Поцелуй картина мунка: неизвестный Мунк: Искусство: Культура: Lenta.ru

Содержание

Поцелуи украдкой (2016) — отзывы и рецензии

Эту магию проще описать словами, и, конечно, писателям, от гениев до безымянных создателей дамских романов в мягких обложках, рассказать о поцелуе довольно просто. И тем не менее художники вновь и вновь обращаются к той же теме. Wedding выбрал самые известные картины, которые говорят о любвина языке искусства.

По-русски (Марк Шагал «Зеленые любовники», 1914 г., частная коллекция)

Часто мы слышим от влюбленных: «Я будто во сне». Марк Шагал был тем художником, который смог превратить сон в реальность, перенеся его на холст. Герои его картин парят в воздухе и зависают в невесомости. Шагал отменил закон гравитации и описал тех самых бабочек, которые поднимают человека ввысь.

Цикл «Любовники» писался под вдохновением брака с его первой женой Беллой Розендельф. К сожалению, смерть их разлучила, но даже позднее женившись второй раз, он не уставал повторять, что только девушка из Витебска была для него всем.

В этот цикл входят картины целующихся «Синие любовники», «Розовые любовники», «Серые…» и «Зеленые…». Цветом художник описывал эмоции: сдержанность, нежность, меланхоличность и умиротворение.

Так как зеленый — это цвет плодородия, любовники, лица которых раскрашены им — история о рождении чего-то нового. Шагал изобразил то самое начало поцелуя: двое замерли в ожидании.

По-французски (Анри де Тулуз-Лотрек «Поцелуй в постели», 1892 г., частная коллекция)

Постель — самое интимное и незащищенное место, в котором человек расслаблен и максимально уязвим. Анри Тулуз-Лотрек «положил» влюбленных в одну кровать, они обнажены и укутаны облаком-одеялом.

Художник мог использовать любой цвет и принт для постельного белья, но предпочел именно голубой, что говорит о чистых и искренних отношениях людей. Понятно, что это чуть больше, чем поцелуй, но художнику удалось удержать грань между эротикой и вульгарностью. Все самое откровенное осталось за кадром.

Чтобы понять, что это нечто большее существует остальное показывать и не нужно — любовь имеет право на таинство.

По-английски (Фредерик Лейтон «Рыбак и сирена», 1856—1858 гг, частная коллекция)

Фредерик Лейтон искусно владел кистью в классицистической живописи, сюжетами его картин часто становились истории из античной литературы, а главной героиней, конечно, женщина.

В основу сюжета картины «Рыбак и сирена» легла легенда о сладкоголосых полуженщинах-полурыбах, которые заманивали рыбаков в свою обитель, где те погибали.

На картине изображен юноша, утративший всякую возможность здраво мыслить, поддавшийся искушению и доживающий последние минуты своей жизни. Не самая ужасная смерть: в объятиях красивой, пусть и коварной женщины.

По-итальянски (Франческо Айец, «Поцелуй», 1859 г., частная коллекция)

Одной из главных работ в творчестве Франческо Айеца, писавшего в стиле романтизма, стала картина «Поцелуй». Она представляет собой аллюзию на Ромео и Джульетту Шекспира и Ренцо и Лючию из романа Алессандро Мандзони «Обручённые».

Обе любовные пары стали жертвами обстоятельств, в которых не могут быть вместе, и ради совместного будущего им нужно расстаться. У зрителя есть возможность будто случайно пройти мимо и заметить прощальный поцелуй двоих возлюбленных.

По-испански (Пабло Пикассо «Фигуры на берегу моря (Поцелуй)», музей Пабло Пикассо в Париже.)

У Пабло Пикассо есть несколько картин с изображением поцелуя, но, наверное, именно эта картина «Фигуры на берегу моря» максимально честно описывает, что происходит внутри и снаружи страстно влюбленных людей.

Уже не понятно, где здесь рука, нога, все смешалось в истерии страсти и хочется рассматривать картину, собирая любовников по пазлам.

Возможно, художник предпочел не идентифицировать людей и просто назвать их фигурами, тем самым максимально обнажив их перед нами, потому что настоящий чувственный импульс человека всегда далек от разума и уже неважно где заканчивается он и начинается она.

По-немецки (Макс Эрнст «Поцелуй», 1927 г., музей Гуггенхайма в Берлине)

Ещё один представитель сюрреализма, но уже немецкого, Макс Эрнст и его картина «Поцелуй». Эта работа — чистое воплощение идеи любви, в соединении двух таких разных и одновременно одинаковых миров мужчины и женщины. Голубое небо и коричневая земля запутываются в нитях, образуя один клубок любви, нежности и страсти.

По-американски (Рой Лихтенштейн «Поцелуй», 1962 г., частная коллекция)

Можно ли скупыми линиями и лаконично нанесенными красками изобразить целый спектр человеческих эмоций: отчаяние, нежность, страсть? Поп-арт художник Рой Лихтенштейн справился с этим на отлично.

Он прославился работами на основе комиксов, но чтобы изобразить действие, ему не нужно было писать целую серию картин, история писалась на одном полотне.

Его знаменитые целующиеся возлюбленные, несмотря на кажущуюся статичность, полны жизни и кажутся не менее реальными, чем мы с вами.

По-норвежски (Эдвард Мунк «Поцелуй», 1897 г., музей Мунка, Осло)

Эдвард Мунк написал цикл картин «Поцелуй», узнать их все можно по отличительной черте — влюбленные изображены у окна. Оно отделяет двух людей от социального мира, подчеркивая важность того, что происходит только здесь и сейчас. Влюбленные Мунка лишены лиц и уже неважно красивы они или нет, сколько им лет, сейчас они представляют одно целое.

По-австрийски (Густав Климт «Поцелуй», 1907-1908 гг., галерея Бельведер, Вена
)

История создания «Поцелуя» Густава Климта гласит, что некий граф заказал у него картину для своей возлюбленной, на котором попросил изобразить их пару целующейся. Климт выполнил пожелание, и заказчик был доволен.

Но его мучил один вопрос: почему уста влюбленных так и не сомкнулись? Художник ответил, что хотел описать чувства и мотивы поцелуя.

«Поцелуй» Климта — картина невероятно интимная и по эмоциональности очень наполненная, потому что нет ничего откровеннее и честнее надежды и ожидания.

По-бельгийски (Рене Магритт «Влюбленные», 1828 г., музей современного искусства, Нью-Йорк)

Трактовать картину «Влюбленные» Рене Магритта можно по-разному.

Кто-то подумает, что поцелуй через простыни — это олицетворение фразы «Любовь слепа», и влюбленные являются загадкой не только для друг друга, но и для окружающих.

А кто-то оптимистично скажет, что мужчина и женщина сумели постичь любовь такой силы, что способны ощутить настоящую близость, несмотря на любые покровы тайн и разделяющие их преграды — каждый увидит то, что ему близко.

Есения Рудавка

Источник: https://www.wedding-magazine.ru/articles/blog/53033

Поцелуй в истории искусства

Рене Магритт. «Любовники». 1928. The Museum of Modern Art (MOMA), New York

Рене Магритт ненавидел, когда искусствоведы трактовали его работы. Так и одна из самых загадочных его картин — «Любовники» 1928 года — осталась без авторских комментариев, а у зрителей и ученых появился простор для интерпретаций.

Последние трактуют образы в мрачном свете: они видят в картине отсылку к подростковым страданиям художника, связанным с самоубийством матери (когда ее тело достали из реки, голова утопленницы была обмотана подолом ночной сорочки). А любители искусства видят в ней более очевидный смысл.

Эдвард Мунк «Поцелуй». Описание картины

Для Мунка характерным было возвращение при написании картин к уже проработанным сюжетам. Не стало исключением и полотно «Поцелуй». Время написания первых его вариантов относится к началу 1890-х годов, но наибольшую известность получила работа, законченная в 1897 году. Именно она стала частью цикла картин «Фриз жизни».

Мрачная и отталкивающая с одной стороны, она в то же время захватывает все внимание зрителя, заставляя подолгу рассматривать каждую грань полотна в надежде раскрыть тайны его притягательности.

Между тем сюжет необычайно прост и до Мунка был привлекателен художникам всех эпох. Особенно оценили бы его мастера кокетливой эпохи рококо. Отгородившись от мира тонкой занавеской, влюбленная пара слилась в страстном поцелуе.

Сочинение по картине Поцелуй — Эдвард Мунк

«Поцелуй» воплощает любовную страсть, объединяющую двоих людей. Мунк представляет «фатальное сексуальное влечение»: картина призвана не столько вызвать у зрителя эротические ассоциации, сколько убедить его в опустошающем, уничтожающем воздействии секса. Мы не видим уст мужчины и женщины — их лица сливаются в одно бесформенное цветовое пятно, производящее отталкивающее впечатление.

Станислав Пшибышевский, один из друзей Мунка, тонко уловил основную мысль художника, описывая картину следующим образом: «Это две фигуры, лица которых сливаются. Рассмотреть их черты невозможно: мы видим только место, где они соединились. И место это напоминает гигантское безобразное ухо, оглушенное напором пульсирующей крови.

Это лужа крови, в которой тонут души целующихся. Это отвратительно, хотя выглядит настолько естественно, что мастера трудно обвинить в нарочитой эксцентричности, — скорее всего, мы имеем дело с его субъективным восприятием поцелуя, которым он открыто и искренне делится с нами».

Мунк представляет влюбленную пару в центре композиции, которая замыкается справа коричневато-красной стеной, а слева — светло-синей занавеской, пропускающей желтый солнечный свет и, одновременно, отделяющей слившиеся в поцелуе фигуры от внешнего мира. Художнику удается добиться поразительного «эмоционально-слухового» эффекта — контраст между тишиной помещения н уличным шумом придает атмосфере картины оттенок интимности.

Картина написана свободными, широкими движениями кисти. В рассеянном полумраке комнаты целующаяся пара образует плоское, абстрактное пятно. Мунк обводит фигуры персонажей темным контуром — подобный прием сближает живописное полотно с гравюрой по дереву.

Источник: https://kartiny.rus-lit.com/munk-edvard/poceluj-edvard-munk/

Отрывок, характеризующий Поцелуй (картина Мунка)

Один молодой белокурый солдат – еще князь Андрей знал его – третьей роты, с ремешком под икрой, крестясь, отступал назад, чтобы хорошенько разбежаться и бултыхнуться в воду; другой, черный, всегда лохматый унтер офицер, по пояс в воде, подергивая мускулистым станом, радостно фыркал, поливая себе голову черными по кисти руками. Слышалось шлепанье друг по другу, и визг, и уханье. На берегах, на плотине, в пруде, везде было белое, здоровое, мускулистое мясо. Офицер Тимохин, с красным носиком, обтирался на плотине и застыдился, увидав князя, однако решился обратиться к нему: – То то хорошо, ваше сиятельство, вы бы изволили! – сказал он. – Грязно, – сказал князь Андрей, поморщившись. – Мы сейчас очистим вам. – И Тимохин, еще не одетый, побежал очищать. – Князь хочет. – Какой? Наш князь? – заговорили голоса, и все заторопились так, что насилу князь Андрей успел их успокоить. Он придумал лучше облиться в сарае. «Мясо, тело, chair a canon [пушечное мясо]! – думал он, глядя и на свое голое тело, и вздрагивая не столько от холода, сколько от самому ему непонятного отвращения и ужаса при виде этого огромного количества тел, полоскавшихся в грязном пруде. 7 го августа князь Багратион в своей стоянке Михайловке на Смоленской дороге писал следующее: «Милостивый государь граф Алексей Андреевич. (Он писал Аракчееву, но знал, что письмо его будет прочтено государем, и потому, насколько он был к тому способен, обдумывал каждое свое слово.) Я думаю, что министр уже рапортовал об оставлении неприятелю Смоленска. Больно, грустно, и вся армия в отчаянии, что самое важное место понапрасну бросили. Я, с моей стороны, просил лично его убедительнейшим образом, наконец и писал; но ничто его не согласило. Я клянусь вам моею честью, что Наполеон был в таком мешке, как никогда, и он бы мог потерять половину армии, но не взять Смоленска. Войска наши так дрались и так дерутся, как никогда. Я удержал с 15 тысячами более 35 ти часов и бил их; но он не хотел остаться и 14 ти часов. Это стыдно, и пятно армии нашей; а ему самому, мне кажется, и жить на свете не должно. Ежели он доносит, что потеря велика, – неправда; может быть, около 4 тысяч, не более, но и того нет. Хотя бы и десять, как быть, война! Но зато неприятель потерял бездну…

Климт «Поцелуй». Описание картины

Картина «Поцелуй» является одним из самых известных произведений Густава Климта. Оно относится к «золотому» периоду творчества художника и в полной мере отражает все особенности данного этапа. Название «золотой» связано прежде всего с техникой работы, которая преобладала в это время. Климт активно использовал оттенки золотого, работал с сусальным золотом. В соответствии с этим, преобладающим цветом на картине «Поцелуй» является золотой. Такой оттенок занимает большую часть полотна.

Картина символична и даже несколько схематична. Сюжет довольно прост. В центре полотна изображены две фигуры, стоящие на краю скалы. Мужчина наклонился к женщине, чтобы поцеловать ее.

Пара абсолютно отделена от всего, что ее окружает, молодые люди увлечены друг другом. Примечательно, что никакие детали больше не видны, их просто нет.

Да и зритель оказывается несколько отстраненным, сторонним наблюдателем.

Оригинальность картины и в необычном целостности фигур. Кажется, что мужчина и женщина слились воедино, стали одним целым. Однако автор все же разделил их с помощью различного орнамента.

Причем исследователи отмечают, что узоры подобраны художником в соответствии с полом героев. Фигура мужчины изображена с помощью четких, строгих форм и оттенков.

Женщина же выделена посредством более мягкого, утонченного орнамента.

Фон картины также выполнен с использованием оттенков золотого. Вкрапления этого цвета напоминают мерцающие звезды. Этот эффект подчеркивает ощущение, будто герои стоят не просто на краю скалы, но на краю вселенной, одни в целом мире. Это впечатление усиливается также плавным перетеканием одних линий и форм в другие.

Полотно «Поцелуй» выделяется в общем ряду работ Климта. Большая часть его картин посвящена обнаженной натуре, в «Поцелуе» же любовь изображена целомудренной, нежной, особое внимание уделено одежде. Однако популярная во времена создания картины теория Фрейда все же нашла свое отражение в полотне.

Характерно, что лицам героев картины художник уделил мало внимания. Если лицо женщины видно зрителю, то лицо мужчины скрыто. Однако накал чувств, буря эмоций чувствуется в позе влюбленных. Примечательна отрешенная фигура женщины, которая буквально дышит покорностью, и страстная, трепетная фигура мужчины.

Исследователи предполагают, что в основе картины «Поцелуй» автобиография художника. Считается, что в образе женщины, Климт воплотил черты Эмилии Флеге, которая сыграла важную роль в жизни художника.

Источник: https://gklimt.ru/gustav-klimt-poceluj/

Рецензии

«Поцелуи украдкой

» — фильм, обнаруженный мной совершенно случайно. Начиная его смотрел, я не думал, что увижу, пожалуй, лучший фильм на тему гомофобии и «неправильной» подростковой любви. Главный герой фильма, Натан, оказывается запечатленным на фото во время школьной вечеринки, в момент поцелуя с другим подростком, чье лицо невозможно разглядеть на фотографии. Снимок попадает в сеть, и одноклассники Натана реагируют незамедлительно. Девчонки смеются над ним, одноклассники избивают в раздевалке, и все дружно пытаются идентифицировать второго подростка на фотографии. Организованная травля Натана дополняется тем, что отец узнает об ориентации подростка и отказывается принимать этот факт от своего сына. Этот фильм отличают реалистичность и жизненность повествования, при этом он не теряет своей гармоничности. Режиссер держит зрителя в напряжении и тревоге за героев с первых минут фильма и до конца. Интриги фильма раскрываются порционно, взамен открытых секретов появляются новые. Режиссеру удивительным образом удалось избежать мелодраматичности. Это фильм о страхе быть собой, об одиночестве, о неприятии себя, о порицании обществом. Главными героями выступают не жертвы переходного возраста из дворовой компании, а так называемые «хорошие мальчики». Каждый родитель такого сына уверен, что «
с кем, с кем, а с моим сыном такого не случится, он же под моим присмотром
». Вообще, обе семьи, показанные в фильме – это благополучные семьи, в которых дети находятся в хороших отношениях со своими родителями. Срыв шаблонов, стереотипов и штампов зрителю обеспечен. Перейдем к основным героям фильма:
Натан
– добрый и открытый юноша, он влюблен и одномоментно оказывается отвергнутым всеми: школьными товарищами, отцом и объектом своей любви. Его линия поведения вполне понятна, и его ситуация вызывает у меня наибольшее сочувствие: всеобщая ненависть и издевательства по отношению к подростку, который не сделал ничего плохого, который оказался жертвой обстоятельств.
Луи
– самый противоречивый образ в этом фильме. Он не сразу появляется на авансцене, но его история также будет раскрыта зрителю. Сдержанный, кажется, он ни разу не улыбнулся за весь фильм. В отличие от Натана, которые переживает, что его любовь оказалась неразделенной, Луи боится собственных чувств и родительского разочарования. Он предпринимает серьезные шаги, чтобы исправить себя, забыть о пороке, но это только усугубляет ситуацию. Внутреннее противоречие героя, желание уйти от собственного «Я» приводит Луи на грань катастрофы.
Отец Натана
– немаловажный персонаж фильма. Он полицейский, занимается настоящей мужской работой. Натан живет вместе с отцом после смерти матери, и ищет поддержки у своего отца. Несмотря на родительскую любовь к собственному сыну отец переживает внутренний конфликт, когда узнает правду о сыне. Он считает любовь сына несерьезной и глупой. Зритель увидит скачкообразные изменения отношений между отцом и сыном и руку помощи, протянутую папой в нужный момент.
Отец Луи
– глава семейства, доминант и мужчина до мозга костей. Он пользуется крайними методами для воспитания сына. «
Ты хочешь бы несчастным всю жизнь? Не иметь нормальной семьи? Быть отбросом общества?
» — кричит он сыну в припадке гнева. Он разрывается между сохранением семьи и собственными моральными догмами, и авторы лишь намекают на тот выбор, который решает сделать отец, оставляя за занавесом разрешение конфликта. Наконец,
Катрин
— учительница Натана по математике. Она лучше других может понять Натана, потому что сама когда-то оказалась в худшей ситуации. Болезненные воспоминания из детства привили ей привычку скрывать свои предпочтения от общества. Травля Натана пробуждает в ней смелость пойти на определенную жертву, чтобы помочь подростку. В фильме появятся еще несколько важных героев: послушная и доверяющая своему мужу мать Луи, а также демократичный учитель английского и другие… Фильм «
Поцелуй украдкой
» я рекомендую к просмотру решительно всем. В первую очередь, родителям. Фильм моделирует ситуацию, которую большинство родителей надеяться избежать со своими детьми: «
да, конечно, в мире есть однополая любовь, но только не мой сын…
». Для обычного зрителя фильм выполнит свою ненавязчивую просветительскую миссию, а кто-то найдет в фильме утешение и поддержку. Я увидел в этом фильме очень красивую историю любви, в какой-то момент забываешь, что речь идет об однополой любви, абстрагируешься и переживаешь за героев, осознавая, насколько сильны их чувства и то, что для них быть вместе – не менее важно, чем для обычных пар. В отличие от некоторых других фильмов на эту тему, история показана с удачного ракурса, наполнена смыслом и оставляет желание пересмотреть фильм.
10
из
10

О чем кричит Эдвард Мунк

Небо было серым, как сталь; у меня болел зуб (точнее его отсутствие) после сложного удаления — весь настрой очень подходил для посещения выставки Мунка. Но Мунк сыграл со мной странную шутку — он оказался совсем не депрессивным, он отвлек меня от зубной боли, он удивил, порадовал и в каком-то зале мы даже посмеялись!!!
Я почти 20 лет увлечена экспрессионистами (после того, как увидела в 2000-м году Шиле в Вене.

Кстати, тогда же я и Климта полюбила (до того, как его «Поцелуй» стал мейнстримом;))) Но работ Мунка в оригинале я не видела ни разу. И вот в Москву из Музея Мунка в Осло привезли около 70 живописных и 30 его графических работ. В этом музее хранятся большинство работ художника; не имея прямых наследников Эдвард Мунк (1863-1944) завещал всё музейным заведениям.
Выставка работала последние дни, все «дотянувшие» томились в очереди 6-7(!) часов, переплюнув знаменитые куинджиевские ожидания по 4 часа. Дивлюсь, конечно, такой жажде искусства, я бы не смогла)))
Никакого театра, правдиво держусь за больную щеку))

Первый зал выставки — с графикой и литографией. И он зацепил меня больше всего, в этот зал я возвращалась еще раз, когда народ немного схлынул. Литографии Мунка завораживающие, невероятная энергетика!

Лунный свет I, 1896 год

Мунк начал работать в печатной графике с 1894 года и оставил огромное наследие. Он экспериментировал с различными гравюрными техниками, пробовал сухую иглу, офорт, акватинту, литографию, гравюру на дереве и тп.

Голова мужчины в волосах женщины, 1898 год

Как я уже писала, все работы на выставке из норвежского Музея Мунка. Кроме двух. Вот «Автопортрет» 1895 года из нашего ГМИИ им. Пушкина. Внимательно смотрим на нижний край гравюры. Рука скелета!!!

«Больная девочка» — одно из первых крупных полотен Мунка и, кажется, это и первое произведение, которое я узнала у Мунка и которое произвело на меня неизгладимое впечатление. На выставку эту картину не привезли, но несколько гравюр по мотивам имеется.
Фрагмент «Больной ребёнок (Больная девочка) II», 1896 год

Болезненные истоки творчества Мунка родом из детства: когда ему было 5 лет, на его глазах умерла от чахотки мама, позже от этой же болезни — любимая старшая сестра Софи. У самого маленького Эдварда тоже случались горловые кровотечения. Добавим сюда сверхрелигиозного отца и неудачные любовные отношения позже с женщинами, и вуаля!

Страх, 1896 год. Бумага, литография.

Эдвард Мунк был видным, привлекательным мужчиной, но с женщинами ему не везло. Первая любовь Милли Таулов была замужем, эта преступная связь (ведь Мунк из очень религиозной семьи) доставляла ему большие страдания многие годы. Очень красивая норвежка Дагни Юлль в течение долгого времени была моделью для очень многих картин Мунка, но замуж вышла за его друга, поэта Станислава Пшибышевского. В 1897 году у Мунка завязался бурный роман с дочерью богатого норвежского виноторговца Туллой Ларсен. Она пыталась женить Мунка на себе и он стал ее избегать. Тулла преследовала его, грозила самоубийствами, их связь окончилась трагически — Тулла пыталась стреляться, а художник лишился при этом фаланги пальца.
Не мудрено, что на полотнах Мунка мы постоянно видим образ женщины-губительницы, женщины-демона, женщины-вампира; художника терзают ревность и разочарование.

Два человека. Одинокие. Состояние I и IV, 1899 год.

Вариации «Ревности» мы увидим в каждом зале, Мунк многие десятилетия будет препарировать эту тему.

Ревность I и II, 1896 год

Поближе

«Ревность» маслом, 1907 года

Мой фаворит в первом зале — литография «Мадонна» или «Зачатие» 1895 года, моделью выступила именуемая за её бесконечные романы «пожирательницей мужчин» Дагни Юлль. Рамка модернистски украшена сперматозоидами…

А это Ингмар Бергман какой-то…

Две женщины на берегу, 1898 год

«Доколе пьяным проституткам Эдварда Мунка будет разрешаться спать в государственной Национальной галерее, чтобы опомниться от хмеля?» — вопрошал один из критиков…

На следующий день, 1894 год

Во втором зале светлее, просторней, но людей не меньше…

К иконе экспрессионизма «Крику» можно пробиться с трудом, возле него даже стоит персональный охранник… Эта картина была написана в четырех версиях. Одну из них продали на аукционе в 2012 году за 119,9 млн долларов!!!
К нам приехал «Крик» пастельный и совсем не страшный, даже миленький какой-то:) Это самый первый вариант картины 1893 года.

В этом зале находится ряд работ из знаменитого художественного цикла «Фриз жизни».
«Танец жизни» — центральная композиция данного цикла. «Инетовская» лунная дорожка впечатляет;)

В 1889 году 26-летний художник записал в своём дневнике фразу, которая вошла в историю, как Манифест Сен-Клу: «Я не хочу больше писать интерьеры, читающих мужчин и вяжущих женщин. Им на смену должны придти реальные люди, которые дышат и чувствуют, любят и страдают…, открыв истинный замысел всего своего творчества – создания искусства, затрагивающего такие глубинные чувства, как одиночество, потаённые тревоги, страхи человека.»

Мужчина и женщина на пляже, 1907

Очень известная картина «Созревание» (1894 год). Изначально на нога девочки были то ли красные пятна, то ли красные блики. Позже Мунк уберет их, чтобы его не обвиняли, что он изобразил менструацию…

Знаменитый образ «Вампир». Впервые картина была представлена публике осенью 1893 года под названием «Любовь и боль», а в «Вампира» её переименовал, как предполагается, Станислав Пшибышевский.

В начале 1890-x годов Мунк начинает серию работ «Поцелуй», где двое соединились как бы в одно целое. Так что можно предположить, что свой знаменитый «Поцелуй» Климт написал под воздействием Мунка, а не наоборот! Картина Климта датируется 1907-1908 годом…

Вообще получается, что Мунк опередил всех! Милый импрессионизм только зарождался, а Мунк уже писал свои шокирующие образы. Когда он закончил «Больного ребенка», Ван Гог написал всего лишь «Едоков картофеля», хах! Я вот всегда думала, что знаменитый «Крик» — это предчувствия, носившиеся в воздухе перед Мировой войной 1914 года… Но первая версия «Крика» была написана в 1893 году! Удивительно! Экспрессионизмом в то время и не пахло… Оскар Кокошка и Эгон Шиле еще и в школу не ходили тогда!
На выставке был также представлен графический «Крик», который производит впечатление поболе пастельного…

Но, как я уже говорила, Мунк совершенно не испугал и не вверг меня в депрессию. Мне интересны эмоции и чувства, которые он изображает, меня это не удручает. Единственная картина, которая напугала — «Наследственность», 1897–1899 годы

А так в этом зале полно и всяких милых картин.
«Первый снег на аллее» или «Снег в переулке», 1906 год

Невозможно пройти мимо и не улыбнуться «Купающимся мальчикам» (1897–1898 годы)

Очень понравилась картина «Красный плющ», 1899–1900 годы

Выбивается из общего ряда портрет Дагни Юлль-Пшибышевской, 1893 год

Надолго остается в памяти «Убийца», 1910 год

Я хорошо подготовилась к выставке: посмотрела художественный фильм о Мунке и послушала несколько лекций о нем на сайте Третьяковки. Если бы не эти лекции, некоторые картины я бы не поняла. Вот, например, «Смерть Марата». В этой картине художник выразил свои переживания от простреленного Туллой Ларсен указательного пальца на левой руке. Тулла предстала здесь в образе террористки-аристократки Шарлотты Корде, а себя художник изобразил мертвым Маратом. Тулла Ларсен оставила в судьбе и творчестве Мунка глубокий и болезненный след; в реале был простреленный палец, а на картине — реки крови и труп.

Я не знаю, как Мунк это делает — вроде бы ничего такого не изображено, но невероятно цепляет.

На ступенях веранды, 1922-1924 годы

Он новатор, экспериментатор и один из пионеров селфи, кстати. На выставке есть небольшой зальчик с его фотографиями, документами, личными книгами.

Совершенно не удивило, что любимый писатель Мунка Достоевский. Они часто звучат в одной тональности. Мунк посвятил его творчеству несколько картин. А когда художник умер, на его прикроватном столике лежали «Бесы»…

Последний зал посвящен Мунку-пейзажисту. И мне этот раздел понравился меньше всего… Мне ближе ранний Мунк, его метания и страхи, а радостный фовизм интересует меня немного меньше))
Яблоня в саду, 1932–1942 годы

Последние десятилетия своей жизни (с 1916 по 1944) Мунк жил в своем поместье в Экелю, там был большой яблоневый сад из 400 деревьев, которые он любил изображать на своих картинах. Осенью 1918 года художник задумал цикл «Жизнь под сенью деревьев», сюжетно перекликающегося с «Фризом жизни». Развивая тему тесной связи человека с природой, Мунк пишет несколько вариантов картины «Под яблоней», аллегорически воплотивших образы Адама и Евы в райском саду. Эта картина мне понравилась.

Дым поезда, 1900 год

Природа – это не только то, что видно глазу – это и внутренние образы души – образы на внутренней стороне глаза. (Эдвард Мунк)

Вязовый лес весной, 1923-1925

Звёздная ночь, 1923–1924 годы

Мне почему-то в этом зале больше всего понравилась вот эта картина
Пейзаж с деревьями и лодками, 1905-1906 годы

Любитель селфи Мунк оставил огромное количество автопортретов разных годов.
Автопортрет под женской маской, 1893 год

Напомнило финальные сцены последнего фильма Ларса фон Триера
Автопортрет в аду, 1903

На этом автопортрете я ухитрилась разглядеть у Мунка буддийскую ушнишу;))
«Бессонная ночь. Автопортрет в состоянии смятения», 1920

«Полуночник» или «Автопортрет после гриппа», 1923–1924 годы

Похож портрет или не похож – вопрос второстепенный. Первостепенный вопрос – чтобы он стал произведением искусства. Кому не нравится – пусть идут к фотографу. (Эдвард Мунк)

Автопортрет с бутылками, 1938 год

Один из последних автопортретов Мунка, написан в его поместье Экелю.
Автопортрет между часами и кроватью, 1940–1943 годы

Я невероятно довольна, что посетила эту выставку. Картины Мунка в оригинале — это интересный опыт. Поражает, как он в свои годы сумел еще и заработать на таком творчестве. Ведь даже сейчас оно многих шокирует, а что говорить о 19-м веке и начале 20-го?! В общем, удивительный художник, который шел только своим путем и прожил долгую и творчески насыщенную жизнь. Боялся умереть с детства, а дожил аж до 80 лет!
В журнале отзывов о выставке порадовал краткий: «Эдвард, Вы гений!»)))

Выставка закончилась в воскресенье, но вот вышла хорошая кураторская экскурсия по выставке — для тех кто не успели или для тех, кто хочет повторить;)

Загадочные детали известных шедевров искусства

Келли Гровьє
BBC Culture

8 января 2019

Автор фото, Mauritshuis, The Hague

Что вдохновило Мунка на создание «Крика», что изображено на платье женщины в «Поцелуе» Климта, и существует ли на самом деле жемчужина на знаменитом портрете Вермеера «Девушка с жемчужной сережкой»? Искусствовед BBC Culture объясняет загадочные детали самых известных произведений искусства.

Что общего имеют выдающиеся шедевры живописи и скульптуры — от «Девушки с жемчужной сережкой» Вермеера до «Герники» Пикассо, от Терракотовой армии китайских императоров до «Крика» Эдварда Мунка?

Каждая из них имеет незаметные и непонятные непосвященному зрителю штрихи, которые открывают совершенно другой смысл выдающегося творения.

В книге «Новый способ видения: история искусства в 57 произведениях» я предлагаю свежий взгляд на выдающиеся картины и скульптуры, которые известны нам так хорошо, что мы просто не видим их.

Начиная с самых почитаемых произведений в истории человечества (от колонны Траяна до «Американской готики», от мрамора Парфенона до «Танца» Матисса), я пытался выяснить, что делает искусство выдающимся. Почему одни произведения продолжают волновать наше воображение век за веком, тогда как подавляющее большинство других исчезают из нашего сознания, как только мы их увидели.

Углубившись в изучение мельчайших деталей этих шедевров, я заметил, что каждый из них имеет какие-то загадочные штрихи, которые при ближайшем рассмотрении открывают увлекательное новое прочтение произведения и навсегда изменяют способ его восприятия.

Когда эти странные вещи начали проявляться на поверхности, от призрачного пальца на правой руке Моны Лизы до символа таро, что означает мужество, на одном из самых загадочных автопортретов Фриды Кало, я вспомнил слова Шарля Бодлера. «Красота, — писал французский поэт и критик в 1859 году, — всегда содержит щепотку странности, непреднамеренной и бессознательной странности».

Гобелен из Байо (около 1077)

Автор фото, Bayuex Museum, France

Неизвестные теперь женщины, которые тысячелетия назад вышили 70-метровую ткань, изображающую события норманнского завоевания, были не только искусными швеями, но и талантливыми рассказчицами.

Стрела, пронизывающая глаз короля Гарольда в кульминационной сцене визуального эпоса, имеет двойное метафорическое значение. Хватаясь за стрелу, раненый Гарольд словно растворяется в личностях художника и наблюдателя.

Взгляд Гарольда, швеи и зрителя соединяются в одном стежке гобелена.

Сандро Боттичелли, Рождение Венеры (1482-1485)

Автор фото, Uffizi, Florence

Развеянные ветром золотистые волосы богини спадают на ее правое плечо, образуя локон идеальной спиралевидной формы, будто миниатюрный двигатель запускает все движение картины вокруг воображаемой оси.

Идеальная логарифмическая спираль локона не является случайностью. Ее вращательный вектор повторяет движения богов ветра Зефира и Хлориды в левой части картины и форму раковины, которая несет Венеру на берег. Этот момент очаровывал мыслителей с давних времен.

В XVII веке швейцарский математик Якоб Бернулли окрестил локон богини «магической спиралью». На картине Боттичелли — произведении, воспевающем вечную молодость, эта непостижимая спираль будто шепчет Венере на ухо тайны истины и красоты.

Иероним Босх, Сад земных наслаждений (1505-1510)

Автор фото, Museo Nacional del Prado, Madrid

Яйцо, уравновешенное на голове всадника среди других причудливых персонажей Босха, давно привлекает внимание искусствоведов и обычных зрителей. Но как эта маленькая деталь раскрывает истинный смысл произведения?

Если закрыть боковые створки триптиха, мы увидим внешнюю часть «Сада земных наслаждений», на которой изображен хрупкий полупрозрачный шар, плавающий в эфире.

Это позволяет увидеть замысел художника — вся картина является своеобразным яйцом, из которого рождается мир и которое можно разбивать и открывать множество раз.

Открывая и закрывая триптих, мы запускаем движение новорожденного мира и возвращаемся во времени к началу, когда человечество утратило свою невинность.

Ян Вермеер, Девушка с жемчужной сережкой (около 1665)

Автор фото, Mauritshuis, The Hague

Блестящая жемчужина со знаменитого портрета девушки, которая бесконечно отворачивается и возвращается к нам, на самом деле — лишь плод нашего воображения.

Двумя легкими мазками кисти художник удачно обманывает наш мозг, который буквально в воздухе дорисовывает сережку. Но как бы пристально вы ни всматривались, вы не увидите застежки, которая соединяет украшение с ухом девушки.

Да и сама серьга — такая же иллюзия, созданная нашим воображением из двух едва заметных завитков белой краски.

Ценной жемчужиной на картине Вермеера является эта невероятная оптическая иллюзия, которая символизирует саму иллюзорность нашей жизни.

Уильям Тернер, Дождь, пар и скорость — Большая Западная железная дорога (1844)

Автор фото, National Gallery, London

Скрытый в левой части полотна заяц, который мчится, испуганный приближением поезда, известен всем. Сам художник показал его маленькому мальчику, который увидел картину в Королевской академии накануне ее показа.

Но как эта едва заметная деталь на картине передает идею вторжения технологий в нашу жизнь? Почему художник решил добавить ее? Еще со времен античности заяц был символом возрождения и надежды.

В мыслях зрителей, которые впервые увидели картину в 1844 году, были еще свежи воспоминания об ужасной трагедии, произошедшей накануне Рождества два с половиной года назад. Тогда поезд сошел с рельсов в 10 милях от моста, изображенного на картине.

В результате трагедии погибли девять пассажиров третьего класса и еще около 16 получили ранения. Маленькой беззащитной фигуркой животного художник чтит память жертв трагедии и передает свои размышления о хрупкости жизни.

Жорж Сера, Купальщики в Аньере (1884)

Автор фото, National Gallery, London

Огромное полотно, изображающее парижан, отдыхаютщих на берегу Сены, было завершено 1884 году. Впрочем, через несколько лет художник решил усовершенствовать картину, применив характерную технику крошечных мазков, которые сливаются в единый цвет на расстоянии.

Теория цвета, лежащего в основе стиля пуантилизм, присущего позже работам Сера, частично связана с идеями французского химика Мишеля Эжена Шеврела. Его теория объясняет, как сочетание определенных оттенков создает устойчивый тон в нашем воображении.

Дымовые трубы вздымающиеся на заднем фоне картины, принадлежат заводу, который производил свечи по технологии, также разработанной Шеврелем. Эти трубы — данью ученому, которому Сера обязан своей оригинальной техникой живописи.

Эдвард Мунк, Крик (1893)

Автор фото, National Gallery, Oslo, Norway

Долгое время считали, что искаженное криком лицо, символ ужаса, который уже более века царит в массовой культуре, Мунк увидел в застывшей перуанской мумии на Всемирной выставке 1889 года в Париже.

Впрочем, Мунк был художником, который был больше озабочен будущим, чем прошлым и которого прежде всего волновала скорость технического прогресса. Не мог ли его поразить гораздо больше зрелищный экспонат, который возвышался над павильоном на той же выставке — огромная электрическая лампочка, наполненная 20 тысячами маленьких?

Скульптура чествовала изобретение Томаса Эдисона. Она напоминала кристаллического бога, который несет эру нового идолопоклонства, и не могла остаться незамеченной Мунком.

Растянутое в крике лицо на картине с необычайной точностью отражает опущенную челюсть и лукообразный череп жуткого электрического тотема Эдисона.

Густав Климт, Поцелуй (1907)

Автор фото, Osterreichische Galerie Belvedere, Vienna

Трудно представить более несовместимые вещи, чем любовь и страсть, с одной стороны, и белые лабораторные халаты и стекло микроскопа — с другой.

Впрочем, это совершенно не касается картины Густава Климта «Поцелуй». В том году, когда он нарисовал свое известное произведение, Вена говорила о тромбоцитах и других клетках крови.

Теория о клетках прежде всего захватила Венский университет, который несколькими годами ранее приглашал Климта сделать росписи на медицинскую тему.

В то время в университете также работал известный иммунолог Карл Ландштайнер, который обнаружил разные группы крови у людей и пытался сделать переливание крови безопасным.

Присмотритесь к оригинальным узорам, пульсирующим на женском платье на картине Климта, и вдруг вы поймете, чем они есть на самом деле. Это — чашки Петри с клетками. Таким образом художник будто исследует душу влюбленной женщины под микроскопом.

«Поцелуй» Климта — это его яркая биопсия вечной любви.

Прочитатьоригиналэтой статьи на английском языке вы можете на сайте BBC Culture.

Хотите поделиться с нами своими жизненными историями? Напишите о себе на адрес [email protected], и наши журналисты с вами свяжутся.

Ученые обнаружили неизвестные детали в шедеврах мировой живописи

+ A —

От лампочки Эдисона в «Крике» Мунка до чашки Петри в «Поцелуе» Климта

В течение многих столетий, а иногда и тысячелетий, великие произведения изобразительного искусства находятся под пристальным вниманием искусствоведов, реставраторов и простых посетителей музеев. Но даже после самого тщательного осмотра миллионами глаз, тайны некоторых шедевров не были открыты до сегодняшнего дня. Есть ли на самом деле жемчужная сережка на картине Яна Вермеера и какое отношение имеют чашки Петри к «Поцелую» Густава Климта?

Однажды американский искусствовед Келли Гровье задумалась, что делает великое искусство великим. Почему некоторые произведения продолжают вибрировать в народном воображении столетие за столетием, в то время как подавляющее большинство художественных творений ускользает от нашего сознания почти так же быстро, как мы сталкиваемся с ними? Прочесывая поверхность этих работ, она с удивлением обнаружила, что каждая из них содержит в себе оттенок странности. Например, призрачный палец, теребящий правую руку Моны Лизы и символ силы из карт Таро, скрывающийся на самом видном месте в одном из загадочных автопортретов Фриды Кало.

Иероним Босх, «Сад земных наслаждений» (1505-1510).

То, что яйцо спрятано на самом видном месте в мертвой точке карнавала плотских интриг Иеронима Босха (балансирует на голове всадника), достаточно хорошо известно как критикам, так и случайным поклонникам картины. Но как эта тонкая деталь раскрывает истинный смысл произведения? Если захлопнуть боковые панели триптиха, чтобы открыть внешнюю оболочку работы, то обнаружится полупрозрачный шар, плавающий в эфире. Босх задумал свою картину как своего рода яйцо, которое бесконечно трескается и раскалывается каждый раз, когда человечество занимается сложной работой. Открывая и закрывая картину Босха, мы попеременно приводим в движение неоперившийся мир или поворачиваем руку времени вспять – к началу, когда наша невинность еще не была потеряна.

Ян Вермеер, «Девушка с жемчужной серьгой» (около 1665).

Может быть, вы видите блестящую жемчужину на знаменитом портрете Вермеера? Тем более, что его название напрямую об этом говорит. Но масса исследователей уверяют – ваш мозг искусно обманули. На картине с изображением девушки, бесконечно поворачивающейся к зрителю или отворачивающуюся от него, вовсе нет никакой сережки. Одним движением кисти и двумя ловкими мазками белой краски художник обманул первичную зрительную кору затылочных долей нашего мозга, создав волшебную жемчужину из тончайшего воздуха. Достаточно внимательно присмотреться к портрету и станет понятно – никакой петли, которая бы связывали украшение с ухом, просто нет. Сама его сферичность – обман. Драгоценный камень Вермеера, его жемчужина – это роскошная оптическая иллюзия, которая отражает наше собственное иллюзорное присутствие в мире.

Уильям Тёрнер, «Дождь, пар и скорость – Большая Западная железная дорога» (1844).

Ни для кого не секрет, что Тернер спрятал бегущего зайца на темной дорожке приближающегося локомотива. Художник сам указал на это маленькому мальчику, который посетил Королевскую академию в день лакировки. Как эта крошечная деталь указывает на охватившие художника переживания о вторжении технологии? Почему он чувствовал себя обязанным указать на нее? С древних времен заяц символизировал возрождение и надежду. Эмоции посетителей, впервые увидевших картину в 1844 году, все еще были переполнены ужасом транспортной трагедии. Несчастный случай произошел в канун Рождества в 1842 году, когда поезд сошел с рельсов в 10 милях от моста, изображенного на картине. В результате погибли девять пассажиров третьего класса, и еще 16 получили увечья. Таким образом, Тёрнер превращает картину в пронзительную дань уважения и размышления о хрупкости жизни.

Фото: en.wikipedia.org

Эдвард Мунк, «Крик» (1893).

Долгое время считалось, что образ вопящей фигуры в «Крике» Эдварда Мунка – архетип страха – появился благодаря воспоминаниям художника о перуанской мумии, точнее застывшему ужасу на ее лице, на Всемирной выставке 1889 года в Париже. Но Мунк был художником, больше озабоченным будущим, чем прошлым. Его волновали темпы развития техники. На той же выставке Мунка впечатлило захватывающее зрелище огромной электрической лампочки, заполненной 20 000 меньшими лампочками, которые возвышались над павильоном. Идеи Томаса Эдисона щелкнули выключателем в сознании Мунка. После через контуры вопящего лица на картине с необычайной точностью отражают отвисшую челюсть и выпуклый череп ужасающего электрического тотема Эдисона.

Густав Климт, «Поцелуй» (1907).

Конечно, тема любви и страсти стоит на огромном расстоянии от белых лабораторных халатов и научных тестов через микроскоп. Но только не в картине Густава Климта. В годы активного творчества художника Вена жила языком тромбоцитов и клеток крови. Особенно в Венском университете, куда сам Климт был приглашен для создания картин на медицинскую тематику. Карл Ландштейнер, пионер иммунологии в Университете (ученый, который первым выделил группы крови), усердно работал, пытаясь добиться успеха в переливании крови. Если внимательно посмотреть на платье женщины в «Поцелуе», то можно заметить чашки Петри, пульсирующие клетками. Как будто художник сканирует ее душу. А «Поцелуй» – это светящаяся биопсия вечной любви Климта.

12 величайших полотен, которые мы всю жизнь понимали неправильно / AdMe

Есть картины, в тайны которых даже искусствоведы могут проникнуть не сразу. Поэтому, когда их подлинный смысл открывается, мы чувствуем легкий ступор. Человек на картине Эдварда Мунка не кричит, а на автопортрете Ван Гога изображен вовсе не он — вот лишь некоторые примеры, которые переворачивают наше представление о живописи с ног на голову.

Редакция AdMe.ru окунулась в изыскания ученых мужей, чтобы расставить точки над i и понять, что же на самом деле хотели сказать известные художники.

Эдвард Мунк «Крик»

Картина Эдварда Мунка «Крик» овеяна множеством легенд и считается одной из самых дорогих. Многие уверены, что персонаж кричит. По мнению специалистов Британского музея, он закрывает уши, потому что слышит крик.

На создание шедевра Мунка вдохновила прогулка с друзьями: он увидел кроваво-красный закат и словно ощутил бесконечный крик природы. Сам художник назвал свое творение по-немецки Der Schrei der Natur, то есть «Крик природы».

Жан Оноре Фрагонар «Счастливые возможности качелей»

Многие думают, что эта картина олицетворяет безмятежность и легкость. Как бы не так: живописец заложил в работу иной смысл. Качели раскачивает пожилой муж дамы, на переднем плане изображен молодой любовник героини.

Его взгляд устремлен под платье девушки, а сам кавалер изображен в кустах роз, которые в эпоху рококо символизировали чувственность. Девушка кокетливо сбрасывает туфельку, что в то время расценивалось как недвусмысленный намек.

Густав Климт «Поцелуй»

«Поцелуй» — еще одна картина, которую то и дело романтизируют. По одной из версий, автор поделился своим видением «Метаморфоз» Овидия. Аполлон неосторожно пошутил над Эросом, за что был наказан. Он влюбился в нимфу Дафну, которая совсем не разделяла чувств молодого красавца.

Когда он решился поцеловать деву, та превратилась в лавровое дерево. Этот кульминационный момент и запечатлел Климт. На это указывают цветы на голове девушки, а также удлиненные пальцы ног, которые вот-вот станут корнями.

Винсент Ван Гог «Портрет Тео Ван Гога»

Долгое время считалось, что эта работа 1887 года — автопортрет великого художника. Но в 2011 году историки искусства высказали сенсационное предположение. Оказывается, Ван Гог изобразил не себя, а своего брата Тео.

Братья не просто были близкими друзьями, но и выглядели очень похоже. Портрет относится к не очень хорошо изученному периоду творчества художника: в то время он жил в Париже и Антверпене. Сомнения искусствоведов вызывали некоторые черты мужчины на портрете: более круглые, чем у Винсента, уши, гладко выбритые щеки и более светлые волосы.

Эдвард Хоппер «Полуночники»

Произведение датируется 1942 годом, поэтому его часто связывали со Второй мировой войной. Современники трактовали «Полуночников» как отражение изоляции, вызванное военными действиями, и неизвестность меняющегося мира. Сам же автор подошел к своему полотну более прозаично и показал одиночество большого города.

Ян ван Эйк «Портрет четы Арнольфини»

Ван Эйк написал портрет по случаю свадьбы купца Джованни ди Николао Арнольфини. Поэтому зрители часто считают молодую жену героя беременной. Не все искусствоведы согласны с такой трактовкой. Все дело в социальном статусе: чем больше одежды носил человек, тем богаче он считался. Богатый наряд девушки указывает на ее положение в обществе, к тому же Арнольфини торговал тканями.

Грант Вуд «Американская готика»

Вуд создал свою знаменитую работу в 30-е годы, в период Великой депрессии. Картине приписывают самые разные смыслы: от зловещего до ироничного. Другие видели в ней намек на ограниченность и глупость фермеров. Одна из жительниц штата Айова даже угрожала Вуду.

Сам живописец стремился показать собирательный образ сильных духом людей из глубинки. Грант Вуд родился в семье фермеров и знал этот уклад жизни не понаслышке. Именно такие фермеры, по мнению автора, могут сопротивляться неурядицам и смогут преодолеть экономические трудности.

Самюэл ван Хогстратен «Тапочки»

Полотно может показаться весьма скучным, если не рассмотреть его детали. Это не просто изображение интерьера, а этакое нравоучение автора. Метла у стены и закрытая книга указывают, что хозяйка оставила свои заботы ради свидания. О том же говорят и торопливо брошенные тапочки, размещенные в центре композиции.

Свеча, стоящая рядом с книгой, символизирует, что время на романтическую связь было потрачено напрасно и ничего не принесло. Ван Хогстратен явно выражает свой негатив по отношению к любовным приключениям.

Габриэль Метсю «Мужчина пишет письмо», «Женщина, читающая письмо»

Иногда художники оказываются еще более изобретательными: понять смысл одной картины можно, лишь зная сюжет другой. «Мужчина, пишущий письмо» и «Женщина, читающая письмо» Габриэля Метсю кажутся обычными зарисовками быта, если не знать об их связи: мужчина пишет любовное письмо той самой женщине.

Девушка отложила рукоделие и погрузилась в чтение, а горничная более рассудительна: она отодвигает занавеску, закрывающую картину, на которой изображен шторм. Непогода указывает, что любовь таит столько же опасностей, сколько морское путешествие. Сама же горничная держит в руке еще одно письмо, адресованное Габриэлю Метсю, — таким образом он иронично подписал полотно.

Исаак Левитан «У омута»

Этот вроде бы обычный пейзаж кажется немного гнетущим. Причина кроется в истории места, которое запечатлел Левитан. Раньше в окрестностях жил барин, который, будучи женатым, заглядывался на крепостных девушек. Одну из крестьянок полюбил камердинер барина — молодые люди обручились.

Когда барин узнал об этом, отправил камердинера служить рекрутом, а девушка от горя утопилась в этом омуте. Кстати, именно эта история вдохновила Пушкина на драму «Русалка».

Эмма Браунлоу «Подкидыш возвращается к матери»

На холсте показано не просто счастливое воссоединение семьи, а целый культурный пласт. В викторианскую эпоху женщинам приходилось очень непросто, особенно небогатым и одиноким. В то время на свет появлялось много незаконнорожденных детей, которых матери оставляли на улицах. Капитан Томас Корам основал приют для них: девушки могли оставить ребенка на крыльце.

Один из воспитанников приюта, Джон Браунлоу, впоследствии стал его директором, а его дочь Эмма занялась живописью. На картине она показала мать, которая однажды оставила девочку в приюте. Через несколько лет она поправила свое положение и вернулась за дочерью. Мужчина, стоящий возле стола, — Джон Браунлоу.

Сюжет каких картин вы никак не могли понять и почему?

«Я остался с открытой раной в груди»: любовь и смерть в картинах Эдварда Мунка

Кажется, что Мунк мучился всю свою жизнь. Его преследовали смерти близких, любовь приводила к депрессии, а природа, которой творческие люди, как правило, вдохновляются, вызывала страх. Он лечился в психиатрической клинике, страдал от галлюцинаций и был бесконечно одинок. Все это нашло отклик и в его картинах. Будучи в зрелом возрасте, он говорил: «Болезнь, безумие и смерть были черными ангелами, слетевшимися к моей колыбели».

«Больная девочка» (1886)

«Крик» (1893)

В 1892 году Мунку предложили показать картины в Берлине, после чего начались 16 немецких лет творчества, которые стали для него самыми плодотворными. В этот период он создал серию работ под общим названием «Фриз жизни», или, как называл ее сам художник, «Фриз жизни: поэма о любви, жизни и смерти». Туда входят такие известные работы Мунка, как «Мадонна», «Вечер на улице Карла Юхана», «Пепел» и «Крик».

«Вампир» (1893)

В цикле «Фриз» у Мунка есть много работ, посвященных теме любви: это «Голос», «Мадонна», «Поцелуй» и «Вампир», который пугает при первом взгляде на него. Однако если присмотреться — открывается удивительная история любви и нежности.

«Танец жизни» (1899–1900)

У исследователей творчества Мунка есть разные версии о том, что вдохновило художника на создание этой картины, но вот что говорил он сам: «Однажды я танцевал с любимой девушкой и вдруг заметил поодаль прекрасную женщину со светлыми вьющимися локонами. Она улыбалась мне настолько открыто и зазывно, что мне стало неловко перед моей партнершей, — я не мог оторвать взгляд от этой странной женщины. В итоге остаток вечера я танцевал с ней, напрочь забыв о своей возлюбленной. И лишь спустя время, пережив тяжелое разочарование, я понял: эта женщина безжалостно сорвала цветок моей любви, а новый так и не подарила. После того как мы расстались, я часто видел ее — в неизменном черном платье, со страдальческим выражением лица, она потухла и подурнела».

«Звездная ночь» (1922)

Инцидент с револьвером и изматывающий роман с Туллой пагубно сказались на душевном состоянии художника. После нескольких нервных срывов, в 1908 году он оказывается в психиатрической клинике в Копенгагене. В 1909 году Мунк возвращается в Норвегию и, в покое и уединении, начинает писать пейзажи, картины становятся более мирными.

Кадрия Садыкова

Заглушая «Крик» – Weekend – Коммерсантъ

В Третьяковской галерее открывается ретроспектива Эдварда Мунка (1863–1944), сделанная совместно с Музеем Мунка в Осло. Пусть это не первая выставка Мунка в России, но зато — самая полная в медийном смысле: покажут не только живопись и графику, но и фотографию. И еще, зная Музей Мунка, можно не сомневаться, что это будет мастер-класс по любви к национальному наследию и умелой его пропаганде

Положа руку на сердце, ничто не связывает русскую школу с Эдвардом Мунком. Непосредственные связи обнаружатся, если только включить великодержавный имперский комплекс на полную громкость и считать финскую школу до 1918 года частью великорусской: между Гельсингфорсом и Кристианией существовал невидимый мост, Мунк и Галлен-Каллела часто ходили по нему навстречу друг другу — в поисках нордической идентичности, и после «русско-финляндской» выставки Дягилева, на которой, в сущности, и родился западнический проект «Мира искусства», до России — через Галлен-Каллелу — долетело эхо Мунка, отозвавшись в нордических исканиях Рериха. Но не стоит включать великодержавные комплексы на максимум: «Ведь Финляндия в отношении России была чем-то вроде «заграницы», частью Западной Европы»,— справедливо писал Бенуа в воспоминаниях. По большому счету Мунка не заметили ни русское искусство, ни русская критика — до сих пор по-русски о нем ничего не написано, все имеющиеся книги — переводные, а одна-единственная картина Мунка в наших музеях — «Белая ночь» в ГМИИ имени Пушкина — происходит из коллекции Михаила Морозова, старшего брата Ивана Морозова, куда попала, судя по всему, как отголосок французской школы. Впрочем, все это не означает, что Мунку нечего делать в стенах Третьяковской галереи — он приехал преподать урок, что делать национальному музею с национальными гениями, чтобы они стали нам ближе.

В 2013-м, когда отмечалось 150-летие со дня рождения Мунка, в Осло открылась огромная выставка в двух частях, занявшая целиком всю Национальную галерею и, конечно же, весь Музей Мунка, и случилось всемирное паломничество, как недавно на Брейгеля в Вену. Казалось бы, чего проще: во-первых, Мунку посчастливилось написать картину-икону — или, вернее, картину-логотип «Крик», благодаря чему он теперь в особой рекламе не нуждается; во-вторых, любому ясно, что самый лучший Мунк — в Норвегии; в-третьих, он же главный норвежский художник — как тут не сделать блокбастер-сенсацию. Оказалось, все гораздо сложнее. «Крик» работает не столько на Мунка, сколько против него, доказать зрителю, что Мунк — шире, глубже и где-то рядом, задача сложная, вот и сейчас каталог московской выставки начинается со статьи норвежского искусствоведа и куратора Устведта Эйстейна «Больше чем «Крик»». Да и репутация «главного норвежского художника», обласканного Ибсеном и Стриндбергом и занявшего место рядом с ними в скандинавском пантеоне, тоже не слишком благоприятствует — все современное искусство Норвегии питалось энергией отторжения, всеми силами старясь выйти из тени мунковского величия. Словом, нужно было очень постараться, чтобы толпы прослезившихся посетителей юбилейной выставки расхватывали каталоги, научные биографии, путеводители, собрания сочинений и сувениры вроде тряпочного снегиря, сшитого по рисунку тринадцатилетнего Мунка,— снегирь, любимец его любимой сестры, умер вскоре после того, как пятнадцатилетняя девочка скончалась от туберкулеза. Чтобы сумрачный норвежский гений из художника смерти, страха и мрака превращался в художника жизни, цвета и света, ослепительного, как у Боннара, так что в глазу навсегда застревала эта ликующая или же, напротив, тревожная светоносная желтизна. Чтобы Мунка потом выставляли в параллельной программе Венецианской биеннале — как актуальное искусство, озаботившееся проблемами новых медиа и гендерных ролей еще в «прекрасную эпоху».

Мунк — ровесник Кандинского, Кандинский чуть младше, но умерли они в один год, и это была невероятно долгая жизнь — из середины XIX века в середину XX, из мира, где импрессионизм — такой же скандал, что и женщина в брюках, в мир, где женщины пилотируют бомбардировщики, а импрессионистская манера давно выродилась в академизм. В определенном смысле это удачная параллель, не только в том плане, что оба, германофилы, стали самими собой в Германии и потом умирали с клеймом «дегенеративных художников» в любимых краях, оккупированных этой самой Германией, или что оба с таким трудом вышли из символистского плена: если Кандинский носит титул «отца абстракции», то Мунка величают «отцом экспрессионизма», и каждый из них показал, что абстракция или экспрессионизм — понятия столь широкие и неопределенные, что легко вбирают в себя свои противоположности. Хваленый экспрессионизм Мунка таков, что в «Автопортрете под женской маской» (1891–1892) — смазанное, потерянное лицо под размалеванной личиной вампира, словно бы распростершего крылья летучей мыши над очередной жертвой,— он еще целиком в символизме, а в «Автопортрете у окна» (начало 1940-х) — пейзаж за оконной рамой оккупировала безнадежная серая зима, но она не в силах победить красное свечение, излучаемое ликом величественного старца и заливающее комнату,— он уже вполне экзистенциален.

Мы привыкли извлекать экспрессионизм из биографии художника, выворачивая картины, ксилографии и литографии глубоко личным наружу. Выводить эти образы смерти из семейного проклятия — слабости легких, туберкулеза, от которого умерло столько его близких, включая мать, ушедшую, когда ему едва исполнилось пять лет, и от которого сам Мунк, по прогнозам врачей, должен был умереть в ранней юности, и никто не ожидал, что, перенеся испанку, выкосившую пол-Европы, и вечно хворая, он дотянет до восьмидесяти. Фотографии Мунка — не одни только снимки пейзажей и натурщиц, чем в век фотографии пользовались многие живописцы, но и собственные автопортреты, часто в обнаженном виде, бесконечный рембрандтовский самоанализ,— как будто бы подтверждают правильность метода. Мы привыкли соотносить эти личные болезни с болезнями века — ницшеанство, кризис веры, мучения полового вопроса, разрушительные романы, путь одиночества, семейные ценности на алтарь творчества, рулетка, алкоголизм, мания преследования, психиатрическая клиника и опять одиночество. Подтверждать диагнозы каждым вампирическим «Поцелуем», каждой нагой «Мадонной», каждой тенью, нависшей над беззащитной перед женской судьбой девочкой в «Созревании». Видеть «закаты Европы» в ноктюрнах Осгорстранна, где вечерние солнца и луны повисают в небе над фьордом этакой точкой над «i». Это очень понятный, особенно в логоцентричной России, подход. Но, возможно, стоит отступить от буквы сюжета, биографического и картинного, чтобы увидеть философию эпохи в самой плоти мунковской живописи, в ее проклятой незавершенности, за которую Мунка так ругала критика, в живописном потоке, отдавшемся на волю потоку жизненному, жизни в становлении, самозарождению форм и цветов, когда линия становится пятном, а извилистый контур теряет упругость, растворяясь в свете. Свете, который с той же силой давался, пожалуй, одному лишь Боннару, но на Севере обыкновенно не светит с такой французской безмятежностью.

«Эдвард Мунк». Третьяковская галерея, Инженерный корпус, 17 апреля — 14 июля

Поцелуй, 1897, Эдвард Мунк

Мунк создал множество тематических работ, в том числе The Kiss , и выставил их рядом друг с другом в том, что он назвал «Freize of Life». Темы сериала варьировались от любви и смерти, секса, тревоги, неверности, ревность и жизненные этапы, а также знаменитая картина «Крик».

Мунк никогда не был женат. Мрачная атмосфера The Kiss демонстрирует двойственное отношение Мунка к романтике.Фактически невозможно разделить две фигуры, особенно там, где их лица встречаются и становятся одним целым. рисование. Историк искусства Райнхольд Хеллер считает, что изображение влюбленных представляет их единство и в то же время представляет собой угрожающую «утрату индивидуальности, утрату собственного существования и идентичности», что намекает на смерть. На эту тему есть четыре вариации ксилографии. Поцелуй I и II были выпущены в 1897 году и были одними из самых ранних гравюр Мунка.Kiss III был создан в 1898 году, а The Kiss IV — в 1902 году. В каждом случае художник варьирует нюансы фона за счет использования различных блоков, которые были несколько модифицированы.

Австрийский художник Густав Климт создал свою версию «Поцелуя» между 1907 и 1908 годами в своей мастерской в Вене. Картина представляет собой классический стиль Венского сецессиона и считается визитной карточкой Климта со всеми ожидаемыми графическими атрибутами. В нем Климт изображает свою личную жизнь — женщина — Эмили Флёге, невестка и муза Климта, которая также была широко известна. считается его любовником — но также имеет прямую ссылку на картину Поцелуй Эдварда Мунка.В то время как картина Мунка отражает его личных демонов, изображая пару на тяжелом темном фоне, их лица, слитые в безликий пустой контур, версия Климта намного романтичнее, но не менее страстна.

Поцелуй Эдварда Мунка

Эдвард Мунк написал «Поцелуй» в 1897 году в период его романтизма.

Этот художник-символист создал «Поцелуй», совпадающий со своей работой под названием «Фриз жизни», которая представляет собой серию картин, показывающих различные этапы современных отношений.Этим картинам насчитывается 30 лет, и «Поцелуй» стал первой картиной в этой серии. Сегодня «Поцелуй» находится в музее Мунка в Осло. На первый взгляд «Поцелуй» кажется очень упрощенной картиной, изображающей целующиеся мужчина и женщина. Но при ближайшем рассмотрении мы замечаем, что их лица расплылись и стали одним целым, символизируя их союз.

История «Поцелуя» началась в 1888-89 годах, когда Мунк сосредоточился на любви, отношениях и романтике.В эту эпоху он нарисовал множество вариаций на эту тему с парами в разных положениях объятий. Работа напоминает нам «Поцелуй» Густава Климта. То, что было постоянным присутствием в каждой картине и что присутствовало в последней картине, которую мы все знаем сегодня, — это яркий и движущийся мир за окном, в то время как внутреннее изображение целующейся пары навсегда застыло во времени.

Когда мы наблюдаем за картиной, нас сразу привлекает целующаяся пара.Кажется, что они окружены кружащейся тьмой, и только луч света из маленького окна освещает их объятия. Мы также видим широкие мазки кисти на холсте, которые создают изображение сливающихся в одно лицо кружащихся лиц. Хотя эта картина чрезвычайно романтична как по времени, так и по тематике, за ней скрывается поток тьмы и, возможно, секретность, усиленная использованием тьмы в изображении.

Музей современного искусства заявил, что этот элемент тьмы был вызван тем фактом, что Мунк был амбивалентен к вопросам сердца и романтики.Рейнхольд Хеллерфиндс, историк искусства, также считал, что слияние двух лиц было не романтическим образом, а тем, что вызывало смерть из-за потери идентичности и индивидуального существования в мире. Многие деятели драматической и художественной сфер также выразили свое мнение о том, что слияние двух лиц не является романтическим изображением. Драматург Август Стриндберг повторил свое мнение о том, что больший из двух людей выглядел так, как будто они собирались сожрать своего любовника.

Эдвард Мунк, Поцелуй — Nasjonalmuseet — Коллекция

«Художником не становись!»

Эдвард рано хотел стать художником, и не сомневался, что у него есть талант. Но его отец отказался позволить ему осуществить свою мечту, поэтому Эдвард начал изучать инженерное дело.Но уже через год он решил бросить вызов своему отцу и перешел из инженерного колледжа в Норвежскую национальную академию ремесел и художественной промышленности в Кристиании, ныне Осло.

Талантливая и провокационная богема

Для всех в норвежском художественном сообществе было очевидно, что молодой человек проявил редкий талант. В 1883 году, в возрасте 20 лет, он дебютировал в Høstutstillingen (Осенняя выставка). В 1886 году Мунк познакомился с писателем и анархистом Гансом Йегером, ведущей фигурой в богемном сообществе Кристиании.Богемное сообщество убедило Мунка, что искусство должно обновиться, чтобы привлечь внимание людей и иметь значение в их жизни. В том же году он выставил картину « Больной ребенок ». Это вызвало дискуссию!

Мужество привело к прорыву

Одни сочли «Больного ребенка» гениальным произведением, другие сочли его незавершенным и недостойным выставок. Сегодня он считается прорывом Мунка. Именно здесь продемонстрировали независимость и готовность открывать новые горизонты.

С этого момента и до его последних мазков кистью его художественную практику можно описать одним словом: экспериментирование. Мунк не заботился об установленных «правилах» так называемого хорошего искусства. Его методы как в живописи, так и в графике были новаторскими.

От эмоциональной жизни людей к сельскому хозяйству и ландшафту

Пьесы Генрика Ибсена об экзистенциальных вызовах человечества вдохновили Мунка. Такие темы, как смерть, любовь, сексуальность, ревность и тревога, занимали центральное место в его ранних изображениях.Некоторые темы возникли из личного опыта. Например, «Смерть в больничной комнате» и «Больной ребенок» связаны с его воспоминаниями о болезнях и ранней смерти его матери и сестры.

После 1910 года Мунк выбрал более спокойную и уединенную жизнь. На своих собственных фермах в Экели в Осло и в Хвитстене он нашел совершенно новые мотивы, такие как сельское хозяйство, трудовая жизнь и пейзажи. Человек на капустном поле — типичный пример этого периода.

Amazon.ком: Поцелуй Эдвард Мунк Печатный плакат: Плакаты и принты

В настоящее время недоступен.
Мы не знаем, когда и появится ли этот товар в наличии.

Отображается краткое содержание, дважды нажмите, чтобы прочитать его полностью.

Отображается весь контент, дважды нажмите, чтобы прочитать краткое содержание.

Обновлены другие параметры на основе этого выбора

Марка	ПРОДУКТЫ JAC MERCH
Размер	10 × 10
Цвет	белый
Материал	Полиэстер
Ориентация	Пейзаж

От поцелуя до крика: Эдвард Мунк

Эдвард Мунк (1863-1944) был норвежским символистом и экспрессионистом-живописцем / гравером, который, в отличие от импрессионистов, сосредоточенных на естественном мире, смотрел внутрь себя, чтобы изобразить основные человеческие условия — любовь, ревность, беспокойство, одиночество, болезнь и смерть.Мунк чувствовал, что «искусство — это противоположность природе», и использовал свои бурные и неудовлетворительные отношения с женщинами и преждевременную потерю матери и сестры в качестве корма для своих эмоционально заряженных работ.

В 1879 году Мунк начал учиться на инженера в Осло, но быстро сменил направление и сосредоточился на живописи. Он принял богемный образ жизни под сильным влиянием местного анархиста и нигилиста Ханса Йегера, который призывал художника искать вдохновение в себе. Он учился в Париже и какое-то время работал в Берлине, страдая от приступов депрессии и пьянства, часто доводя себя до плохого состояния здоровья, что требовало от него переезда в более умеренный климат для выздоровления.

Ранняя реакция на работы Мунка была неблагоприятной, и он часто получал весьма негативные отзывы. Когда он переехал в Берлин в 1892 году, его картины были вывешены на персональной выставке, которая закрылась через неделю из-за крайне враждебной реакции на его работы. До конца 1890-х он не пользовался положительным вниманием критиков и художественной публики. К 1900 году Мунк получил признание критиков и признание в Германии и Франции, но все еще не был полностью исключен в Норвегии.Он был включен в выставку сецессионистов в Берлине в 1902 году, где его работы видели молодые художники зарождающегося немецкого экспрессионистского движения. В 1897 году он был включен в Salon des Indépendants в Париже и продолжил выставляться там, оказав влияние на фовистов, которые пригласили его выставляться вместе с ними в 1906 году.

Мунк начал печатать гравюры в 1894 году, находясь в Берлине, и стал плодотворным создателем гравюр, гравюр на дереве и литографий. Он часто возвращался к мотивам и предметам, к которым обращался в своих картинах, и чередовал медиа с большой плавностью и мастерством.Он создал свой собственный словарь личных символов, который повторялся и реформировался на протяжении всей его карьеры. Всего Мунк напечатал около 750 отпечатков; всего около 30 000 показов. Поцелуй , 1895 — лот 83 на нашей Оружейной выставке на аукционе 100 — это элегантно упрощенный вариант картины 1897 года с гравировкой.

Несмотря на рост престижа и признания Мунка в мире искусства, к 1907 году тревога и депрессия начали поглощать его, и он стал более саморазрушающим в своем потреблении алкоголя, в конце концов стал настолько невменяемым, что в 1908 году он отправился в психиатрическое учреждение для лечения. восемь месяцев.Похоже, лечение значительно улучшило его взгляды на жизнь, он стал более стабильным, что привело к более оптимистичной работе. Член Ассоциации американских художников и скульпторов Уолт Кун, путешествуя по Европе в поисках произведений искусства для Оружейной выставки, увидел 32 картины Мунка на Кельнской выставке Sonderbund в 1912 году. Кун познакомился и подружился с Мунком, и они вместе поужинали после выставки. закрытие выставки. Кун сообщил: «Зондербунд отличное шоу, Ван Гог и Гоген великолепны! Сезанн не бил меня так сильно.Сегодня утром я встретил Мунка, норвежца, молодца… лет пятидесяти, высокого нервного парня с красивой головой. Он рисует большие дикие фигуры, очень грубые, но чрезвычайно мощные … он на пике популярности в Европе, и я думаю, он не может сэкономить для нас много картин, однако он пообещал мне пару ». К сожалению, две картины, которые хотел Кун, не попали на Armory Show. Сам Мунк должен был прислать восемь своих гравюр, которые были включены, одна из которых была цветным вариантом гравюры на дереве The Kiss (по цене 200 долларов, или около 4700 долларов сегодня).

«Оружейная палата» была первой американской выставкой работ Мунка, и, к сожалению, его репродукции были в значительной степени омрачены захватывающими французскими картинами Сезанна, Матисса и Дюшана. Его работы были вывешены в Галерее К и считались дополнительными к работам Редона, которые выставлялись в том же зале. Одним из немногих энтузиастов работ Мунка на Armory Show был Карл Зигроссер, будущий хранитель гравюр в Художественном музее Филадельфии и крупный спонсор стипендий в области печати в Америке.Он написал: «Другим моим открытием стал Эдвард Мунк, который был представлен на выставке четырьмя гравюрами на дереве и четырьмя цветными литографиями. Я был так увлечен литографиями, что сделал крошечные зарисовки трех из них в своем каталоге. Я никогда не терял энтузиазма по поводу графических работ Мунка ». Только на Панамско-Тихоокеанской международной выставке в 1915 году Мунк сделал истинное влияние на американских зрителей. Большая часть его работ сейчас хранится в Музее Мунка в Осло. В 2012 году вариант его самой известной картины « Крик » был продан на аукционе в Нью-Йорке за 119 миллионов долларов.

Как технологии сформировали «Крик», «Поцелуй» и «Американскую готику»

В каждом великом произведении искусства есть своя изюминка. На загадочном двойном портрете Гранта Вуда «Американская готика », который часто называют самым известным произведением искусства в Соединенных Штатах, их два. Свернувшись синхронно, пара, казалось бы, не связанных между собой крючков для глаз, когда-то обнаруженная, заставила взор задуматься о далеких культурных сферах, далеких от поверхностного контекста сенокосных вил и домотканых фартуков, которые доминируют на переднем плане картины.

Реки чернил пролились искусствоведами, пытающимися обнаружить и расшифровать скрытые смыслы в произведении, которое потрясло Америку с тех пор, как в 1930 году жюри Института искусств Чикаго присудило ему приз в размере 300 долларов. был потрачен на тщательное изучение архитектуры деревянного фермерского дома, возвышающегося за парой, которая наполняла фасад работы пустыми, непостижимыми выражениями лиц. Согласно местной легенде, «претенциозный» стиль сельской готики привлек внимание Вуда во время поездки по графству Вапелло в его родной Айове незадолго до того, как художник начал работу над своей культовой картиной.

Каждое украшение в переводе Вуда конструкции дома на вымышленное жилище, которое мы видим в его работах, подвергалось критике — от преувеличения наклона крыши до изготовления Вудом красного сарая рядом с домом. Фокус также был привлечен теми, кто одержим загадочным очарованием работы, предполагаемой взаимосвязью между центральными фигурами картины и тем, хочет ли Вуд прославлять или высмеивать ценности Среднего Запада, которые они, по-видимому, воплощают.

Созданный по образцу сестры художника Нэн и его дантиста Байрона Маккиби, чопорный дуэт был тщательно скомпонован для их ролей как «тинтипов», или так Вуд позже охарактеризовал их «из [своего] старого семейного альбома», прежде чем быть вставленным. искусственно на фоне так называемого Dibble House (названного в честь его первого жителя Чарльза Диббла, который жил здесь после его постройки в 1881 году).

В то время как некоторое внимание было уделено возможному значению выпавшей прядки волос, которая свободно свисает с чопорной прически Нэн (интерпретируемой некоторыми как очеловечивающая черта, смягчающая в остальном суровое изображение), то, что осталось совершенно незамеченным, так это как эта деталь сочетается с другим забытым элементом: искривленным стержнем флюгера, который прикручен к крыше Dibble House в самом верху картины.

Деталь на завитке волос. Американский готический стиль Институт искусств Чикаго. Друзья американской коллекции произведений искусства

Именно этот стержень неизбежно ведет наш взгляд от остроконечной вершины фермерского дома во вселенную за пределами живописи. Против тонкого, усатого посоха флюгера вращается маленькая блестящая синяя сфера (или «глобус», если использовать точный язык таких метеорологических приборов). Любопытное кадрирование Вудом сцены — следствие удлинения фронтона дома — отсоединило земной шар от того, что мы не можем видеть над ним: обычного орнамента (вероятно, петуха), который мог бы закрыть флюгер.

Деталь флюгера на крыше с синей сферой в American Gothic Art Institute of Chicago. Друзья американской коллекции произведений искусства

Отрезанный от своей утилитарной функции как части вращающегося аппарата флюгера, лазурный шар внезапно превращается в собственный символ, как недавно открытая планета, поднятая в небеса, как если бы вечно поднималась и опускалась в небо по вертикальной оси. За несколько месяцев до того, как Вуд начал работу над American Gothic , мир охватили сообщения о новой планете, плавающей в нашей солнечной системе, которую 11-летняя девочка из Оксфорда, Англия, предложила окрестить «Плутоном». — римское имя владеющего вилами греческого бога подземного мира, Аида.

Новости о захватывающем космическом открытии и его новой мифологической идентичности быстро вращались по всему миру, разжигая глобальный интерес к астрономии как раз в тот момент, когда Вуд начал задумываться о своей работе. «ПОСМОТРЕТЬ ДРУГОЙ МИР В НЕБЕ» — восклицал заголовок The Chicago Tribune , словно обращаясь непосредственно к воображению Вуда.

Поцелуй у окна, 1892 Репродукция

Доставка БЕСПЛАТНАЯ!
Да, доставка БЕСПЛАТНАЯ. overstockArt.com отправит ваш заказ бесплатно, если вы выберете наземный вариант доставки.Минимумов для покупки нет. overstockArt.com доставляется через FedEx Ground.

Бесплатная обратная доставка!
Доставка Возврат осуществляется БЕСПЛАТНО для клиентов, получающих обмен или кредит магазина. Плата за обратную доставку не взимается для заказов, первоначально отправленных в пункт назначения в пределах континентальной части Соединенных Штатов, которые должны получить обмен или кредит магазина. Обратите внимание, что обратные посылки также должны быть отправлены из США. При любом возврате покупатели должны сохранять оригинальную упаковку.

Доставка в Канаду!
Если вы осуществляете доставку в Канаду, просто выберите способ доставки в Канаду в меню «Параметры доставки» во время оформления заказа. Все поставки в Канаду стоят 60 долларов и будут отправлены «FedEx Express Shipping», поэтому они будут доставлены в течение 3-6 дней!

Доставка по всему миру!
Да, мы осуществляем доставку по всему миру. Для доставки за пределы США просто выберите соответствующий вариант международной доставки во время оформления заказа. Стоимость международной доставки зависит от вашего адреса доставки и будет указана после того, как вы разместите свой заказ.

Простая политика возврата
Если по какой-либо причине вы не полностью удовлетворены своей покупкой, вы можете вернуть свои картины маслом в течение 45 дней с даты первоначальной покупки — все, что мы просим, - это отправить картину и вернитесь к нам в оригинальную коробку. Мы даже оплатим доставку для возвратов, которые получают обмен или кредит магазина.

* Заявление об ограничении ответственности
Наша политика БЕСПЛАТНОЙ доставки и возврата действует только в 48 смежных штатах.Все заказы гарантированно отправляются в течение 48 часов, если товар не будет заказан обратно. Большинство заказов отправляется в тот же день, если они размещены до 14:00 CST. Никакие возвраты не принимаются для индивидуальных или специальных заказов. При возврате с требованием возмещения может взиматься плата за обратную доставку в зависимости от размера заказа, в диапазоне от 10 до 100 долларов США по состоянию на 20 августа 2016 года, и обработка может занять до 30 дней.