Современное искусство направления: Как я перестал бояться и полюбил современное искусство

Содержание

XXI век. Широкие горизонты современного искусства

Портал ARTinvestment.RU запускает новый масштабный проект «XXI век. Современное российское искусство»

Культура первой четверти любого века — явление особое и очень насыщенное: именно в это время общество осознает культурное наследие предыдущего времени и идет вперед, открывая новые стили и направления.

Особенно интересной и разнообразной оказалась первая четверть ХХ века, когда ускорилось время, подгоняемое войнами, развитием техники и следующими одна за другой промышленными революциями, а с ним ускорились и изменения в обществе, культуре и искусстве — и привычное главенство одного «большого стиля» в искусстве сменилось на бурное развитие многочисленных отдельных направлений.

В ХХ веке помимо разновидностей реализма, импрессионизма, фовизма, пришедших из ХIХ века, сформировалось множество направлений, которые плавно перетекли и в начало XXI века: постимпрессионизм, постфовизм, различные направления абстрактного искусства, конструктивизм, экспрессионизм, сюрреализм, примитивизм, китч, концептуализм и т.

д.

С конца ХХ века в искусстве постмодернизма все эти направления спокойно стали перемешиваться и использоваться современными молодыми художниками. На цитатах прошлого создавалось новое современное искусство.

Первая четверть XXI века в России практически зафиксировала творчество всех художественных поколений, которые начали свободно формироваться и выявляться с конца 1950-х годов. На короткий период отцы, дети и внуки оказались в одном художественном пространстве, представив все художественные направления, зародившиеся еще в ХХ веке.

Особенно плодотворно в первой четверти нашего века продолжают работать художники, формирование которых пришлось на 1990-е годы, время перестройки. Эта эпоха предоставила современным русским художникам невероятные до того возможности для свободного художественного развития в различных направлениях. Особенно привлекательными для этих художников стали такие направления, как абстракция, экспрессионизм в разных вариациях, поп-арт, фотореализм и др.

Портал ARTinvestment.RU запускает новый масштабный проект «XXI век. Современное российское искусство». Цель проекта — представить как можно шире произведения известных отечественных авторов, работающих в различных направлениях, чьи произведения уже много лет достойно существуют в музейных и выставочных пространствах всего мира, в частных коллекциях, в галереях современного искусства, но чье творчество недостаточно оценено рынком современного искусства.

На ARTinvestment.RU будут представлены статьи о творчестве художников, интервью, обзор и анализ различных направлений в современном российском искусстве. Помимо этого, предполагается рассмотреть некоторые аспекты современного западноевропейского искусства, провести обзоры аукционных продаж современных художников. Планируется проведение совместных выставок и издание каталогов, объединенных одной или несколькими темами.

3 февраля на ARTinvestment.RU мы открыли первый аукцион в серии кураторских аукционов «XXI век», на которых различные кураторы представят по одной картине десяти выбранных ими авторов и расскажут в статьях о них и их творчестве.

На первом аукционе «XXI век. Современное искусство» куратор кандидат искусствоведения Лариса Аполлоновна Кашук представляет работы Семёна Агроскина, Дианы Воубы, Елены Гориной, Константина Звездочетова, Ирины Корсаковой, Владимира Наседкина, Анатолия Пурлика, Марии Семенской, Владимира Семенского, Натальи Турновой.

Семён АГРОСКИН Пустой стол. 2006
Холст, масло. 100 × 130
Источник: 11-12gallery.com

Семён АГРОСКИН Соседняя комната. 2020
Холст, масло. 90 × 80
Источник: собственность автора

Семён АГРОСКИН Натюрморт с радиаторами. 2011
Холст, масло. 119 × 180
Источник: agroskin-art.ru
Семён АГРОСКИН Вешалки. 2020
Источник: Собственность автора

Семён Евгеньевич Агроскин (1961) пробует свои силы в разных сферах творческой деятельности, работая над созданием инсталляций, графических серий, арт-объектов и скульптуры, его основной художественной практикой является живопись. По своей художественной природе Агроскин тончайший живописец, и прежде всего он занимается формалистическими изысканиями, используя в построении композиций усложненные перспективы, фрагментарность, световые контрасты, сложные ракурсы и т. д.

Колорит живописи Агроскина прост и лаконичен. Краски сами по себе достаточно однообразны, если бы не бесконечная игра сложных оттенков, от серебристо-серых до охристо-коричневых. Ощущение загадочности мира создается резкими контрастами света и тени, вертикалей и горизонталей, геометрических форм и изломанных линий.

Однако выбор бытовых сюжетов, создание серий на основе одних и тех же сюжетов, мотивов, предметов, экзистенциальная атмосфера в самих картинах придают его творчеству вполне современное концептуальное звучание.

Диана ВОУБА Крик ястреба. 2012
Холст, масло. 150 × 150
Источник: vouba.com
Диана ВОУБА Вибрация цвета. 2012
Холст, масло. 150 × 150
Источник: vouba. com

Диана ВОУБА Дыхание моря. 2012
Холст, масло. 150 × 150
Источник: vouba.com
Диана ВОУБА Измерение тишины. 2012
Холст, масло. 150 × 150
Источник: vouba.com

Диана Шотовна Воуба (1958) работает в основном в пространстве абстрактного искусства, о чём говорит увлечение формой, цветом и линией, геометрическими фактурами. Тем не менее в ее творчестве присутствует жанр портрета и пейзажа. Последние годы активно работает как скульптор.

Её минималистичные пейзажи — это настоящие пейзажи, а не абстрактные образы. С помощью цвета и линий художница передает состояние природы, тем самым рассказывая о своих эмоциях и чувствах. Особое внимание уделяет образам цветов, в которых, как она полагает, заложена динамика вечного движения и обновления. Эту динамику и ритм она передает посредством создания цветовых форм, которые становятся авторской художественной формулой. Диана Воуба любит работать циклами, в каждом из которых решает определенные задачи. Например, «Дорога домой» — это серия почти абстрактно-минималистичных пейзажей, вдохновленных ностальгией по родной Абхазии.

Елена ГОРИНА Солнечные пятна. 2009
Бумага, золото, темпера. 54 × 66
Источник: stgraph.ru
Елена ГОРИНА Белые лилии в пасмурный день
Холст, масло. 80 × 100
Источник: собственность автора

Елена ГОРИНА Зима. Январь. 2017
Холст, серебро, акрил. 70 × 50
Источник: stgraph.ru
Елена ГОРИНА Июльский вечер. 2009
Бумага, золото, темпера. 54 × 66
Источник: stgraph.ru

Творчество Елены Ивановны Гориной (1954) не ограничено одним видом искусства: художница экспериментирует в области живописи, графики, декоративно-прикладного искусства, создает арт-объекты и владеет множеством изобразительных средств.

Большое влияние на ее художественное формирование оказали произведения русского авангарда, а также древнерусская икона, с которой ее познакомил отец, легенда отечественной реставрации Иван Петрович Горин, создатель и первый директор Института реставрации (ныне ГосНИИР). В ее работах большое внимание уделяется цвету и свету, которые во взаимодействии становятся главными средствами выражения душевного состояния и эмоциональных впечатлений. При этом отношение к цвету меняется от конфликтной и экспрессивной цветовой гаммы в сторону более холодноватого, гармоничного решения с преобладанием серебристых оттенков. Сложная пространственная среда произведений Е. Гориной построена на активных контрастах, тончайших цветовых нюансах, акварельности краски и при этом экспрессивных цветовых пятнах, которые рождают многослойность и чувственность ее сюжетов.

Константин ЗВЕЗДОЧЁТОВ Взятка. 2003
Источник: theartnewspaper.ru
Константин ЗВЕЗДОЧЁТОВ РАХ. CULTURА. 1992–1993
Источник: cultobzor.ru

Константин ЗВЕЗДОЧЁТОВ Синяки. 1998
Источник: theartnewspaper.ru
Константин ЗВЕЗДОЧЁТОВ Террористы (диптих). 2003
Источник: art4.ru

Творчество Константина Викторовича Звездочётова (1958) наполнено сатирой и карикатурностью: художник использует известные образы русской истории, советского кинематографа, литературы, обращается к стереотипам о русской жизни, популярным в стране символам. Его искусство — это китч, своеобразная пародия на русскую культуру и традиции, но при этом пародия, наполненная остроумием, искрометным юмором и скрытыми смысловыми ассоциациями. Комичность и иронический характер своих произведений К. Звездочетов подчеркивает техникой: линейным графическим языком, нарушением композиционных принципов построения, плоскостным изображением, яркостью и насыщенностью цветового письма. Высмеивая отдельные черты русской и советской жизни, художник становится наследником неопримитивистов, стремившихся к выражению народной эстетики.

Ирина КОРСАКОВА
Источник: proza.ru
Ирина КОРСАКОВА Без названия
Источник: собственность автора

Ирина КОРСАКОВА Кукла с жемчугом
Источник: ikorsakova.kroogi.com
Ирина КОРСАКОВА Карусель. 1991
Холст, масло. 100 × 120
Источник: собственность автора

Определяющее влияние на выбор будущей профессии и формирование художественной манеры Ирины Леонидовны Корсаковой (1960) оказал ее отец, художник Леонид Михайлович Корсаков. До 1990 работала в области станковой графики, после увлеклась масляной живописью, при этом главной темой ее творчества была и остается тема детства. Композиционные принципы построения ее работ, позы моделей, насыщенное цветовое решение, детализированная манера письма отчасти напоминают стилизацию под русское рококо и барокко. Однако созданные ею детские образы находятся вне определенного культурного контекста, это прежде всего символы, которые не зависят от конкретного времени и исторической эпохи.

Картины художницы пронизаны чувством щемящей беззащитности детей, которые с ранних лет оказываются в жестоком мире взрослых. В последние годы И. Корсакова занимается росписью интерьеров и стекла.

Владимир НАСЕДКИН Красная площадь. Свет и тени. 2000–2010
Источник: cultobzor.ru
Владимир НАСЕДКИН Свет Тибета 2. 2000–2010
Картон, масло. 100 × 100
Источник: собственность автора

Владимир НАСЕДКИН Свет Тибета 3. 2000–2010
Картон, масло. 100 × 100
Источник: собственность автора
Владимир НАСЕДКИН Свет Тибета 5. 2000–2010
Картон, масло. 100 × 100
Источник: собственность автора

Владимир НАСЕДКИН Свет Тибета 7. 2000–2010
Картон, масло. 100 × 100
Источник: собственность автора
Владимир НАСЕДКИН Свет Тибета. 2000–2010
Картон, масло. 100 × 100
Источник: собственность автора

Владимир Никитович Наседкин (1954) считает, что художественную ценность картины определяет ритм, цветовой строй, пластика, а сюжет лишь помогает воспринять чисто художественные достоинства, свести их к единству. Универсальный язык линий и лаконичных геометрических форм восходит у художника от древних традиций Египта и Вавилона к авангардному искусству Лисицкого и Малевича. Идея плана, чертежа или кода теряет свою конкретную привязку, кристаллизуется и превращается в искусство. Интегрируя приемы и средства выразительности супрематизма, конструктивизма и минимализма и находясь в контексте культур различных традиций и языков, художник формирует свою художественно-композиционную систему.

Анатолий ПУРЛИК Морячки в ГОА. 2007
Источник: archrevue.ru
Анатолий ПУРЛИК Подмосковные вечера в Люблино. 2018
Холст, масло. 110 × 130
Источник: ot-ido.art

Анатолий ПУРЛИК Натурщица под часами. 1999
Холст, масло. 120 × 90
Источник: artcontract.ru
Анатолий ПУРЛИК Желтая дорога домой. 2005
Холст, масло. 70 × 80
Источник: archrevue. ru

В основе художественного метода Анатолия Николаевича Пурлика (1956) лежит синтезированное восприятие направлений конца XIX — первой половины XX века, в частности творчество участников группы «Наби», постимпрессионистов, фовистов, немецких экспрессионистов, а также русское плакатное и театральное искусство. Художник создает собственную «конструкцию из реальности», изображает реальную действительность как отражение своего внутреннего состояния, которое выражается в деформации формы и экспрессивном цветовом решении. А. Пурлик работает в жанре натюрморта, пейзажа и ню, однако зачастую соединяет их, тем самым усложняя смысловую нагрузку своих произведений и степень их эмоционального воздействия.

Мария СЕМЕНСКАЯ Всё, что только возможно вообразить. 2015
Холст, масло. 100 × 150
Источник: собственность автора
Мария СЕМЕНСКАЯ Опровергнутый горизонт. 2015
Холст, масло. 100 × 150
Источник: собственность автора

Мария СЕМЕНСКАЯ Загружаемый уровень. 2016
Холст, масло. 150 × 120
Источник: собственность автора
Мария СЕМЕНСКАЯ Выявление. 2016
Холст, масло. 130 × 150
Источник: 11-12gallery.com

Мария СЕМЕНСКАЯ Нестабильный баланс. 2010
Источник: behance.net

Мария Петровна Семенская (1974) стремится изобразить окружающее пространство — реальные формы, состояния, переживания. Но её сюрреалистические миры подобны сновидениям, которые опираются на индивидуальную трактовку мифологии, аллегорий, кодов, национальных традиций. Будучи визионером, М. Семенская использует богатый художественный язык, с помощью которого создает гипертрофированные сюрреалистические образы и предлагает зрителю погрузиться в альтернативную метареальность, наполненную фантасмагорией красок и пластических взрывов. Используя технику фотореализма и фотомонтажа, М. Семенская овладевает языком постмодернизма, с помощью которого создает многослойные художественные образы, требующие расшифровки и знания культурных кодов.

Владимир СЕМЕНСКИЙ В бассейне. 2017
Холст, масло. 120 × 100
Источник: собственность автора
Владимир СЕМЕНСКИЙ У зеркала. 2012
Холст, масло. 120 × 100
Источник: собственность автора

Владимир СЕМЕНСКИЙ Сидящая. Терминал. 2014
Холст, масло. 120 × 60
Источник: собственность автора
Владимир СЕМЕНСКИЙ Руки, ноги, колесо! 2017
Холст, масло. 100 × 100
Источник: собственность автора

Владимир Александрович Семенский (1968) учился в Санкт-Петербурской государственной художественно-промышленной академии имени А. Л. Штиглица. Через год после поступления будущий художник оставил учебу в академии, столкнувшись с сухой, как он тогда считал, академической программой обучения, и занялся поисками собственного творческого пути. В 2000 году вместе с супругой М. Семенской стал участником независимого творческого объединения «Деревня художников Фиолент» В течение семи последующих лет сообщество устраивало совместные выставочные проекты, снимало авторское игровое и документальное кино. В своих работах художник, как и М. Семенская, пытается создать собственный мир, но не фантасмагорий, а мир реальных наблюдений и ощущений. Язык его живописи материален и соответствует характеру реальных впечатлений. Хотя иногда его подход перекликается с экспрессионистическим, эмоциональная манера, которой художник достигает при помощи размашистого, широкого и пастозного мазка, свободна от философских интерпретаций, присущих экспрессионистам, и обусловлена настоящим временем и той средой, в которой пребывает автор.

Наталья ТУРНОВА
Источник: собственность автора
Наталья ТУРНОВА
Источник: собственность автора

Наталья ТУРНОВА
Источник: собственность автора
Наталья ТУРНОВА
Источник: собственность автора

Наталья ТУРНОВА
Источник: собственность автора
Наталья ТУРНОВА
Источник: собственность автора

Наталью Петровну Турнову (1957) как художника интересует прежде всего человек. Многие ее произведения написаны в портретном жанре и выполнены в характерной абстрактной, экспрессионистической манере. В 2000-е годы художница создала циклы портретов, в которых представляются не реальные люди, но обобщенные образы состояний или переживаний, внутреннего движения и выражения человеческих эмоций, которые Турнова воплощает при помощи форсированного яркого цвета и деформированной формы — приемов, заимствованных у ее любимого Матисса и экспрессионистов. Отходя от детализации, художница дарит цвету, с помощью которого она словно вылепливает форму изображаемых фигур и предметов, полную свободу.

Л. А. Кашук, кандидат искусствоведения
Т. А. Карюк, искусствовед, сотрудник Государственного музея истории Санкт-Петербурга

Внимание! Все материалы сайта и базы данных аукционных результатов ARTinvestment.RU, включая иллюстрированные справочные сведение о проданных на аукционах произведениях, предназначены для использования исключительно в информационных, научных, учебных и культурных целях в соответствии со ст. 1274 ГК РФ. Использование в коммерческих целях или с нарушением правил, установленных ГК РФ, не допускается. ARTinvestment.RU не отвечает за содержание материалов, представленных третьими лицами. В случае нарушения прав третьих лиц, администрация сайта оставляет за собой право удалить их с сайта и из базы данных на основании обращения уполномоченного органа.

список стилей и направлений, характерные особенности. Самые известные современные художники

187628

Что называется современным искусством?
Характерные признаки современного искусства
Самые известные современные художники

Современное искусство (англ. contemporary art) объединяет весь спектр течений, направлений и жанров, к которым обращались авторы с конца ХХ века до сегодняшнего дня. В условиях глобализации и развития технологий художники создают невероятно разнообразные произведения. В современном искусстве сложно найти общие черты и единые принципы — настолько оно индивидуально и разнопланово. Жанры и культурные традиции проникают друг в друга, а художники продолжают искать новые способы самовыражения и актуальные темы.

Современное искусство. Такаси Мураками. Картина «Цветочный шар», 2002

Современное искусство включает многочисленные художественные течения, сформировавшиеся в прошлом. Но к ним постоянно добавляются новые виды творчества. Вот приблизительный список направлений, возникших после 1990 года:

GPS-рисование.
Mission School.
Superflat.
Superstroke.
Taring Padi.
Verdadism.
Альтермодерн.
Арт-интервенция.
Артивизм.
Артхаусная игра.
Био-арт.
Брендализм.
Виртуальное искусство.
Гибридное искусство.
Гиперреальность.
Движение китча.
Девиантное искусство.
Дефастенизм.
Индидженизм.
Интентизм.
Информационное искусство.
Искусство взаимоотношений.
Максимализм.
Массюрреализм.
Метамодернизм.
Молодые британские художники.
Нет-арт.
Новая готика.
Новая европейская живопись.
Новая лейпцигская школа.
Новая эстетика.
Пассионизм.
Пост-интернет искусство.
Постчерное искусство.
Программное искусство.
Псевдореализм.
Ремодернизм.
Скульптура возобновляемой энергии.
Солнечное искусство.
Стакизм.
Стрит-арт.
Тактические медиа.
Тоизм.
Циничный реализм.
Эволюционное искусство.
Эковенция.

Современное искусство. Луиза Буржуа. Скульптура «Маман», 1999

Современное искусство. Аниш Капур. Скульптура «Зеркало неба», 2006

Что называется современным искусством?

Современное искусство на Западе обозначается двумя терминами: art modern и contemporary art. Первый характеризует творческие процессы с конца XIX века примерно до середины прошлого столетия. Второй относится к произведениям с послевоенного до настоящего времени. Но и такого разделения уже недостаточно. Время идет, и бывшие вчера передовыми работы становятся историей. Особенно остро это чувствуют музеи современного искусства, поскольку их приобретения постепенно устаревают.

В настоящее время принято относить к контемпорари арт произведения, созданные за последние 50, 30 или 20 лет.

Современное искусство. Лиза Лу. Инсталляция «Кухня», 1996

В русском языке современное искусство испытывает трудности с точным определением и временными рамками: термин часто употребляется по отношению к произведениям большей части XX и всего XXI века. В 1990-е появилось понятие «актуальное искусство», но так называли только самые новаторские или радикальные техники, и сейчас это выражение используется редко.

Другой вариант определения термина «современное искусство» — это творчество художников, которые еще живы и продолжают работать.

Современное искусство. Фред Томаселли. Картина «Птичий взрыв», 1997

Характерные признаки современного искусства

Если вы слышите слово «импрессионизм», то сразу вспоминаете пейзажи Клода Моне (Oscar-Claude Monet) или портреты Огюста Ренуара (Pierre-Auguste Renoir). Высокое Возрождение, эпоха Рококо, Товарищество передвижников — каждое течение или школа предлагают узнаваемые образы, сюжеты и техники. Сейчас это правило уже не работает. Один лишь тот факт, что художник современный, как и место его проживания, ничего не скажут вам о стиле, формах или тематике произведений. Можно назвать несколько признаков, характерных для современного искусства в целом:

Огромное разнообразие техник и материалов — от известных со старых времен до цифровых. Зарождение множества новых направлений.
Появление в творчестве новых тем: миграции, экологии, гендерной идентичности, искусственного интеллекта и многих других.
Взаимосвязь национальных культур, которые влияют друг на друга через интернет, международные выставки и перемещение художников.
Сосуществование традиционных жанров с новейшими и их смешивание, когда это помогает реализовать художественный замысел.
Расширение понятия «искусство» и включение того, что ранее относилось к ремеслам или другим сферам. Например, комиксы и дизайн одежды.
Появление «совместного искусства», в котором арт-объекты направлены на прямое взаимодействие со зрителем.

Современное искусство. Ибрагим Эль-Салахи. Картина «Дерево», 2003

Современное искусство. Джаспер Джонс. Картина «Сожаления», 2013

Современное искусство. Анила Квайюм Ага. Инсталляция «Перекрестки», 2014

Самые известные современные художники

В настоящее время продолжают работать многие признанные мастера, прославившиеся более 50 лет назад, но появляются и новые яркие имена. Вот лишь несколько самых известных современных художников, представляющих старое и новое поколения:

Герхард Рихтер (Gerhard Richter). Немецкий художник, которому скоро исполнится 90 лет, успел за долгую жизнь поработать в жанрах поп-арта, абстракции, минимализма и фотореализма. В последние годы он продолжает создавать новые работы и экспериментировать с материалами.
Яёи Кусама. Японская художница, автор ярких картин, коллажей, скульптур, инсталляций и перформансов. Продажи на аукционах сделали ее самой дорогой из ныне живущих художниц, а выставки 2017-2019 годов собирали огромные очереди.
Дэвид Хокни (David Hockney). В 2018 году этот автор стал самым дорогим из современных художников. Его картина «Бассейн с двумя фигурами» была продана более чем за 90 миллионов долларов. В последние годы Хокни создает новые произведения с помощью гаджетов — iPhone и iPad.
Аниш Капур (Anish Kapoor). Этот британский автор знаменит абстрактными скульптурами. Несколько лет назад он получил эксклюзивное право использовать в творчестве «самый черный цвет», получаемый по технологии Vantablack.
Джефф Кунс (Jeff Koons). Американский скульптор, создающий концептуальные фигуры из отполированной до зеркального блеска стали. Скульптуры имитируют пластик и другие современные материалы. Самая узнаваемая работа — «Собака из шариков».
Дэмьен Херст (Damien Hirst). Самый известный участник группы «Молодые британские художники». Всемирную известность ему принесли работы с мертвыми животными, сохраненными в формальдегиде, и скульптура «За любовь Господа» в виде усыпанного бриллиантами черепа.
Бэнкси. Анонимный британский художник, о реальной личности и биографии которого почти ничего не известно. Бэнкси работает в жанре стрит-арта, создавая сатирические граффити на остросоциальные темы.

Современное искусство. Герхард Рихтер. Картина «Сентябрь», 2005

Современное искусство. Яёи Кусама. Картина «Цветы», 2002

Современное искусство. Дэвида Хокни. Рисунок на iPad «№ 241», 2020

Современное искусство. Аниш Капур. Инсталляция «Спуск в пустоту», 1992

Современное искусство. Джефф Кунс. Скульптура «Собака из шариков», 1994

Современное искусство. Дэмьен Херст. Скульптура «За любовь Господа», 2007

Современное искусство. Бэнкси. Граффити «Девочка с воздушным шаром», 2002

Познакомиться с произведениями современного искусства предлагают многие музеи. Один из самых известных в мире — Современная галерея Тейт в Лондоне, в России — музей «Гараж» в Москве. Сегодня мы можем наблюдать, как зарождается искусство будущего. Но лишь спустя некоторое время станет понятно, какие из новых течений получат развитие, а какие будут забыты.

Современное искусство. Дэвид Хокни. Картина «Яблоня», 2019

Добавить фото

Вы можете отправить одновременно до 4 фотографий

Больше новостей

Художественное оформление и дизайн — A List Apart

Прославление предполагаемого появления художественного направления в сети — одна из последних тенденций в интерактивном дизайне. Ей посвящено несколько галерей. Для него даже есть плагин. К сожалению, многие дизайнеры не понимают разницы между дизайном и художественным направлением; что еще печальнее, многие арт-директора тоже этого не понимают: художественное руководство придает смысл дизайну. Художественное направление добавляет человечности дизайну.

Статья продолжается ниже

Художественное направление — это не «блог-газета»#section2

«Смерть публикации в блоге» популяризирует «блог-блог», смесь журнальной статьи и записи в блоге. В статье утверждается, что представленные дизайнеры открыли новые горизонты и начали привносить «художественное направление» в Интернет. Это описание сводит художественное руководство к уникальному дизайну для каждого поста в блоге. Термин blogazine смущает арт-директоров во всем мире. Это как сказать: «Смотрите! Этот блог похож на журнал, потому что все посты разные!» Часто «блоги» просто содержат наряженные посты в блогах.

Журналы не просто украшают истории по отдельности. Их цель — объединить визуальные образы и язык, чтобы усилить смысл истории. Варианты дизайна являются результатом этого желания, а не причиной сами по себе. В штате журнала арт-директора и копирайтеры тратят огромное количество времени на мозговой штурм различных способов улучшения истории, от выбора стиля дизайна до выбора связанных функций контента и оттачивания тона голоса истории.

Чтобы перевести этот процесс в практику веб-дизайна, нам нужны разные фреймворки, дающие нам гибкость в заданном формате. Пользовательские поля для стилей в системах управления контентом на уровне отдельных сообщений — это начало. Тем не менее, возможность писать пользовательские CSS автоматически не означает, что сообщение в блоге было направлено на искусство. Художественное направление выходит за рамки пользовательских сообщений в блогах. Это что-то другое и необыкновенное. Художественное направление возвышает и усиливает смысл.

Художественное оформление придает ясность и четкость нашей работе; это помогает нашей работе донести конкретное сообщение до определенной группы людей. Художественное направление объединяет искусство и дизайн, чтобы вызвать культурную и эмоциональную реакцию. Он влияет на фильмы, музыку, веб-сайты, журналы — практически на все, с чем мы взаимодействуем. Без художественного руководства у нас остаются сухие, бесплодные переживания, которые легко забываются. Может ли реклама в нью-йоркском метро о бездомных спровоцировать вас на пожертвование денег? Почему ты хочешь умолять Клариссу Старлинг повернуться, хотя знаешь, что она тебя не слышит? Как свечи превращают обычную трапезу в романтический вечер? Художественное направление около вызывает правильную эмоцию , речь идет о создании этой связи с тем, что вы видите и испытываете.

В отличие от этого, дизайн является техническим исполнением этого соединения. Соответствуют ли эти цвета? Удобна ли длина строки для длительного чтения? Это фото в фокусе? Работает ли типографская иерархия? Сбалансирована ли эта композиция?

Если я скажу своей жене, что люблю ее, но скажу это с хмурым выражением лица, она получит смешанные сигналы. Если я небрежно скажу это во время просмотра телевизора, она может не до конца поверить в это. Но когда я говорю это с искренней улыбкой и букетом цветов, мой смысл ясен. В этом примере моя любовь — это художественное направление, а моя улыбка и темно-красный цвет роз — дизайн. Они работают рука об руку, чтобы донести мысль эмоционально и физически. Дизайн — это совершенство техники; Художественное направление связано с важными, но иногда неосязаемыми эмоциями, которые движут дизайном.

Вот несколько советов о том, как подходить к дизайну и художественному руководству, когда вы замечаете различия в своей работе:

Различные подходы к художественному режиссированию и дизайну
Инструмент	Арт-директор	Дизайн
Цвет	Соответствует ли эта цветовая схема бренду? Соответствует ли это ситуации? Яркие цвета могут не соответствовать грустному сообщению.	Эти цвета хорошо смотрятся вместе? Они вибрируют? Является ли каждый цвет лучшим выбором для носителя, например, образец Pantone для печати, безопасный для Интернета?
Типография	Что означает этот шрифт? Как сами формы букв отправляют сообщение без реальных слов? Comic Sans может быть слишком глупым, но Helvetica может быть слишком ванильным.	Создает ли мой набор размеров шрифта правильную визуальную иерархию? Достаточно ли веса этого шрифта для использования в этом контексте?
Состав	Насколько сбалансированной должна быть эта композиция? Сбалансированные композиции приятны, но часто пассивны. Несбалансированные композиции часто неудобны и тревожны, но визуально более интересны.	Равенны ли мои поля? Есть ли в визуальных эффектах естественный ритм, который будет направлять взгляд человека по произведению?
Концепция	Насколько хорошо визуальные эффекты поддерживают и передают настроение бренда? Какую идею или историю передает дизайн?	Насколько визуальные элементы соответствуют руководящим принципам бренда в отношении интервалов между логотипами, соответствующей типографики и цветовой палитры?
Комбинезон	Чувствуешь себя хорошо?	Хорошо выглядит?

Не верьте мне на слово#section4

Я попросил нескольких друзей оценить разницу между дизайном и художественным оформлением. Вот что они сказали:

Дизайн — это решение проблем, независимо от того, являетесь ли вы дизайнером или арт-директором. Эти две роли различаются тем, что дизайнера больше заботит исполнение, а арт-директора интересует стратегия, стоящая за этим исполнением».
— Фил Коффман, арт-директор, Springbox

Дизайн — это как. Это основа всех коммуникаций, процесс и производство типографики, цвета, масштаба и размещения. Художественное направление — вот почему. Это концепция и решения, которые охватывают весь продукт.
«Кроме этого, это участие, восприятие и политика».
— Джаррод Риддл, старший арт-директор, Большой космический корабль

акт проектирования отличается от акта художественной режиссуры. Арт-директоров предполагал, что обеспечит концепцию. Дизайнеры должны предлагать идеи и реализовывать концепцию. Однако важно отметить, что это почти никогда не бывает черно-белым. Дизайнеры делают арт-директ и арт-директора делают дизайн.
«По моему опыту, процесс гораздо более совместный. Идеи формируют концепцию, и наоборот».
— Джей Ди Хуге, директор по дизайну Gridplane
.

Художественное оформление — это фильтр для вынесения суждений; вы передаете каждый выбор дизайна через него. Начните с определения общей эмоции. Все тексты, фотографии, элементы пользовательского интерфейса, кнопки и кухонная раковина должны соответствовать этому идеалу. Мне нравится думать об этом как о Зазеркалье волшебного калейдоскопа. Это помогает определить, какой путь мне нужно выбрать, когда я пытаюсь принять дизайнерские решения.
— Кристофер Кэшдоллар, креативный директор Happy Cog

Раньше я преподавал графический дизайн в Университете искусств в Филадельфии. В задании, которое я позаимствовал у креативного директора Happy Cog Кристофера Кэшдоллара, я попросил учеников выбрать листы бумаги из каждой из трех шляп. Первая шляпа содержала задание, вторая шляпа содержала различные элементы дизайна, а третья шляпа содержала художественное направление. Заданием студента может быть редизайн домашней страницы для отдела графического дизайна. В направлении дизайна могут быть указаны темные цвета и швейцарская типографика, а в направлении искусства — «счастливый» и «веселый». Другой учащийся может получить элементы дизайна, включающие естественную цветовую палитру и шрифты, чтобы создать меню для ресторана, художественное направление которого является элитарным и формальным.

Рис. 1 Шаблонный подход к обучению разнице между художественным направлением и дизайном дал ряд интересных результатов для этих студентов.

Это было скорее теоретическое упражнение, чем практическое, учащиеся начали чувствовать более естественные комбинации: с яркими цветами легче работать для создания счастливых фигур. Шрифт сценария — это элемент дизайна, который естественным образом придает элементу формальный вид.

Что еще более важно, студенты начали понимать необычные и захватывающие возможности необычных комбинаций. Как вы можете создать счастливый веб-сайт с темными цветами? Вы можете создать уникальный стиль иллюстрации, объединяющий эти два стиля. Как сделать официально выглядящую брошюру без рукописного шрифта? Попробуйте шрифт среднего размера со светлыми засечками на темном фоне с орнаментом. Хотя это стереотипные примеры, студенты научились понимать, как заставить мир видеть то, что они хотели, несмотря на то, что работали в жестких условиях. Художественное направление выходит за рамки ограничений; на самом деле, он процветает внутри них.

Плохой дизайн, хороший арт#section6

Выполните поиск изображений по слову «с днем рождения». Вы обнаружите некоторые из самых ужасных дизайнерских преступлений, когда-либо совершенных: чрезвычайно оскорбительные цветовые схемы. Отвратительная типография. Кладбища клип-арта.

Тем не менее, все они понимают суть: веселье, праздник и счастье. Большинство из них плохо оформлены, но мы все знаем, как правильно оформить поздравительную открытку. Не случайно все они тяготеют к схожим цветовым палитрам, типографике и обмену сообщениями — если это вообще можно так назвать. Очевидное радостное художественное направление практически диктует элементы дизайна. Основы дизайна, такие как системы сеток и золотое сечение, не являются общепринятыми терминами, но большинство людей безоговорочно понимают художественное направление.

Рис. 2 От дизайна глаза кровоточат, но художественное оформление на высоте.

Широко варьирующаяся роль «арт-директора» усугубляет путаницу в отношении разницы между художественным направлением и дизайном. С одной стороны, некоторые агентства нанимают арт-директоров, которые плохо разбираются в дизайне, но понимают его достаточно хорошо, чтобы давать указания дизайнерам. С другой стороны, в некоторых агентствах «арт-директор» является следующим логическим уровнем оплаты на пути к тому, чтобы стать опытным дизайнером. Большинство рабочих мест находятся где-то посередине.

Многие небольшие агентства по многим причинам не нанимают арт-директора. Этот факт заставляет нас думать, что художественное руководство является необязательным элементом творческого процесса. Однако верно и обратное. Художественное руководство настолько важно, что его никогда не пропускают, а только непреднамеренно и подсознательно выполняют дизайнеры, которые часто не готовы к такой ответственности.

В их превосходной книге Художественное руководство наконец-то объяснено! , Стивен Хеллер и Вероник Вьен перерабатывают работу арт-директора:

Арт-директора должны выполнять одно основное действие: они должны «направлять». Если они этого не делают, они не арт-директора. Хотя это не должно означать, что арт-директора должны проявлять высокомерие или жесткость, это означает, что они имеют «божественное право на экспертизу». и дизайн… Первое правило – принимать решения, второе – принимать правильные решения…
«Каждый арт-директор должен начать с убеждения, что его или ее работа заключается в том, чтобы вести, а не следовать, направлять, а не быть направленным, и быть настолько великим, насколько это возможно, а не соглашаться на линию наименьшего сопротивления».

Однажды я участвовал в процессе проектирования, когда несколько дизайнеров предлагали независимые концепции одному и тому же клиенту. Построенные на внештатной модели, мы сделали наш процесс неиерархическим — скорее совместным, чем конкурентным, — но нам часто не хватало единого видения каждого проекта.

Каждый дизайнер отвечал за художественное направление и дизайн (не говоря уже о творческом направлении , это отдельная тема) наших соответствующих композиций. Будучи молодым дизайнером, я хорошо разбирался в элементах, необходимых для создания соответствующего дизайна: цвет, типографика, макет и тому подобное. Но мне не хватило опыта, чтобы стать хорошим арт-директором, особенно самому. Без арт-директора, который контролировал бы мою работу, я создавал хорошо продуманные работы, которые плохо управлялись художником.

Многие считают «внешний вид и ощущение» синонимами, а не дополнениями, считая их взаимозаменяемыми. Создание дизайна — это создание «внешнего вида». Однако «чувство» требует особого внимания со стороны опытного арт-директора, чтобы гарантировать, что сообщение не будет скомпрометировано.

Рис. 3 Слава богу, у клиента хватило мудрости отклонить мою комп. В то время как дизайн может быть хорошо выполнен — широкая типографская иерархия, гармоничные цветовые схемы, строгая сетка, динамичная композиция — художественное направление не совсем подходит для этой некоммерческой организации. Это слишком модно, главный герой в заголовке подчеркивает неловкость, а брызги краски не имеют ничего общего с брендом.

Веб-сайт New York Times сегодня имеет то же художественное направление, что и в 1997 году: минималистичный и ненавязчивый, он позволяет читателю объективно интерпретировать истории с небольшим влиянием визуальных эффектов. Дизайн, возможно, развивался с годами, но художественное направление сохраняется. Когда я спросил об этом бывшего директора по дизайну NY Times Кхой Винь, он подчеркнул необходимость обновить дизайн, сохранив художественное направление на периферии:

Один раз в месяц, один раз в неделю, даже один раз в день — это скорость, которую люди могут выдержать. Это больше не так; цифровая публикация происходит так быстро, как только может, так часто, как может, постоянно. Это не человеческий график, это машинный график, и он делает чрезмерное художественное руководство экономически невыгодным».

Рис. 4 Поскольку направление минимализма в искусстве оставалось неизменным, дизайн New York Times с годами обновлялся, чтобы адаптироваться к меняющимся потребностям читателей.

Мы больше не занимаемся арт-режиссурой, чем раньше. Статья Стивена Хэя Art Direction on the Web актуальна сейчас так же, как и шесть лет назад. Но мы обращаем внимание на то, как мы говорим то, что хотим сказать, на более детальном уровне. Мы почти усовершенствовали искусство разработки шаблонов, то есть разработку фреймворка 9.0009 около то, что мы хотим сказать, но мы все еще заново учимся оформлять страницы и создавать моменты. В своем интервью 8 Faces Ян Койл говорит:

Я осознал силу фактического создания момента: момент для паузы, момент для чтения, момент для размышлений. В любой песне — в любом произведении искусства — не может быть всех высоких нот. У вас должны быть моменты, когда люди могут слушать или волноваться. Даже минуты тишины».

Здесь процветает художественное руководство: решает, какие моменты кричать с горных вершин, а какие держать в секрете.

Мы определили художественное направление, но как оно выглядит на практике? Это довольно убедительно, когда вы находите произведение, в котором история и дизайн поддерживают друг друга и позволяют концепции просвечиваться. Хотя их немного и далеко друг от друга, отличное художественное направление и дизайн в Интернете не недостижимы.

Рис. 5 Launchlist: выигрышная комбинация художественного оформления, текста и дизайна.

Рассмотрите Launchlist, «универсальный контрольный список веб-сайтов», который вы можете использовать, чтобы убедиться, что запуск вашего веб-сайта проходит гладко. Метафора запуска космического корабля информирует нас о решениях, лежащих в основе ощущений, внешнего вида и сообщений. Небесный фон и медленно движущиеся облака не являются произвольным (или бесполезным) выбором. Металлическая цветовая схема интерфейса предполагает физическую консоль. Умные ползунки «да/нет» вместо флажков создают впечатление, что вы завершаете процесс, а не переключаете элемент браузера по умолчанию. Сообщения о состоянии, в том числе «запуск не рекомендуется» или «приступить к запуску», усиливают смоделированную среду управления полетом. Все детали улучшают впечатления.

Это отличный пример художественного направления, поскольку оно задействует наше воображение. Если мы можем сделать это для всех, кто взаимодействует с тем, что мы создаем, мы сделали для них гораздо больше, чем могли надеяться.

Когда мой дедушка умер, я написал об этом. Я хотел поделиться своими воспоминаниями о его жизни. Я обдумал художественное направление, настроение того, что хотел сказать: задумчивое, мрачное, благоговейное. Я хотел создать цифровой мемориал.

У меня есть система для моего сайта — строгие шаблоны, которые ограничивают большую гибкость — поэтому я работал в рамках этих ограничений. Вместо того, чтобы создавать большие заголовки в стиле таблоидов, как я обычно это делаю, я набрала этот заголовок умеренно маленькими прописными буквами и увеличила количество свободного места вокруг него. Мне не нужно было делать ничего радикального с цветами, макетом или изображениями. Я просто немного изменил свой дизайн, чтобы приспособиться к изменению художественного направления этого поста.

Я не просто хотел изменить дизайн ради него самого. Я хотел, чтобы мои читатели поняли, насколько особенным для меня был мой дедушка. Я хотел убедительно передать свои мысли и чувства и изменить их жизнь, пусть даже в незначительной степени. Я хотел, чтобы они сопереживали мне, были частью момента со мной. Художественное направление, а не только дизайн, вот что имело значение.

Смелое новое направление искусства | Искусство и культура

Что будет в мире искусства к 2050 году? Я предсказываю, что все разбитые тарелки с картин Джулиана Шнабеля отвалятся ровно в один и тот же день.

А если серьезно, я считаю, что к 2050 году художники будут исследовать и воздействовать на все аспекты нашей повседневной жизни самыми оригинальными способами. Мы уже видим, что сегодня художники выходят за пределы четырех стен устоявшихся институтов (таких как музеи) и напрямую привлекают и вдохновляют целый ряд новых аудиторий. Благодаря новым технологиям эта аудитория будет расти, как и присутствие и влияние артистов.

В Hirshhorn мы организуем две крупные инициативы на 2012 год, которые отражают эту меняющуюся динамику между художниками и обществом. Во-первых, это выставка «Анимированный мир», которая ярко покажет, как анимация превзошла самые смелые мечты ее создателей, основанных на фильмах, и пронизывает весь визуальный ландшафт по всему миру. От экранов мобильных телефонов до городских пространств анимация все больше присутствует в нашей повседневной жизни и будет распространяться поразительно изобретательными способами. Другой наш проект — крупная конференция под названием «Открытый исходный код», на которой будет изучаться влияние новых технологий на искусство, искусство и культуру.

Мы также будем работать с Дугом Эйткеном, мультимедийным художником, у которого широкий взгляд на мир. Интересуется искусством, архитектурой, наукой и глобальной экологической ситуацией. Он имеет дело с новыми медиа, видео и новыми технологиями.

Тем не менее, несмотря на внимание к новым медиа, мы никогда не откажемся от нашей страстной приверженности живописи и скульптуре. Всегда есть художники, продвигающие эти среды. В живописи и скульптуре всегда есть что-то новое. Это просто не будет так прямолинейно, как было. В мире, меняющемся с невероятной скоростью, мы увидим большую сложность типов производимой работы.

Самое интересное, что диалог между художником и публикой будет становиться все более насыщенным. Искусство охватит гораздо больше людей и будет восприниматься не как нечто «экзотическое» или маргинальное, а скорее как нормальный способ существования наряду с другими занятиями. Если я во что-то и верю, так это в то, что главная обязанность музеев — научить нас жить с большим воображением. Лучший способ сделать это — познакомить публику с художниками в условиях, которые музеи могут предоставить только в таких условиях.

Искусство постоянно развивается. Кажущаяся спонтанность Джексона Поллока, но формализм в абстракции навсегда изменили искусство. Роберт Раушенберг перевел нас от абстрактного экспрессионизма к поп-музыке, а затем к новым гибридным формам. Из-за таких прорывов и из-за новых технологий будет еще большая открытость в искусстве и творчестве. Наиболее ярко это показал Энди Уорхол. Он исследовал каждую среду своего дня. Он стал соучредителем журнала Interview , снял замечательные фильмы, исследовал новые способы применения традиционных средств, таких как шелкография, и, конечно же, полностью изменил наше восприятие коммерческих изображений.

В будущем мир искусства будет еще более свободен, чтобы использовать все средства массовой информации вокруг нас, потому что художники обладают этим страстным любопытством и непрекращающимся стремлением к новым идеям.

К 2050 году появится новое уравнение лидерства, основанное на том, что происходит в мире искусства. Традиционно решения принимались политическим и корпоративным руководством. В будущем творческие люди — художники, архитекторы и дизайнеры — будут принимать важные решения, связанные с тем, как мы формируем наше общество, и особенно в городской среде, поскольку к 2050 году большинство людей будут жить в городах. .

В конце концов из всего этого появятся совершенно новые типы художников. Художники в глубине души искатели возможностей, которые преображают мир вокруг нас. Они вселяют в меня огромный оптимизм. Я верю, что будущее непознаваемо, но оно не немыслимо.

Рубрики

Современное искусство направления: Как я перестал бояться и полюбил современное искусство

XXI век. Широкие горизонты современного искусства