Одежда творческих людей — образы, тренды и дизайнеры
Содержание:Одежда творческой личности: «Ты узнаешь ее из тысячи»
Колористика в аутфите
Дизайнерская одежда — гардеробы художников и музыкантов
«Скелеты в шкафу»: модные концепты для людей искусства
Каждому присущ свой стиль, как отражение образа жизни, характера, увлечений и хобби. Можно слепо копировать модные тренды или изобрести свой неповторимый look. Стильная одежда для творческих людей станет источником вдохновения, настоящим «полигоном» в поиске и выражении индивидуальности.
Люди творчества предпочитают не связываться с мейнстримомОдежда творческой личности: «Ты узнаешь ее из тысячи»
С одной стороны, модные подиумы захлестнули стереотипы, а с другой — здесь происходит вечная погоня за оригинальными трендами, нестандартными аутлуками.
Неординарных творческих людей всегда легко узнать в толпе. Он не боится смешивать стили, экспериментировать с цветом, фактурой вещей, практически не следит за модными трендами. Оригинальная одежда личностей зачастую покупается не в фирменных магазинах, а в стоках и у начинающих дизайнеров.
Творческая личность Талита Гетти — создательница стиля бохоКонцептуальная одежда определяет зачастую сферу деятельности человека:
- покосившийся набекрень берет и небрежно накинутый шарф на плечи ассоциируются с портретистами, живописцами
- в гранджевой одежде с потертыми или порванными джинсами, бесформенной рубашкой или растянутой принтованной футболкой узнают басиста, вокалиста рок-группы
- фотографы и дизайнеры чаще «переодеваются» инди стиль или опрятных хипстеров
При выборе авторской одежды уделите внимание цвету и фактуре тканейАвторская одежда пользуется большой популярностью. Легендарный Ив Сен Лоран любил повторять: «Мода меняется, стиль вечен». Через персональный творческий look формируется видение вас окружающими. Экспрессивный или меланхоличный, романтик или бунтарь — свою самую выразительную черту характера и харизму можно продемонстрировать с помощью экстравагантного гардероба.
Колористика в аутфите
Ювелиры, флористы, самобытные личности и даже арт-директора в душе авантюристы и выдумщики. Они не скупятся на эмоции, чувства, выражая их в работе и дизайнерской одежде. Кто-то предпочитает хаотичную игру цвета, выбирая стиль творческих людей — color block. Фасон и фурнитура уходят на второй план, уступая место любопытным цветовым решениям:
- Для зимнего сезона стоит отталкиваться от оттенков Sargasso Sea, Тофу, нейтрального серого.
- В весенней коллекции одежда для творческих людей радует контрастами «зеленого квезаля» и «красной груши», «рыжего апельсина».
- Для лета креативные личности переодеваются в одежду оттенков мяты, цейлонский желтый, лилового, бледно-синего цвета.
- В творческую и меланхоличную пору года от милых энтузиастов можно ожидать как спокойных тонов одежды оливкового цвета, Limelight, так и насыщенные неоновые цвета, ультрафиолет.
Одежда личностей — целое искусство подбора гармоничных цветов Заходя в магазин с авторской одеждой, можно подобрать массу колоритных вещей для повседневной носки и работы. Интересные look’и с авторской одеждой от INDIASTYLE Дизайнерская одежда: гардеробы художников и музыкантов
Художники, писатели, музыканты и другие новаторы — это ярые поклонники сюрреализма, строгой геометрии, асимметричных деталей, авангарда и эклектичных настроений. Одежда творческих людей должна быть комфортной и «содержательной», то есть нести особый посыл, приветствие, краткое «досье» о своем владельце.
Импозантная и броская авторская одежда с помощью вышивок, ожерелья, аксессуаров Мастерам красок и кисти присуще носить широкий растянутый свитер, худи. В процессе работы они могут накинуть на плечи вязаный кардиган, едва скрывающий потертые джинсы. С гордостью творческие личности хвастаются коллекцией аксессуаров (шарфов, забавных шляпок, украшений).
В одежде для личностей невозможно переборщить с аксессуарамиЛюбители микрофона и музыки формируют стиль творческих людей на основе личных предпочтений. Для многих R&B музыкантов первооткрывателем моды стала певица Rihanna. Все помнят ее винтажные топы, растянутые укороченные футболки, облегающие леггинсы, юбки мини и другой хайповый шмот. Девушки не обойдутся без джинсовых шорт, высоких каблуков и обилия громоздких украшений. Подобные комплекты провоцируют особую манерность в поведении.
Авторская одежда для творческих личностей создает кокетливые образыРэперы в это время переодеваются в эксклюзивные балахоны, толстовки и олимпийки, а одежда для рокеров демонстрирует брутальность, небрежность. Они складывают на полки кожаные штаны, косухи, жилеты с заклепками, кеды, потертые штаны, джинсы, а на голове отращивает дреды.
Смело сочетайте грубую кожу и женственные ситцевые сарафаны«Скелеты в шкафу»: модные концепты для людей искусства
«Дети цветов» стремятся превратить шифоньер в цветущий сад. Модная хиппи одежда для неординарных личностей пестрит яркими расцветками, имеет флоральные принты, интересную фактуру. Юбки, джинсы, шорты, футболки сделаны только из натуральных материалов. В творческом аутфите обязательно найдется место для украшений в волосы: ободки, венки, искусственные косички и пр.
Для писателей одежда личностей выглядит, как твидовые или шерстяные однобортные костюмы. Гардероб буквально «трещит по швам» от количества белых рубашек с воротниками-стойками, причем редко поглаженных. Их look может состоять из жилета, брюк, пальто, жабо.
Белый фон в одежде личностей — как холст художника для новой картиныМодная одежда для творческих людей не обойдется без буйства красок, эпатажных принтов, тотального поп-арта. Сегодня модники-интеллектуалы наденут бомбер с мультяшным изображением, а завтра — нарядятся в авангардные силуэты, бохо стиль или абсурдные комплекты (топы без бретелей, заниженные брюки, носки под босоножки).
Сочетать несочетаемое — девиз эклектичной одежды для творческих людейДизайнеры, модельеры и другие творческие личности часто становятся законодателями моды. Их эксперименты звучат всегда громко, колоритно и вызывающе. Одежда творческих людей — это уход от стереотипов и ярлыков, пример полной гармонии внутреннего мира с внешним обликом.
indiastyle.ru
Как одевались художники | Журнал Ярмарки Мастеров
Хочу рассказать о пяти художниках, которые уделяли столько же внимания своему внешнему виду, сколько и своим полотнам.
1. Фрида Кало
На сегодняшний день образ Фриды можно назвать одним из самых популярных в культуре и искусстве. Отличительные черты внешности художницы — сросшиеся на переносице брови, угольно-черные волосы и яркие цвета.
Стиль Фриды Кало отличается своеобразной игривостью и максимализмом. Она любила драгоценные камни и вышивку, а ее лицо часто обрамляли кружевные головные уборы. Художницу не раз можно было увидеть в брючных костюмах мужского кроя. Такую эстетику она называла «десексуализированной».
2. Жан-Мишель Баския
Жан-Мишель Баския — американский художник. Начинал свой творческий путь как граффити-хкдожник, затем стал популярным неоэкспрессионистом.
Знаменитые слова художника: «Я не думаю об искусстве, когда я работаю. Я стараюсь думать о жизни».
В то время как искусство Баскии поднимало вопросы о гражданских правах и расовой дискриминации в Манхэттене 1980-х, его гардероб был относительно аполитичным, но очень интересным. Он любил таких дизайнеров, как Йоджи Ямамото, Джорджио Армани, Иссей Мияке.
Жан-Мишель искусно комбинировал находки из секонд-хендов. Его одежда бросала вызов социальным ярлыкам, а прическа подчеркивала уникальность личности. Как однажды написал поэт Рене Рикар: «Жан-Мишель выглядел как искусство».
3. Наталья Гончарова
Наталью Гончарову называют амазонкой русского авангарда. Худжница вдохновлялась русскими иконами, языческими идолами и каменными «бабами». Выставки ее работ проходят по всему миру.
Как и Фрида Кало, Наталья Гончарова рисовала яркие картины, на которых конфликтовали цвета и принты из народной культуры. Но в отличии от одежды Кало, наряды Гончаровой были утеряны. Зато ее своеобразные «fashion-иллюстрации» сохранились и сейчас демонстрируются в лондонской Tate Modern. Ее дизайны характеризуются жгучими оттенками, противоречащими друг другу. Факт того, что эта эстетика неподвластна времени, – очевиден.
4. Грейсон Перри
Эксцентричного британского художника называют поп-идолом современного искусства.
В возрасте 15 лет Грейсон Перри покинул семейный дом в парике и теннисных туфлях. С тех пор он стал иконой «странного» стиля и доказал, что нет ничего более вневременного, чем одеваться так, чтобы соответствовать собственному «я». В своем типичном облике Грейсон сливается с толпой. Однако его альтер-эго Клэр – это другая история. Огромные воротники, ленты, банты, головные уборы, макияж «вырви глаз» – все в безвкусных пастельных и неоновых оттенках. Как и в творчестве Перри, все стало настолько «чересчур», что превратилось в сатиру.
5. Занеле Мухоли
Занеле Мухоли – это абсолютный феномен. Ее портреты чернокожих квир-людей демонстрируют достоинство, с которым они принимают все сложности своей жизни. Художница наиболее известна автопортретами. В них она использует одежду и аксессуары, чтобы создать поразительные образы с четким политическим посланием. К примеру, на одном из автопортретов у нее на шее находятся шины как отражение метода пыток, который применяли при апартеиде. При этом показательная андрогинная внешность демонстрирует вдохновляющую храбрость.
www.livemaster.ru
Стиль «Свободный художник»
Каждый человек, а в особенности женщина, старается найти свой стиль и придерживаться определённых цветов, моделей и правил, предусмотренных этим стилем. Я уже рассказывала ранее о классическом стиле одежды и стиле милитари. Теперь хочу обратить ваш взор на стиль «Свободный художник» или просто свободный. Название его уже говорит само за себя – свободный. Это, скажем так, неофициальный стиль. Стиль «Свободный художник» — интересный, гламурный стиль одежды. Это стиль женщины, которая придерживается негласных законов именно этого стиля жизни.
Стиль «Свободный художник»
Свободным художником считают себя натуры творческие, непредсказуемые, готовые в любую секунду сорваться с места и окунуться в приключение. Для женщин «свободных художниц» характерна экстравагантность, ни на кого не похожесть. От таких женщин веет интеллектом и загадкой, романтизмом и тайной. Обычно она погружена в свой мир, неповторимость для неё – главное в жизни. Ведомая своей фантазией, «свободная художница» превращает свой гардероб в настоящую театральную костюмерную. Мода для неё – это искусство и она очень щепетильно относится к каждой своей вещи.
Стиль «Свободный художник»
Прическа
ПрическаВолосы терпят эксперименты и непредсказуемость своей хозяйки. Они то красные, то черные, то заплетаются в африканские косички, то просто взъерошены, а то бывает ровненько расчесаны по пробору. Одно можно сказать – постоянство в причёсках «Свободный художник» отвергает. Всегда в поиске, женщина этого стиля ищет везде – и в парикмахерской в том числе.
Стиль «Свободный художник»
Одежда
Женщина свободного стиля любит комфортную удобную одежду, натуральные ткани, естественность и мягкость, теплоту и оригинальность. У неё в гардеробе много различных шарфов и шалей. Она любит свободные вязанные свитера, которые не редко вяжет сама, ведомая созданием уникальной вещи. Краски и цвета художественно подобранные, зачастую их перемешивание вызывает изумление окружающих. Часто переделывает вещи на свой лад, создавая неподражаемые оригинальные костюмы. В своём сводном стиле она легко смешивает несколько стилей в один, на удивление ни один из них не опошлив. Тянется к романтическому и восточному стилю. Близок её душе и стиль «хиппи». Джинсы, безразмерные вязанные свитера, вышивка, бахрома, клёши, длинные до пят юбки, балахоны.
Стиль «Свободный художник»
Аксессуары
Украшения женщина свободного стиля зачастую делает сама. Бижутерию она надевает не просто так, «чтобы висело». Все вещицы должны иметь значение, возможно мистическую загадку. Каждая мелочь подчеркивает загадочность своей хозяйки.
Вечерний туалет
Акцент делается на экзотике, экстравагантности. Главное – подчеркнуть оригинальность мышления свободной женщины. Образ дополняют различные этнические детали. Костюм зачастую выдерживается в японском или китайском стиле. Обувь соответствует образу – она удобная, мягкая, часто из атласа и без каблука. Материал для обуви она выбирает натуральный – лён, например или замш. Увидев женщину стиля «Свободный художник» на каком-либо мероприятии, вы не забудете её – она уникальна – чем и интересна.
Видео
«Стильная джинсовая сумка своими руками»
[vsw source=»youtube» autoplay=»no»]
Если у Вас есть, что добавить по данной теме, поделиться опытом — оставьте свой комментарий!Понравилась статья? Поделитесь с друзьями! Жмите на соц. кнопки, В и g+.
Хочешь быть в курсе самого интересного? Подпишись на новости сайта.
knyagna.ru
Как дизайнеры одежды стали художниками – Архив
Моду — в первую очередь от-кутюр, которая создается вручную и не предназначена для масс-маркета, — порой рассматривают как искусство. Конечно, классическое вечернее платье от Кристобаля Баленсиаги, продемонстрированное на подиуме или выставленное в стеклянной витрине музейного зала, производит впечатление произведения искусства, несмотря на то что это произведение мира моды. То, что модные выставки стали проводиться в музеях, несомненно способствовало стиранию границы между искусством и модой. Кроме того, некоторые модельеры стали позиционировать себя как художники, в то время как все большее число художников начали проявлять интерес к моде. Несколько лет назад я организовала симпозиум под названием «Искусство моды». После моего выступления одна из слушательниц выразила свое удивление и разочарование тем, что я вообще ставлю под сомнение, можно ли рассматривать моду как искусство. Вопрос об отношениях моды и искусства остается открытым по многим причинам, совершено независимо от спорного самого по себе определения понятия «искусство», которое существенно изменилось с течением времени.
Является ли мода искусством? Кому это решать? Обычно под словом «искусство» подразумевается ограниченное число произведений элитарной культуры — живопись, скульптура, музыка. Мода, напротив, в первую очередь воспринимается как индустрия (даже когда в ней явно присутствует элемент творчества) и неотъемлемая часть повседневной жизни. В этой главе мы обратимся к истории современной моды с конца XIX столетия и до наших дней, чтобы исследовать, какое место в разное время отводилось моде по отношению к искусству и при каких обстоятельствах модельеров стали уподоблять художникам. В частности, я хотела бы исследовать обсуждения взаимоотношений искусства и моды, которые серьезно разрослись с 1980-х годов, особенно в связи с экспонированием моды в музеях.
Традиционно к моде относились скорее с пренебрежением — как к чему-то поверхностному, недолговечному и плотскому. Искусство, напротив, ценилось — как форма, исполненная смысла, бесконечно прекрасная и духовная по природе (хотя в последние годы эти качества были полностью поставлены под сомнение). Поскольку мода меняется и изменчивость составляет суть моды, считалось, что в ней нет истины и вечного идеала красоты, которые обычно ассоциировались с высоким искусством. Примечательно, что викторианские моралисты называли моду «капризной богиней», тем самым признавая ее могущество, но в то же время подчеркивая иррациональность и беззаконие. Другие критики-культурологи описывали моду как «любимое дитя капитализма», утверждая, что изменения стиля в одежде объясняются исключительно жадностью капиталистов и доверчивостью потребителей, поскольку каждая «последняя» новинка моды никогда не бывает красивее и функциональнее своих предшественниц. Таким образом, несмотря на присущие моде эстетические составляющие, она обычно рассматривалась как предмет потребления, в то время как искусство ассоциировалось с более высокой эстетической сферой. Конечно, картины и скульптуры — тоже товар, но искусство обычно переступает через границы этого статуса, тогда как мода кажется погрязшей в своей коммерческой сущности.
И хотя эти представления могут показаться устаревшими и упрощенными, они продолжают играть на удивление важную роль в современном дискурсе, касающемся искусства и моды. Критики продолжают настаивать на том, что «искусство — это искусство, а мода — это индустрия», как выразился Майкл Будро в своей статье «Искусство и мода» (Art & Fashion), опубликованной журналом Artnews в 1990 году, отсылая нас к «идеалу», согласно которому «искусство — это творение личности, ярко пылающей огнем высокого вдохновения», в то время как мода, «то есть торговля тряпками… происходит без подобных иллюзий». Как замечает Роберт Редфорд, на протяжении веков моду «представляли как „нечто другое” по отношению к искусству», поскольку она «полностью противоречит его представлениям о неизменности, правде и подлинности и воспринимается как нечто чрезвычайно опасное, когда вероломно вторгается в цитадели искусства… как если бы девственная чистота искусства постоянно подвергалась риску быть оскверненной». С этим согласится любой, кому случалось читать обзоры музейных выставок, посвященных моде! Уже в Елизаветинскую эпоху Шекспир сравнивал моду с «ловким вором», который «скорее изнашивает платья, чем человек». Эта метафора показательна, потому что уничижительное отношение к моде почти наверняка связано с тем, что одежда надевается на тело и поэтому отождествляется с физическим, сексуальным и, если идти дальше, — разлагаемым биологически. Кроме того, долгое время мода ассоциировалась с женским тщеславием — даже в те исторические периоды, когда мужское платье было по меньшей мере таким же замысловатым и пышным, как женское. Искусство же, напротив, чаще всего ассоциировалось с маскулинным гением.
Модельеры — от Ворта до Сен-Лорана
-
Чарльз Фредерик Ворт
Фотография: The Metropolitan Museum of Art1/5
-
Чарльз Фредерик Ворт
Фотография: The Metropolitan Museum of Art2/5
-
Чарльз Фредерик Ворт
Фотография: The Metropolitan Museum of Art3/5
-
Чарльз Фредерик Ворт
Фотография: The Metropolitan Museum of Art4/5
-
Чарльз Фредерик Ворт
Фотография: Wikipedia5/5
Итак, давайте обратимся к первому модельеру — мужчине, — который назвал себя художником. Когда Чарльз Фредерик Ворт в 1858 году открыл свое модное ателье на Рю де ла Пэ, модные ателье были скромной отраслью ремесленного производства, в котором большей частью были заняты женщины — портнихи, обслуживавшие индивидуальных клиенток. Многие женщины сами шили одежду для себя дома, в то время как мужчины обращались к портным или покупали вещи в магазинах готового платья. Всего за несколько лет Ворт добился того, что структура и имидж отрасли начали трансформироваться, постепенно превращая ее в то, что впоследствии получило имя «высокая мода», или «от-кутюр». Несмотря на то что высокая мода предполагает большее количество тонкой ручной работы, чем мода промышленного производства, расхожее мнение, согласно которому платье от-кутюр — это уникальный, единственный в своем роде объект, подобный произведению искусства, слишком наивно в своей простоте. Одним из нововведений Ворта стало производство демонстрационных коллекций одежды, предназначенных для показа покупателям, будь то индивидуальные клиентки его ателье, под которых платье впоследствии подгонялось, или получавшие все большее распространение магазины готового платья, которые располагались в больших универмагах и предлагали также сшить одежду на заказ. В конечном итоге модный дом Ворта превратился в масштабное предприятие, обладавшее немалым весом на международной деловой арене и имевшее в штате более тысячи сотрудников.
Ворт внес ощутимую лепту в формирование образа высокой моды как искусства, но он сделал это, находясь в особых исторических условиях, когда мода в целом становилась все демократичнее. Имеет значение и то, что от-кутюр развивалась параллельно с массовым промышленным производством готовой одежды; по сути, это две стороны современной модной индустрии. (Одновременно с этим революцию переживала и сфера розничной торговли, где передовые позиции захватили крупные универсальные магазины.) Задолго до того как появилось понятие «брендинг», Ворт тщательно заботился о том, чтобы в нем видели художника, и работал над своим внешним обликом, копируя образ Рембрандта (то же самое делал Рихард Вагнер) (ил. 1). Это помогло ему повысить свой престиж, по крайней мере в мире моды, где каждую созданную им модель встречали как произведение искусства, которого достойны лишь избранные клиенты из числа элиты. Впрочем, во всем остальном мире к нему по-прежнему относились как к торговцу-нуворишу. Пресса описывала его как настоящего диктатора от моды, предоставляющего своим клиенткам лишь минимальную возможность выбора — например, самостоятельно решать, какого цвета будет платье, — но обычно жаждущего контролировать все эстетические аспекты.
Желая полностью соответствовать романтическому образу художника, Ворт подчеркивал, что для того, чтобы создать платье, ему необходимо вдохновение. (Золя высмеял эти заявления в романе «Добыча» (La Curée, 1871), где есть списанный с Ворта персонаж — модный портной Вормс, который впадает в показную меланхолию, если вдохновение к нему не приходит.) Очевидно, именно с желанием придать большую убедительность этому образу кутюрье-художника связан еще один стратегический прием — черпать вдохновение из сокровищницы высокого искусства прошлого. Так, для некоторых моделей Ворта источником вдохновения послужили полотна ван Дейка; и светские дамы, заказывая художникам свои портреты, желали быть запечатленными только в платьях от Ворта. Как заметил французский эстет Октав Юзанн, «некоторые наши фасоны — не более чем обычные копии с картин старых мастеров; зарождается мода на моду».
Но самое главное, что Ворт первым стал нашивать на одежду свои фирменные ярлыки. В дальнейшем гриф модельера был наделен той же функцией, что и подпись художника, — устанавливал подлинность. Далеко не во всех культурах статус художника так разительно отличается от статуса ремесленника; но эти различия прочно укоренились в западной культуре начиная с XVI века, когда живописцы наконец добились того, чтобы их признали художниками, ведь прежде к ним относились как к остальному мастеровому люду. Подпись на картине сообщала, чья рука ее создала (и кому принадлежит ее замысел). Сегодня исторические модели модного дома Ворта, при условии что на них в целости сохранился оригинальный ярлык, продаются на аукционах в десять раз дороже, нежели аналогичные платья без ярлыка или изделия менее именитых модельеров. Созданные Вортом платья часто становятся экспонатами музейных выставок, посвященных истории моды и портновского мастерства.
-
Поль Пуаре
Фотография: The Metropolitan Museum of Art1/4
-
Поль Пуаре
Фотография: The Metropolitan Museum of Art2/4
-
Поль Пуаре
Фотография: The Metropolitan Museum of Art3/4
-
Поль Пуаре
Фотография: Wikipedia4/4
«Мода, как и все остальные искусства, занимает свое место в музее, — говорит Памела Гольбен, один из кураторов парижского Музея моды и текстиля. — Нет никакого противоречия между модой как индустрией и искусством. Ворт подавал себя как художник, и с самого начала во Франции высокая мода воспринималась как искусство, но вместе с тем и как индустрия». По словам Гольбен, «англо-саксы не замечают явных различий между одеждой, которую они носят, и модными изделиями, которые демонстрируются в музее, поэтому в англо-саксонских музеях предметы одежды приходится помещать в определенный контекст, добиваясь этого либо посредством дизайнерских решений, либо за счет стилизации выставочного пространства, в то время как мы [французские кураторы] стараемся сделать его максимально абстрактным, чтобы люди формально воспринимали [представленные в экспозиции предметы одежды] так же, как любое другое произведение искусства».
В то время как парижские кутюрье, такие как Ворт, пытались представлять себя художниками, авангардные художники и интеллектуалы создали новую форму одежды, в качестве альтернативы моде. Например, Уильям Моррис, который видел в моде «странного монстра, родившегося из пустоты жизни богачей и усердия конкурирующей торговли», предпочитал одевать свою супругу в свободное платье, смутно напоминающее средневековое. В свою очередь, Оскар Уайльд, возможно, самый знаменитый защитник идей эстетизма, воплощенных в костюме, говорил, что мода — «это настолько невыносимая форма уродства, что мы вынуждены менять ее каждые полгода». На европейском континенте Анри ван де Велде, Густав Климт, Мариано Фортуни и Йозеф Хоффман также создавали преобразованные, художественные платья. Однако желавших примерить на себя этот артистический стиль и тем более носить такую одежду, было крайне мало.
Несколько позже утопическую идею антимоды также пытались воплотить итальянские художники-футуристы, в частности Джакомо Балла, и русские конструктивисты, к числу которых принадлежали Варвара Степанова и Александра Экстер. И хотя некоторые из этих инициатив оказали влияние на моду, в целом они так и не нашли себе места внутри ее системы. Например, Балла создал всего несколько оригинальных предметов одежды; его никак не назовешь профессиональным модельером. Другая экспериментальная попытка соединить искусство и моду была предпринята художницей Соней Делоне; ее «Симультанный бутик» (Boutique Simultané), организованный в союзе с кутюрье Жаком Хеймом, был представлен на парижской Выставке современного декоративного искусства и художественной промышленности 1925 года в разделе, посвященном моде. Но большей частью и художественные предметы одежды, и утопические доктрины антимоды оставались на периферии системы моды.
На этом фоне одним из наиболее влиятельных модельеров начала XX века был Поль Пуаре. Совсем недолго проработав у Ворта, Пуаре основал собственный дом моделей, который специализировался на прогрессивных моделях, часто с ориентальными мотивами, которые произвели революцию в довоенном мире моды. Как и Ворт, Пуаре именовал себя художником; вдобавок к этому он покровительствовал другим передовым художникам — иллюстраторам и сценографам. «Дамы приходят ко мне, чтобы заказать платье, — точно так же они обращаются к выдающимся художникам, если хотят иметь собственный портрет, написанный на холсте. Я художник — я не портной», — заявил Пуаре в 1918 году. Тем не менее он создавал не только дорогие модели для избранных клиентов, но и сотрудничал с производителями готовой одежды, которые выпускали множество копий этих моделей для широкой продажи.
Если Пуаре задействовал элитарную культуру как инструмент своей риторики и боролся с противоречиями, которые неизбежно вызывал такой подход, то Коко Шанель, судя по всему, вполне благосклонно отнеслась к тому, что журнал Vogue сравнил ее платья, выполненные в стиле модерн, с собранными на конвейере автомобилями марки «Форд». «Платье — это не трагедия и не картина, — заявила Шанель, — это очаровательное и недолговечное творение, но не бессмертное произведение искусства. Мода должна умереть и умереть быстро, ради того чтобы могла выжить коммерция». Шанель не только относилась к Пуаре как к костюмеру («Шахерезада — это легко, маленькое черное платье — это трудно»), она также пренебрежительно называла свою великую соперницу Эльзу Скиапарелли «эта итальянская художница, которая делает одежду», — недвусмысленно намекая на то, что художнику не место в мире моды.
-
Кристобаль Баленсиага
Фотография: theredlist.com1/7
-
Кристобаль Баленсиага
Фотография: Irving Penn2/7
-
Кристобаль Баленсиага
Фотография: Philippe Pottier3/7
-
Кристобаль Баленсиага
Фотография: Henry Clarke4/7
-
Кристобаль Баленсиага
Фотография: theredlist.com5/7
-
Кристобаль Баленсиага
Фотография: Henry Clarke6/7
-
Кристобаль Баленсиага
Фотография: Boris Lipnitzki7/7
Подобно Пуаре, которого она называла «Леонардо от моды», Скиапарелли относилась к дизайну одежды не как к «профессии, но как к искусству». Она неоднократно вступала в творческий альянс с художниками — Сальвадором Дали, Жаном Кокто, Бебе Бераром и Вертесом — и говорила, что, работая с ними, ощущает «поддержку и понимание, уносящие за пределы грубой и скучной реальности, где платья просто делаются на продажу». Без Скиапарелли и ее работ не обходится ни одна книга и ни одна выставка, посвященная искусству и моде, благодаря ее сотрудничеству с такими художниками, как Сальвадор Дали, с которым она создала известные всем сюрреалистические фешен-объекты — «Шляпу-туфлю» (Shoe Hat) и «Платье с вырванными лоскутами» (Tear Dress (это название часто переводят как «Платье-слеза»)). И хотя существуют свидетельства, указывающие на то, что роль Дали здесь первична, поскольку именно ему принадлежат эскизы этих вещей, Скиапарелли, определенно, видела этот дизайн через призму художественного вдохновения («безумные идеи»), и превратила свой модный дом в то, что Кокто назвал «лабораторией Дьявола» сарториального маскарада.
Обладая модернистским сознанием, Шанель была предана идее моды как аспекта современной жизни. В отличие от нее, и Пуаре, и Скиапарелли видели в моде театр, перформанс — а следовательно, форму искусства. Тем не менее все они работали внутри той системы моды, которая сформировалась в Париже и была ориентирована на пошив «штучных» вещей — а традиционно мода в Париже серьезнее, чем где бы то ни было, воспринималась именно как форма искусства. Надо признать, что после Второй мировой войны такие кутюрье, как Кристиан Диор, стали все больше развиваться в сторону менее дорогих линий и лицензионных копий, а также сопутствующих товаров — фирменного парфюма, чулок и бижутерии, но при этом престиж парижской моды возрос до невиданных прежде высот. Миф о парижской моде распространялся все дальше, даже несмотря на то что в действительности она становилась все более демократичной.
«Мода — это искусство. Искусство — это творчество, а мужчины — творцы», — заявил кутюрье Жак Фат в 1954 году, тем самым нивелируя господство женщин-модельеров, которое было характерно для 1920-х и 1930-х годов. Действительно, если не считать Шанель, которой удалось вновь открыть свой дом моделей в 1954 году, после войны большинство известных французских модельеров составляли мужчины: Диор, Фат и Баленсиага, а несколько позже еще и Карден, Курреж и Ив Сен-Лоран. Такое превосходство мужчин, вероятно, связано с нараставшей тенденцией особо подчеркивать в прессе художественный талант и одаренность модельеров. «Почему вы работаете в мире гениев?» — спрашивали Шанель в 1956 году. «Мы не художники, а производители одежды. Суть истинного произведения искусства в том, чтобы, сперва показавшись отвратительным, затем превратиться в нечто прекрасное. Суть моды в том, чтобы мгновенно очаровать, а затем превратиться в нечто отвратительное. Нам нужны не гениальные озарения, а изрядное мастерство и немного вкуса».
Еще в 1959 году Реми Сейсселин, специалист в области искусства XVIII столетия, опубликовал в Journal of Aesthetics and Art Criticism эссе «От Бодлера до Кристиана Диора: поэтика моды». В этой работе он утверждает, что «мода превратилась в разновидность искусства». Однако прошло еще немало времени, прежде чем появились другие международные публикации, затрагивающие тему моды как искусства, — это произошло только в 1980-е годы, и поводом для большинства из них стали посвященные моде выставки, для которых музеи стали предоставлять свои залы. Несмотря на это, с 1950-х по 1970-е годы эстетические аспекты моды были признаны по крайней мере в самом мире моды. Такие модельеры, как Баленсиага, Диор, Мадам Гре, Чарльз Джеймс и особенно Ив Сен-Лоран, именовались современниками не иначе как художники.
-
Ив Сен-Лоран
Фотография: Wikipedia1/3
-
Ив Сен-Лоран
Фотография: 1stdibs.com2/3
-
Ив Сен-Лоран
Фотография: Willy Maywald3/3
И если сам Баленсиага не требовал, чтобы к нему относились как к художнику, то Жак Фат придерживался иной позиции — он настойчиво повторял, что «кутюрье обязан быть архитектором кроя, скульптором формы, художником цвета, музыкантом гармонии и философом стиля». Кроме того, однажды он заявил, что его современник Чарльз Джеймс «не только величайший американский кутюрье, но лучший и единственный в мире портной, который смог возвысить платье, считавшееся прикладной формой искусства, до уровня чистого искусства». Баленсиага был не только дотошным «ремесленником», готовым раз за разом переделывать конфигурацию проймы до тех пор, пока в точности не добьется желаемого результата. Как и Джеймс, он был новатором, мастерски работавшим с трехмерными формами. Его замысловатый крой и драпировки побуждали модных обозревателей сравнивать его с Веласкесом. Более того, находясь внутри системы моды, он был настолько далек от ее пошлой коммерческой стороны, насколько это только было возможно, и ограничивал производство только высококачественными изделиями, предназначенными для избранных заказчиков.
В самом начале этой статьи я сослалась на условное платье Баленсиаги, выставленное в музее. Такое платье, очевидно, было создано кутюрье, работавшим в условиях системы моды, а не человеком, выучившимся на художника, чьи работы выставляются и продаются внутри мира искусства. Платье создавалось для иной цели — чтобы его носила на теле та женщина, которая его купит. Однако изначальная функция объекта, такая как замысел его создателя, далеко не всегда превосходит в своей значимости все иные интерпретации. В музеях хранится бесчисленное количество предметов, которые когда-то предназначались для утилитарных функций, но в настоящее время служат социальным, эстетическим и/или идеологическим. Тем не менее историческая ситуация, соответствующая ей обстановка и символический контекст, в рамках которого создавалась та или иная работа, непременно сказывается на том, что мы в ней видим и какое значение ей приписываем. Создавая платье, Баленсиага создавал модный объект. И все же, став частью музейной экспозиции, платье неизбежно приобретает качества, присущие произведению искусства. Кроме того, с течением времени сложился целый научный дискурс, посвященный творчеству Баленсиаги, и особое внимание в этом дискурсе уделяется именно формальным и художественным достоинствам его работ. Как выразился музейный куратор Ричард Мартин, Баленсиага и другие великие модельеры «позволили ткани обрести голос — точно так же как Морис Луис позволил обрести голос краскам».
И при жизни, и после смерти Сен-Лорана часто сравнивали с художником — отчасти потому, что многие из созданных им вещей несли на себе печать художественного вдохновения, но также и потому, что его работы, которые всегда отличались высочайшим качеством, некоторым образом позволяли и позволяют судить о том, как «в эпоху Сен-Лорана» развивались социальная сфера и эстетика. Например, в 1965 году он представил публике коллекцию платьев «Мондриан», декорированных простым геометрическим рисунком, заимствованным у абстрактных картин Мондриана. Хотя впоследствии многие модельеры заимствовали образы и темы у изобразительного искусства, платья «Мондриан» имели особое значение, поскольку Сен-Лоран осознанно сфокусировал внимание на плоскостной природе вошедшего в моду в середине 1960-х годов А-образного силуэта, который превращал платье в подобие холста. Годом позже, в 1966 году, Сен-Лоран продемонстрировал свои платья в стиле поп-арт, «украшенные» силуэтами обнаженных женщин, словно вырезанных из картин Тома Вессельмана. Поп-арт, несомненно, стал первой несущей опорой моста, который позволил преодолеть пропасть, безнадежно разделявшую элитарную и низкую культуру до 1960-х годов. Подобно Энди Уорхолу Ив Сен-Лоран охотно и с энтузиазмом привносил в свое искусство элементы повседневной жизни.
Сен-Лоран часто рассуждал о своем творчестве и говорил о тех художниках, которые на него повлияли и чьи работы он коллекционировал, например о Матиссе и Пикассо. Кроме того, он часто указывал на свою сверхчувствительность, которую и он сам, и некоторые другие связывали с чувствительностью художественной. Иногда связь между модой и искусством была откровенно нарочитой; например, это можно сказать о коллекции платьев «Пикассо», которую Сен-Лоран представил публике в 1979 году. Критики постоянно подчеркивали, что он мастерски владеет цветом и формой. В 2010 году масштабная выставка работ позднего Сен-Лорана, которую организовал его спутник жизни последних лет Пьер Берже в Малом дворце в Париже, категорично представила его как «одного из величайших художников [XX] столетия».
daily.afisha.ru
Искусство платья: картины и одежда на подиумах мира
Наверное, сложно найти ту тонкую грань между искусством и созданием платья. Ведь дизайнеры опираются не только на собственный вкус, их вдохновляют полотна, книги, музыка, скульптура и многое другое.
Некоторые идут дальше, по мотивам известных картин создаются целые коллекции, которые поражают оригинальностью и разнообразием.
В 30-х годах прошлого века первым платьем-картиной стало творение Эльзы Скиапарелли. Платье было создано для графини Винзорской и произвело фурор. Почему? На нем был изображен «омар, приправленный петрушкой», да-да тот самый, что и у Сальвадора Дали, наверняка, многие видели «Телефон-омар» — необычный сюрреалистический объект.
Еще один знаменитый наряд был создан на основе полотна художника-абстракциониста Пита Мондриана. Автор платья-картины — Ив Сен-Лоран, оно достаточно простого кроя, но отличается ярким и необычным наполнением. Стильный образ покорил многих модниц, сделал платье одним из самых известных в мире моды.
С 1982 года Жан-Шарль Кастельбажак, представлял свой взгляд на картины. Наиболее известной стала его коллекция «Офелия» 2013 года. Ее оценили многие ценители искусства, она покорила сердца и прочно закрепилась в модной истории.
Модный дом Диор так же может похвастаться коллекцией платьев картин, впрочем не только платьев. Наряды посвящены 85-летию со дня рождения Энди Уорхола — культового художника. Именно его ранние произведения стали основой принтов на одежде и рисунками на аксессуарах. Автором платьев стал дизайнер — Раф Сименс.
Мотивы картин Ван Гога можно увидеть в атмосферных платьях от Rodarte и Vera Wang. Цветочные принты, звезды, небо и, конечно же, знаменитые «Подсолнухи»
Ошеломляющая коллекция Дольче и Габана вызвала массу критики, обсуждений и даже осуждения. Но уникальность платьев во фресках и библейских мотивах, которые напоминают изображения сицилийского католического Собора Монреале (Италия).
Российский дизайнер Нина Ручкина, вдохновилась картинами уральского художника Миши Шаевича-Брусиловского и создала коллекцию платьев «Похищение Европы».
Талантливый дуэт из Дании Виктор и Рольф (Viktor & Rolf) пошел еще далее. Вдохновение они нашли в картинах мирового масштаба, которые представлены в Лувре, Эрмитаже. Но перенесли на платья не только изображения, но и золоченые рамки. Эти наряды восхитительны, но точно не для прогулок.
Конечно же есть еще масса примеров, когда дизайнеры нашли ответы в картинах художников. Например, в 2014 году Louis Vuitton выпустил коллекцию платков, рисунки которых были созданы уличными художниками. Здесь и психоделические мотивы, и гармония планет, асимметрия, символы поп-культуры, символика, руны и теплые цвета.
Творческие натуры всегда ищут прекрасное вокруг. Мы вдохновляемся цветами, небом, музыкой, дуновением ветра. Полотна художников, порой, открывают наши тайные мечты, и мы понимаем, что ищем.
Если вам понравилась моя подборка, ставьте лайки и делитесь с другими, добавляйтесь в мой круг, так же очень жду ваши комментарии и отзывы.
С любовью, Mary Lovarty
www.livemaster.ru
Богемный стиль одежды — главные атрибуты творческого образа
Новый виток популярности богемного стиля пришелся на текущее десятилетие. Не исключено, что многим людям может показаться, будто мода на него была всегда. Причиной такого ощущения является многогранность тренда и тесная связь с различными направлениями. Богемный стиль одежды в основном избирают представители творческих профессий: художники, поэты, писатели, актеры, музыканты. Попробуем разобраться в причинах такой специфической популярности тренда.
Богатый исторический путь
Богемой принято называть творческую среду любого направления. Новый термин вошел в обиход еще в конце XIX века. Богемный стиль в одежде впервые был обозначен в Англии благодаря активисткам женского общества «Rational Dress Society». Одна из его представительниц публично отказалась от ношения архаичного корсета и облачилась в красивое платье свободного силуэта.
Прогрессивная идея оказалась по душе европейским модельерам, которые с энтузиазмом принялись за разработку сетов в революционном стиле. За основу были приняты костюмы этнических цыган, проживавших в те времена в Богемии – одной из чешских провинций. Главными приметами женской одежды считался узкий облегающий лиф и свободная пышная юбка.
Позднее богемный style значительно расширил свои возможности. Это произошло благодаря введению в женский гардероб некоторых предметов туалета для мужчин. В далекие 20-е годы легендарная Марлен Дитрих первой надела брюки. Это послужило толчком к зарождению и развитию необычного направления под названием «унисекс». Таким образом, стиль творческих людей еще раз подтвердил свой протест против классической женской одежды.
В дальнейшем богемное направление многократно видоизменялось, поддаваясь влиянию различных социальных явлений и мировых событий. Немало интересных идей перешло из моды хиппи. Например, творческий style обогатился натуральной одеждой свободных силуэтов из расписных тканей. Разнообразили тренд также яркие аксессуары: цветная тесьма, вплетенная в волосы, украшения из бисера, кожаные пояса, повязки на голову.
Богеме очень близки различные направления, развивающиеся параллельно. Из него также выросло и сформировалось несколько отдельных течений. Стили этно, бохо, эко, гарсон, гэтсби, Шанель находятся в тесном соседстве с богемной тенденцией.
Правила создания модного образа. Фото
Многообразие мотивов и стилистических течений позволяет создавать разнообразные и оригинальные луки. Отдельные элементы цыганской, этнической, хиппи моды – самые популярные нотки женских образов. Сформировать стильный богемный ансамбль не представляет большого труда. Стоит лишь учитывать некоторые особенности.
- Удобство и комфорт. Желательно выбирать вещи свободного силуэта. В одежде, не стесняющей движений, человек чувствует себя непринужденно и раскованно. Творческие натуры очень ценят уютную одежду, которая не отвлекает внимание и не мешает вдохновению. В богемном гардеробе можно встретить длинные платья с прямыми рукавами или американской проймой, многоярусные юбки, изделия с оборками, просторные туники, кардиганы, рубашки. При этом просторные элементы костюма вполне сочетаются с облегающими леггинсами, узкими брюками. В рамках богемного стиля вполне естественно выглядит многослойность. Хотя с количеством предметов следует соблюдать меру.
- Натуральные ткани. Богемные образы строятся исключительно на органических материалах. Одежда может быть украшена фольклорной вышивкой или орнаментами. Нарядные вещи декорируют бисером, бусинами, пайетками.
- Яркие цвета. Богемный образ должен быть заметным, призывным и запоминающимся.
- Этнические принты. Восточные, африканские, индийские расцветки, узоры, орнаменты хорошо подчеркивают самобытность костюма и нестандартность образа. Избыточную насыщенность национальных красок желательно смягчить, отдавая предпочтение мягким и приглушенным тонам. Между хорошим вкусом и экстравагантными идеями должен выдерживаться четкий баланс.
- Практичная обувь. Желательны простые удобные модели, в которых не устают ноги. Для девушек, выбирающих высокий каблук или устойчивую платформу, рекомендуется отделка этническими орнаментами, кожаными ремешками и плетением.
- Оригинальные аксессуары. Лучше всего использовать украшения ручной работы, сделанные по индивидуальным заказам. Очень ценятся винтажные изделия или предметы с имитацией старения. Стильно смотрятся кожаные ремни и длинные пояса, слегка приспущенные с талии. С такими деталями простые джинсы скинни и рубашку можно легко превратить в богемный наряд.
Еще один вариант свободной моды – многослойные бусы, или бисерное ожерелье. В пару к ним подойдут множественные браслеты, кольца, крупные серьги.
Абсолютно богемно выглядят шляпы любой формы, украшенные лентами, цветами аппликацией. Отличным вариантом головных уборов представляется также восточный тюрбан или хипповая повязка. Они насыщают образ романтикой путешествий и фантазиями свободного художника.
Богемная мода благосклонно относится к вязаным и кружевным изделиям, созданным вручную. Несмотря на то, что у истоков стиля были цыганские мотивы, современный тренд характеризуется особым шиком и даже роскошью.
Богемный стиль в мужской одежде выглядит не менее выразительно. Он не требователен к возрасту и телосложению. Гардероб богемной особы выглядит так, будто она объездила много стран и привезла из каждой уникальные наряды. Элементы разных этнических костюмов вполне возможно сочетать между собой. Главное, чтобы предметы не противоречили друг другу, превращая оригинальный костюм в китч.
Завершающие штрихи творческого образа
Основная прическа для женщин в богемном стиле – длинные волосы, свободно распущенные по плечам. Эффектно смотрится длинная челка. Желательно свести к минимуму химические препараты для укладки волос. Предпочтительнее выглядят волосы природной окраски, слегка растрепанные или небрежно заплетенные в косы.
Нотку органики привнесут в образ всевозможные заколки, повязки, простые украшения. С богемным стилем отлично сочетаются предметы из кожи, замши, дерева, кости и перьев.
Умеренный макияж должен лишь слегка дополнять природную красоту, не привлекая внимания своей искусственностью. Цвета теней и подводки для век приближены к натуральным землистым оттенкам – черному, коричневому, серому. Помаду и блеск для губ выбирают в тонах, приближенных к естественным, например, бледно-розовых, карамельных.
Органичный маникюр. Основные лаки повторяют богатую палитру природных оттенков: красный, желтый, синий, зеленый, черный. В ногтевом дизайне широко используют этнические мотивы – узоры, орнаменты, символы. Очень эффектно смотрятся изображения, нанесенные вручную тонкой кистью. Также вполне возможно воспользоваться готовыми трафаретами или самоклеящимися картинками.
Благодаря богатому воображению люди от богемы легко продуцируют модные идеи. Эмоциональным натурам свойственна тяга к ярким тематическим образам. Как правило, они не являются абстрактной фантазией, а непременно несут на себе печать осмысленности и значения. Богемные образы создают настроение не только своим владельцам, но и всем окружающим.
Для людей искусства творческая мода вполне может стать постоянной. Тем, кто далек от богемы, но испытывает глубокую симпатию к ее стилю, можно обогатить свой гардероб отдельными элементами. Они прекрасно подойдут для отдыха, прогулок, встреч с добрыми друзьями.
Вконтакте
Google+
cutur.ru
4 художника, которые повлияли на мир моды | Vogue Ukraine
В разные времена художники сотрудничали с модными брендами, задавали тренды индустрии, а некоторые даже стали иконами стиля. Vogue.ua рассказывает о том, как сюрреализм просочился в моду, мексиканский наряд обрел новую жизнь, а крупный горох родом из Японии украсил аксессуары Louis Vuitton.
Сальвадор Дали
Тонкие вздернутые кверху усы и безумный взгляд – таким все знают величайшего сюрреалиста XX века Сальвадора Дали. Этот экспрессивный выдумщик гордился тем, что он испанец и тем, что он Дали. Художнику было интересно все: от живописи и фотографии до театра и, конечно же, моды. Экспериментировать с одеждой он начал после знакомства с дизайнером Эльзой Скиапарелли. Их тандем подарил миру моды с десяток неординарных нарядов. Среди них, к примеру, платье-лобстер, в котором герцогиня Виндзорская в 1937 году снялась для журнала Vogue. Позже подобное платье с огромным золотым омаром создал модный дом Prada, а Анна Винтур выбрала его для выхода в свет. Когда Дали сфотографировал свою супругу Галу с туфлей на голове, ему пришла идея такой шляпки и Скиапарелли тут же воплотила ее в жизнь. Среди необычных задумок художника также экстравагантное вечернее платье-скелет и платье-слеза, для которого ему пришлось разработать специальную технику печати по ткани.
Вскоре сюрреалист увлекся еще и ювелирным делом. Он рисовал эскизы необычных украшений, а его друг Карлос Алемани воплощал их в жизнь. Так появились часы в виде глаза, «Рубиновые губы», серьги-телефоны, брошки-руки, «Космический слон» — больше тридцати необычных ювелирных украшений. Кроме того, Дали тесно сотрудничал с модными изданиями. Для журнала Vogue он создал шесть обложек, одной из его лучших работ стало оформление праздничного декабрьского номера. Вскоре французский Vogue вышел с автопортретом художника на обложке.
Фрида Кало
Картины мексиканской художницы Фриды Кало были ее автобиографией. Она ничего не приукрашала, рисуя собственную боль, страхи и страдания. Именно поэтому ее картины могут показаться жуткими. В 18 лет она попала в автокатастрофу, после чего всю жизнь терпела физическую боль, а брак с художником Диего Риверой принес ей немало и душевных страданий. Фрида стойко выносила все жизненные испытания: постоянные проблемы со здоровьем, измены мужа, аборты, выкидыши. Она запомнилась не только своим творчеством и силой духа, но и стилем.
Чтобы угодить мужу, Фрида начала носить национальный мексиканский наряд. Так появились юбки в пол, которые, к тому же, скрывали ее ссохшуюся от полиомиелита ногу, яркие многослойные блузки, массивные аксессуары, разнообразные шали и венки из цветов. Такую Фриду запечатлели на обложке французского Vogue, а в 1980-х годах ее стиль начали массово интерпретировать дизайнеры во всем мире. В 1997 году Жан-Поль Готье создал целую коллекцию, вдохновленную корсетами Фриды Кало. Кроме него стиль художницы переосмысливали Valentino, Dolce&Gabbana, Alexander McQueen, Moschino, Alberta Ferretti, Etro. В образе Фриды в разное время снялись Клаудия Шиффер, Моника Белуччи, Бейонсе, модели Гвиневер ван Синус и Карли Клосс
Энди Уорхол
Энди Уорхол был уверен, что мода — это не просто вещи, которые люди надевают, выходя куда-нибудь, но и повод выбираться из дома. Он был символом богемного Нью-Йорка 1960-тых, все время пребывал в окружении дизайнеров и моделей: Ива Сен-Лорана, Валентино, Хальстона, Дианы фон Фюрстенберг. Даже сам попробовал себя в качестве модели – сотрудничал с агентством Zoli и Ford.
Как и Дали, его привлекали разнообразные направления в искусстве. Начинал Уорхол как коммерческий иллюстратор в глянце, оформлял витрины магазинов, создавал дизайн рекламных плакатов, а позже увлекся фотографией, видеоартом, кино. В своей мастерской Уорхолл часто устраивал вечеринки, о которых писали в газетах и светских хрониках. Любовь к моде и светской жизни сподвигла Уорхола основать журнал Interview, где знаменитости брали интервью у других знаменитостей. Стиль Уорхола был достаточно скромным: он любил джинсы (даже шутил, что хотел бы в них умереть) и рубашки, кожаные куртки, классические костюмы и не обходился без седого парика. Его образ послужил вдохновением для многих дизайнеров еще при жизни художников. А знаменитые работы Уорхола в стиле поп-арт до сих пор используют для своих коллекций модные дома. Уже в конце 1960-тых Ив Сен-Лоран создал коллекцию одежды, в которой были представлены платья с коллажами-портретами Уорхола. Позже французский дизайнер Жан-Шарль де Кастельбажак переосмыслил нарисованные художником банки супа Campbell’s и создал бумажное платье, назвав его The Souper Dress.
В 1990-тых Джанни Версаче украшал платья знаменитыми поп-арт портретами Мэрилин Монро и Джеймса Дина, нарисоваными Уорхолом. Эти же портреты использовали в качестве принта на кроссовках Nike. Ранние фэшн-иллюстрации Энди Уорхола в свое время нашел и бельгиец Раф Симонс, украсив ими сумки Dior. А в 90-тых появилось даже платье “Andy Warhol Dress” с автопортретом художника.
Яёй Кусама
В свои 88 лет японская художница Яёй Кусама носит яркие парики, одежду в горох и продолжает творить в своем фирменном стиле polka-dots. Гипнотические точки сделали ее одной из самых известных, узнаваемых и дорогих художниц в мире. Стиль Кусамы сложно определить как что-то однозначное – это смесь минимализма, сюрреализма, поп-арта и абстрактного экспрессионизма. Свои первые работы она начала создавать еще в юности, чтобы справиться с мучившими ее галлюцинациями. Психические расстройства обогащали художницу идеями и в то же время способствовали становлению ее экстравагантного имиджа в мире искусства. Горошек был незаменимым элементов всех ее работ: живописи, инсталляций, даже перформансов и хэппенингов. Кусама создала несколько удивительных пространств, сочетая в одном месте polka dots с зеркалами и светом. Оказавшись в такой комнате сложно понять границы этого пространства, как и удержаться от фотографии. Так, после выставки Кусамы Infinity mirrors в Вашингтонском музее Хиршхорна в прошлом году, инстаграм был переполнен креативными фотографиями внутри арт-объекта.
Кусама верна своему искусству даже в повседневной жизни – носит яркую одежду в разноцветный горох. А в 2012 году художницу пригласил к сотрудничеству бренд Louis Vuitton. Кусама не только украсила одежду и аксессуары марки фирменным горошком, но и разрисовала временный бутик в Лондоне. В витрине магазина расположился и необычайно правдоподобный манекен, воплощающий образ самой художницы.
Читайте также:
5 необычных примеров паблик-арта
vogue.ua
