Поцелуй магритт: The lovers, 1928, 73×54 cm by René Magritte: History, Analysis & Facts

Знаете ли Вы, почему Магрит на своей известной картине «Поцелуй» изобразил…

«Мать и дитя» 1890 г. Мэри Кассат ГМИИ имени А. С. Пушкина. Свой выбор американка Мэри Кассат сделала в одиннадцатилетнем возрасте, когда, побывав на Всемирной выставке в Париже, решила стать художницей. С тех пор ей приходилось отстаивать его, сталкиваясь с сопротивлением едва ли не на каждом шагу. Ее семья – сплошь преуспевающие банкиры, финансисты, промышленники – была против. Американское общество – в те годы бесконечно далекое от идей гендерного равноправия – было против. В 1861 году семнадцатилетняя Мэри поступила в Пенсильванскую Академию изящных искусств. И встретилась со снисходительным пренебрежением менторов: в те времена было принято считать, что единственное искусство, необходимое девушке – это умение правильно оттопыривать мизинец, поднимая чашку чая. Позднее, оказавшись в Париже, Мэри Кассат обнаружила, что «раскованная» Европа не далеко ушла от пуританской Америки: в Парижскую школу изящных искусств женщин не принимали. Она училась практически самостоятельно – перебиваясь частными уроками, копируя полотна старых мастеров в Лувре, в одиночестве, наперекор всему. Ей нравилось рисовать. Но еще больше Мэри Кассат нравилось выбирать самой. В историю она вошла не только как одна из трех «гранд-дам импрессионизма» (наряду с Бертой Моризо и Мари Бракемон), но и как завзятая суфражистка – всю свою жизнь Мэри Кассат боролась за предоставление женщинам избирательных прав. Всемирную известность художнице принесла несколько неожиданная для столь эмансипированной особы тема: материнство и детство. Не имея своих детей (отказ от брака – еще один осознанный выбор Мэри Кассат), она как одержимая рисовала чужих. Возможно, таким образом, она компенсировала что-то в психологическом плане. Или делала это по идейным соображениям: Мэри Кассат без устали боролась со стереотипами, а феминистка, которую не интересуют дети – это стереотип. Не исключено, впрочем, что она просто любила детей: в конце концов, не всякий фанат, ну скажем, футбола выходит на поле сам.

1890-е годы, когда была написана картина «Мать и дитя», были для Кассат периодом уверенности, зрелости, признания. Ее роман с импрессионизмом испустил к тому времени дух. Художница, всегда стремившаяся к самостоятельности, переплавила все, чему училась – сначала у Коро и Жерома, а позднее – у Моне и Сезанна, в свою собственную, вполне узнаваемую манеру. Взглянув на эту работу, трудно не вспомнить пастели Эдгара Дега – давнего друга и наставника Кассат. Впрочем, у этих двоих было слишком много общего (оба питали слабость к пастели, оба были без ума от японской гравюры, оба были убежденными холостяками, оба под конец жизни практически ослепли). Так что здесь можно говорить не о влиянии, а о творческом родстве, почти мистической связи. Эксперименты с композицией, настроением, цветом остались позади – это вполне иконографическое изображение. У младенца не столько лицо, сколько лик. Остальное отдано на откуп скупой беглой штриховке. Отчасти это дань увлечению минималистичной восточной графикой. Отчасти – смысловой акцент. Ребенок явно накормлен, здоров и не обделен материнской лаской. Остальное, включая избирательные права женщин, не так уж важно. МэриКассат Импрессионизм _history

2598 

Поцелуи в мировой живописи: sinkinghands — LiveJournal

?

Categories:

• Искусство
• История
• Cancel

Но вообще, про поцелуи все же тоже можно вспомнить. По крайней мере, в таком формате.

Марк Шагал. «День рождения». 1915:

Рене Магритт. «Влюбленные». 1928:

Пабло Пикассо. «Поцелуй». 1969:

Анри Тулуз-Лотрек. «В постели: поцелуй». 1892:

Эдвард Мунк. «Поцелуй». 1897:

Густав Климт. «Поцелуй». 1908:

Жан Оноре Фрагонар. «Украденный поцелуй». 1788:

Tags: анри тулуз лортек, густав климт, жан оноре фрагонар, живопись, картины, марк шагал, пабло пикассо, поцелуи, рене магритт, эдвард мунк

Subscribe

• Ослепление Самсона

  Рембрандт. «Ослепление Самсона» (1636). Холст, масло. 236 x 302 см. Штеделевский художественный институт, Франкфурт-на-Майне, Германия. В основе…

• Мальчик с собакой

  Бартоломе Эстебан Мурильо «Мальчик с собакой» (между 1655-1660). Холст, масло. 70 x 60 см. Эрмитаж, Санкт-Петербург, Россия. Бартоломе Мурильо,…

• Еловый лес

  Густав Климт «Еловый лес» (1901). Холст, масло. Климт в 1897 году стал одним из основателей и президентом Венского сецессиона и журнала «Ver…

• Жанна Эбютерн в большой шляпе

  Амедео Модильяни «Жанна Эбютерн в большой шляпе» (1918). Холст, масло. 55 x 38 см. Частное собрание. Безусловная любовь и забота этой девушки…

• Пейзаж в Эксе

  Поль Сезанн «Пейзаж в Эксе (Гора Святой Виктории)», (1905). Холст, масло. 60 x 74 см. Музей изобразительных искусств им. Пушкина, Москва, Россия…

• Работы Алексея Боголюбова

  Картины русского художника Алексея Петровича Боголюбова — мастера русской батальной марины.

• Паркетчики

  Гюстав Кайботт. «Паркетчики» (1875). Холст, масло. 102×146.5 см. Музей Орсе, Париж, Франция. Впервые картина была представлена жюри Парижского…

• Возвращение с войны

  Питер Пауль Рубенс «Возвращение с войны» (1610-1612). Холст, масло. 228 x 187 см. Музей Гетти, Лос Анджелес, США. Другое название…

• Аранжировка в сером и чёрном. Мать художника

  Джеймс Уистлер «Аранжировка в сером и чёрном. Мать художника» (1871). Холст, масло. 144,3 х 162,4 см. Музей Д’Орсе, Париж, Франция. …

Photo

Hint http://pics.livejournal.com/igrick/pic/000r1edq

Английский 2850: Великие произведения мировой литературы II

Опубликовано 20 декабря 2018 г. автором a.moustafa

Когда я читал Рассказ о жизни Фредерика Дугласа , некоторые элементы этой истории напомнили мне другие мемуары Ричарда Райта, которые я читал несколько лет назад под названием

Black Boy , рассказ о детстве Ричарда Райта на юге Джима Кроу и его путешествии на север. Он обсуждает свои детские страдания, включая голод, побои и расизм, все после рабства, в отличие от Фредерика Дугласа. Дуглас родился в рабстве на плантации. В детстве он служил в домашнем хозяйстве, а не работал в поле. Дуглас впервые познакомился с чтением и письмом через жену своего владельца, у которой никогда раньше не было рабов. Она влюбляется в него и начинает учить его читать, пока муж не говорит ей остановиться, предупреждая ее, что обучать рабов опасно. В Black Boy , Райт вырос в бедности, без отца в возрасте четырех лет с больной матерью. Он начинает работать в домах белых людей в молодом возрасте и быстро узнает, как белые относятся к черным людям и относятся к ним. Райт, как и Дуглас, увлекается чтением. Сначала бабушка не разрешала ему читать по субботам, которые были Днем Господним и, по совпадению, единственным днем, когда у Ричарда было свободное время для чтения своих книг. Как и Фредерик Дуглас, белые люди всю жизнь пытались подавить стремление Райта учиться. Когда Райт переехал на юг, он нашел работу в магазине оптики, где его нанял белый владелец с намерением научить этому ремеслу чернокожего. Но вскоре его белые коллеги были обеспокоены тем, что он изучал оптическую торговлю, и прогнали его. Когда Дугласа отправили в Балтимор, чтобы он научился ремеслу судов, белые рабочие забеспокоились, что свободные чернокожие рабочие в конечном итоге займут их работу, поэтому они также выгнали его и заставили изучить ремесло в другом месте. Оба эти писателя столкнулись с похожими проблемами, но в разное время. В конце концов, они оба признают силу чтения и письма и присоединяются к движению за равные права афроамериканцев.

— Амр

Опубликовано в Без рубрики | Оставить комментарий

Опубликовано 19.12.2018 автором k.li13

— Обсудить тему явок или масок в «Тартюфе»? Как проблема видимости и реальности связана с центральными проблемами пьесы?

Идея спрятаться за другой личностью или притвориться фальшивой персоной является одним из основных направлений творчества Тартюфа. У нас есть Тартюф, религиозный лицемер, злоупотребляющий религией в корыстных целях перед легковерными людьми. Он прячется за «маской» перед Оргоном, чтобы завоевать его благосклонность с намерением захватить его дом и украсть его жену. Проблема видимости и реальности вступает в игру, когда в конце концов Оргон настолько одержим идеей попасть на небеса, что из-за этого пренебрегает настоящей реальностью. Это также связано с центральной проблемой пьесы, заключающейся в том, как можно использовать религию, чтобы обманывать людей и контролировать их жизнь.

Опубликовано в Без рубрики | Оставить комментарий

Опубликовано 10 декабря 2018 г. автором JSylvor

. Рассказчик говорит нам, что «каждое новое поколение находит дерево дум, как будто оно родилось в момент их рождения и будет расти вместе с ними». Что вы об этом думаете?

–Какой, кажется, взгляд истории на правительство в новом независимом Судане? Каковы отношения между правительством и сельскими жителями?

–Объясните изменение точки зрения повествования в последних отрывках рассказа? Как это меняет наш собственный взгляд на текст

– В конце рассказа старик обращается к собственному сыну и говорит: «Я надеюсь, что он останется там, где он есть, и не вернется». Как вы это объясните?

– Как вы думаете, какова окончательная точка зрения этой истории на проблему традиции и современности?

Опубликовано в Без рубрики | 14 комментариев

Опубликовано 5 декабря 2018 г. автором s.tashin

Речитатив — единственный рассказ, опубликованный Тони Моррисон. История фокусируется на отношениях между двумя девочками по имени Твайла и Роберта, которые начались во время пребывания в приюте и продолжались до взрослой жизни. Моррисон исследует темы материнства, социального статуса и расы на протяжении всей истории. Однако в тексте Моррисон наблюдается одна важная деталь: она не упоминает расу двух главных героев. На самом деле, Моррисон изо всех сил старается сохранить двусмысленность их расы с помощью их описаний и идеалов.

Рассказ Тони Моррисон похож на рассказ, который я тоже читал некоторое время назад. Речитатив очень похож на роман Криса Кроу, известный как Испытание в Миссисипи, 1955 .

Роман Испытание в Миссисипи, 1955 повествует об убийстве ребенка по имени Эммет Тилль. Рассказчик истории — белый мальчик по имени Хирам, который снова посещает свой старый город в Миссисипи, где узнает, что его друг детства Эммет Тилль был убит. Роман основан на реальной истории убийства Эммета Тилля на расовой почве.

Эти два текста во многом похожи и отличаются друг от друга. В Recitatif, отношения Твайлы и Роберты развиваются и подвергаются испытаниям на протяжении всей их жизни, начиная с их первого знакомства друг с другом в приюте и заканчивая их разговором в ресторане во взрослом возрасте в конце. Отношения Хирама и Эммета очень похожи на отношения Твайлы и Роберты. Хирам и Эммет познакомились в молодом возрасте и подружились друг с другом. Идея расы преобладает в их отношениях, как и в Речитатив . Отношения Хирама и Эммета меняются на протяжении всей истории, но в отличие от Твайлы и Роберты, чьи отношения меняются из-за событий «автобусов» и разлуки друг с другом, отношения Хирама и Эммета меняются из-за того, что дедушке Хирама не нравится их дружба и их расстояние друг от друга из-за несколько лет. Семья играет жизненно важную роль в

Испытание в Миссисипи, 1955 , в отличие от Recitatif .

Хотя Recitatif не такой темный, как Испытание в Миссисипи идея расы связывает обе эти истории, поскольку два главных героя в каждой истории принадлежат к разным расам, и оба их мира сталкиваются, когда они начинают и продолжают свою дружбу. Однако Моррисон пытается сохранить неоднозначность расы, в то время как Крис Кроу делает ее заметной и очевидной на протяжении всей своей истории.

-Садат Ташин

Опубликовано в Без рубрики | Оставить комментарий

Опубликовано 5 декабря 2018 г. автором JSylvor

– Как вы думаете, какое значение имеет титул Альенде? Что значит быть сделанным из глины? –

-Что происходит с Рольфом во время его встречи с Азусеной?

– Как вы думаете, почему Азусена становится символом трагедии, разворачивающейся в рассказе?

–Что вы думаете о визите Президента на место катастрофы? Какой комментарий делает здесь Альенде?

–Как вы можете связать эту историю с собственным опытом стихийных бедствий или других бедствий? Есть ли в этой истории элементы, к которым вы можете относиться? Как?

Опубликовано в Без рубрики | 13 комментариев

Опубликовано 4 декабря 2018 г. автором m.yeung1

Бельгийский художник Джеймс Энсор родился в 1860 году и провел большую часть своей жизни в своем родном городе Остенде, где и умер в 1949 году. вовлеченный и самокритичный художник, вовлеченный в проблемы своего времени».

«Маски, противостоящие смерти» — это картина, написанная маслом на холсте, на которой изображена красочная группа людей в масках, собравшихся вокруг и вглядывающихся в скелет Смерти. Верхняя часть картины выполнена в оттенках белого, которые подчеркивают центральную фигуру Смерти, которая также украшена белым. Красочная карнавальная атмосфера кажется ироничной, поскольку она окружает Смерть.

Причудливая картина не может быть классифицирована как сюрреализм, но в некоторой степени опирается на нее. Это скорее экспрессионизм, где представлена ​​ирония в вымышленной Смерти, которой противостоят физически. Можно подумать, что Смерть всемогуща или даже страшна, но картина Энсора говорит об обратном. Как сказано в описании картины в Музее современного искусства, это может быть «отражением озабоченности художника собственной смертностью».

Картина среднего размера в центре скромной части белой стены «Маски перед смертью» хорошо вписывается в комнату благодаря собственному использованию белого цвета. Я заметил, что несколько человек кратко признали это и приняли. Хотя это выглядело странно, это не заставило меня пометить его как сюрреалистическое.

Что привлекло меня в этой картине, так это то, насколько необычным выглядела сцена на картине и в то же время как она почти сливалась со стеной. Люди в масках, наблюдающие за фигурой скелета, были своего рода завораживающими, и после прочтения описания произведения это стало почти глупым. Это было глупо в контексте иронии ситуации. Я представил себя на месте Смерти в окружении людей, похожих на тусовщиков. Это использование иронии привело к тому, что я в конечном итоге отдал предпочтение «Маскам, противостоящим смерти» другим работам в MoMA.

У меня есть несколько вопросов, касающихся этой картины. Один из них связан с маленькой белой маской или лицом в крайнем левом углу, которое скрыто на белом фоне. Другой вопрос: как Смерть себя чувствует в этой ситуации.

Источники:

https://www.moma.org/calendar/exhibitions/312

 

 

 

Опубликовано в Без рубрики | 1 Комментарий

Опубликовано 3 декабря 2018 г. автором JSylvor

–Как раскрывается в рассказе тема материнства? Приведите не менее двух примеров.
– Моррисон добавляет проблемы класса к и без того сложной истории о расе. Почему? Где в рассказе вы видите подтверждение этому?
– Что означает титул Моррисона, Речитатив? Как оно работает в качестве названия для этой истории?
– О чем спорят Твайла и Роберта в разделе о школьном автобусе? Что происходит между ними?
– Является ли взгляд истории на расовые отношения в конечном счете пессимистичным или оптимистичным? Почему?
– Как вы думаете, почему Моррисон предпочитает не говорить прямо о том, какая девушка афроамериканка, а какая европеоидная?

Опубликовано в Без рубрики | 13 комментариев

Опубликовано 3 декабря 2018 г. автором a.moustafa

Макс Эрнст Гала Элюар: Холст, масло (1924)

Макс Эрнст родился в Брюле, Германия, в 1891 году в строгой католической семье. Его познакомил с живописью в раннем возрасте его глухой отец, который был учителем и приверженцем дисциплины, обучая Макса и его братьев и сестер быть богобоязненными детьми вместе со своей суровой женой. Эрнст поступит в Боннский университет, чтобы изучать философию, а затем бросит учебу, чтобы продолжить карьеру в искусстве, движимый его интересом к ремеслу живописи. В начале своей карьеры он был вынужден присоединиться к немецкой армии в артиллерийской дивизии во время Первой мировой войны. Здесь он столкнулся с травмирующими событиями, которые вызвали его крайне критический взгляд на западную культуру, который стал корнем его видения современный мир как иррациональный.

Эта работа написана Максом Эрнстом на основе фотографии глаз дамы по имени Гала Элюар, которая была любовницей трех членов движения сюрреалистов, двух ее мужей Поля Элюара и Сальвадора Дали и Эрнста. На картине показано, что находится внутри головы Гала Элюара, таинственные и неведомые творения бессознательного.

В этой картине меня впервые привлекли три фигуры в форме круга, которые предположительно изображают мысли Элюара. Мне казалось, что это могут быть те странные точки, плавающие в вашем поле зрения, называемые плавающими помутнениями. Когда я задумался об этом, мне показалось, что он нарисовал эти причудливые фигуры, чтобы представить случайные мысли, уплывающие в том, что кажется бесконечным пространством. Если посмотреть на дизайн кругов, то все они отличаются друг от друга. Я полагаю, что Эрнст хотел, чтобы в центре внимания картины были не глаза Элюара, а раскрытие ее головы, раскрытие всех иррациональных мыслей, которые наполняли ее подсознание.

Во время движения модернизма, после публикации работы Фрейда « T Интерпретация сновидений » (1899 г.), художники начали исследовать сны и подсознание. Здесь Эрнст показывает влияние этого движения на свои работы, рисуя абстрактные, странные фигуры, чтобы привлечь внимание к мышлению Элюара. Кажется, что это не резонирует с какой-либо определенной эмоцией, и Эрнст не применяет к нему никакого постоянства. Элюар также, кажется, не излучает никаких эмоций в ее глазах или выражениях лица, которые мы можем видеть. Ее глаза выглядят пустыми и обычными, что заставляет меня задаться вопросом, почему именно Элюар стал героем этой картины? Не потому ли, что у нее были трое любовников, что, по мнению Эрнста, добавило бы глубины и сложности? Когда говорят, что она была любовницей этих троих мужчин, все они были одновременно или в разное время?

— Амр

Опубликовано в Без рубрики | 1 Комментарий

Опубликовано 3 декабря 2018 г. автором k.singh5

 

Я ненавижу ходить в МЕТ, но по какой-то причине я хожу туда каждый год в течение последних пяти лет. На этот раз все было так же, опыт был ужасен, но, поскольку этого требовал проект, я его придерживался. Одна из многих причин, по которой я ненавижу Метрополитен, заключается в том, что в нем нелегко ориентироваться, и я ненавижу спрашивать дорогу. Но я проглотил свою гордость и попросил направление к современному и актуальному искусству. Как указано в указаниях, я прошел через римское искусство, сделал право на африканское искусство, и, пройдя весь эксабит, он был в самом конце первого этажа. После того, как я, наконец, прибыл в пункт назначения и начал осматриваться, ничто не показалось мне достаточно впечатляющим, что было странно, потому что там было полно посетителей. Я подошел к черной радужной оболочке и начал смотреть в основном потому, что это была одна из немногих картин, на которой не было толпы людей.

Работа, на которую я решил взглянуть, была «Черный ирис III» Джорджии О’Киф. Картина датируется 1926 годом и написана маслом. На нем показано увеличенное изображение цветка со всеми его размерами, увеличенными далеко за пределы его первоначальных реальных пропорций. Поскольку изображение почти как в увеличенном масштабе, она уделяет большое внимание деталям, которые привлекают внимание ее аудитории, и это было другой основной причиной, по которой меня привлекло это произведение искусства. Она делает акцент на типе деталей, которые могут быть легко упущены из виду с первого взгляда, что может быть причиной того, что она нарисовала эту часть непропорционально такому размеру. Она хотела привлечь внимание и заставить зрителей увидеть цветок ее глазами. Как она это восприняла. Таким образом, зритель, который не бросит второй взгляд на цветок, будет привлечен, чтобы рассмотреть его поближе.

О’Киф — один из самых значительных художников двадцатого века, внесший культовый вклад в американский модернизм. Она родилась 15 ноября 1877 года и была второй из семи детей. Она выросла на ферме недалеко от Сан-Прери, штат Висконсин. Она училась в Художественном институте Чикаго с 1905 по 1906 год и в Лиге студентов-художников в Нью-Йорке с 1907 по 1908 год. Там она изучила приемы традиционной реалистической живописи. Но наибольшее влияние на нее как на художника оказал Артур Уэсли Доу. Именно его революционные идеи сделали ее одной из первых американских художниц, практикующих чистую абстракцию. (okeeffemuseum.org).

Можно сказать, что до 19 ^-го -го века искусству не хватало воображения, которое было введено в мир искусства с точки зрения современного искусства. Модернизм бросил вызов традиционному образу мышления и изображению искусства таким, каким вы видите его в реальном мире. Они начали рисовать из своего воображения, как они воспринимают мир, а не просто видят. Таким образом, мы получаем такие темы, как абстракция, импрессионизм, экспрессионизм, кубизм и сюрреализм. Это не естественный, а неестественный способ смотреть на мир. Мы видим это в Black Iris III от O’Keeffe, поскольку натуральный цветок нарисован непропорционально, намного больше, чем его первоначальный размер. Демонстрируя им абстракцию и импрессионизм. Кто знал, что она изначально намеревалась воспринять своей аудиторией, но это отлично помогает привлечь их внимание.

Один вопрос: почему лепестки цветов, потому что я вижу, что они повторяются и в других ее работах.

 

Опубликовано в Без рубрики | 1 Комментарий

Опубликовано 3 декабря 2018 г. автором s.guerrero2

ГОЛОВА ЖЕНЩИНЫ

Работа, которую я решил подвергнуть критике, — это «Голова женщины» Пабло Пикассо. Пабло Пикассо родился в 1880-х годах в семье с творческими корнями. Он был одним из самых влиятельных мастеров, принявших кубизм. Пикассо считается уникальным среди самых изобретательных мастеров ХХ века, которые оказали заметное влияние на молодых специалистов. Пикассо также известен тем, что помог установить время развития кубизма, наряду с созданием модели, которая была построена, совместной инновацией композиции и различными стилями, которые он создал, исследуя более далеких, чем другие мастера. Кубистическое развитие было своего рода фундаментальным способом работы с изображением формы и пространства.

Скульптура Пикассо «Голова женщины» — завораживающее произведение искусства. При взгляде на эту модель она меняется каждый раз, когда вы двигаете головой, прогуливаетесь вокруг нее и приближаетесь. По моему мнению, у него просто есть способ эволюционировать в форме. Глядя на него, я впервые увидел его человеком или каким-то животным. Взглянув на название, можно было бы понять, что это за модель. Субъект этой фигуры — Фернанда Оливье. Она работала натурщиком на Монмартре и страстно желала рисовать. Произведение имеет значительную долю резкой и острой отделки; однако поверхность была исключительно гладкой. Интересно, как Пикассо, кажется, видит под кожей. Он обнажает связки на шее Фернанды. Мы также видим изломанную поверхность лица Фернанды, ее волосы представляют собой расщелины и вздыбленные края. Пикассо говорил о том, что был захвачен великолепием Фернанды, и начал долгое сотрудничество с Фернандой Оливье; однако к 1909, когда он сделал это, напряжение в их отношениях появилось. К 1912 году отношения закончились.

Считается основной кубистической фигурой. Кубизм был развитием мастерства, которое изменило европейскую живопись и модель в середине двадцатого века. Возможность кубизма заключается в том, что, в отличие от наблюдения за объектами с уединенной установленной точки, мастер разбивает их на несколько уникальных точек зрения/видов объекта, чтобы их можно было увидеть одновременно. Оригинальность и совершенство скульптуры фантастичны и единственны в своем роде. Это особенно привлекло мое внимание, поскольку это одно из истинных изображений искусства в его лучшем виде. Общий вид скульптуры выглядит так, как будто она создана недавно, несмотря на то, что ей десятки лет, что ясно показывает нам, что искусство никогда не забывается.

Вопрос, который у меня есть по поводу работы: Почему Пикассо обрисовывает в общих чертах голову Фернанды, чтобы иметь блики мужчины? Почему Пикассо основывает свою форму на леди Фернанде?

Ссылки

Пикассо П. , Ин Маккалли М., Сталлер Н. Э., Национальная художественная галерея (США) и Музей изящных искусств, Бостон. (1997). Пикассо – ранние годы, 1892-1906 гг. . Вашингтон: Национальная художественная галерея.

 

Опубликовано в Без рубрики | 1 Комментарий

ENG2850HMWC — Великие произведения мировой литературы II

9 декабря 2017 г. UncategorizedJSylvor

– Как вы думаете, какое значение имеет титул Альенде? Что значит быть сделанным из глины? –

-Что происходит с Рольфом во время его встречи с Азусеной?

– Как вы думаете, почему Азусена становится символом трагедии, разворачивающейся в рассказе?

–Что вы думаете о визите Президента на место катастрофы? Какой комментарий делает здесь Альенде?

–Как вы можете связать эту историю с собственным опытом стихийных бедствий или других бедствий? Есть ли в этой истории элементы, к которым вы можете относиться? Как?

5 декабря 2017 г. Без рубрикиJSylvor

– Как в рассказе раскрывается тема материнства? Приведите не менее двух примеров.
– Моррисон добавляет проблемы класса к и без того сложной истории о расе. Почему? Где в рассказе вы видите подтверждение этому?
– Что означает титул Моррисона, Речитатив? Как оно работает в качестве названия для этой истории?
– О чем спорят Твайла и Роберта в разделе о школьном автобусе? Что происходит между ними?
– Является ли взгляд истории на расовые отношения в конечном счете пессимистичным или оптимистичным? Почему?
– Как вы думаете, почему Моррисон предпочитает не говорить прямо о том, какая девушка афроамериканка, а какая европеоидная?

3 декабря 2017 г. Без рубрикиJSylvor

–Почему рассказчик обращается к своему слушателю «мой сын»?

– Рассказчик говорит нам, что «каждое новое поколение находит дерево дум, как будто оно родилось в момент их рождения и будет расти вместе с ними». Что вы об этом думаете?

–Какой взгляд в этой истории на правительство нового независимого Судана? Каковы отношения между правительством и сельскими жителями?

–Объясните изменение точки зрения повествования в последних отрывках рассказа? Как это меняет наше собственное представление о тексте

2 декабря 2017 г. Без рубрикиq.wang6

Спящая цыганка: 1897

Анри Руссо (1844–1910), известный как «Дуанье Руссо» после того, как он работал сборщиком пошлин в городе Париж, родился в Лаваль-Майенне, Франция, в 1844 году. гений-самоучка, который начинает рисовать в возрасте 40 лет. С двух лет в 1886 году он становится постоянным экспонентом Салона Независимых в Париже. В возрасте 49 лет, он рано уходит со своего поста и становится художником на полную ставку. Несмотря на то, что он стремится стать известным художником-академиком, Руссо воспринимается как квинтэссенция «наивного» художника. Он развивает свой уникальный стиль современного искусства, представляющий собой сюрреалистическую смесь примитивизма и чистой фантазии.

Произведение, которое я выбираю, это «Спящая цыганка», созданная в 1897 году. Она написана маслом на холсте. На картине изображена чернокожая женщина, лежащая в пустыне и спящая. Перед ней кувшин и мандолина. Женщина одета в цветной традиционный костюм. Кажется, что женщина глубоко спит, и на ее лице довольное выражение, может быть, ей приснился сладкий сон. Тем не менее, она держит ветку в руках, кажется, что она готова защищаться от нападения все время. Позади женщины идет лев и размышляет о ней, но очевидно, что лев не собирается нападать на нее. Это ночное время с редкими звездами и яркой луной на ясном небе.

Есть несколько аспектов, в которых «Спящая цыганка» отражает модернизм. Одним из символов является описание льва. Льва используют, чтобы произвести на людей впечатление жестокого хищника, представляющего опасность. Тогда как на этой картине лев кажется мирным и добрым. Это отличается от традиционных мыслей о львах. Кроме того, деталь, что женщина держит ветку, чтобы заснуть, подразумевает, что она понимает, что в пустыне ее окружает опасность, и находит способ защитить себя. Тем не менее, она засыпает глубоким сном и видит хороший сон. Руссо может захотеть выразить, что, хотя нынешняя ситуация плоха и полна опасностей, мы все же должны надеяться на будущее или иметь хорошие мечты о будущем. Иногда вы видите что-то сквозь его поверхность, думая об опасности, как лев. На самом деле может и нет. Это может быть не так опасно, как вы думаете. Эта картина говорит нам о том, что дело не всегда обстоит так, как вы думаете. Мы должны избавиться от традиционных мыслей и взглянуть на общество с новыми мыслями.

Когда я осматривался в Музее современного искусства, Спящий Цыган заставил меня остановиться. Когда я впервые посмотрел на картину, меня привлекло чувство, которое она вызывает у меня. Картинка выходит какая-то тихая и умиротворенная. Яркая луна играет ключевую роль в этой работе. Это так ясно и ярко, дает мне чувство надежды и приятно. Женщина спит с улыбкой на лице. Кажется, что лев — это ангел-хранитель женщины во тьме.

У меня все еще остается вопрос: что означает мандолина на этой картинке?

 

1 декабря 2017 г. Uncategorizeds.chow2

Анри Руссо был французским художником постимпрессионизма. Он не родился в богатой семье. Его отец был сантехником, а также должником. Хотя он не был самым способным учеником в школе, он получал награды за рисование и музыку. Это впечатляет, потому что он научился рисовать в качестве хобби и смог сделать себе имя благодаря своей работе. До своей художественной карьеры он служил в армии и работал на парижской таможне. Он полностью сосредоточился на своем искусстве только тогда, когда вышел на пенсию. Его работы нравились сюрреалистам, а также он был отмечен Пикассо в 1908.

 

Я выбрал произведение Анри Руссо «Сон» 1910 года. На нем изображена обнаженная женщина, лежащая на диване в окружении джунглей. Джунгли изображены на тускло-зеленом фоне, дополненном двадцатью двумя различными оттенками зеленого. На картине также изображены животные джунглей, такие как львы, птицы, слоны, цветущие цветы и фрукты, которые изображены яркими цветами, контрастирующими по цвету с фоном и позволяющим им выделиться. Эта часть также дает ощущение таинственности. Слон как будто прячется за лесом, львы напряженно смотрят на что-то, а обезьяноподобное существо с инструментом сливается с тусклым фоном по сравнению с другими животными, изображенными в ярких красках, что заставляет задуматься: почему они так изображено?

 

«Сон» отражает аспекты модернизма, потому что вызывает любопытство, а также, кажется, показывает аспекты сюрреализма. Это позволяет вам взять то, что вы видите на картине, и интерпретировать то, что художник пытается нам сказать. На уроке мы определили сюрреализм как способ соединения реальности и воображения и как искусство может позволить этим двум вещам соединиться. На картине мы видим женщину, сидящую на диване, что показывает реальность, а лесная обстановка кажется ей воображаемой. Кажется, будто женщина сидит в своем воображении в обстановке джунглей. Она улыбается, протягивая руку к джунглям, и кажется, что это значимое, счастливое место для нее, и она хочет быть там.

 

Я наткнулся на это произведение, когда только что закончил ходить по галерее Пикассо в Музее современного искусства и собирался войти в другое. Как только я вошел в новую галерею, меня привлекло это произведение из-за размера картины. Он был огромным по сравнению с окружающими его картинами. Меня также привлекла красивая обстановка джунглей и использование цветов. Женщина, животные и цветущие цветы были яркими, контрастируя с темным тускло-зеленым цветом остальной части картины, из-за чего мне захотелось рассмотреть картину в деталях.

 

Вопросы:

-Почему существо, похожее на обезьяну, которое играет на инструменте, сливается с тускло-зеленым цветом джунглей, когда другие животные изображены в ярких цветах? Что он представляет в общей картине?

Источники-

http://www.henrirousseau.org/

http://www.theartstory.org/movement-surrealism.htm

http://www.theartstory.org/artist-rousseau-henri -artworks.htm#pnt_5

http://www. henrirousseau.net/

1 декабря 2017 г. Uncategorizeda.maraj

Безмятежность ученого Джорджио Де Кирико

Джорджио Де Кирико родился в Волосе, Греция, 10 июля 1888 года и вырос там в семье итальянцев. Считается, что, живя в Париже в 1910-х годах, его тоска по дому привела к таинственным, вдохновленным классикой картинам пустых городских площадей, которые особенно известны тем, что сюрреалисты отстаивали его как предшественника. Однако де Кирико был более консервативен, чем парижский авангард, и он воспринял качества искусства эпохи Возрождения и барокко, которые вызвали критику со стороны его старых сторонников. В последние годы его работы вызвали больший интерес и оказали влияние на новые поколения итальянских художников 19-го века.80-е годы.

Картина «Безмятежность ученого» написана им в 1914 году. Работа выполнена на холсте маслом и углем и в настоящее время экспонируется в Музее современного искусства вместе с другими работами. Это произведение было подарком Сильвии Слифки в честь Джозефа Слифки. Эта картина известна своими четкими геометрическими линиями и формами, похожими на те, что он видел в Турине, Италия. У него сказочный и загадочный визуальный ряд, который является ключевым пробным камнем для французских сюрреалистов.

Модернизм относится к реформаторскому движению в искусстве, архитектуре, музыке, литературе и прикладном искусстве в конце XIX века.^-й -й век и начало 20 ^-го -го века. Эта картина отражает эстетические предпочтения, связанные с модернизмом своей уникальностью и свободой выражения. Выставленное де Кирико, мы частичное строение человека и за ним часть города, где мы можем видеть выброс дыма из фабричной трубы и тени зданий. Кроме того, мы можем увидеть необычный объект больших очков для чтения.

Глядя на эту картину, вы думаете: «А эта картина действительно такая, как выглядит?» Почему огромные очки в странном месте? Это действительно тень соседних зданий или это тоже часть земли, а конструкция, на которой находится пара очков, является уникальной частью конструкции? Вместо того, чтобы адаптировать традицию искусства, как это было исторически, де Кирико отверг эту концепцию и экспериментировал, подчеркивая свою свободу выражения того, что он хотел изобразить в этом шедевре. Его причудливые эффекты иллюстрируют сюрреализм в искусстве, который подпитывает его сильный модернистский подход.

Что меня действительно привлекло в этой картине, так это очки. Будучи поклонником этих рам сегодня и оглядываясь назад на то время, когда была написана эта картина, я был поражен тем фактом, что сегодня она все еще существует. Это также представляет собой форму интуиции, поскольку очки для чтения связаны с книгами, а книги дают нам знания. Я также почувствовал глубокую связь с воспринимаемой городской структурой позади джентльмена, поскольку это дает мне ощущение, что сегодня города действительно выглядят так. Находясь вдали от Нью-Йорка, картина мне говорит: «Городская жизнь».

Глядя на работу де Кирико, у меня возникает единственный вопрос: что означает «Х» на стене? Действительно ли отмечает место?

https://www.moma.org/collection/works/79011

http://www.philosophybasics.com/movements_modernism.html

http://www.theartstory. org/artist-de-chirico- giorgio.htm

 

1 декабря 2017 г. Без рубрикиРоландо Круз

Жорж Рибермон-Дессен (1884–1974)

Жорж Рибермон-Дессен (1884-1974) был французским художником с множеством талантов, наиболее известным своими произведениями и искусством. Рибермон-Дессен был связан с движением Дада, собранием художников-модернистов, которые использовали свои работы и перформансы как реакцию на Первую мировую войну и национализм. У движения было много платформ от перформанса до фотографии. На них повлияли другие жанры модернизма, такие как футуризм, кубизм, экспрессия и конструктивизм.

Описание из музея: «На картинах машин Рибемона-Дессаня нарисованные шестерни, валы и провода создают странные приспособления, наводящие на мысль, что производительные силы вышли из-под контроля». Когда я впервые увидел живопись, меня привлекла ее абстрактная мода. Тем не менее, я был еще более заинтересован после прочтения части вышеупомянутого описания. Это напомнило о споре современных технологий и заботах искусственного интеллекта. «силы производства взбесились», — это в основном страх перед развитием технологий в нашем поколении, а то, что смысл этой картины чрезвычайно схож с нашими тревогами сейчас, когда она была написана чуть более 100 лет назад, бросается в глаза открытие.

Модернизм — форма отклонения, поскольку он противоречил социальным нормам. Дадаизм отверг эстетизм капиталистического общества, сделав их самостоятельными активистами.

Несмотря на то, что картина, созданная под влиянием дадаизма, противостоит Первой мировой войне и национализму, ее значение остается актуальным.

Картина выглядит как чертеж неорганизованной, неопознаваемой машины. Для меня это выглядело как насмешка над технологическим прогрессом того времени. Такие технологии, как вакуумный усилитель Bell, который позволял совершать междугородние звонки от побережья к побережью в США

Что означает каждая конкретная часть картины? Означает ли что-либо из этого какую-либо конкретную машину или технологический прогресс, сделанный в то время? Почему упоминается венгерский город Сегедин, когда дадаизм, по-видимому, создавался в Швейцарии? Хотя я могу идентифицировать части картины, возникает волшебный вопрос: что все это значит?

1 декабря 2017 г. Без рубрикиg.aguasvivas

Анри Руссо был французским художником, родившимся в 1844 году. Он родился в бедной семье и работал до 49 лет.лет, возраст, когда он мог уйти на пенсию и сосредоточиться исключительно на своем искусстве. Чтобы заработать достаточно, чтобы жить как просто художник, Руссо устроился на работу, например, давал уроки живописи, что иронично, потому что Руссо был самоучкой и никогда не брал уроков рисования. Руссо любил рисовать джунгли, но на самом деле он никогда не видел джунглей лично. Он создал его на основе ботанического сада в Париже.

Выбранная мной работа называется «Сон» (1910). На нем изображена обнаженная женщина на диване в лесу или джунглях. Вокруг картины разбросано несколько диких животных, но из-за цветов, выбранных Руссо, животные сливаются с морем зелени. Основное внимание на этой картине кажется женщине, поскольку она изображена в самых ярких тонах. Все остальное вокруг нее кажется унылым, не ярким. Луна отсутствует, что означает, что сейчас вечер или ночь, поэтому вещи не ярки, так как солнце не выходит. Помимо диких животных и женщины, мотивом в этом произведении являются растения, поскольку картина в основном покрыта растениями, а еще одним мотивом являются полевые цветы, которые различаются по цвету.

«Мечта» отражает модернизм, поскольку произведение отрывается от традиционных произведений. Эта часть отличается тем, что в центре внимания находится обнаженная женщина, лежащая на диване в джунглях, в то время как некоторые животные в шоке смотрят на нее. Он отражает модернизм, поскольку это произведение о чем-то, что интересовало художника. Кроме того, в центре картины видно нечто похожее на обезьяну, играющую на человеческом инструменте. Обезьяна также, кажется, имеет предмет одежды на нижней половине своего тела. Интересно отметить, что дикое животное — это то, что одето, а самка в дикой природе обнажена, как дикое животное. Руссо, возможно, хотел сделать заявление. Это то, от чего стояли традиционные произведения.

Я нашел это произведение на пятом этаже МоМА. Она выделялась среди других картин тем, что выглядела очень гладкой и сложной. Меня привлек «Сон» именно из-за диких животных. Глаза диких животных напомнили мне Мону Лизу, в которой я не был уверен, смотрят ли дикие животные на меня или на голую женщину, сидящую на диване.

 

Источник: http://artsmarts4kids.blogspot.com/2008/02/henri-rousseau.html

1 декабря 2017 г. Uncategorizeds.jeong4

Neue Galarie (новая галерея) — музей немецкого и австрийского искусства начала двадцатого века. Этот музей — одно из моих любимых мест в Нью-Йорке, потому что мне особенно нравится австрийский художник Эгон Шиле. Однако, когда я посетил музей в этот раз, там было всего несколько его картин. Итак, я выбрал одну из самых известных картин Густава Климта.

Это «Портрет Адели Блох-Бауэр I» (1903-1907), картина Густава Климта. Густав Климт (1862-1918) — гений и пионер венского модернизма. Это произведение представляет собой портрет одной женщины, которая была женой спонсора Климта. Она была единственным человеком, чей портрет дважды писал Климт.

На первый взгляд, картина кажется мне просто красочным портретом одной женщины, но при внимательном взгляде на картину обнаруживается что-то абстрактное. Хотя лицо женщины изображено реалистично, я не уверен, сидит она на картине или стоит. На самом деле Климт изображает Блох-Бауэр сидящей, но трудно определить форму стула или отделить форму ее одежды от фона. Пропуски были обычным явлением во всех ранних портретах Климта. Эта работа не дает никаких подсказок о местоположении, контексте и так далее.

По степени «неоднозначности» и «иррациональности» произведение можно отнести к модернизму. Модернизм основан на осознании того, что человеческое поведение по своей сути эмоционально и иррационально. Следовательно, это не вопрос правильного или неправильного в модернизме. На самом деле, Климт никогда при жизни не объяснял свои произведения.

Я считаю Климта очень важной фигурой в истории модернизма. В 1900 году Вена была центром мировой культуры, включая философию, психологию, медицину и искусство. Однако в то время Климт хотел изменить традиционную, консервативную культуру искусства, поэтому возглавил движение «Венский сецессион». Климт был пионером модернистского направления в искусстве. Кроме того, он символист и самый ранний пример модернистских идеологий, проявленных в искусстве.

Когда я вижу «Портрет Адели Блох-Бауэр I и II», я сомневаюсь, что он мог любить Адель, потому что она была единственной женщиной, чей портрет был написан дважды, а картины отличаются ярким и прекрасным чувством цвета. На самом деле, ходили слухи, что у Климта были романтические отношения с многочисленными женщинами, которых он рисовал, но никто не знает.

1 декабря 2017 г. Без рубрикиj.garcia7

Анри-Эмиль-Бенуа Матисс — французский художник, родился 31 декабря 1869 года., в Нор, Франция. Он был старшим сыном преуспевающего торговца зерном. В 1887 году он отправился в Париж изучать право, однако только в 1889 году начал рисовать. Его вновь обретенная любовь к рисованию была результатом того периода времени, когда он выздоравливал от приступа аппендицита, когда его мать купила ему художественные принадлежности, чтобы провести некоторое время. Он сам описал его как своего рода рай. После этого он решил посвятить себя своему искусству, хотя это сильно разочаровало его отца.

На картине мы видим четырех человек, двух на переднем плане и двух на заднем. Два человека на заднем плане полностью одеты, но двое на переднем плане кажутся голыми. Как зритель, чем больше вы смотрите на картину, тем легче определить общее настроение картины. Можно сказать, что картина разделена на две части. Двое на заднем плане кажутся счастливыми и влюбленными, что видно по тому, как они целуют друг друга. В то время как человек впереди может показаться расстроенным.

Музыка (набросок)   — пример искусства, созданного под влиянием экспрессионизма. Экспрессионизм известен как способ искусства, в котором предмет не о внешнем мире, а скорее передает сообщение о внутренних чувствах и тревогах художника. Некоторыми ключевыми аспектами экспрессионистского искусства являются тяжелые мазки, искажения и насыщенные цвета. Эти аспекты можно увидеть в « Music(Sketch)» Матисса. Хорошо видно, как экспрессионизм представлен в произведении. Человек впереди — это визуальное представление того, что чувствует художник. Вы можете ощутить изоляцию, уязвимость, грусть и стыд, просто взглянув на человека, лежащего на полу.

Сама картина, расположенная в дальнем углу выставки, была очень скромной. Это не то, что вы бы назвали большим куском. Это была одна из тех картин, мимо которых можно легко пройти и не заметить, что она там. Однако, как только я увидел это, я сразу понял, что это картина, которую я хотел использовать. Что привлекло меня в этом произведении, так это то, как легко я смог установить связь с произведениями литературы, которые мы читали в классе. Я чувствовал, что картина может быть визуальным представлением Смерть Ивана Ильича , Любовная песня Дж.Альфреда Пруфрока , или Превращение .