Павел Полянский — Askeri Gallery
Павел Полянский — московский художник, посвятивший свое творчество изучению современного мира. Поп-культура, цифровизация, роботизация и взаимодействие с природой — излюбленные темы живописи Полянского. Лаконичная серо-белая колористика, близкая к сепии, или даже Средневековой гризайли, позволяет художнику достичь ассоциации изображения с фотографией и добиться максимальной реалистичности, несмотря на порой абсолютно сюрреалистичный сюжет. Работы Павла Полянского — умелый конструктор из множества знакомых современному зрителю отсылок. Это и мультсериалы, и документальные фильмы о далеких племенах и северных уголках Земли, и последние разработки в сфере высоких технологий. Например, сразу в нескольких картинах появляются всем известные роботы-собаки от Boston Dynamics, VR-очки и голограммы. Многие работы представляют собой умелую сатиру на общество потребления, к которому относят современных людей. Полянский не боится сталкивать человека и природу, природу и высокие технологии, сексуальность и эстетику женского тела и равнодушный холод металла.
ПЕРСОНАЛЬНЫЕ ВЫСТАВКИ
2020
ПОГРУЖЕНИЕ, Askeri Gallery, Москва, Россия
2019
WALLS, Askeri Gallery, Москва, Россия
SCOPE, Нью-Йорк, США
2018
АРТЕФАКТЫ, Askeri Gallery. Москва, Россия
2017
СРЕДА ОБИТАНИЯ, Askeri Gallery. Москва, Россия
2016
ВОЙНА МИРОВ, Fine Art Gallery, Москва, Россия
2015
АРКТИКА, Fine Art Gallery, Moscow, Russia
2014
ЛЮБИМЫЙ ХУДОЖНИК, Галерея файн арт .Москва, Россия
2013
ОДИН ДЕНЬ В РАЮ, Галерея Файн Арт.
Москва, Россия
2011
ПУСТОТА, Айдан галерея. Москва, Россия
2004
ДЕВУШКИ ЧЬЕЙ-ТО МЕЧТЫ, Галерея Artgentum. Москва, Россия
ГРУППОВЫЕ ПРОЕКТЫ
2019
ART021 SHANGHAI, Askeri Gallery booth,Шанхай, Китай
SCOPE NEW YORK, Нью-Йорк, США
2018
ЯРМАРКА ART KAOHSIUNG, Гаосюн, Тайвань
ЯРМАРКА АРХ МОСКВА, Москва, Россия
2014
ЯРМАРКА АРТ МОСКВА, Москва, Россия
2013
ЯРМАРКА АРТ МОСКВА, Москва, Россия
ВЫСТАВКА АРТ БРЮССЕЛЬ, Brussels, Belgium
ЯРМАРКА АРТ МОСКВА, Москва, Россия
2010
ЯРМАРКА АРТ МОСКВА, Москва, Россия
2009
АВТОПОРТРЕТ, Галерея Файн Арт.
Москва, Россия
ЯРМАРКА АРТ МОСКВА, Москва, Россия
2008
FRESH BLOOD. DIEHL + GALLERY ONE, Москва, Россия
МОСКОВСКАЯ МЕЖДУНАРОДНАЯ БИЕННАЛЕ МОЛОДОГО ИСКУССТВА, программа Контекст, Государственная Третьяковская Галерея, Москва, Россия
ПРОЕКТ МИГРАЦИЯ, Московский Музей Современного Искусства. Москва, Россия
СВОБОДА ВЫБОРА, Общество поощрения художеств. Государственный музей современной истории России, Москва, Россия
2007
SPACE, Московский Музей Современного Искусства. Москва, Россия
2006
ВЫСТАВКА МСХ, Центральный Дом Художника. Москва, Россия
Ярмарка Арт Москва. Москва, Россия
ДЕСЯТЬ ГРАНЕЙ, выставка учеников Т.Г. Назаренко, Галерея Кузнецкий мост. Москва, Россия
POWER, Московский Музей Современного Искусства.
Москва, Россия
2005
ЯРМАРКА АРТ МОСКВА, Москва, Россия
МЕМОРИЯ, Московский Музей Современного Искусства. Москва, Россия
ВСЕРОССИЙСКИЙ КОНКУРС МОЛОДЫХ ХУДОЖНИКОВ РОССИИ, Государственная Третьяковская Галерея. Москва, Россия
2004
ЯРМАРКА АРТ МАНЕЖ, Москва, Россия
МЕЖДУ, Московский Музей Современного Искусства. Москва, Россия
ЯРМАРКА АРТ МОСКВА, Москва, Россия
2003
ВЫСТАВКА АКАДЕМИЙ, Москва-Петербург, Россия
2002
МОЛОДЕЖНАЯ ВЫСТАВКА МСХ, Москва, Россия
FRASER GALLERY, London, United Kingdom
2001
МОЛОДЕЖНАЯ ВЫСТАВКА МСХ, Москва, Россия
RICHARD AND THOMAS GALLERIES, USA
Художник Павел Попов
Московский художник Попов Павел Петрович
Павел Попов родился в 1966г.
В городе Перми. В 1994г. поступил в Российскую Академию живописи, скульптуры и архитектуры, учился в мастерской исторической живописи под руководством профессора И. С. Глазунова. За успехи в
учебе получал стипендию Президента Российской федерации и был премирован поездкой в Италию. Дипломная работа «Тайная вечеря» была удостоена оценки «отлично» с похвалой комиссии. С 2000 по 2002г. преподавал в Академии
живописи, ваяния и зодчества. Член Московского союза художников.
«В академии художеств я впервые стал читать Библию»
Интервью брала Мария Берова для pravoslavie.ru
Попов Павел Петрович – человек многогранный, тонкий, динамичный. Он родился в семье инженера. По окончанию средней школы служил на флоте. Затем приехал в Москву, работал на АЗЛК слесарем. А однажды случайно зашел в Манеж на выставку Ильи Глазунова. И это перевернуло всю его жизнь…
– Вы начали заниматься живописью в 24 года.
До этого была служба на флоте, работа в Московском автомобильном заводе им. Ленинского комсомола. Оглядываясь назад, скажите, на ваш взгляд, это было предопределено? Вы любили рисовать
с детства?– У меня не очень традиционный путь к искусству. В живопись я пришел довольно поздно. До этого, наверное, искал себя, не мог понять, чем мне заниматься – служил на флоте, потом работал поваром, приехав в Москву, работал по лимиту на АЗЛК. Однажды, гуляя по Александровскому саду, увидел огромную очередь в Манеж. Это была очередь на выставку Ильи Глазунова. Был 1989 год.
Горы синая
190×120см. 2002г.
Я впервые увидел картины, живопись. Хотя рисовать любил с детства, но такие огромные полотна, многофигурные, исторические, потрясли меня. На выставке были картины самого мастера и его учеников. Я помню работу моего учителя
Михаила Шанькова «Засадный полк».
Огромный дуб на переднем плане, желтая осенняя ветвь, которая проходит по диагонали через всю картину и скрывает спрятавшихся за ней русский воинов. Молодые и старые бойцы, князь на коне.
Все эти лица смотрят как бы мимо зрителя – и в то же время на зрителя. Так красиво по краскам, художественно, выполнено ярко, живо. Я был потрясен увиденным, и почему-то мне показалось, что я тоже когда-нибудь смогу так
писать. С этого времени я стал заниматься живописью.
Ледовое побоище
150×100см. 1998г.
На Автомобильном заводе Ленинского комсомола, по старой советской традиции, была роскошная изостудия. Там был отличный натюрмортный и гипсовый фонд, почти как в училище, стояли гипсовые головы. Преподавателем был хороший московский
художник Афанасий Евстафьевич Сухинин, член Союза художников, который окончил Петербургскую академию художеств.
Учился у Николая Михайловича Ромадина, Александра Александровича Дейнеки, дружил с «Кукрыниксами» («Кукрыниксы»
– творческий коллектив советских художников, основанный тремя живописцами: Михаилом Куприяновым (1903–1991 гг.), Порфирием Крыловым (1902– 1990 гг.) и Николаем Соколовым (1903–2000 гг.)). Я сразу погрузился в профессиональное
обучение.
Через четыре года поступил в Российскую Академию живописи, ваяния и зодчества, которая сейчас располагается на Мясницкой, в легендарном училище живописи, ваяния и зодчества, построенном архитектором Баженовым в 1790-м году.
Здесь, как известно, учились такие колоссы русского искусства, как Коровин, Серов, Левитан. Преподавали Саврасов, Поленов. Это училище с огромной историей и традициями. Учиться было очень интересно. Илья Сергеевич Глазунов
был не только хорошим художником, но и человеком, по-настоящему любящим и понимающим искусство.
– Можете рассказать подробнее о создании «Тайной вечери»?
– Начнем с того, что для создания композиции я пригласил своих друзей и знакомых в мастерскую, расстелил на полу большой ковер и предложил им сесть по кругу.
Всех было 13 человек. Когда я зажег свечи и выключил свет, то увидел,
что это оригинально, ни на что не похоже. Появилась какая-то драматургия. Свет отбрасывал от фигур людей на стену тревожные большие тени. Такой эффект невозможно придумать. Можно представить эти тени как символ ожидания
чего-то опасного. Огромная тень, которая нависла над этими людьми, которые боялись, прятались. Это именно натура подсказала. Ну и, собственно, благодаря натуре я с задачей написания картины справился.
Тайная вечеря
350×210см. 2000г.
– Вот так необычно живопись помогла вам стать христианином. У вас появилась тема. Скажите, как развивали ее в дальнейшем?
– Вы правильно заметили, Академия помогла мне воцерковиться. Я очень благодарен и Илье Глазунову, ныне покойному, и школе, которую он создал – за то, что студентам предлагают изучать не только историю живописи, а еще историю
Русского государства и Библейскую историю.
За шесть лет обучения человек порой просто преображается и открывает для себя мир религии, христианства. Я тоже стал много читать, изучать, мне захотелось писать Христа, библейские
сюжеты. Мне казалось, что художник этим только и должен заниматься. Несколько лет я посвятил именно созданию картин на тему Евангелия. Так появились картины «Адам и Ева», «Гора Синай», «Взятие Христа под стражу», «Рождество
Христово».
Потеряный рай
240×190см. 2004г.
А потом в какой-то момент у меня появилась пауза. Такой кризис творческий. В дальнейшем я понял, что для продолжения библейской темы мне не хватает настоящей натуры, что писать библейские сюжеты в Москве невозможно. То есть
нужно было, как художник Поленов, ехать на Святую Землю, в Палестину, и там писать этюды, собирать материал для картин. Такой возможности, к сожалению, у меня не было, хотя мне удалось побывать на Святой Земле в туристической
поездке.
Впечатление было очень сильное. Совсем другая природа, непохожая на нашу, русскую. Выжженная солнцем пустыня с такими же выжженными древними городами. Все это одновременно красиво и страшно. При этом еще очень
мало воды. Силу впечатления добавляет то, что по этой земле ходил Сам Христос. Но в туристической поездке ничего не напишешь. На этом моя библейская тема временно закончилась, и началась другая – деревенская.
– Скажите, что общего между деревней, своего рода исконной Россией, и тем миром, который вы увидели в Палестине, на Святой Земле? Что общего есть у Руси и того древнехристианского мира?
– На мой взгляд, красота. Так же, как и в Палестине, какая-то страшная красота, суровая: там очень жарко и все выжжено. Пустыня, камни, скалы – желто-красные и других оттенков. Это все очень красиво. Там, уже в самой природе,
есть какой-то высокий образ трагический. Человеку очень сложно там выжить. Мало воды.
Похожая ситуация в русской северной деревне. Это, к примеру, Вологодская область: суровая природа. Она красива, с одной стороны, но с
другой стороны – она очень жесткая: летом комарье, зимой – крепкие морозы, много снега, трудно выживать. Сельское хозяйство рискованное. Люди живут в избах, нет канализации, вода из колодца. Основные продукты – овощи, ягоды,
фрукты со своего огорода: они зависят от своего труда – что вырастишь, то и съешь. Держат коров, другую живность. Нужно вставать в четыре утра, обряжать (ухаживать – прим. авт.) скотину. Потом – на поле или в лес.
Однако люди, которые живут там, – очень веселые, радостные. Они благодарят за каждый день Бога. Что у них все есть, что более-менее хорошо. Такой сходство – красота и суровость природы – уже само по себе создает художественный
образ. Представьте себе темные, почти черные, елки на фоне желтеющих берез и осин. В этом есть особенная красота и выразительность.
Это меня поразило, и я стал писать сюжеты на тему русской деревни. Стал приезжать туда,
жил там подолгу. Потом купил себе домик. Короче говоря, погрузился в эту жизнь сам, и это мне помогло создавать картины, непохожие на другие, новые. То, что я увидел на русском Севере, в деревнях, меня до сих пор удивляет,
и там я черпаю для своих картин вдохновение.
Суббота. Бани топят
70х100см. 2012г.
– А есть ли такие грани, которые сближают Православную Русь и Святую Землю?
– История присутствия русских на Святой Земле очень длительная. Там есть русская церковь Святой Марии Магдалины, Русское Палестинское общество. Палестина и Россия даже архитектурно пересекаются. Удивительно, но когда я приехал
в Иерусалим и приложился ко Гробу Господню, то появилось ощущение, что я на родину попал. Эта земля кажется родной. То же самое, когда я на русский Север приезжаю, у меня такое ощущение, что я на Родине, на своей малой
родине нахожусь.
Зимой в деревне
80х100см. 2011г.
– В одном из ваших интервью вы говорили, что русская природа – как скрытое Евангелие. А что именно есть в русской природе, что отличает ее от других ландшафтов?
– Если читать Евангелие и воспринимать его как вид литературного искусства, то, безусловно, можно отметить – оно очень красиво. Вот ты читаешь, и оно как-то изящно и необыкновенно написано. «Истинно, истинно говорю вам» (Ин. 1, 51) – мы так не говорим. Или другие строки: «Вначале было Слово, и Слово было у Бога, и Слово было Бог. Оно вначале было у Бога, через Него все начало быть и без Него ничего не начало быть, что начало быть» (Лк. 2, 1–3). Красота в этом какая!
Если мы возьмем Псалтирь, то там читаем: «помилуй мя Боже по велицей милости твоей и по множеству щедрот твоих очисти беззаконие мое…» (Пс. 50, 3), и так далее – 50-й псалом.
Или 90-й псалом: «Живый в помощи Вышняго, в крове
Бога Небеснаго водворится. Речет Господеви: Заступник мой еси и Прибежище мое, Бог мой, и уповаю на Него…» (Пс. 90, 2). Как это красиво, но и одновременно трагично. Каждый человек в этой жизни проходит через скорби. Даже
в утренней молитве есть такие слова: «Тя благословим, вышний Боже и Господи милости, творящаго присно с нами великая же и неизследованная, славная же и ужасная, ихже несть числа…».
Возьмем, к примеру, жизнь всем известного художника Шишкина. Еще при жизни он был известен и востребован как художник. Но не все знают, что пришлось пережить этому человеку. Смерть отца. В скором времени умирает его жена и
два сына. Они остаются вдвоем с дочерью. Шишкин целый год не мог работать и глушил свою душевную боль алкоголем. Через год после этих событий он пишет знаменитую картину «Рожь». Если внимательно посмотреть на нее, на дальнем
плане есть ствол сухого дерева.
Предполагается, что Шишкин таким образом запечатлел сам себя.
Весна
100х80см. 2012г.
Прошло еще немного времени, и Шишкин женился. Вскоре и вторая жена его умирает, оставив ему маленькую дочь. Василию Ивановичу Сурикову, художнику-живописцу, автору исторических полотен о России, тоже пришлось пережить смерть супруги. У художника Кустодиева, одного из самых позитивных художников рубежа XIX–XX века, были парализованы ноги. Трагедия и красота находятся рядом. В русской природе есть красота и трагичность одновременно, как в Евангелии. На русском Севере, допустим, если у тебя нет дров, ты можешь просто погибнуть от холода.
Позабылись далекие дали 120х70см. 2012г.
– Почему вы решили написать портрет Сергея Есенина?
– Это был заказ для музея Есенина в Москве. Поскольку мне было неинтересно просто писать Есенина с трубкой, я долго размышлял, мне хотелось как-то по-особенному написать.
Так, как его никто не писал. Долго я думал над этой темой, а потом в русской своей деревне увидел проходку – это своего рода гуляние на деревне, когда мужчины и женщины надевают русские костюмы, и впереди идет гармонист. И вот, они идут по деревне в одну сторону, поют, потом разворачиваются – и идут в другую сторону, опять с песней. Вот такое торжественное шествие называется проходка. Я, когда увидел проходку, а она традиционная на Руси была, вдруг понял, что нужно Есенина среди этой проходки и изобразить. То есть как участника этого деревенского шествия. Нашел парня, который был похож немножко внешне на Есенина. Он позировал мне в русской национальной рубахе и с тальянкой. Тальянка сегодня редкий инструмент, двухрядная гармошка, на которой уже мало кто может сыграть.
Однако вернемся к теме. Родилась такая удивительная картина. Благодаря этому заказу я стал читать Есенина и увидел, что он, простой деревенский парень, щедро одарен талантом.
Такие образы пронзительные:
Гой ты, Русь моя родная,
Хаты – в ризах образа…
Не видать конца и края –
Только синь сосет глаза.
«Только синь сосет глаза». Синь! Он тоже все воспринимал как живописец. В стихотворение «Песнь о собаке» есть такие строки: «Покатились глаза собачьи золотыми звездами в снег».
– Где можно увидеть ваши картины сейчас?
– У меня в мастерской что-то есть. Также сейчас выставка проходит в деревне Верховажье, туда я часть картин отвез. В музее Есенина можно Есенина посмотреть. В Коломне можно увидеть «Куликовскую битву». Или на моем сайте.
Рождественская ночь
35×25см. 2017г.
– О чем будет ваша новая тема?
– В свое время Василий Дмитриевич Поленов говорил, если в живописи нет красоты и добра, то она ничего не стоит. Врубель говорил, что художник должен пробуждать современников величавыми образами духа. Я с ними абсолютно согласен.
Надеюсь, что мне еще удастся написать много новых картин. В живописи можно развиваться всю жизнь. И процесс этот бесконечный. Процесс познания мира через краски.
С Павлом Поповым беседовала Мария Берова
24 декабря 2018 г.
Зимний пленэр
Работа художника в условиях зимнего времени одновременно увлекательна и сложна. Особую прелесть составляет многообразие холодных цветовых гамм, которые в таком объеме не часто увидишь в иные времена года. С другой стороны — при натурной работе донимает холод. Хотелось бы предложить юным художникам несколько советов, основанных на личном опыте.
Крымов как-то сказал: «Не важно, что писать, важно — хорошо устроиться». Эта шутка профессионала говорит о необходимости технической подготовки к работе на зимнем пленэре. Первое: работать с натуры зимой нужно масляными красками.
Они не застывают на морозе. Второе: обязательно необходимо тепло и удобно одеться.
Сегодня для этого могут помочь имеющиеся в продаже специальные костюмы для рыбалки или охоты (это легкие и удобные, при этом теплые куртка и полу комбинезон). Их можно купить в магазине рабочей одежды. Обязательно нужны теплые специальные сапоги с термоэффектом. Спасут в морозное время шапка-ушанка, перчатки для лыжников. Вместо шарфа лучше надевать так называемое «вязаное горло». Нелишне брать с собой овчинную безрукавку, которая надевается в случае сильного мороза. Такая экипировка поможет вам успешно противостоять коварному холоду. Подумайте сами — как обидно прекратить работу над удавшейся вещью из-за того, что застыли ноги или пальцы не способны держать кисть!
Этюдник я кладу в рюкзак. Туда же кладу термос с горячим чаем. Рюкзак нужен для удобства. Обе руки будут свободны. К непосредственной работе с натуры тоже следует подготовиться. Заранее выбранный картон должен быть достаточно
плотным, чтобы его не коробило при нанесении грунта.
Грунтуем его в мастерской. Грунт лучше использовать быстросохнущий, акриловый. При этом я всегда делаю его составным, соединяя белый и черный цвета. В банку с белым грунтом
добавляю немного черного. Очень важно не перетемнить. В результате получается грунтовка среднего светло-серого тона. Это дает красивый сложный холодный цвет. С таким тоном картона очень удобно работать. Он уже создает полутон
для снега. Дальнейшие прописки по нему позволяют легче искать и отображать существующие в натуре как теплые, так и еще более холодные, плотные оттенки цветов.
Следует отметить, что этюдная работа для художника не самоцель. Это этап по сбору материала для картины. Отсюда понятно, что мотив в природе следует тщательно выбрать до того момента, как вы вышли к нему с кистями и холстом. Возможно, что утром или вечером он будет смотреться интереснее, чем днем.
Этюд нужно начинать с рисунка.
Обычно он осуществляется углем для рисования. Очень важно сделать хороший композиционный рисунок: определить пропорции архитектуры, если это городской мотив, прорисовать в здании окна, балконы,
прочие детали. Большую роль играют деревья на первом плане. Необходимо выявить их точную форму, силуэт, конструкцию. Такое же отношение должно быть к фигурам прохожих, группам людей. Не торопитесь писать красками, сделайте
подробный рисунок. От этого зависит скорость и качество дальнейшего исполнения этюда. Когда рисунок закончен, его обязательно нужно закрепить специальным фиксативом для угля. Можно даже применить лак для волос «Прелесть»
(он такой же по эффекту, но в несколько раз дешевле).
Когда рисунок закреплен, можно начать работать красками. Здесь тоже важно не спешить. Наша задача — попасть в цвет и тон натуры. Наносить краску на рисунок нужно прозрачно, начиная с самых светлых мест, видимых в натуре.
Обычно
берется разбавитель-тройник (одна часть пинена, одна часть масла льняного, одна часть лака даммарного).
Повторюсь снова: следует, начиная со светлых предметов натуры, а не наоборот. Затем мы постепенно переходим к изображению более темных мест в природе, стараясь взять цвет и тон в полную силу натуры. Когда жидкий прозрачный
подмалевок завершен, можно приступать к пастозной живописи, применяя белильные смеси. Но не нужно все переписывать и бездумно закрашивать уже подмалеванные и нарисованные части этюда. Дальнейшая работа должна быть лаконичной:
на уточнение цвета, тона, композиции и фак��уры. В конце концов, нужно стремиться к тому, чтобы в завершенном этюде был виден и рисунок углем, и жидкий подмалевок, и пастозная моделировка частей этюда. Работая таким образом,
вы будете писать быстро. Этюд будет выглядеть лаконично, легко исполненным, свежим по краскам.
При таком ведении работы изображение может быть очень подробным, с внимательной проработкой деталей и довольно широко обобщенным,
в зависимости от мотива и задачи. Особое внимание надо уделить этюдам в серый день. В этом случае все цвета и тональности несколько сблизятся и важно будет увидеть ритм тончайших, прозрачных серых теней, которые и придадут
своеобразие вашему этюду.
Если вы собираетесь писать в солнечный зимний день, не забудьте взять зонт от солнца для художников. Это кажется необычным для зимы. Но изобразительная плоскость должна быть установлена так, что-бы на нее не падали лучи солнца или сильные рефлексы. Иначе этюд, написанный на солнце, в мастерской будет выглядеть вялым по цвету и темным. Чтобы этого избежать, работайте в тени вашего зонтика.
Удобнее также выбирать место для мотива таким образом, чтобы солнце было от вас сзади и немного справа.
Тогда у вас будет, как минимум, два часа на работу. В течение этого времени общее состояние освещения заметно не изменится.
Будут перемещаться только тени. Если пишете в «контражур», то становитесь так, чтобы солнце было перед вами чуть слева. Тогда будет достаточно времени для работы. Если солнце у вас совсем сбоку, то времени на работу будет
очень мало. Состояние быстро изменится, и вы ничего не успеете сделать. Будет жаль потраченного времени и сил. Возникнет разочарование из-за неудачи в работе. А вся причина — в нарушении простых правил.
Все мы знаем, как разнообразна и неповторима природа. Красота натуры никогда не надоедает, а только восхищает. Поэтому художник так стремится на пленэр. Несмотря на разнообразие натуры, мы можем наблюдать в природе некоторые
закономерности. Например, в солнечный день свет на снегу будет теплым, падающие тени холодные. Однако они окажутся теплее сине-зеленоватого неба, а полутон на снегу — это смесь света и падающей тени.
Советую всегда наблюдать
натуру методом сравнения, тогда вы научитесь находить закономерности состояний природы в разное время суток, года и так далее. Это умение пригодится для работы над картиной в мастерской.
Думаю, что ни один художник не пройдет мимо заснеженной московской улицы в сумерках, когда зажигают фонари и краски на снегу вступают в гармоничную игру теплых и холодных цветов. Машины плотной массой медленно везут своих пассажиров,
вспыхивая красными и желтыми фонарями. Дворники в ярко-оранжевых костюмах торопливо сгребают снег. Москва засыпает, но в огромном индустриальном городе продолжается движение, а над ним тихо парят снежинки. Такой мотив никогда
не напишешь с натуры, даже не пытайтесь. Состояние сумерек проходит быстро, к тому же мешает падающий снег.
Выходя на натуру, следует точно выбирать время дня. Для пленэра мало подходят раннее утро и поздний вечер.
В такое время быстро меняется световое и цветовое состояния. В этом случае художнику помогает работа по памяти. К тому
же сознание запоминает лишь часть увиденного, то, что наиболее поразило художника. Это и есть самое главное, рождающее поэтический и цельный образ. Однако для произведения, требующего выявления всей картины мира, нужны
детали.
Поэтому начинающему художнику следует развивать зрительную память. Подобное связано с тем, что природу, московскую или иную улицу, видишь в движении света от машин, в состоянии наплывающих сумерек, падающего снега и прочее.
Это практически невозможно сразу зарисовать, надо наблюдать и отмечать в памяти. По возвращении в мастерскую следует зафиксировать впечатления в эскизном виде. Сначала будет трудно. Ведь память человека несовершенна. Она
не в состоянии запечатлеть все многообразие мотива. Не нужно этого бояться.
Постоянные упражнения помогут развить способность не только запоминать, но и делать отбор художественных средств. Я называю это этюд-впечатление.
Часто такой этюд становится эскизом к картине. Подобная работа по впечатлению должна стать постоянной практикой молодого художника. Это и есть первый шаг к созданию собирательного образа. Ведь конечной целью занятия на пленэре
является написание картины в мастерской. Развивать зрительную память и способность работать по впечатлению лучше всего зимой. Отношение белого снега к серому небу, к цветным силуэтам домов, заснеженным деревьям, легче проанализировать,
сравнить и запомнить.
Студенты меня часто спрашивают: сколько нужно времени, чтобы стать художником? Я отвечаю так, как со мной когда-то шутил мой учитель Афанасий Евстафьевич Сухинин: «Когда хорошо и внимательно напишешь 2000 этюдов — станешь художником».
Повторюсь, этюды не самоцель.
Но они развивают чувство цвета, ощущение живой изменчивости натуры. Немало значит способность находить интересный мотив, ощущать неожиданную выразительность композиции.
Художник Павел Попов
Изобразительное искусство Пола Г. Стоуна — Вермонт, Мэн, Северная Каролина, художник
Уроженец Новой Англии Пол Стоун под влиянием сцен, которые его окружают будь то пейзажи Вермонта или морские пейзажи изрезанного побережья Новой Англии. Одинаково искусен в работе с акварелью или маслом, его картины отличаются сильным чувством композиция и мастерский контроль Средняя.
Мастер цвета и света, работа Пола Стоун отражает увлечение художника сельский пейзаж и его структуры. Использование смелая палитра, Стоун передает обычное в путь, соединяющий реалистическое и абстрактное, заставляя зрителя изменить свое восприятие и пересмотреть свое окружение.
Шоу Пола Стоуна ждут с нетерпением.
мероприятия, коллекционеры рисунков по всему миру. Его следующая выставка откроется 8 июля в Графтоне, штат Вермонт, в галерее Northstar.
Посмотреть портфолио
Образец портфолио
Работы Пола Стоуна проходят в многочисленных публичных и частных коллекций, и выставлены в прекрасные галереи по всему миру. Посмотреть все работы
Загрузка
Усадьба
Paul Stone Art
Из тени
Искусство Пола Стоуна
Не используется
Paul Stone Art
Cloud Skaters
Paul Stone Art
Разминка
Искусство Пола Стоуна
Зазеркалье
Искусство Пола Стоуна
Лампа накаливания
Paul Stone Art
Послеобеденное размышление
Искусство Пола Стоуна
Огненный пруд Замороженный
Искусство Пола Стоуна
Ранний полдень
Искусство Пола Стоуна
Хижины в тесноте
Paul Stone Art
Ферма Вермонта в желтом цвете
Paul Stone Art
Seahouse
Paul Stone Art
Шафрановый вечер
Последние новости и предстоящие события
Заходите позже, чтобы узнать больше о предстоящих мероприятиях Пола и других новостях.
Галереи
Посмотреть работы Пола Стоуна в галереях по всему миру включая галерею NorthStar в Графтоне, штат Мэн, Галерея 2 в Vermont Artisan Designs, Вермонт Галерея изобразительного искусства, Галерея Бэйвью в Камдене и Брансуик и др.
работа по заказу
Пол Стоун может быть доступен для заказа работай. Контакт [email protected], чтобы обсудить ваши особые потребности. Будь то масло или акварель, пейзаж, абстракция или морские морские пейзажи, пол может принести свет и цвет в свою комнату.
Следуй за Полом Стоуном
Будьте первыми, кто увидит новые работы и узнает о новые галереи с работами Пола Стоуна. Следите за искусством Пола Стоуна на Facebook, YouTube и Связано,
Не бойтесь любителей искусства, есть надежда на произведения Пола Стоуна, Пол приносит ритм жизнь со свежим мазком цвета и штрихом прихоти.
DJ Ларс, Радио WPMG, Портленд, Мэн
2014 © Paul G.
Stone Art. Дизайн сайта от About Time Online
Пол Могенсен « Художники « Blum & Poe
Пол Могенсен, Вид инсталляции, Blum & Poe, Лос-Анджелес, 2021Биография
За свою пятидесятилетнюю карьеру Пол Могенсен (р. 1941, Лос-Анджелес, Калифорния) исследовал живопись с помощью математических прогрессий и классических соотношений в структурированном расположении квадратов, прямоугольников и линий; через взаимодействие со стеной и негативным пространством; и через цвет прямо из трубки. Первоначально изучавший математику и химию, прежде чем он открыл для себя искусство, он говорит: «Я использую арифметику, чтобы найти форму». Его работы точны. Он использует последовательности, похожие на азбуку Морзе, без ассоциативных или повествовательных реквизитов или любого знака руки художника в нанесении краски. Работам не мешает даже сюжетная линия собственного личного развития Могенсена — большинство из них не имеют названия и даты, что отвлекает внимание от этих конструкций и вместо этого обращает внимание на непосредственность самих работ.
Как сказала его давняя подруга Линда Бенглис: «Он философ-пурист, очень логичен в том, что касается принятия самых прямых способов создания картины с большой ясностью… Он строг в своем подходе, так же строг, как механик может быть строгим с Феррари. Аварий не бывает».
Могенсен прибыл в Нью-Йорк в 1966 году, уже будучи связан с такими сверстниками, как Дэвид Новрос и, через Новрос, Брайс Марден. Его первая персональная выставка в галерее Bykert (при поддержке Джеффа Байерса и под руководством Клауса Кертеса) состоялась в следующем году. Как и многие его сверстники той эпохи, он отвергает терминологию, порожденную таким искусством, особенно ярлыки «минимализм» и «абстракция». Могенсен сопротивляется метафорическому и концептуалистскому объяснительному языку поколения, связанного с такими понятиями, и, вопреки тенденции жанра к бегству от истории, имеет глубоко исследовательское и сугубо индивидуальное понимание исторического искусства. Могенсен часто ссылается на русских художников и поэтов, таких как Маяковский, Родченко и Татлин, наряду с менее очевидным влиянием сиенской живописи четырнадцатого века.
В последние годы Могенсен работал с прогрессиями N+1, спиралевидными кубическими формами, которые играют с тенденцией разума завершать визуальные паттерны, которые просто намекают. Художник все еще продвигает свою практику — как писала Роберта Смит в прошлом году: «Было бы слишком просто сказать, что Пол Могенсен сейчас делает лучшую работу в своей жизни».
Пол Могенсен родился в Лос-Анджелесе в 1941 году, где он учился в Университете Южной Калифорнии. В 2019 году художник получил премию Американской академии искусств и литературы в области искусства, а его работы были предметом персональной выставки в Музее изящных искусств в Хьюстоне, штат Техас, и были представлены на групповой выставке в Венском сецессионе, Вена. , Австрия. Работы Могенсена представлены в коллекциях крупных музеев США и за рубежом, в том числе: Музей Хаммера, Лос-Анджелес, Калифорния; Гарвардские художественные музеи/Музей Фогга, Кембридж, Массачусетс; Высокий художественный музей, Атланта, Джорджия; Художественный музей Винтертура, Швейцария; Коллекция Menil, Хьюстон, Техас; Музей изящных искусств, Хьюстон, Техас; Музей современного искусства, Нью-Йорк, штат Нью-Йорк; Публичная библиотека Нью-Йорка, Нью-Йорк, штат Нью-Йорк; Художественный музей Уодсворта Атенеума, Хартфорд, Коннектикут; Центр искусств Уокера, Миннеаполис, Миннесота; и Художественная галерея Йельского университета, Нью-Хейвен, Коннектикут.
