного ткацкого станка с натяжением нитей кардинально изменило качество ткани. Появление дешевых красителей полностью изменило цветовую гамму одежды в конце 19 века.
Мораль определяет отношение к подобающему наряду. Насколько можно обнажать тело, насколько его хочется обнажать, разница между мужским и женским нарядом, разница между детской и взрослой одеждой, между нарядами богача и бедняка, жреца и воина — все это сфера общественной морали.
Эстетический идеал определяет критерии красивого. В одно время в моде высокий рост, в другое — миниатюрность, в одно худоба, в другое — упитанность. Костюм отражает стремление к определенному идеалу внешного вида, который сформировало общество.
В морали и эстетике возможны любые скачки и вариации, а вот развитие технологии можно проследить достаточно прозрачно, потому что технологии свойственен определенный прогресс. Я выделяю шесть стадий технологического развития одежды.
1. Дотканный этап. До изобретения ткачества основными материалами для одежды были шкуры, перья, листья, жилы, выделанная кожа. На этом этапе люди еще включены в природу, а не в культурную среду (оболочку из сделанных вещей, построенных сооружений и произведенных материалов), поэтому одежда еще практически срастается с телом. Сейчас через одежду мы выражаем свою личность, убеждения, пристрастия. Но первоначально такие вещи выражались прямо на теле — в виде татуировок, шрамирования, пирсинга, подчас радикального.
Используйте экспрессию дотканного этапа для изображения примитивных, диких, близких к природе персонажей. Орки, гоблины, шаманы — полностью находятся в этой нише.
Референсы можно искать среди фотографий современных примитивных сообществ — африканские, полинезийские, южноафриканские племена охотников-собирателей сохранились до сих пор. Также можете посетить музеи с экспозицией археологических находок и реконструкций на их основе. В Санкт-Петербурге есть значительная экспозиция посвященная первобытным обществам в Эрмитаже, а также в Кунсткамере (музей антропологии и этнографии).
2. Этап драпировки. Поначалу ткачество было сложным процессом, а полученные ткани не резали, основным принципом создания одежды из куска ткани была драпировка. В ткань заматывались, закрепляя поясом или парой застежек.
Драпированная одежда у нас плотно ассоциируется с античной традицией, а сам античный сеттинг часто используется в играх. Кроме того, драпированным является индийский костюм, некоторые африканские традиционные одежды, а также саронг, широко распространенный в странах дальнего востока и на островах Тихого Океана. Люди, обитавшие в более суровых регионах, часто пропускали этот этап и переходили к крою, без которого держать тело в тепле было затруднительно. Например, в Древнем Риме штаны считались одеждой варваров.
Рисуя подобную одежду помните о застежках, которые удерживают все конструкцию и будьте внимательны со складками. Как правило драпированная легкая, эстетичная одежда этого этапа ассоциируется с золотым веком, просвященной стариной.
Референсы по этапу легко найти в древнеримских скульптурах, на древнегреческих вазах, византийских мозаиках, а также в современных каталогах сари для модных индийских барышень. Костюм античного мира подробно изучен, материала по нему много, включая подробные схемы драпировки тоги, хитона, гиматия.
3. Этап примитивного кроя. Когда люди наконец догадались сшивать разные куски ткани, первоначально это шитье было без изысков. Характерный крой поначалу был таков: кусок ткани складывался пополам, вырезалась горловина и разрез, чтобы голова пролезла в горловину, а потом зашивались бока. Пояс становится весьма важной деталью, потому что этот мешок хочется перехватить на талии. Уже появляются застежки, но пока это бесчисленные шнуровки и пуговицы с навесными петлями.
Одежда раннего европейского Средневековья, японский и китайский исторический костюм, и русский костюм допетровской эпохи находятся именно в этой парадигме. Для них характерны сложные головыные уборы и сложные прически. Также это всегда наряды многослойные.
Референсы можно искать на средневековых гравюрах, а также на фотографиях современных реконструкторов. Они очень дотошны, и многим из них можно полностью доверять в вопросах аутентичности. Обратите внимание на то, что в раннем средневековье еще не знали огранки драгоценных камней. Выбор красителей для ткани был небогатым, большинство узоров — вышивки, как следствие, они могут появиться разве что на парадных одеждах.
4. Этап продвинутого кроя. Проходит время, и появляются многочисленные изобретения в области кроя — одежду начинают отрезать по талии, появляется втачной рукав (как следствие, становятся возможны узкие рукава, намертво пришитые к платью), пуговица с прорезной петлей и главное — такое нововведение как выточка. Также это время кружев и париков.
Референсы можно искать на репродукциях картин 16-18 веков. Живопись этого времени уже познала всю прелесть реалистичности в изображении, и ей можно доверять.
5. Этап сложного кроя. В 19 веке одежда становится все сложнее по крою, застежки начинают скрывать, появляются дешевые красители и набивные ткани, кроме того, мода меняет силуэт каждое десятилетие. Мужской и женский костюм полностью расходятся в эстетическом идеале. Пока мужской костюм все упрощается и темнеет, женский становится все более сложным и причудливым.
В качестве референсов по-прежнему можно брать картины (например, в Эрмитаже и Русском музее огромное количество материала по этой эпохе), а также появляются модные журналы, которые не являются достоверным историческим материалом, но зато поражают обилием безумных идей.
Именно в нарядах этой эпохи черпает вдохновение столь модный стимпанк, поэтому дизайн стимпанковых персонажей можно оживлять ее деталями и силуэтами.
6. Этап эластичных тканей. Три предыдущих этапа не отличались друг от друга кардинально, они представляют собой этапы эволюционного развития одной и той же идеи — сшивать одежду из кусочков ткани для получения нужной формы. А вот настоящая революция произошла, когда на сцену вышли эластичные ткани. То, чего кроем можно добиться только с множеством ухищрений, эластичные ткани делают без усилий. Также появляются новые решения для застежек — молнии, кнопки, магниты. И это еще не все. Изобилие искусственных дешевых тканей с различными, раньше недоступными свойствами становится доступно большинству людей. Нейлон, искусственный шелк, микрофибра, вискоза, капрон, латекс, прорезиненные непромокаемые ткани.
Заметьте, речь сейчас только о материалах и застежках, не о том, какие факторы привели к радикальному упрощению силуэта, изменили степень обнаженности и перевели многие виды одежды из гендерной в унисекс. Все это из сфер морали и эстетики, не технологии.
Итак, общая картина исторического процесса теперь у нас есть. Где искать референсы и как их интерпретировать, ясно. Дальше нужно разобраться, как их использовать.
Я выделила некоторые возможные подходы:
Адаптация. Если вы нашли идеальный референс, который сам по себе гармоничен и нужно изменить буквально пару деталей, чтобы использовать его — почему бы нет? Кстати, я регулярно вижу в хороших костюмных экранизациях буквальные реплики костюмов с картин и из винтажных модных журналов. Если ваш сеттинг исторически строгий — это, пожалуй, лучший вариант. В остальных случаях адаптивный подход ощутимо обедняет вашу работу.
Продвинутая адаптация. Вы подбираете несколько разных референсов для одного персонажа. С одного референса прическа, с другого пояс, с третьего сапоги, а вот перчатки самостоятельно придумали. Причем продвинутую адаптацию можно применять и к уже готовому концепту, чтобы обогатить его парой-тройкой вкусных деталей, найденных на референсах.
Аналогия. Вы просматриваете референсы, которые считаете характерными для выбранного персонажа, разбираетесь в принципе построения костюма и делаете нечто самостоятельное, следуя не сколько визуалу, сколько логике. Практически необходимый прием при любой работе с референсами, можно сочетать с другими приемами.
Эклектика. Вы берете произвольные детали из разных референсов, которые относятся к разным эпохам и разным обществам. Метод очень полярный — может получиться бессмысленный винегрет или оригинальное авторское видение. Смешение может быть обдуманным и эпатирующим, а может беспомощным и глупым. Результат тут гарантировать невозможно. Зато эклектичный подход может помочь вам создать нечто новое, особенно, если не следовать референсам слепо, а работать по аналогии.
Смешивание. Часто требуется не повторить за историей, а сочетать две эпохи. Например, футуристический воин в египетском стиле. Или викторианская аристократка в эпоху космических перелетов. Вы используете две группы референсов и произвольно их смешиваете. Как в случае с эклектикой, ставка на ваше авторское видение. Как показывает опыт, у концептеров при таком методе работы порой получаются улетные штуки, а порой откровенный шлак, из которого торчат уши длиные референсов.
Сочетание. У вас есть несколько разномастных источников, и вы смешиваете их не бездумно, а последовательно. Например, ваш персонаж — темный шаман в викторианскую эпоху. Вы можете взять силуэт и логику викторианского костюма и выполнить его из материалов дотканного этапа, или вы можете взять полностью викторианский костюм и дополнить его символикой и аксессуарами шаманского обихода, и так далее. Чтобы работать в рамках этого подхода, стоит разобраться, из чего вообще состоит костюм.
Если вам требуется создать свой стиль без отсылки к какому-либо реальному периоду истории, задумайтесь над всеми этими пунктами, или выберите несколько наиболее важных. Часто требуется создать не одного персонажа, а целую линейку, но особенно такой подход продуктивен, когда нужно создать две или более фракций\рас. Задача в этом случае состоит прежде всего в том, чтобы персонаж каждой фракции легко и быстро опознавался. Чтобы поддерживать стиль внутри фракции, можно использовать полный список перечисленных составляющих.
Можно пойти и дальше. Если вам интересно этим заниматься (я знаю, что многие художники придумывают сразу целый сеттинг, не отдельного персонажа), попробуйте отнестись к одежде как к продолжению общества. Одежда это своего рода лакмусовая бумажка, которая расскажет вам очень много и об обществе, и о том, какое место в нем занимает персонаж. Обратите внимание на такие моменты:
какая технология существует в этом обществе: есть ли ткацкий станок, автоматический ли он, есть ли химические красители, кто шьет одежду, есть ли индустрия моды.
какова социальная мораль: высока ли терпимость к обнаженному телу, считается ли нагота красивой (от этого зависит не только тела будет на виду, но и насколько исказится силуэт тела в костюме), поощряется или осуждается сексуальная привлекательность, общество идеализирует скромность или роскошь, насколько разделены роли мужчин и женщин, насколько велика пропасть между классами или между кастами, между богатыми и бедными, властью и народом.
каково благосостояние общества: много ли детей гибнет во младенчестве (это повлияет на идеал женских форм), какова продолжительность жизни (это повлияет на то насколько молодые люди будут в центре внимания), насколько голодно общество (это поставит в центр интереса худых или полных людей), насколько воинственно общество (это повлияет на идеал мускулистости мужской фигуры)
каков художественный идеал этого общества — здесь в чести предприимчивость или традиционность, риск или устойчивость,здоровье или утонченность, воинственность или миролюбие, роскошь или сдержанность, серьезность или веселье
Добавьте к этому, если необходимо:
-характерный силуэт эпохи
-базовые элементы одежды (например нижнее платье, штаны, мантия, широкая шляпа)
-характерные цвета (выделите несколько основных и несколько второстепенных, распределите ритуальные цвета — правитель, духовенство, траур, празднество)
-символика, орнаменты и аксессуары.
Паблик автора: https://vk.com/sandlady_art
О причинах сотрудничества художников с модными дизайнерами: как появляются успешные коллаборации
Эльза Скиапарелли и Сальвадор Дали, Ив Сен-Лоран и Пит Мондриан — дизайнеры одежды всегда были открыты миру искусства. Более того, в союзе с художниками они создавали свои лучшие и самые знаменитые работы. Традиция, рожденная в первой половине XX века, сейчас сильна как никогда. И если с дизайнерами понятно, то чем подобное сотрудничество интересно художникам? Разбираемся в предмете.
В этом году Вирджил Абло впервые показал мужскую коллекцию Off-White на Pitti Uomo и устроил грандиозное шоу совместно с Дженни Хольцер. Американская художница-неоконцептуалист известна своими масштабными инсталляциями в общественных местах. Для показа Off-White она спроецировала на заднюю часть подиума строки из стихотворений Анны Свирщинской, написанных во время Варшавского восстания, рядом с текстами писателей с восточными корнями, в том числе американца сирийского происхождения Осамы Аломара. Этот творческий союз получил резонанс как пронзительное отражение текущих событий в мире, став отличным примером того, как мода может реагировать на состояние общества, в котором она существует.
На каждый такой союз приходится десяток примеров попроще — реплики живописных полотен на одежде — произведений, о которых к следующему сезону все забывают. «Я постоянно думаю о том, что дизайнеры превращают художников в фетиш», — говорит Эсбен Вайле Кьяр, датский художник, сотрудничавший с дизайнером Энн Софи Мадсен. Кьяр, скорее всего, прав. Зачем художнику, вращающемуся в богемных кругах галерей и выставок, в обществе полностью противоположном бутикам и подиумам, принимать предложение о таком сотрудничестве?
Напрашивается логичный ответ: такие партнерства зачастую позволяют художникам демонстрировать свои работы более широкой публике. В прошлых двух сезонах Moncler и фотограф Энни Лейбовиц пригласили китайского художника-перформансиста Лю Болина, известного в мире искусства как Человек-невидимка и Человек-хамелеон за свои опыты с мимикрией, для работы над рекламной кампанией итальянского бренда. Лю слился с ледником, а Moncler получил одну из ярчайших кампаний последнего времени. «Я очень внимательно выбираю, с кем сотрудничать. В этом проекте меня заинтриговала эпичность, я всегда хотел поработать с таким грандиозным ландшафтом, как в Исландии», — говорит художник, чьи перформансы можно рассматривать и как высказывания защитника окружающей среды.
Участившиеся коллаборации моды и искусства, возможно, говорят о гораздо более глубинном сдвиге в мире искусства и моды — границы между этими двумя мирами становятся все более условными. Дизайнеров нередко называют художниками, в то время как художники начинают пробовать себя в моде. Лю Болин — отличный тому пример. «От Valentino и Jean Paul Gaultier до Guerlain и Ruinart — я сотрудничал с модными брендами на протяжении многих лет… Меня всегда интересовало сотрудничество с модой, особенно в свете запуска моей собственной модной коллекции — Liu Bolin», — признается художник.
Американец Стерлинг Руби, работавший с Рафом Симонсом даже до его времени в Dior, также создает одежду и видит мало различий между своим искусством и своими вещами.
И все же некоторые художники, в том числе Кристоф Шемен, работавший над осенней коллекцией Prada 2016 года, начинают относиться скептически к преимуществам таких коллабораций. «Это стало настоящим трендом, хотя сама идея совсем не нова, — говорит Шемен. — Я думаю, такие союзы должны заключаться, только если есть серьезный интерес с обеих сторон и настоящий творческий обмен… Дизайнерам ведь не нужны художники, чтобы создавать классные коллекции, а задача художников не в том, чтобы улучшать одежду».
Тогда что же составляет настоящий обмен? Шемен приводит пример: The Ritva Man —лондонский трикотажный бренд из 1960–1970-х годов. Придумали его финская модель и художница Ритва и ее муж, американец Майк Росс, который одно время учился в Королевском колледже искусств. Их бренд находился в центре кипящей художественной жизни Лондона: произведения Элизабет Фринк, Дэвида Хокни, Патрика Хьюза и Аллена Джонса появлялись в специальной арт-коллекции марки, выходившей ограниченным тиражом. Одежда продавалась вместе с пластиковыми коробами, в которых она могла выставляться, если ее не носили, так каждый предмет по праву считался самостоятельным произведением искусства.
Несмотря на то что бренда Ritva уже не существует, некоторые похожие союзы сохранились и в современной моде. Тут легко можно провести параллель с продолжительным сотрудничеством между Джонатаном Андерсоном, креативным директором J.W.Anderson и Loewe, и художником и фотографом Иэном Дэвидом Бейкером. Этот дуэт возник сам собой: дизайнер всегда с особым интересом следил за творчеством фотографа, а тот давно покровительствовал Андерсону.
«Возрождение интереса к моей работе произошло в 2013–2014 годах… Мне позвонил Джонатан, он хотел купить несколько фотографий и рисунков. В конце 2014 года Андерсон предложил мне встретиться у него в офисе и обсудить совместный проект, — рассказывает Бейкер. — Мне кажется, он был слегка одержим моими работами. Тогда я сказал, что очень надеюсь, что все это будет стоить затраченных усилий».
Еще одна похожая история: дизайнеры бренда Rochambeau Лоуренс Чандлер и Джошуа Купер, как некогда Ритва и Майк Росс, через совместный проект получили пропуск в арт-мир. «Я познакомился с Лоуренсом из Rochambeau в 2013 году на открытии моей выставки в Линкольн-центре. Он коллекционирует искусство и приобрел пару моих работ», — вспоминает Аарон Карри, работавший вместе с Чандлером и Купером над весенне-летней коллекцией будущего года. «Позднее я познакомился с Джошуа, и мне очень понравилась его энергия», — говорит Карри, сравнивающий процесс работы над модными вещами с тем, как он в юности декорировал кроссовки Vans.
В мире моды, где одежда с окончанием сезона теряет свою актуальность, созданная совместно с Карри коллекция базовых предметов повседневной одежды с психоделическими творениями художника обладает редкой нынче внесезонной актуальностью. В декабре коллекция будет представлена миру искусства на ярмарке Art Basel в Майами-Бич, где Карри и его работы — завсегдатаи. И лишь после этого вещи появятся в модных бутиках по всему миру.
Подпишитесь и станьте на шаг ближе к профессионалам мира моды.
29.01.04 Художник по костюму . Владивостокский государственный университет экономики и сервиса ВГУЭС
В Приморском крае профессию Художник по костюму можно получить только в филиале ВГУЭС в г. Уссурийске.
Каждому человеку хочется выглядеть красиво, модно и стильно. Созданием одежды занимаются различные специалисты: портные, закройщики, модельеры, конструкторы, дизайнеры. Создание образа на бумаге – первый шаг к воплощению в жизнь стильной, элегантной и красивой одежды, которым занимается художник по костюму. Эта профессия под силу только тем, кто нестандартно мыслит, и творчество является частью его жизни.
Сегодня эта профессия востребована на рынке труда. Профессия предполагает полную свободу творчества в трудовой деятельности.
Художник по костюму — это специалист, владеющий современными направлениями в моделировании одежды, основами дизайна (художественное проектирование одежды), учитывает свойства материалов для изготовления одежды, особенности моделирования и конструирования изделий с учетом возраста, строения фигуры и внешности, знаком с историей костюма и основами художественной графики костюма. Плюс, художник обладает безграничной фантазией. Без нее не удается создавать ни одного образа. Работая над одной и той же темой, два художника создадут совершенно разные образы.
Преимущества профессии: профессия востребована на рынке труда, дает возможность открыть собственное дело, возможность проявлять и реализовывать свой творческий потенциал и, наконец, просто красиво и оригинально выглядеть.
Виды деятельности
Разработка эскизов моделей одежды с учетом исторического костюма или тенденций моды. Разработка конструкций и шаблонов (лекал). Технологическая обработка изделий и выполнение их в материале.
Преимущества обучения во ВГУЭС
Качество образования обеспечивается наличием современных учебно-производственных мастерских со швейным оборудованием известных зарубежных и российских производителей и высокой квалификацией мастеров-практиков. На занятиях широко используются инновационные технологии обучения.
Выпускники имеют возможность продолжить обучение по специальностям среднего профессионального образования «Конструирование, моделирование и технология швейных изделий», » Дизайн (костюма)» и высшего профессионального образования «Сервис в индустрии моды» в стенах университета. Кроме профессиональных навыков в процессе обучения прививаются основы предпринимательской деятельности.
Качество жизни учащегося обеспечивается развитой инфраструктурой университета. В их распоряжении обучающихся спортивный комплекс «Чемпион», библиотеки, читальные залы с выходом в Интернет, театрально – концертный комплекс «Андеграунд». Учащиеся получают стипендию и обеспечиваются питанием. Иногородним предоставляется общежитие.
Наши выпускники работают на предприятиях швейной отрасли, модельного бизнеса, театрах, в ШОУ-бизнесе, занимаются индивидуальной предпринимательской деятельностью.
Комфортный, практичный, современный — Permanent Style
Тони Сильвестр
Сегодня, когда я сажусь писать, на мне моя самая любимая вещь из недавнего прошлого. Совершенно новый от Bryceland’s льняной костюм Farmer’s Smock длиной до колен (ниже) может немного отличаться от того, что вы ожидаете от дизайнерской команды Итана Ньютона и Кенджи Чунга, но, тем не менее, он соответствует их манере поведения на футболке. Как и их рубашка-полотенце, она кажется неоткрытой вещью, которую нужно переосмыслить для современного гардероба, и я готов.
Несмотря на скромное название, которое отражает его скромное происхождение, этот комбинезон выглядит скорее богемным по духу, чем повседневным. Все элементы изделия, от переда нагрудника и воротника-стойки до сборок на манжете и кокетке, больше напоминают художника fin-de-sié cle , чем французских рабочих, которые изначально носили такую одежду. . Но, может быть, это неудивительно, учитывая, как на протяжении многих лет художники использовали «рабочую одежду».
Однажды я примерил свободный и развевающийся халат поверх старых потрепанных джинсов в сочетании с сандалиями, а на следующий раз заправил пару черных льняных брюк с высокой талией и бельгийские лоферы, подчеркнув их сходство с классической рубашкой.Или просто в пижамных шортах и греческих тапочках, как сегодня.
В главе «Одевайся как художник-авангардист» в превосходной степени История мужской моды Фарид Шанун отмечает, что на рубеже двадцатого века «произошла метаморфоза под тройной эгидой молодежи, спорта и искусства». . Начало этой современной эпохи принадлежало новому творческому поколению, уставшему от старого мира.
Как они одевались? Они «использовали рабочую и торговую одежду — вельветовые брюки, синие халаты и комбинезоны», пытаясь освободиться от буржуазных представлений о классе.
Не повредило то, что рабочая одежда была одновременно удобной и износостойкой, а также «народной»; это был как функциональный, так и творческий выбор.
Это наследие до сих пор с нами. Держу пари, что многим читателям сойдет с рук то, что вместо спортивных курток или пиджаков, вместо спортивных курток или пиджаков, надевать на встречи темно-синие « домашние куртки » на основе bleu de travail , что, на мой взгляд, говорит об ассоциации с художниками, а не о происхождении рабочей одежды. .
Мне повезло, что у меня никогда не было работы, требующей кодов или униформы — по крайней мере, с тех пор, как я складывал полки в подростковом возрасте — поэтому одевание всегда было вопросом личной эстетики, а не режимом.Мне посчастливилось создать свой собственный образ. Помня об этом, я украл у художников многое, что касается моего гардероба.
Я украл полоску Orcival Breton Stripe Пикассо (вверху), фетровую шляпу Джозефа Бойса Lock & Co (также вверху), эспадрильи Дали на шнуровке (вверху статьи) и кроссовки Weejuns Джексона Поллака (внизу статьи). Но, наверное, никто не занял такое заметное место в моем гардеробе, как куртка Forestiere печально прекратившего существование парижского бренда Arnys (внизу).
Первоначально заказанный художником и архитектором Ле Корбюзье в 1947 году в качестве форменной куртки, он взял за отправную точку классическую французскую куртку из крота или шнура (в данном случае, которую носил Гастон Модо в фильме 1939 года La Régle Du Jeu ).
Упростив конструкцию, он добавил воротник-мандарин, накладные карманы, налокотники и рукав кимоно для удобства передвижения. В течение следующих 50 лет Forestiere стал основным продуктом французской «бобо» (богемской буржуазии), любимым как политиками, так и промышленниками.
Моя кремово-льняная летняя версия (ниже) олицетворяет простоту: свободная посадка и «поношенная» (вежливо выражаясь), а зимние версии — шикарные вещи в осенних тонах с контрастной подкладкой.Мой поступил от парижского торговца винтажными товарами Чато Луфсена, который также выпускает репродуктивную версию под названием La Bores.
Это предмет одежды, который легко вписывается в гардероб, выполняя ту же роль, что и обычное пальто или неструктурированная спортивная куртка.
Большинство современных брендов, которыми я восхищаюсь, отдают должное этим художественным традициям, будь то скрытое стремление к мудборду или явные произведения, названные в честь художника или поэта.
Лейбл Кентаро Накагоми Coherence не скрывает своей миссии: серия действительно качественных пальто, взятых непосредственно с портретов мастеров и писателей 20-го века; Дюшан, Корбюзье (снова), Камю и Хемингуэй — все они очень хорошо представлены.
Один из самых ярких примеров прошлого года — это «Mitsou», негабаритное пальто из парусины, которое во многом обязано мастерскому ремесленника, как и пальто (внизу, вверху), и основано на особенно забрызганном, Мятый и изношенный сюртук польско-французского художника Бальтуса на портрете Ирвинга Пенна в 1948 году (внизу, внизу).
Мне всегда нравилось это фото. Вызывающе-лучезарный художник полулежит с сигаретой во рту, его растрепанное пальто перевязано шнурком и застегнуто на шею, возможно, чтобы не допустить холода в его чердаке.
Намного более заманчивое вдохновение для покупки пальто, чем некоторые аристократы, утомляющие его на поле для поло.
На эту тему модный журналист Чарли Портер только что опубликовал What Artists Wear on Penguin. На безупречной обложке изображен костюм Джорджии О’Киф, который, казалось, парит в пустоте, а графический дизайн сознательно перекликается с любимой школьной программой « Ways Of Seeing » Джона Бергера.
В сочинении Портера и здесь много тона Бергера.У него легкий, разговорный стиль, основанный на мнениях. Он предпочитает охватить много вопросов, а не углубляться, придавая книге ощущение записанной лекции или мини-сериала BBC4.
Безусловно, это книга об искусстве, а не о «стиле», но ее чувства перекликаются с тем, что мы обсуждали выше. Проблемы практичности и функциональности, идея одеваться как ролевая игра, символизм того, как мы представляем себя миру.
Мне особенно понравился костюм для отдыха как «эталон авторитета» в мужской одежде — эталон, который, как выразился Портер, следует ниспровергать или принимать.
Особо следует отметить тихий сюрреализм бесплатных, но не идентичных костюмов в клетку Гилберта и Джорджа и «мужской респектабельной одежды: твидовый пиджак и фланелевые брюки» Альберто Джакометти (вверху): консервативный выбор одежды, подорванный формой и состоянием. скульптор решил носить их.
Как пишет Портер, «курткам Джакометти присущ просторный крой, мягкость ткани, умышленная путаница, превосходящая всякую элегантность, и расслабленный баланс его мешковатых штанов».
Как человек, который носит необычайно красивую одежду и почти неэлегантно, это глубоко во мне откликнулось.
Долгое подробное изучение того, что на самом деле носят художники
Тони Эванс / Timelapse Library Ltd.
Что на тебе сейчас надето? Почему вы выбрали именно его? Что это говорит о тебе? Эти простые вопросы лежат в основе новой книги писателя и модного критика Чарли Портера What Artists Wear : увлекательное исследование одежды, которую носят повстанцы, нарушители правил и отстраненных от мира искусства, и что это значит для живи в нем.
Как и ее предмет, книга сама по себе бросает вызов традициям глянцевого царства широкоформатных твердых обложек; это издание Penguin, так что, конечно же, в мягкой обложке. Маленький, карманный, доступный, доступный. «Это супердоступно», — говорит Портер. «И я надеюсь, что это побудит молодых читателей открыть для себя этих художников. Одежда и разговоры об одежде — это выход».
Пингвин
Что носят художники
Чарли Портер амазонка.co.uk11,65 фунтов стерлингов
По словам Портера, невысказанный язык одежды — интуитивный, часто приземленный, повседневный выбор художников — может посылать сообщения, проливающие свет на наш культурный и социальный ландшафт. «В течение последних нескольких десятилетий художники ставили себя в центр своей работы с помощью видео, фотографии и перформанса, чего никогда раньше не было», — говорит он. «Поэтому одежда, которую они носят, тоже находится в центре внимания.Они посылают сигналы зрителю ».
Итак, что это за сигналы? И как мы их расшифровываем? Возьмите этот снимок Фрэнсиса Бэкона. Сфотографированный в его студии в Южном Кенсингтоне в 1974 году, он сидит среди печально известного хаоса своих работ. пространство, следы забрызганных краской брюк, лежащих на тряпках перед ним. Тем не менее, его одежда «свежая, сексуальная, модная, чистая». Почему? «Бэкон был художником, который неуклонно владел собой и хотел представить себя главным», — пишет Портер ». Когда он заканчивал работу, он переодевался и отправлялся в Сохо, готовый быть общительным и гламурным.«
Бэкон в своей мастерской, 1974Поместье Фрэнсиса Бэкона
На этом снимке Гилберта и Джорджа, арт-дуэта, известного своими традиционными однобортными костюмами. Когда однажды летним вечером Портер замечает, как они идут по улице Ист-Энда, он спрашивает себя, почему, учитывая, что они носят очень нормальный костюм, они выглядят так странно, вне контекста и «странно»? «Какое влияние на нашу психику имеет портняжное дело и это закодированное значение мужской силы?» он спрашивает.
Гилберт и Джордж в Поющая скульптура , 1992Sonnabend / Methodact
А как же Жан-Мишель Баския, еще один художник, которого уважают за его личный образ? Он совмещал пошив одежды с приобретением комиссионных магазинов, моделировал для Comme des Garçons и был одним из очень немногих художников, которые могли позволить себе дорогую дизайнерскую одежду, но при этом носили ее, чтобы рисовать, курить, устраивать вечеринки — принимая во внимание брызги краски и ожоги от сигарет. художественного процесса.«Язык того, что он носил — крупногабаритный, нестандартный, хаос, контролируемый — сформировался задолго до его внезапной славы», — говорит Портер.
Модель Жан-Мишель Баския на выставке Comme des GarçonsComme des Garçons
Любопытство Портера к этой теме заразительно. Он красноречиво подчеркивает актуальность поразительного образа Дункана Гранта, яркого молодого человека Bloomsbury Group, в спортивном костюме, бросающего вызов «предположениям о том, что на самом деле носят некоторые мужчины», свежести и современности Ричарда Гамильтона в джинсовом комбинезоне на талии и белом носки и «противостояние классификации» Ричарда Таттла в его длинных брюках с застежкой-молнией.Образы, безусловно, заставляют задуматься. «Эта книга не является попыткой обожествить то, что носят художники», — говорит он. «И это книга не о моде. Меня интересует грязная, грязная, обычная одежда, которая так много говорит нам о том, кто ее носит».
Что носят художники Чарли Портера уже нет в продаже
Понравилась статья? Подпишитесь на нашу рассылку, чтобы получать больше подобных статей прямо на ваш почтовый ящик
ПОДПИСАТЬСЯ
Нужен позитив прямо сейчас? Подпишитесь на Esquire сейчас, чтобы получать новости о стиле, фитнесе, культуре и советы экспертов
ПОДПИСАТЬСЯ
Этот контент создается и поддерживается третьей стороной и импортируется на эту страницу, чтобы помочь пользователям указать свои адреса электронной почты.Вы можете найти больше информации об этом и подобном контенте на сайте piano.io.
Отчет о стиле: что носят художники в студии
Нет, не обязательно одеваться в традиционную мексиканскую одежду, чтобы нарисовать шедевр… но, вероятно, это не повредит.
В наши дни блоги об уличном стиле и ленты социальных сетей разрушили практически все оставшиеся в мире тайны портняжных изделий. Арсенал вдохновения средней модницы больше не ограничивается страницами Vogue и тем, что носили Пэрис и Ники в клубах.
Сегодня я могу создать свой стиль, чтобы смешаться с выбранной мной субкультурой в любой точке мира. Сегодня я могу одеться, как мама пилатеса из Беверли-Хиллз, а на следующий день — школьница из Нью-Йорка, и если я решу провести вечер в городе, независимо от того, в каком городе, я знаю, что впишусь в нее: прежде священное Знания, например, что надеть, чтобы попасть в Berghain или вписаться в андерграундный рейв в Киеве, находятся всего в паре кликов.
Фаворит, кажется… вы уже догадались!… Черный, черный и еще больше черный.
И все же один рубеж моды остается неизведанным. Что носят в студии художники ?
Произнесите фразу «студийная одежда», и в центре внимания окажутся одни и те же образы: заляпанные краской комбинезоны, потрепанные футболки, потертые кеды Converse. Что ж, я здесь, чтобы сказать вам, что это правда; искусство может быть грязным делом, поэтому выбор студийной одежды часто бывает практичным. Но нельзя сказать, что при правильном подходе и небольшом воображении студийные наряды не могут стать безграничной площадкой для моды.
Если вы застряли в «той же белой футболке, в которой вы спали», мы здесь, чтобы дать вам небольшой толчок — вверх и вниз по кроличьей норе студийной моды. Мы проанализировали множество возможных студийных нарядов, углубились в , почему , и , как за каждый, так что вы можете приложить такой же уровень тщательной заботы к искусству, которое вы носите на своем теле, как и к искусству, которое вы делаете. положите на свой холст (помните мудрые слова Найджела: мода даже «превосходит искусство, потому что вы живете в нем всю свою жизнь.»).
Хотя Найджел, возможно, зашел слишком далеко, одежда, в которую мы драпируем свое тело, действительно оказывает глубокое влияние на наше настроение, нашу энергию и наши творческие способности. Целые миры могут возникнуть из пары ковбойских сапог и пластинки Спрингстина; целые персоны из расшитого блестками платья и тонкой сигареты. Итак, когда вы отправляетесь в студию, подумайте на секунду: какое альтер-эго вы выберете сегодня?
Возьмите реплики Дэвида Боуи, действующего мастера альтер-эго, и давайте танцевать.
Спецодежда, спецодежда и др. Спецодежда.
Для начала можно поговорить о карманах? Если вы женщина или любите носить женскую одежду, вам, по сути, нужно вызвать хорошо укомплектованную поисковую группу, чтобы найти одежду с небольшими карманами приличного размера.
Просто подумайте о простом удовольствии засунуть руки в карманы и откинуться на одну ногу, как будто говоря: «Да, я ученый и образованный джентльмен, но я также могу надрать тебе задницу, панк, так что смотри.«Что ж, женщинам было отказано в силе и привилегиях этого благородного чувства на протяжении большей части истории — по моему скромному мнению, на сегодняшний день это одна из самых больших гендерных несправедливостей.
А как художнику тебе нужны карманы больше, чем обычному человеку. Футболки и шорты для мальчиков милые и все такое, но куда вы собираетесь положить две камеры, мастихин, ножницы, бутылку чайного гриба, скотч, гуашь (черно-белую), угольный карандаш, телефон и сумку для закусок. миндаля? Вот где в комбинезоне.
Вопрос о скромном комбинезоне имеет также политический аспект.
New York Tribune , Нью-Йорк, 26 ноября 1917 г.
Первоначально комбинезон носили рабы, рабочие и солдаты. одежда против моды и протеста. В 1890-х годах они стали одним из первых гендерно-нейтральных предметов одежды, которые считались приемлемыми как для маленьких девочек, так и для мальчиков. Однако для взрослых женщин они оставались закрытыми почти столетие спустя.Одна из газет в штате Орегон сообщила, что ношение комбинезона считается причиной развода, и даже во время войны женщина в комбинезоне обязательно поднимет настроение, хотя смех может привести к увольнению.
В 1970-е годы феминистки второй волны восприняли комбинезоны как символ сопротивления — они скрывали женские изгибы, позволяли им свободно двигаться и, что лучше всего, помогали им избегать бюстгальтеров. Спортивные комбинезоны были настолько далеки от эстетики домохозяйки Безумцев, насколько это возможно, и феминистки доили их изо всех сил.
The Oregon Daily Journal, Портленд, 23 января 1921 года.
Итак, в следующий раз, когда вы наденете свою пару Dickey’s и отправитесь в студию, сделайте паузу и почувствуйте тяжесть на своих плечах. Нет, это не ремни, впивающиеся в вашу ключицу — это работа поколений активистов, которые были до вас. Создавайте соответственно.
Образы, которые мы любим:
Классический образ с одной лямкой, предоставленный лукбуком Kilo Shop. Kilo Shop — это неповторимый бутик винтажной феерии, расположенный по всей Франции.Они закупают одежду и аксессуары со всего мира (некоторые из моих любимых находок имеют японские бирки с именами) и продают их на развес, как следует из названия. Загляните за милыми винтажными нитками, и, скорее всего (смайлики с подмигивающим лицом), очень милый кассир проверит вас.
Принцесса Ри-Ри в Frame Denim, 8 сентября 2015 года в Трибеке.
Fenty x Puma Spring 2018 официально разрешила заклеивать любимые изношенные комбинезоны изолентой, чтобы дать им вторую жизнь — и третью, и тринадцатую.Продолжайте с полным осознанием экзистенциального блаженства. К тому же, когда всех карманов в мире недостаточно для хранения вашего рога изобилия художественных инструментов, самое время развернуть комбинезон из мира аксессуаров: поясную сумку.
Джиллиан Хольцманн из Ghostbusters доказывает, что брызги краски только делают комбинезон еще более радостным; повсюду художники вздыхают с облегчением.
Я надену все, что одобрено Джорджем Харрисоном, но если это окажется великолепный комбинезон с широкими штанинами, тем лучше.
Дамы и детеныши аллигаторов, зоопарк Луна-Парк, Лос-Анджелес, 1927. Комбинезоны, возможно, еще не были в моде (или в Vogue ), но что еще вы бы надели, чтобы обращаться с детенышами аллигаторов?
Винтажное нижнее белье
Когда вы находитесь в студии, вы, вероятно, захотите почувствовать себя разными способами: непринужденно, вдохновенно, наполненно, но не слишком полно, плавно, безгранично и богоподобно — это всего лишь несколько слов, которые приходят на ум. Но я бы сказал, что это также помогает чувствовать себя потрясающе сексуально, потрясающе сексуально.Мы говорим о сексуальной привлекательности, которая нарушает законы физики и заставляет Землю проноситься сквозь неизвестные ранее измерения. Мы говорим о сексуальном музыкальном видео Бритни Спирс Toxic на уровне сексуального.
Почему? Что ж, согласно многим древним духовным традициям, от индуизма до шаманской практики, творческая энергия происходит от божественного женского начала. Этот архетип богини, присутствующий в каждом человеке, отвечает за все виды творения, включая искусство и, как мать всего творения, секс.
Хотя западная патриархальная культура проделала огромную работу по стиранию образа сильной, сексуальной, творческой женщины, пора вернуть ее домой. В отличие от дихотомии девственница / шлюха (Мария Магдалина, возможно, самая близкая к нам на Западе), она в основном то, что мы сейчас называем сукой-боссом — подумайте о Бейонсе, Майе Энджелус и Леди Гагас в мире. Женщина, которая ни у кого не ляжет и не срет; женщина, которая направляет свою сексуальность как часть своего мастерства. Если задуматься, женская творческая сила — это буквально сила, которая поддерживает жизнь нашего вида.А теперь представьте себе чудеса, которых может достичь такая сила, если направить ее в искусство.
Куда мы это делали? О да, винтажное нижнее белье.
Смысл всего отклонения от темы богини заключался в том, что сексуальная одежда для себя — мощный способ вернуть свою женскую силу, которую затем можно направить в свое искусство. Ничто не кричит сексуально громче, чем нижнее белье — поверьте, я учился в колледже без разбора и часто неуместно носил черные шелковые комбинезоны на всевозможные светские мероприятия, так что я должен знать.И хотя оно традиционно ориентировано на мужской взгляд, почему бы не перевернуть повествование и не сделать нижнее белье символом творческой свободы и расширения возможностей?
Сделаем это, дамы.
Образы, которые мы любим:
Разве «Dominant Damsels» не похоже на название извращенной женской панк-рок-группы? В любом случае, мы любим рыболовные сети.
Для ношения, когда вы хотите почувствовать себя легким и неземным, готовым в любой момент уплыть в эфирное облако чистого света и идей.
руб., Отменяя все социальные обязательства, которые требовали бы от меня ношения чего-либо, кроме этого.
Назовите более культовый образ, я подожду.
Викторианские времена, как известно, удушали женщин во всех смыслах, но на самом деле они выглядят очень удобными для отдыха. Дизайн разработан Boué Soeurs, сестринским домом по производству платьев и нижнего белья, действовавшим во Франции с конца 1800-х по 1930-е годы.
Хорошо, может быть, это не так практично для твоих брызг краски в стиле Джексона Поллока, но боже, где это было, когда я покупала платье для выпускного вечера?
Кадр из фильма Professional Sweetheart (1933).В 1920-х и 30-х годах мода на нижнее белье полностью оторвалась от викторианского стиля. Женщины больше не тонули в бесконечных слоях нижних юбок; силуэты стали гладкими и простыми, поразительно похожими на сегодняшнюю моду нижнего белья.
Лилиан Харви в фильме неизвестной докодовой эры.
Из-за отсутствия обязательных правил цензуры непристойная эра голливудских фильмов до кодекса полна кадрами роскошных кружев и скандальных разрезов на бедрах, и мы здесь ради этого. Эти комбинезоны, бюстгальтеры без бюстгальтера и ночные рубашки горячие, горячие, горячие — и достаточно удобные, чтобы поваляться в студии.Лучше всего сохранить их на время фото- или видеомонтажа; Вы не будете слишком счастливы, если прольете масляную краску на свой безумно дорогой винтажный négligée.
из Наши краснеющие невесты (1930)
Костюм на день рождения
Почему бы и нет? Иногда все, что вам нужно, — это краски и вдохновение.
Гигантская фланелевая рубашка на пуговицах из корзины за 1 доллар в вашем местном благотворительном магазине
Если собаки — лучший друг человека, а бриллиант — лучший друг девушки, то кто лучший друг художника? Конечно, гигантская фланель.Он подойдет ко всему — я имею в виду что угодно. Приобретите одного из этих плохих парней, и у вас будет не только новый костюм для рисования, но и новый трюк для вечеринки: «Сколько друзей мы сможем уместить в моей фланели?» (текущий рекорд: 17, Tribeca, 1972).
Вы никогда не почувствуете ни малейшего сожаления по поводу того, что испачкали его, порвали, загорелись рукава, случайно разорвало все в клочья как часть вашего нового произведения, что угодно. Единственная опасность заключается в том, что они настолько удобны, что могут начать просачиваться в ваш не студийный гардероб, заставляя ваших друзей планировать вмешательство, когда вы приходите на детский душ, выглядя так, как будто вы носите окровавленную рубашку Лео Джонсона из Twin. Пики (Сезон 1, Эпизод 5).
Образы, которые мы любим:
Скай Феррейра покидает Chateau Marmont или художник покидает студию в 4 утра?
Дайте волю своему угрюмому дровосеку.
Если вы не можете решить, какую фланель надеть, наденьте их все, а также пару одеял.
Если вы слишком слабы для фланели, вот вам небольшое напоминание об обратном. Если бы Моне мог надеть его перед Брижит Бардо во время Канн в 1956 году, вы могли бы переодеваться во фланели, когда вы совсем один.
Винтажная футболка на каждый день недели
Винтажные футболки — это тост студийной одежды: простые, практичные, скромные и уютные, но они делают свое дело, когда вы спешите по утрам и вам не хочется приготовить «легкий» пудинг с чиа. (Крупнейшая ложь веганских блоггеров сказала мне: «Время на подготовку 5 минут»).
Для ясности, мы не предлагаем вам тратить все свои сбережения на редкие оригинальные футболки с туром группы на eBay — если только это не ваша особенность, и в этом случае я искренне поддерживаю вас и знаю имя хорошего юриста по банкротству.Я говорю о маслянисто-гладких Hanes, оттенке синего, который говорит вам, что он прошел через отжим, а не пару раз, как вы.
Оттенок синего, который нашептывает вашей коже секреты, трансмутирует магию и тайну ее прошлых жизней с помощью осязания. Оттенок синего, которому есть что рассказать — как и вы.
И, как и вы на выпускном вечере, эти младенцы дешевы и легки (я шучу…). Нет, но на самом деле вы можете создать завидную коллекцию винтажных футболок, просто превратившись в хобби — обыскать местный благотворительный комиссионный магазин, всего 20 долларов в кармане а-ля Macklemore.Вы будете кататься (и рисовать) в стиле быстрее, чем вы можете сказать , это чертовски круто .
Образы, которые мы любим:
Вы никогда не ошибетесь с Juicy. Если вы не собираетесь на благотворительный бал, похороны или мероприятие в Белом доме, Juicy Couture — это гарантированно надежный гардероб. На самом деле, вычеркните это: Juicy Couture — это , , наиболее подходящая для Белого дома одежда .
Groovy.
Kids Ларри Кларка, возможно, не возглавит ваш список фильмов о моде, но просто найдите секунду, чтобы впитать эти чудесно песчаные футболки.
Яростная надутость не включена.
Не ошибетесь с классической белой буквой Т, если вы согласны с тем, что она не останется белой надолго…
Старый ваш / вашей мамы / дяди / двоюродного брата / партнера / бывшего / лучшего друга детства все, что угодно
Ностальгия может стать мощным стимулом для творчества. Конечно, есть что сказать, чтобы жить настоящим моментом и улавливать чувства, пока они свежие, но я бы сказал, что небольшое здоровое размышление о прошлом может быть конструктивным (конечно, все в умеренных количествах).
Музыка творит чудеса, возвращая нас к определенному моменту, но в следующий раз, когда вы попытаетесь направить дух прошлого, поэкспериментируйте с другим подходом: буквально драпируйте прошлое. Если вы занимаетесь искусством своего детства, вернитесь в свое шестнадцатилетнее «я», надев старую школьную форму, толстовку с капюшоном, которую вы всегда носили, чтобы кататься на коньках, или свою любимую майку Abercrombie, которую вы носили в торговом центре. со своей подругой Шэрон, чтобы разглядывать кошельки тренера и старшеклассников.Все, что угодно, лишь бы вернуть вас обратно.
Вы также можете использовать тот же подход, чтобы вызвать дух другого человека. Никакой магии вуду (это отдельная статья;) — просто закутитесь в их нитки, желательно с запахом духов / потных подмышек, который все еще остается в ткани. Вдохните, сублимируйте и позвольте эмоциям вытечь на экран или холст.
Текст Катя Лопатко
Изображения Bored Panda, BBC, Tumblr, Kilo Shop, Haus of Rihanna, Vogue, Где получить, CR Fashion Book, She and Reverie, The Lingerie Addict, Zimbo, Lookbook, Fitness, ASOS Marketplace, Depop, журнал IGGY, Who What Wear.
Потрясающих и нестандартных дизайнов футболок и продавайте свои произведения
Потрясающая одежда и аксессуары, созданные для вас!
Добро пожаловать в Artist Shot, ваш универсальный магазин подарков, одежды, аксессуаров и предметов домашнего декора!
Рубашки и аксессуары на заказ
Хотите оригинальную одежду и аксессуары? Если это ваш случай, приходите в Artist Shot и сделайте свои собственные рубашки , толстовки, чехлы и многое другое…
Продай свое искусство
Вы независимый художник? Не тратьте время зря, публикуйте свои удивительные дизайны здесь, и пусть МИР узнает о вашей работе. Продайте свое искусство в разных продукты и зарабатывайте деньги в любое время!
Быстрая доставка
Команда Artist Shot усердно работает для вас.Закажите отличную футболку, худи, шляпу или аксессуар, и мы сделаем все возможное, чтобы изготовить и отправить ваш товар быстрее.
Найдите свою идеальную одежду и аксессуары СЕЙЧАС!
Мы предлагаем одежду различного дизайна, в том числе приталенные футболки, футболки для компьютерных фанатов, толстовки, спортивные рубашки и футболки с v-образным вырезом. Помимо персонализированных футболок, и т.п., мы также предлагаем другие аксессуары.Вы можете приобрести шляпы с индивидуальной вышивкой, бейсболки, вязаные шапки и даже сумки с принтом на шнурке. Вы можете создать полностью индивидуальный образ, отражающий ваше собственное неповторимое чувство стиля.
Наша новая коллекция
Наслаждайтесь +1000 оригинальными и эксклюзивными произведениями искусства, каждый день независимые художники создают все больше и больше.Выберите один и получите идеальный наряд
Кто мы?
Раньше мы мечтали создать онлайн-платформу, где каждый мог бы проявить свои творческие способности и индивидуальность, создавая уникальные индивидуальные подарки для себя и своих близких.
Так в 2004 году родился Artist Shot.
Наше творческое путешествие началось с изучения искусства вышивки. Со временем наши методы превратились в более сложные и современные методы печати.
Сегодня, более десяти лет и более 50 000 счастливых клиентов, Artist Shot превратился в одну из крупнейших платформ для подарков по индивидуальному заказу в США.
Избранные коллекции
Вы ищете что-то эксклюзивное? Найдите свой идеальный наряд в одной из наших коллекций и наслаждайтесь прямо сейчас!
Трендовая коллекция
Play Like Waylon Sing Like Cash Party Like Hank For Light Детское боди
18 долларов.50
Модная майка Vogue Paris
27 долларов.00
Стеклодув Подарок Забавная Должность Профессия День Рождения Идея Карманная футболка
14 долларов.00
Укороченный топ Cowboy Bebop
31 доллар.00
Chick Fil A Red Happy Halloween Длинный фартук
24 доллара.99
Классическая футболка Sally O Malley
18 долларов.00
Футболка Scirocco Classic
18 долларов.00
Укороченный топ Incredibles
28 долларов США.00
Какие индивидуальные товары мы предлагаем?
У Artist Shot выбор практически безграничен. Единственным ограничением является ваше воображение. Если вы ищете лучший подарок на Рождество, день рождения или годовщину, вы найдете его — и многое другое — здесь.
Одежда
Предлагаем мужскую, женскую и детскую одежду самых разных размеров.Стили включают все: от футболок, майок, толстовок и свитшотов до носков, пижам и джинсовых курток. У нас также есть богатый выбор юбок, платьев и одежды для беременных. А еще есть наши детские нагрудники, боди и шапочки для наших самых юных клиентов!
Лучше всего то, что вы можете выбирать все, от размера и кроя до цвета и печати. Вы можете выбрать один из уже существующих дизайнов или загрузить собственное изображение для 100% персонализированного продукта.
Принадлежности
От сумок и шляп до чехлов для смартфонов и чехлов для ноутбуков — все это у нас есть в магазине Artist Shop. Вы можете выбрать один из сотен существующих великолепных дизайнов или дать волю своему внутреннему художнику и использовать свой собственный!
Наши сумки бывают всех форм и размеров: сумки с завязками, сумки-тоут, сумки для покупок и даже сумки для аксессуаров.
Хобби
Для самых искусных из вас у нас есть большой выбор щитов, нашивок и пуговиц с заклепками различных размеров, форм, цветов и принтов.
Дом и декор
В разделе «Дом и декор» есть все: от декоративных подушек, ковриков для мыши и бутылок с водой до путешествий, кемперов и волшебных кружек.Да, и не забудьте ознакомиться с нашими индивидуальными номерными знаками и рамками для номерных знаков для автомобилей, мотоциклов, велосипедов и квадроциклов. Будь вы домоседом или упорным кочевником в душе, вы обязательно найдете здесь то, что вам понравится.
Наши художники
Если вы хотите напечатать согревающие сердце рубашки для парней и девушек, грубые футболки или футболки из фильмов, это можно сделать на Artistshot.com. Наш уникальный онлайн-процесс печати футболок прост, удобен в использовании и позволяет настраивать его по своему вкусу!
От размера до цвета и дизайна — все под вашим контролем.Будьте уверены, вы получите
своих денег.Но это еще не все…
Мы любим сотрудничать с талантливыми новыми художниками, чтобы помочь их проектам достичь более широкой глобальной аудитории, печатая их на наших продуктах. Независимо от того, являетесь ли вы профессиональным художником или страстным любителем декоративно-прикладного искусства, мы приглашаем вас стать частью нашей семьи.
Как это работает? Все очень просто. Все, что вам нужно сделать, это то, что у вас получается лучше всего: создать дизайн.Затем, как только вы загрузите его на нашу платформу, мы позаботимся обо всех скучных вещах, от печати и доставки до обслуживания клиентов.
Если вы решите присоединиться к нашей программе, вы сохраните полное право собственности на свои образцы. Более того, вы будете получать комиссию за каждый проданный продукт с вашим дизайном.
От Баскии до Бэкона: основные наряды художников
Новая книга Чарли Портера «Что носят художники» — это увлекательное исследование взаимосвязи между одеждой, художниками и их искусством — здесь автор рассказывает нам все об этом
Во многом новая книга Charlie Porter What Artists Wear делает то, что написано на банке.Но откиньте крышку, и вы пройдете через тщательный, подробный анализ одежды, которая информирует искусство. «Все это есть», — говорит Портер AnOther утром в день публикации книги. «Все это есть в этом искусстве, которое является языком одежды — языком, с которым мы все постоянно взаимодействуем. Вот почему он такой мощный, потому что мы все это знаем. А художники используют наш язык, язык одежды, чтобы посылать нам сообщения в своей работе ».
Распознавая эти послания по швам, Портер исследует одежду, используемую для создания персонажей в перформансах, и произведения, которые существуют как самостоятельные произведения.Возьмем, к примеру, Роберту Брейтмор, вымышленного персонажа, которого воплотила в жизнь американская художница Линн Хершман Лисон с помощью парика, кардигана и бордового платья с юбкой-трапецией и воротником в горошек, а также роль, которую одежда сыграла в превращении женщины в женщину. произведение искусства, которым она теперь известна. Он также считает, что художница из Лос-Анджелеса Мартин Симс, которая часто использует одежду в своих работах, еще больше исследует ее связь с современной культурой. «Некоторые из этих скульптур с одеждой — это все равно что вложить в них части меня», — говорит она Портеру.«Маленькая смерть».
Отражая постоянный интерес Портера к спецодежде и функциям одежды за пределами точки покупки, мы также узнаем об одежде, которую носят по необходимости, чтобы обеспечить физический процесс изготовления. По словам Портера, книга началась с изображения художника-абстракциониста Агнес Мартин в стеганой куртке и брюках, что заставило его спросить: «Почему в функциональной одежде такой заряд? Почему слово «функциональный» вызывает такой эмоциональный отклик? » Читая What Artists Wear , эмоциональный момент заключается в признании и признании очень человеческой потребности художников в том, чтобы им помогала в их работе хорошая одежда.Это унизительная мысль. Он достигает одной из главных целей Портера при написании книги — обожествлять художников.
Именно в этом духе книга создает неповторимую иерархию для включенных в нее художников. В то время как некоторые — Луиза Буржуа, Сара Лукас, Жан-Мишель Баския и Жозеф Бойс в том числе — получают отдельные главы, это не связано с каким-либо кажущимся превосходством с точки зрения автора. «Это было одно из моих неписаных правил для всей книги!» — говорит Портер. «Пикассо будет в нем, но он получит одну строчку.У него одна строчка и одно фото — один момент. Следовательно, никого не нужно было [включать] из-за их предполагаемого положения ».
Сара Лукас, Автопортрет с жареными яйцами, 1996 г. © Сара Лукас, любезно предоставлено штаб-квартирой Сэди Коулс, Лондон,. Тем не менее художники, которых любит Портер — те, с кем он дружит или чьи работы его трогают, — получают осторожные и заметные упоминания. Острый момент, когда автор погружается в работу, относится к Chariots Roman Spa и творчеству лондонского художника Прем Сахиба.Сахиб, как пишет Портер, «использует одежду в скульптурах и инсталляциях, которые смотрят на странные пространства и на то, как они населены». Ссылаясь на его работу 2017 года, номер Вам не все равно? Мы делаем. № , в котором 12 металлических шкафчиков были изъяты, когда баня закрылась, Портер комментирует: «Моя одежда, вероятно, когда-то хранилась в одном из этих шкафчиков. Сахиб тоже.
Признание того, что одежда автора и одежда художника присутствует — даже в их отсутствие — дает другим мужчинам-геям возможность увидеть себя в работе, соприкоснуться с ней.«Было важно сказать это», — говорит Портер. «Мне казалось, что если бы я этого не сказал, то, возможно, люди, читающие, были бы отчуждены от этого. Дело в том, что бани и квир-жизнь до недавнего времени были скрыты или помещены в гетто. А я просто в баню ходил — все ходили в баню. Больше я ничего об этом не рассказываю, больше ничего о моей жизни — это о моей одежде ».
Прем Сахиб, тебе не все равно? Мы делаем. (2017) Вид установки. Balconies, Kunstverein в Гамбурге, Германия, 2017 г. Любезность художника и Kunstverein в ГамбургеЧасть основополагающей серии Penguin Джона Бергера, What Artists Wear сочетает в себе острый взгляд автора на одежду — бывшего критика мужской одежды Financial Times , портер продолжает писать о моде быть влиятельным — и его тесная связь с художественным сообществом.Книга завершается описанием Портера своего года в качестве члена жюри Премии Тернера. Он вспоминает одежду, которую носил в том 2019 году, когда — если вы не помните — Лоуренс Абу Хамдан, Хелен Каммок, Оскар Мурильо и Тай Шани сформировали коллектив. Для Портера их одежда была такой же отличительной, как и их поведение. По его словам, этот момент был «очень волнующим». Они служат примером тех, кто изображен в книге, художников, которые «подрывают, переделывают или отвергают то, что от них ожидается».
Что носят художники предпринимает шаги, чтобы переопределить структуру того, как мы думаем о художниках, обожествить их, очеловечить их.При этом Портер успешно вводит одежду — новый, но бесконечно знакомый элемент — в разговоры об искусстве.
Что носят художники Чарли Портера («Пингвин») можно купить в лондонском Dover Street Market и во всех хороших книжных магазинах.
Искусство одеваться | Мода
Писатель моды Чарли Портер всегда был навязчивым читателем языка одежды, его взгляд неотразимо привлекал цвет пальто незнакомца; к покрою костюма или логотипу на кроссовках.«Я думаю, что все немного такие», — говорит он. «Мы все делаем это постоянно. Одежда — это информация. Форма полицейского говорит вам, что он делает. Если вы чувствуете угрозу или что-то не на своем месте, часто это в первую очередь дает вам одежда. Но поскольку я работал в моде, я полагаю, что мне это особенно нравится ». Иногда портняжная тикерная лента в его голове утомляет? «Не совсем.» Он смеется. «Но пандемия дала мне неплохой отдых от нее».
Я встречаю Портера, автора эклектичной, но воодушевляющей новой книги об одежде художников, в сквере Арнольд-цирка, недалеко от его дома в Шордич, восточный Лондон — и, естественно, мой первый вопрос касается его собственного Смотреть.Не говоря уже о его художниках и скульпторах. Во что он сегодня одет? Портер считает себя «обыкновенно непослушным», но да, он признает, что этим утром немного подумал над своим взглядом. «Это Крейг Грин, молодой лондонский дизайнер», — говорит он о толстой хлопковой куртке синего цвета Yves Klein, украшенной зеркальной отделкой. Открывая его, он обнаруживает не совсем белый халат художника от Labor and Wait, хипстерского поставщика всего функционального, от фартуков до лейки, которому он отдает предпочтение из-за свободы передвижения, которую он допускает, а также для его «космической эры». воротник.Это сочетается с парой полосатых брюк, происхождение которых он точно не помнит. Наконец, есть его мокасины от Gucci, которым около 15 лет.
Портер, которому 47 лет, всегда любил моду. Будучи подростком, он поехал в Лондон из своего дома в сельской местности Нортгемптоншира и обыскал корзину в Sign of the Times, культовом магазине клубной одежды в Кенсингтоне. «У меня была футболка от Big Jesus Trash Can с изображением ангелов в противогазах — я носил ее все время».
Автопортрет Сары Лукас с жареными яйцами, 1996, C-печать.Фотография: Сара Лукас / любезно предоставлено штаб-квартирой Сэди Коулз, Лондон. Но его новая книга родилась (по крайней мере, вначале) не столько из-за разочарования в моде, сколько из любви к ней. «Писать о моде часто считают чушью — а иногда и так. Но я всегда чувствовал, что это способ писать и о других вещах: об экономике, психологии, обществе, общении, желаниях ». В модной журналистике индустрия устанавливает искусственные ограничения; те, кто сообщает об этом, по необходимости зациклены на тенденциях. Но гардероб большинства людей больше связан с их эмоциональной жизнью, чем с нескончаемым поиском новизны.«Некоторые вещи утилитарны, — говорит Портер. «Некоторые сентиментальны. Некоторые из них связаны с сообществом, к которому человек принадлежит или хочет принадлежать. Надеюсь, моя книга говорит об этом. Его не интересуют списки самых красивых нарядов или так называемые иконы, хотя многие художники в нем известны ».
Но почему же выбирают художников? Причина в том, что, по его мнению, их эстетическая чувствительность более тонкая, чем наша? «Нет, дело в том, что художники лучше понимают одежду.Большинству людей приходится одеваться определенным образом — или мы так думаем. В рабочее время мы не общаемся с нашей одеждой по-настоящему. Мы можем даже относиться к ним негативно: мы можем ненавидеть свою работу, мы можем чувствовать себя ограниченными. Художники — хороший пример для изучения, потому что, оставшись одни в студии, они свободны от внешних сил ». Персонажи его книги — она состоит из таких людей, как Фрида Кало и Энди Уорхол, а также с менее известными именами, — он считает, что они освобождены таким образом, каким мы все хотели бы быть, если бы только мы имел возможность (или смелость).«Мода жестока по отношению к тем, кто старше», — говорит он. «Это безумие, потому что население стареет, а пожилые люди не перестают заниматься одеждой или интересоваться тем, что она может сделать для тела. Но в моей книге есть Луиза Буржуа, которая не встречает Хельмута Ланга [с которым она становится большими друзьями и чью одежду носит], пока ей не исполнится 80 ».
Буржуа стоит немного особняком от некоторых других своих подданных по той причине, что она любила модную дорогую одежду.«Фонд Истона сохранил ее дом в Нью-Йорке точно таким, каким он был в ее время», — говорит Портер. «Это необычно. Вот эти две полоски одежды: одна в подвале — такие вещи ваш папа поставит для вас — а другая — рядом с ее кухней на камбузе, с ее двухконтурной плитой и жирными стенами. Вторая планка — потрясающая вещь, потому что она показывает, насколько важной частью ее жизни была ее одежда. Их нужно было носить — даже шубу из тафтингового обезьяньего меха, которую она носила на фотографии Роберта Мэпплторпа в 1982 году, которая съеживалась при стирке.«
« Одежда средней пожилой женщины ужасна »: скульптор Барбара Хепуорт в Сент-Айвсе, 1957 г. Фотография: Пол Поппер / Popperfoto / Getty ImagesНа этом рельсе Портер, к своему воодушевлению, обнаружил смокинг от Ланга, на котором был изображен смокинг. была сделана для модели Стефани Сеймур, которую она должна была надеть на своем показе весна / лето 1999 года в Париже. Но яркая она или нет, одежда для буржуа также была хранилищем памяти. «Она снова и снова писала, что не может с ними расстаться, — говорит Портер.«В конце концов, она начала использовать их в своей работе. Фургон отвез их всех в ее студию — экстремальный экшн для нее, нарезка аккорда — и это стало началом невероятно творческого периода в ее карьере ».
Некоторые художники используют одежду как форму, чтобы лучше освободить свой разум для размышлений о других вещах — и, возможно, сделать себя мгновенно узнаваемым. «Это определенно относится к Йозефу Бойсу», — говорит Портер [немецкий художник, прославившийся своими хеппенингами и инсталляциями, провел последние 25 лет своей жизни в одном и том же: фетровой шляпе, куртке рыбака, белой рубашке и синем джинсы].«Но в случае с Гилбертом и Джорджем, которые всегда носят тяжелые твидовые костюмы, это больше связано с ограждением и порядком. Это создает контраст с их работой, противоречие, которое их радует ».
Молодой Дэвид Хокни, напротив, использовал свой внешний вид — противоположность униформе, даже майки и галстуки придавали ему вид очаровательного школьника-переростка — чтобы показать свою сексуальность. «В моде его часто называют иконой стиля», — говорит Портер. «Но он носил такую одежду не поэтому [приехав в Лондон из Брэдфорда студентом в 1959 году, Хокни предпочитал яркие цвета; он также покрасил свои черные волосы в блондин].Он принадлежал к этой новой волне послевоенного рабочего класса, который мог отделять свою территорию. Странность в 20-м веке всегда относилась к высшему классу — немного пижонски, — потому что только люди с определенным доходом могли позволить себе жить выше закона. Но Хокни был из семьи активистов, и его отец также был человеком, который раньше красил свой галстук-бабочку в горошек. Одежда Хокни была его способом сказать: «Я гей».
Яркая вспышка: Дэвид Хокни дома в Лондоне в 2015 году. Он всегда предпочитал яркие цвета с тех пор, как приехал в столицу в 1959 году.Фотография: Бен Куинтон / Бен Куинтон (введен в эксплуатацию)На мгновение Портер смотрит на мой длинный полосатый шерстяной шарф, который тоже ярко окрашен. «Другое дело, что люди доставляют себе удовольствие и комфорт, добавляя цвета в поле своего зрения».
Но именно главы его книги, посвященные художницам, создают самое увлекательное чтение, их одежда освобождает их, давая им разрешение отличаться от других в мире, где все остальные пребывают в парах-близнецах и жемчуге: художница Агнес Мартин в ее забрызганный комбинезон и стеганые куртки; скульптор Барбара Хепуорт в своих комбинезонах.«Хепуорт выбрала одежду, которая позволила бы ей работать на улице в холодную погоду и защитить ее от вещей, которые летали вокруг, когда она создавала свои скульптуры», — говорит Портер. «Но это тоже было застенчиво. Она всегда выглядела фантастически ».
В 1944 году, в возрасте 41 года, Хепворт написала своей подруге Маргарет Гардинер о своем желании найти одежду, которая лучше соответствовала бы ее внутренним ощущениям. «Одежда средней пожилой женщины ужасна», — отметила она. «Мы должны выработать какой-то личный стиль, который вдохновляет нас самих… Развитие личности в одежде сейчас очень важно и так сложно.Портер смакует это письмо не только из-за того, как в нем излагается, как она будет одеваться в следующие десятилетия (эластичная талия, куртки на молнии, слаксы, туфли на плоской подошве), но и из-за небольших признаков смущения («все это звучит как немного глупо ») она проявляет интерес к таким вещам. «Нам все еще трудно честно говорить об одежде. Мы боимся, что это банально и поверхностно ».
Другие художницы в книге используют одежду как часть своей практики. Портер пишет о Саре Лукас и работе, которую она сделала из поношенного Дока Мартенса и старых колготок; Антеи Гамильтон, чья постановка The Squash , поставленная в галерее Tate Britain, включала безликого персонажа в шлеме в форме сквоша, сделанном в сотрудничестве с домом моды Loewe, и 14 различных костюмах.
«Одежда очень важна в моей работе», — говорит ему художник Синди Шерман (замаскированная в парики, густой макияж и костюмы, которые она находит в комиссионных магазинах, на своих огромных фотографиях она изображает несколько персонажей). «Они играют важную роль в разгадывании личности персонажа».
Все изменения: Хромогенный принт Синди Шерман «Без названия 2008 года». Артистка часто носит парики и густой макияж, а также наряжается в одежду из благотворительных магазинов. Фотография: Синди Шерман / любезно предоставлено художником и Hauser & WirthСамым увлекательным из всех является Линн Хершман Лисон, художница-перформанс, которая в 1973 году превратилась в произведение искусства под названием Роберта Брейтмор, женщина, чьей жизнью она будет жить следующие пять лет.Роберта носила одну и ту же одежду каждый день: платье с рисунком и коричнево-кремовый кардиган, купленный на распродаже за 5,99 доллара (бирка оставалась на одежде, видимая всем, кого она встречала). Статья была о «ловушке» женского опыта Америки 1970-х — хотя по иронии судьбы ее альтер-эго дало Лисон новую захватывающую свободу («У меня было много одежды, — рассказывает она Портеру в своей книге. — Слишком много одежды. ”)
Портер, родители которого оба художники, изучает философию в Королевском колледже Лондона.У него был опыт работы в Vogue . Затем работал в Guardian , GQ и FT , где до 2018 года был критиком мужской одежды. Но он думает, что, вероятно, с этим миром покончено (закончив роман, он надеется написать еще одну книгу о моде). . «Я сказал все, что хотел сказать. Вспышки! Они были такими захватывающими в первый раз. Затем вы понимаете, что за парой сезонов, когда были более узкие джинсы, часто случаются вспышки. Вы узнаете все его хитрости.«Сейчас, по его мнению, слишком мало места для молодых дизайнеров — в коммерческом плане и на странице; слишком много внимания уделяется знаменитостям. Но это не значит, что он менее серьезно относится к важности моды. «Если кто-то говорит об эпохе, часто первое, что он упоминает, — это одежда. Это путь внутрь. Так будет всегда «.
Когда он учился в колледже, мода была захватывающей: такие дизайнеры, как Александр Маккуин и Хусейн Чалаян, прорывались, а те, кто писал о них, по его словам, обладали определенной «интеллектуальной строгостью».Портер сейчас скорбит о тех днях и беспокоится также о том, куда Интернет приведет моду. Но он считает, что вещи тоже меняются. Люди больше думают о том, откуда у них одежда и куда они пойдут после смерти. Со своей стороны, он полон решимости носить как можно больше своей старой одежды и столько времени, сколько сможет (отсюда и старинные мокасины Gucci).
Главным бенефициаром его лет в первом ряду является V&A, отдел костюмов которой он пожертвовал 82 предмета.«Если вам посчастливилось работать в моде, я считаю, что важно не проявлять алчность или алчность», — говорит он. «Когда я пошел посмотреть складские помещения, в магазине V&A почти не было современной мужской одежды — только несколько сшитых на заказ рубашек. Поэтому я связался и спросил, будут ли они заинтересованы в некоторых вещах, которые я собирал годами ». Он улыбается. «Да, у меня там есть шкаф в галереях», — говорит он. Если его голос и кривой, то он также слегка окрашен гордостью.
What Artists Wear by Charlie Porter выходит 27 мая по цене 14 фунтов стерлингов.99. Купите копию за 13,04 фунта стерлингов на сайте guardianbookshop.com
Искусство одеваться: как выбор одежды формирует художника
Несмотря на то, что ее увеличенные изображения цветов (примерно 1924–50-е годы) не были выражением женской сексуальности, Джорджия На протяжении всей своей карьеры О’Киф терпела фрейдистское прочтение ее работ критиками-мужчинами. Первым среди них был ее муж, фотограф Альфред Штиглиц, который, представив ее искусство в 291, написал в выпуске Camera Work за октябрь 1916 года, что ее рисунки углем вызывают «большой интерес с психоаналитической точки зрения». и что галерея «никогда раньше не видела, чтобы женщина так откровенно выражала себя на бумаге».Часто цитируемый ответ О’Кифф на интерпретацию анатомии в ее более поздних картинах «плотные складки и мягкие изгибы» взят из интервью 1970 года: «Когда люди читают эротические символы на моих картинах, они на самом деле говорят о своих делах». В своем гардеробе ей удалось отбросить атрибуты женственности, с юных лет придерживаясь строгого, андрогинного стиля минималистской одежды, который бросал эффектный силуэт на ее красочные полотна: простые кимоно, белые рубашки и, начиная с 1940-х годов, когда она приезжала в гости. крупные города, черные костюмы на заказ от мужских портных.
Альфред Стейглиц, портрет Джорджии О’Киф, 1921 год. Дар Джорджии О’Киф благодаря щедрости Фонда Джорджии О’Киф и Дженнифер и Джозефа Дьюк, 1997. Предоставлено: Метрополитен-музей и Wikimedia Commons
Последний костюм, купленный О’Кифф, появляется на обложке What Artists Wear (2021), проницательного отчета об одежде, которую носят современные и современные художники, как в студии, так и вне ее, куратором и модным критиком Чарли Портером. .В книге более 300 фотографий, картин и кадров из фильмов. Портер отправляется в студию с живыми художниками и разговаривает с родственниками и стилистами покойного. Независимо от того, предлагает ли он визуальный анализ или социальное наблюдение, он пишет ясно и остроумно. Он описывает «ползунки», которые Сара Лукас носила в своем знаменитом «Автопортрете с жареными яйцами » (1996), как «обувь прочной формы, которая на самом деле легкая, с креповой подошвой. Дизайн имеет военное происхождение, а затем был принят мужчинами, которые чувствовали себя альфой, пока они крались.Две яичницы на груди артиста лопнули пузырь мужественности.
Одежда — например, костюм, созданный на основе мужской одежды для верховой езды 17-18 веков и военной одежды, — предназначена для художников, которые «используют, эксплуатируют или бросают вызов». В подростковом возрасте Фрида Кало с вызовом носила костюмы. На семейном портрете изображен суровый художник в тройке с зачесанными назад волосами и острым как бритва пробором по центру. Когда она вышла замуж за своего коллегу-художника Диего Риверу, она променяла его на традиционные платья Техуаны; Через месяц после развода она отрезала волосы и нарисовала мощный автопортрет себя в другом костюме (возможно, в его) с раздвинутыми ногами.Художники-мужчины тоже носили одежду как средство подрывной деятельности: например, Гилберт и Джордж с их не совсем подходящими тяжелыми твидовыми костюмами (разное количество карманов подтверждает их самоопределение: « два человека, но один художник ») . «Мы поняли, что многие художники одевались эксцентрично или имели эксцентричный стиль, чтобы показать, что они художники», — говорит Джордж Портеру. «Мы хотели быть нормальными, нормальными, странными…» Гилберт заканчивает фразу: «… настолько нормальными, что мы стали странными!» Они позировали в своих костюмах, сшитых портными-иммигрантами в Спиталфилдсе, восточный Лондон, а не портными из истеблишмента на Сэвиле. Ряд — среди изображений арендодателей.Как пишет Портер: «Их двоим нравится противоречие».
Гилберт и Джордж, Поющая скульптура , 1992. © Гилберт и Джордж. Предоставлено: White Cube
Одежда некоторых художников более практична. Барбара Хепуорт предпочитала вырезать свои монументальные формы снаружи и поэтому нуждалась в функциональной рабочей одежде — от тяжелых блузок до курток на молнии — чтобы сохранять чистоту и тепло. «Важно помнить о физическом характере работы художника», — пишет Портер, ссылаясь также на Дерека Джармана, который ухаживал за своим садом в Дандженессе в мешковатых шнурках с изношенными коленями и в прочной паре туфель.
Хотя во многом биография группы, What Artists Wear испещрена личными анекдотами Портера — из Венецианской биеннале, Британской библиотеки, даже из местного автобуса. Глава, посвященная рисованию на одежде, открывается признанием автора: «Я запуталась. На кремовом свитере, который на мне сейчас, так много пятен […] Мои кроссовки покрылись грязью от прогулки с собакой. Для меня это нормально ». Точно так же, как для некоторых художников нормально носить одежду, забрызганную краской, часть их« инструментария, используемого изо дня в день, живую историю своей практики ».Это хрустящие туфли Ли Краснер (лоферы ее мужа Джексона Поллока удивительно безупречные) и грязные войлочные сабо Birkenstock, принадлежащие Шанталь Джоффе.
Работы художников проникают в их одежду, а одежда — в их работы. Во время своей первой резиденции в The Fabric Workshop and Museum в Филадельфии Ричард Таттл вырезал и обработал шелкографией пару длинных черно-белых брюк с полосками в виде молний, а затем надел их для фотографии, Pants (1979).Синди Шерман сделала карьеру, снимаясь в образе аристократов, домохозяек, клоунов; вместе с прической и макияжем, одежда позволяет ей принимать другие эго и дает ключ к разгадке личности каждого из них. «Я чувствую, что это верно для всех, а не только для моей работы», — говорит она Портеру.
Ричард Таттл, в сотрудничестве с Мастерской и Музеем тканей, Филадельфия, Брюки , 1979. Фотография: Уилл Браун / Коллекция мастерской и музея тканей. Предоставлено: Penguin Random House
Это верно и для Дэвида Хокни, который приехал в Лондон изучать искусство в 1959 году, когда гомосексуализм еще считался уголовным преступлением.Его не было дома, и его яркая одежда была непреклонным признаком этого. «Хокни установил новый шаблон для выражения странности через одежду», — пишет Портер. «Это было о свободе». Когда Антея Гамильтон устанавливала The Squash (2018) в галерее Duveen Galleries Tate Britain, она почти каждый день носила одно и то же платье с узором пейсли. Почему? «Художники вынуждены иметь правильный образ, связанный со всеми типами статуса, крутизной, молодостью и определенно богатством. Я ищу способы обойти эти (что я считаю) сужения.’
Барбара Хепуорт, 1957. Фотография: Пол Поппер / Getty Images. Предоставлено: Penguin Random House
То, что носят художники, свидетельствует об их работе и целеустремленности. Со своим гардеробом они могут выбирать, соответствовать статус-кво или отказываться от него. Одежда — это такой же язык, как и любой другой. Он рассказывает истории о том, кто мы, что мы делаем и во что верим. «Говорят, что реальное лежит за пределами материальности самого мира», — говорит британский художник Прем Сахиб. «Но чтобы выразить это, мы используем материальный мир.Одежда говорит обо всем, кроме нее ».
Основное изображение: Нэнси Холт в «Солнечных туннелях» после завершения работы, Лучин, Юта, 1976 год. Фотография: Ардел Листер © Holt / Smithson Foundation / DACS, Лондон и VAGA в Обществе прав художников, Нью-Йорк, 2021. Предоставлено: Penguin Random House
Миниатюра: Барбара Хепворт, 1957. Фотография: Пол Поппер / Getty Images. Предоставлено: Penguin Random House
