Художники по направлению: Концептуализм — WikiArt.org
направление
Это статья об искусстве XX века. См. также Концептуализм в философии
Концептуа́льное иску́сство, концептуали́зм (от лат. conceptus — мысль, представление) — литературно-художественное направление постмодернизма, оформившееся в конце 60-х — начале 70-х годов ХХ века в Америке и Европе.
В концептуализме концепция произведения важнее его физического выражения, цель искусства — в передаче идеи. Концептуальные объекты могут существовать в виде фраз, текстов, схем, графиков, чертежей, фотографий, аудио- и видео- материалов. Объектом искусства может стать любой предмет, явление, процесс, поскольку концептуальное искусство представляет собой чистый художественный жест.
Один из основоположников течения, американский художник Джозеф Кошут, видел значение концептуализма в «коренном переосмыслении того, каким образом функционирует произведение искусства — или как функционирует сама культура … искусство — это сила идеи, а не материала». Классическим образцом концептуализма стала его композиция «Один и три стула» (1965), включающая стул, его фотографию и описание предмета из словаря.
Концептуальное искусство обращается не к эмоциональному восприятию, а к интеллектуальному осмыслению увиденного.
Французский художник Марсель Дюшан подготовил «почву» для концептуалистов своими реди-мейдами. Наиболее известным из дюшановских реди-мейдов был «Фонтан» (1917), писсуар, подписанный художником псевдонимом «R.Mutt» (каламбур, напоминавший о популярных мультяшных героях Матте и Джеффе), и предложенный в качестве экспоната для выставки Общества независимых художников Нью-Йорка. В традиционном понимании, обычный предмет не мог быть искусством, потому что не сделан художником, не уникален, и обладает немногими эстетическими достоинствами традиционного, сделанного вручную художественного объекта.
Изобретение термина «концептуальное искусство» приписывают американскому философу и музыканту Генри Флинту. Так называлось его эссе 1961 года (Conceptual Art), опубликованное в книге An Anthology of Chance Operations под редакцией Джексона МакЛоу и Ла Монте Янга в 1963 году.
Это часть статьи Википедии, используемая под лицензией CC-BY-SA.
Полный текст статьи здесь →
Художники по направлению: Феминистическое искусство
направление
Арт-феминизм (или феминистское искусство, англ. feminist art) — искусство, созданное сознательно в контексте феминистской теории искусства. В начале семидесятых кризис доверия к культуре модернизма, в которой доминировали мужчины, наиболее полно выразился в среде художниц, исповедовавших феминизм или его тогдашние разновидности. Как движение арт-феминизм возник в конце 1960-х — начале 1970-х.
Он не был связан с каким-либо конкретным стилем или медиа, а характеризовался рядом усилий, направленных на предоставление женщинам места в мире, особенно в мире искусства. Арт-феминизм является одним из самых значительных преобразований в изобразительном искусстве второй половины двадцатого столетия.
Коалиция работников искусства одним из 13 требований, выдвинутых перед музеями в 1970-м, назвала необходимость «преодолеть несправедливость, веками проявляемую по отношению к женщине-художнице, установив при организации выставок, приобретении новых экспонатов и формировании отборочных комитетов, равную представительную квоту для художников обоих полов». В феврале 1970 чернокожая художница Фэйт Ринголд (Faith Ringgold) решила выразить протест против выставки в Школе изобразительных искусств в Нью-Йорке, так как все участники были мужчины. Она объявила, что если организаторы не включат в состав выставки пятьдесят процентов женщин, начнется «война». Вскоре к Ринголд присоединилась критик Люси Липпард (Lucy Lippard) и возникла группа влияния под названием «Женщины-художницы бунтуют» (Women Artist in Revolution, сокращенно WAR — «война»).
Группа выражала протест против дискриминации женщин на ежегодных экспозициях в Музее Уитни, ратовала за увеличение процента женщин-участников до 50 процентов. В дальнейшем они предприняли шаги по организации собственных выставок и галерей.
В 1971 искусствовед Линда Нохлин (Linda Nochlin) опубликовала в «Арт Ньюз» и в каталоге к выставке «25 современных художниц» новаторское эссе Почему нет великих художников-женщин? («Why Have There Been No Great Women Artists?»), в котором исследовала социальные и экономические факторы, которые помешали талантливым женщинам достичь того же статуса, что и их коллеги-мужчины. Предметом рассмотрения Нохлин стал вопрос, есть ли в женском творчестве какая-то сугубо женская суть. Нет, не имеется, настаивала она, и не может иметься. Соглашаясь, что великих художников ранга Микеланджело среди женщин нет, она утверждала, что причины кроются в системе общественных институтов, включая образование, где доминируют мужчины и принижается значение женщины.
Подход Липпард к этому вопросу оказался другим. Она была убеждена, что скрытая особенность в образной системе женщин-художниц все-таки есть. К 1973 она выделила круг особенностей женского творчества: «плотность, однородная текстура, …преобладание округлых форм и центральная фокусировка, повсеместно линеарные, выпуклые или параболические, самодовлеющие формы, слои и напластования, неуловимая неопределённость исполнения, склонность к розовым, пастельным… тонам».
К 1980-м такие искусствоведы, как Гризельда Поллок (Griselda Pollock) и Rozsika Parker, изучая язык истории искусства с его гендерными терминами, такими как «старый мастер» (old master) и «шедевр» (masterpiece), поставили под сомнение центральное место обнаженной женской натуры в западном каноне, спрашивая, почему мужчины и женщины представлены столь по-разному.
В книге Ways of Seeing (1972) критик Джон Бергер (John Berger) заключил, что «Мужчины смотрят на женщин. Женщины видят себя рассматриваемыми» («Men look at women. Women watch themselves being looked at»). Другими словами, западное искусство повторяет неравные отношения, уже заложенные в обществе.
В работах по истории искусства, таких как эссе Кэрол Дункан «Мужской диктат в авангардистской живописи начала ХХ века», опубликованном в Артфоруме в начале 1974, прозвучали нотки скептицизма относительно качества обзоров современного искусства (посвящённых мужчинам и написанных ими же), большинство которых по-прежнему выводило на первый план представление о мужчине-гении, который овладевает своим материалом как женщиной.
Это часть статьи Википедии, используемая под лицензией CC-BY-SA. Полный текст статьи здесь →
Википедия: https://ru.
wikipedia.org/wiki/Арт-феминизм5 случаев, когда арт-перформансы зашли слишком далек
Стрела в сердце, заточение с диким койотом и поедание земли как доказательство любви или борьба против несправедливости.
Перформанс как форма современного искусства подразумевает тесную коммуникацию художника и его зрителя. Венцом творения в этом случае становится целое представление, совершаемое в выбранном месте и в определённое время. При этом сценарий перформанса может как прописываться заранее, так и отсутствовать вовсе, что повышает вероятность возникновения опасных ситуаций, когда зритель и художник попросту утрачивают грани допустимого. Случаев, когда творение художника могло навредить его собственному здоровью или даже привести к смертельному исходу, большое множество.
ART FLASH решил рассказать о самых знаменитых и опасных перформансах, в которых граница между безопасностью художника и его добровольной жертвенностью была напрочь стёрта.
Перформанс Марины Абрамович и Улая «Энергия покоя» / «Остаточная энергия»
Имя Марины Абрамович у ценителей искусства часто ассоциируется с опасностью, а сама художница во время перформансов постоянно балансирует между смертью и желанием достигнуть душевной гармонии.
Перформанс «Энергия покоя». Источник фото: Marina Abramovic and Ulay. Courtesy of Marina Abramovic and Sean Kelly Gallery, New York. DACS 2016
В список опасных арт-перформансов можно было бы внести, пожалуй, каждое выступление Марины на публике. Чего только стоят истязание себя плетью и непрерывные поцелуи с возлюбленным Улаем до потери сознания.
Но перформанс «Энергия покоя» стал одним из самых известных и великих творений Марины Абрамович. Он послужил вдохновением для других артистов, художников и даже тату-мастеров. Во время представления Марина и Улай, стоя друг напротив друга, оказались связаны опасным оружием – луком с натянутой стрелой, нацеленной прямо в сердце Абрамович.
Здесь прекрасно и в тоже время пугающе абсолютно всё: и огромная ответственность Улая, от реакций и личных намерений которого зависела вся жизнь художницы, и микрофон, фиксирующий дыхание и сердцебиение Марины, и безграничное доверие художников друг к другу. Недаром позднее Абрамович назвала этот перформанс одним из сложнейших в своей жизни.
Это представление, продолжавшееся на протяжении полутора минут, являло собой одну прекрасную метафору – метафору об отношениях между возлюбленными, о доверии и поддержке. Можно сказать, что символизм этого перформанса художники пронесли через всю свою жизнь, начиная с их встречи, долгих романтических отношений и заканчивая внезапной разлукой и смертью Улая на 77 году жизни.
Перформанс Йоко Оно «Отрежь кусок»
Главная исследовательница и одна из основательниц перформативного искусства Йоко Оно стояла в числе первых художниц, кто стал включать в своё искусство зрителя, создавая целые представления с его непосредственным участием.
Перформанс «Отрежь кусок». Источник фото: Performed on March 21, 1965 at Carnegie Recital Hall, New York. Courtesy of Lenono Photo Archive
Перформанс «Отрежь кусок» с самого начала подразумевался как опасная акция: Йоко Оно, как правило, в одном из своих лучших платьев садилась на колени в центре зала музея с ножницами перед собой. Посетители музея получали возможность отрезать любой кусок от наряда художницы. И если сперва зрители действительно отрезали лишь небольшие фрагменты юбки или блузы Йоко, то к концу представления, когда от платья уже мало что оставалось, посетители смело, а иногда и агрессивно отрезали бретельки бюстгальтера и даже волосы художницы. Однажды один из зрителей во время представления в Киото занёс ножницы прямо над головой Йоко Оно, но этот тревожный жест ничем не закончился.
Источник: Из YouTube-канала forthedishwasher
«Отрежь кусок» – это вызов окружающему миру, яркий и опасный манифест о женском теле, долгое время являющемся объектом эстетического созерцания, и о жертвенности самих женщин, подвергающихся жестокости, насилию и сексизму.
Йоко Оно в процессе перформанса совершает добровольную жертву, трансформируя своё выступление в политический протест. Впервые представив свой перформанс в 1965 году в Карнеги Холле, художница затем несколько раз повторяла его в 2001 и 2003 годах.
Перформанс Йозефа Бойса «Койот: я люблю Америку и Америка любит меня»
Йозеф Бойс – ключевая фигура XX века, один из основоположников «флюксуса» – специфической разновидности искусства перформанса, наиболее распространённой в Германии. Эпатажные и во многом спорные выступления Бойса всегда производили неизгладимое впечатление на публику: чего стоит только его трёхчасовая прогулка по картинной галерее с тушкой зайца в 1965 году или создание целой горы из семи тысяч базальтовых плит в немецком городе Кассель в 1982 году. Но всем ценителям искусства Йозеф Бойс запомнился благодаря своему знаменитому перформансу «Койот: я люблю Америку и Америка любит меня».
Перформанс «Койот. Я люблю Америку, и Америка любит меня».
Кадры видеосъемки
Для осуществления своей акции в 1974 году Йозеф прилетел в Нью-Йорк и прямо из аэропорта, закутавшись в войлок с ног до головы, в карете скорой помощи был доставлен в галерею René Block. Там ему предстояло провести целых три дня наедине с диким койотом, животным, часто ассоциирующемся с символом первобытной Америки. Так художник выступал против современной американской цивилизации, предпочитая своё знакомство с Америкой архаичной.
Источник: Из YouTube-канала Public Delivery
За три дня Йозеф Бойс пытался наладить контакт с животным, научиться общению с ним. Если поначалу койот нападал на художника, отрывал куски войлока, служившего Бойсу одеждой на время перформанса, то по окончанию акции художнику удалось даже обнять животное. Стоит отметить, что за всё время пребывания в штатах, Бойс так и не ступил на землю цивилизованной Америки, закончив перформанс снова в карете скорой помощи, которая доставила его прямиком в аэропорт.
Перформанс Орлан «Вездесущность»
Французская художница Орлан буквально пожертвовала своим телом ради искусства.
Феминистка, кавалер ордена Искусств и литературы Франции часто выступала и выступает против навязанных стандартов в сторону женщин, дискриминации, расизма, сексизма и других форм угнетения.
Работы Орлан, яркие и самобытные, часто вызывают восторг у публики, но мировую известность художнице принес проект «Перевоплощение святой Орлан», состоящий из девяти рискованных перформансов, в том числе заключительной акции «Вездесущность». Проект начала 90-х годов смог затмить многие прошлые работы художницы и даже современные, и причина этого – его опасная эпатажность.
Источник: Из YouTube-канала diy artem
В прямом эфире Орлан легла под нож пластического хирурга, превратив себя в живой арт-объект, и позволила полностью изменить свою внешность. Художница была первой, кто решил таким образом поднять важную общественную проблему – зависимость женщин от стандартов красоты. Американский хирург Марджори Крэмер трансформировала различные части лица художницы, вводя в них силикон.
Орлан даже решилась вставить импланты над бровями.
Перформанс Тани Бругеры «Груз вины»
Шокирующая фотография с изображением обнажённой молодой женщины, на теле которой как щит висела тушка ягнёнка, в 1997 году произвела сенсацию в мировом искусстве. Девушкой на фото оказалась молодая кубинка Таня Бругера, а её знаменитый перформанс «Груз вины» сделал художницу одной из наиболее значимых на сегодняшний день политических художниц из Латинской Америки.
Идея организовать перформанс с мёртвым животным на теле пришла Тане в её собственном доме. Она открыла большие двери-ставни для того, чтобы все желающие, начиная с критиков и художников, заканчивая простыми прохожими, могли увидеть и оценить акцию. И зрителей оказалось действительно много.
Перформанс «Груз вины». Источник фото: Courtesy of Studio Tania Bruguera and Harrison Edwards Public Relations
Бругера стояла перед толпой полностью обнажённая, а к её шее была привязана окровавленная тушка ягнёнка.
При этом художница медленно поглощала землю, перемешанную с водой. С помощью такого мучительного действия художница на самом деле воссоздавала сцену коллективного самоубийства индейцев, когда испанцы-колонизаторы порабощали и истребляли коренное население на всей территории Латинской Америки.
Перформанс был снят на камеру другом Тани Бругеры, но позднее ему пришлось стереть запись, потому что плёнку нужно было использовать для съёмки свадьбы знакомых. Так от одного из самых эпатажных перформансов современности сохранились лишь фотографии.
Марина Абрамович против Улая: выжили только художники :: Впечатления :: РБК Стиль
Перформанс «В присутствии художника»
© marinaabramovic.com
Автор Алиса Курманаева23 сентября 2016
Вчера суд Амстердама обязал знаменитую художницу Марину Абрамович выплатить ее экс-партнеру Улаю €250 тыс.
отчислений за продажи их совместных работ. «РБК Стиль» вспомнил, какое влияние оказали перформансы Абрамович и Улая на искусство.
По условиям договора 50% прибыли от продажи работ доставались галерее, 30% — Абрамович, а 20% — Улаю. Однако, как утверждает художник, его бывшая партнерша не предоставляла ему точную информацию о продажах, а за прошедшие с того момента 16 лет заплатила ему всего лишь четыре раза. Кроме того, Абрамович просила указывать на их совместных работах лишь ее имя. Перформанс «Отношения во времени»
© marinaabramovic.com
«Она не просто мой бывший партнер по бизнесу, — говорил Улай. — Все эти работы вошли в историю. Они теперь в школьных учебниках. Но она намеренно искажает информацию и вычеркивает мое имя». В результате окружной суд Амстердама обязал Марину Абрамович выплатить своему экс-партнеру €250 тыс. в качестве отчислений за доходы от продажи их работ, а также €23 тыс. за судебные издержки.
Журнал The New Yorker писал, что творчество Марины Абрамович делится на три периода: до, во время и после Улая. История их отношений началась в ноябре 1975 года, когда некий амстердамский галерист попросил Улая встретить художницу в аэропорту и помочь ей с логистикой для съемок ее перформанса «Губы Томаса». На тот момент уроженка Белграда Абрамович уже успела громко заявить о себе перформансами «Ритм 10», «Ритм 0», «Ритм 2» и «Ритм 4», во время которых исследовала границы физической и психической выносливости и пределы связи между художником и публикой. Например, «Ритм 0» заключался в том, что она разрешила пришедшим на выставку людям манипулировать своим телом и движениями с помощью 72 различных предметов, а во время «Ритма 4» держала голову над мощной струей воздуха из воздуходувки. Эти эксперименты, к которым добавились исследования мужской и женской энергии, продолжились и в совместных работах Абрамович и Улая.
Манифест художников звучал следующим образом: «Отсутствие постоянного места жительства, перманентное движение, прямой контакт, самостоятельный выбор, преодоление границ, умение рисковать, движущаяся энергия, никаких репетиций, непредсказуемый конец».
© marinaabramovic.com
Перформанс «Ритм 0»© marinaabramovic.com
Перформанс «Ритм 2»© marinaabramovic.com
Перформанс «Ритм 5»© marinaabramovic.
com
Совместные акции Улая и Абрамович были провокационными из-за подчас рискованных опытов и интенсивного вовлечения публики. В 1976 году творческий дуэт показал на Венецианской биеннале перформанс «Отношения в пространстве»: два обнаженных человека бежали навстречу друг другу и сталкивались, и эти движения постоянно повторялись. Таким образом Марина Абрамович и Улай хотели соединить мужскую и женскую энергии и создать нечто третье, что они называли «Та Сущность». Еще одним ярким перформансом стала «Импондерабилия», в 1977 году показанная в галерее современного искусства в Болонье. Обнаженные художники стояли лицом друг к другу в дверном проходе, и зрителям, желающим пройти на выставку, приходилось протискиваться между ними и неминуемо поворачиваться лицом либо к Улаю, либо к Марине. Одной из самых рискованных арт-акций дуэта стала «Энергия покоя», продемонстрированная в 1980 году в Дублине.
Наряду с «Ритмом 0» Абрамович называла этот перформанс самым трудным. По ее словам, он был посвящен полному взаимному доверию. Художники стояли друг напротив друга, Марина держала боевой лук, а Улай — тетиву со стрелой, нацеленной в сердце своей партнерши. К телам обоих были прикреплены микрофоны, транслировавшие звуки ускоряющегося сердцебиения. При потере равновесия стрела могла попасть прямо в художницу. «Это длилось четыре минуты и десять секунд, и для меня они были вечностью», — вспоминала Абрамович.
Перформансы «Импондерабилия» и «Энергия покоя»
© marinaabramovic.com
Некоторые совместные перформансы оказали влияние и на ее дальнейшие работы. Например, серия «Ночной переход», когда Улай и Марина на протяжении нескольких часов неподвижно сидели друг напротив друга, в 2010 году вдохновила Абрамович на ее знаменитую акцию «В присутствии художника» в Музее современного искусства в Нью-Йорке.
Тогда Марина сидела за столом около 740 часов, и любой желающий мог сесть напротив и посмотреть ей в глаза. Даже свое расставание творческий дуэт превратил в перформанс, пожалуй, самый известный широкой публике.
В 1988 году художники отправились навстречу друг другу с разных сторон Великой Китайской стены и преодолели по 2,5 тыс. километров, чтобы встретиться посередине, а затем попрощаться и разойтись. «Нам нужна была определенная форма завершения после того огромного расстояния, которое мы прошли вместе. Это очень человечно. Это в известной мере драматично, как окончание фильма. Потому что в конце ты действительно одинок, что бы ты не делал», — объясняла художница в одном из интервью.
Перформанс «Поход по Великой Китайской стене»
© marinaabramovic.com
Сейчас Марина Абрамович является самой известной художницей-перформансистом в мире, и ее имя на слуху даже у тех, кто не особо интересуется искусством.
Улая же широкая публика знала именно как ее партнера, несмотря на то, что его персональные выставки проводились в Амстердаме, Берлине, Афинах и Любляне, а в мае этого года он устраивал трехдневный перформанс Cutting Through the Clouds of Myth в Нью-Йорке. Однако совместный период их творчества ярче всего запомнился публике. И когда через много лет после расставания Улай пришел в Музей современного искусства на перформанс «В присутствии художника» и сел напротив Абрамович, а затем бывшие партнеры взяли друг друга за руки, зрители, стоявшие в очереди, зааплодировали. И это, пожалуй, было одним из самых очевидных доказательств того, какое сильное влияние оказывало на людей их искусство.
9 перформансов, которые сломали грань между искусством и провокацией / AdMe
Перформанс — заранее продуманное и срежиссированное действо, у которого есть сценарий, а в основе сценария лежит некая идея.
Конечно же, этот вид искусства рассчитан на показ большой публике и на привлечение внимания, а кто, как не мировые звезды, сможет приковать к себе взгляд зрителя?
Красота и метафоричность некоторых перформансов привлекли внимание редакции AdMe.ru. А в качестве бонуса мы покажем наше любимое произведение этого жанра.
1. Тильда Суинтон спала в картинных галереях
На протяжении 2013 года те, кто прогуливался по музеям современного искусства, в качестве одного из экспонатов могли увидеть спящую Тильду Суинтон. Столь неожиданная встреча — основная мысль перформанса под названием «Быть может». Его идея заключается в том, что в жизни все возможно, в том числе увидеть спящую в музее знаменитость.
Перформанс продолжался 7 часов, на протяжении которых Тильда спала в стеклянной коробке между экспонатами, а затем просто уходила. Неотъемлемой частью шоу являлся эффект неожиданности: не было ни графиков, ни заявлений от артистки или работников музея.
Это не первый опыт актрисы: ранее она устраивала подобный спектакль в 1995 году в музеях Лондона и Рима.
2. Милла Йовович 6 часов жила в стеклянном кубе
В том же, 2013 году Милла Йовович приняла участие в проекте художницы Тары Сабкофф в рамках Венецианской биеннале. Перформанс назывался «Будущее/ Идеал», и в нем Милла попыталась передать характер типичного потребителя.
Актрису на 6 часов поместили в стеклянный короб, где она занималась своими делами на виду у многочисленных зрителей, не обращая на них никакого внимания. Ее единственная связь с внешним миром — смартфон, через который она заказывала доставку товаров из интернет-магазинов. Вначале Йовович с радостью распаковывала все покупки, пока ее «стеклянный домик» не оказался полностью завален коробками.
Завершился перформанс словами Миллы: «Нет, это уж слишком! Не понимаю, как все это здесь оказалось! На самом деле мне не нужно столько всего!»
3.
Джей-Зи исполнял одну и ту же песню на протяжении 6 часовВ нью-йоркской галерее современного искусства Pace известный рэпер Джей-Зи провел весьма необычный концерт. На протяжении 6 часов он исполнял одну и ту же песню — «Picasso Baby» из нового альбома. В это время каждый из посетителей мог подойди и сесть напротив исполнителя. Целью рэпера было показать наступление того времени, когда граница между искусством и музыкой исчезает.
После выступления Джей-Зи сказал, что вдохновился работой «В присутствии художника» Марины Абрамович, которая также была среди зрителей. Стоит отметить, что рэпер не первый, кто придумал подобное: ранее группа The National со своей композицией «Sorrow» проделала нечто похожее.
4. Джон Леннон и Йоко Оно провели целую неделю в постели
Известный перформанс «В постели за мир» придумали Джон Леннон и Йоко Оно. Свой медовый месяц пара провела в отеле Hilton Amsterdam, куда была приглашена пресса якобы для того, чтобы СМИ могли запечатлеть первые моменты брачной жизни знаменитостей.
Вместо этого молодожены просто сидели в пижамах в своей постели на фоне надписей «Мир волос» и «Мир постели».
Первая акция Леннонов продлилась 7 дней и была выражением протеста против войны во Вьетнаме. Через некоторое время пара повторила перформанс в Монреале: там Леннон сочинил и впервые исполнил песню «Give Peace a Chance».
5. Джеймс Франко выступил в качестве модели для Марины Абрамович
Известный мастер перформанса Марина Абрамович, уже не раз упомянутая нами в статье, давно воcхищается талантом Джеймса Франко и считает его самым интересным актером. С ее слов, все потому, что процесс создания для Джеймса важнее конечного результата. Такое отношение их и сближает, и на нем построен совместный перформанс.
В 2012 году во время прямой телетрансляции на канале Sundance Абрамович покрыла обнаженное тело Джеймса Франко золотыми листками, постепенно превращая его в «живое воплощение божества». Этим художница показала превосходство процесса создания над тем, что получается в итоге.
6. Леди Гага устроила перформанс с переодеванием прямо на красной дорожке
На одном из самых важных событий в мире моды, Met Gala — 2019, Леди Гага устроила перформанс с переодеванием. Певица продемонстрировала сразу 4 наряда за то время, пока проходила по красной дорожке. Рядом со звездой шли мужчины, которые поэтапно снимали с нее одежду.
Кроме этого, Леди Гага, известная своей любовью к эпатажу, сотрудничает с «бабушкой перформанса» Мариной Абрамович. Так, ранее певица участвовала в 8-часовом марафоне по публичному чтению вслух романа Станислава Лема «Солярис».
7. Бэнкси незаметно выставил свою работу на Венецианской биеннале
Английского граффити-художника Бэнкси смело можно поставить в ряд перформансистов. На его счету множество акций: он изрезал одну из своих культовых картин, привел слона на выставку, создал «Депрессивный Диснейленд», но мы расскажем об одной из его последних работ.
Так, в 2019 году Бэнкси, которого никто не пригласил на очередную биеннале в Венеции, инкогнито выставил там инсталляцию из нескольких картин. Полотна составляют единый сюжет: круизный лайнер, проплывающий мимо гондольеров. В своем инстаграме художник опубликовал видео, демонстрирующее реакцию публики.
Тем самым Бэнкси поднял актуальную экологическую проблему. Лайнеры сбрасывают отходы прямо в море и загрязняют окружающую среду. Нельзя не отметить, что мэр Венеции, как и местные жители, выступают против лайнеров на территории города.
8. Лори Андерсон повторила свой знаменитый перформанс «Дуэт на льду»
В 2011 году певица и композитор Лори Андерсон повторила в Художественной галерее лондонского культурного центра «Барбикан» свое известное выступление 70-х годов «Дуэт на льду».
По сценарию, Лори играет партию на скрипке, надев коньки, лезвия которых вморожены в 2 куска льда. Перформанс продолжается до тех пор, пока весь лед не растает.
Выступление отчетливо отражает суть творчества актрисы, которая пытается взаимодействовать со зрителем на нескольких уровнях. В данном случае, помимо зрительного и слухового восприятия, есть еще и восприятие мысли и идеи.
9. Тильда Суинтон попробовала себя в роли необычной гардеробщицы
В 2014 году Тильда Суинтон вместе с директором Парижского музея городской моды Оливье Сайяром представили перформанс с простым названием «Гардероб», в котором актриса выступила в роли гардеробщицы. На этом простота заканчивается, а вот то, что происходило во время шоу, трудно описать словами.
Принимая вещи, Тильда проделывала с ними самые неожиданные действия: кусала, гладила руками, зарывалась лицом в ткань, а далее прикрепляла корешок с номером и сдвигала в сторону. По окончании перформанса каждый получил свою вещь обратно, как и полагается, согласно выданным номерам.
Суть представления заключалась в том, чтобы показать всю нелепость погони за новыми коллекциями и тщетность бесконечного потребления.
Без владельца одежда выглядит как пустая оболочка, даже несмотря на всю свою модность. Ведь именно человек определяет стиль, а не его вещи.
Бонус: Ай Вэйвэй отправил 1 001 китайца в европейское путешествие
Один из самых влиятельных людей в мире современного искусства по версии ArtReview, китайский художник и архитектор Ай Вэйвэй не мог пройти мимо нашего внимания. Его работы в ироничном свете показывают происходящее в Китае и выставляются по всему миру.
А в 2007 году Вэйвэй устроил масштабный перформанс «Сказка», в котором оплатил путешествие в Европу для 1 001 своего соотечественника. Без его участия эти люди не смогли бы себе позволить подобную роскошь. Помимо оплаты проезда, он предоставил людям жилье и все необходимое. Участники проекта жили в немецком городе Кассель, свободно передвигались и общались с местными жителями.
Вдобавок Вэйвэй купил 1 001 стул династии Цин — эти предметы мебели стали экспонатами инсталляции в Касселе, в чем и помогли ему упомянутые участники.
Все путешествие его соотечественников было задокументировано на фото и видео.
Как вы относитесь к современному искусству? И какой из перформансов вы подготовили бы, будь вы художником?
Самые известные перфомансы Марины Абрамович :: Марина Абрамович (Marina Abramovic)
Самые известные перфомансы Марины Абрамович
Тело всегда было для нее и темой, и средством выражения. Исследуя физические и ментальные пределы самой себя, она противостояла боли, изнеможению и опасности в поисках эмоционального и духовного преображения. Интерес Абрамович к созданию произведений, которые превращают в ритуал простые повседневные действия — такие, как лежать, сидеть, мечтать и думать, — в конечном счете оборачивается демонстрацией оригинального ментального состояния. Как один из главных представителей поколения пионеров перформанаса, среди которых были Брюс Науман, Вито Аккончи и Крис Берден, Абрамович создала ряд вошедших в историю ранних перформансов и остается единственной из них, которая продолжает работать в этой области.
«Dragon Heart». Обмотав живого питона вокруг головы, Марина легла в центр горящей пятиконечной звезды.
«Ритм 0». В галерее Studio Mona в Милане Марина Абрамович предложила зрителям сделать что-нибудь с ее телом, воспользовавшись предметами, разложенными на столике. Перфоманс был прерван в тот момент, когда Абрамович, уже полураздетой (одежду с нее зрители-участники срезали по кускам), кто-то засунул в рот дуло пистолета.
«Смерть себя». Марина Абрамович и Улай соединили свои рты специальным агрегатом и вдыхали выдохи друг друга, пока не закончился кислород. Через семнадцать минут после начала перфоманса оба упали на пол без сознания с легкими, наполненными углекислым газом. Этот перфоманс исследовал способность индивидуума поглощать жизнь другой личности, обменивая и уничтожая её.
«Балканское барокко». Художница перемывала гору окровавленных костей в память о жертвах войны в Югославии.
«Дом с видом на океан».
Марина Абрамович почти две недели жила в некоем подобии квартиры (три открытые платформы), подвешенной на стене галереи. Во время перфоманса героиня не разговаривала и ничего не ела, все время суток отдав на всеобщее обозрение. Спуститься вниз она не могла: лестница была изготовлена в виде ножей, острых и уже окровавленных.
«The art is present». Идея перфоманса заключалась в том, что Марина может обменяться взглядом с любым желающим посетителем выставки. Этот момент фиксировался фотографом. Перфоманс длился 716 часов и 30 минут, художница посмотрела в глаза 1500 зрителям.
Женщина в арт-среде: звезда перформанса Марина Абрамович
В честь 8 марта SPLETNIK.RU подготовил уникальный спецпроект: в течение недели мы рассказываем о самых выдающихся и успешных женщинах в спорте, моде, искусстве и других областях. Всего их символично восемь.
Узнав пути успеха 17-летней звезды Олимпиады в Сочи фигуристки Аделины Сотниковой, а также актрисы, режиссера и продюсера Лены Данэм, представляем историю жизни легендарной художницы Марины Абрамович.
Марина Абрамович — сербская королева перформансов, выставляющаяся в Нью-Йорке. Она начала карьеру в начале 1970-х годов. Саму себя художница называет не иначе как «бабушкой искусства перформанса». Ее работы исследуют отношения между арт-деятелем и аудиторией, а также границы возможностей тела и духа.
Отметим, перформанс — форма современного искусства — любая ситуация, которая включает в себя четыре элемента: время, место, тело художника и отношение художника со зрителем.
Как же Марина нашла себя в этом мире и стала широко известной? Она родилась в Белграде 30 ноября 1946 года. И мама, и папа Абрамович стали членами партизанского движения во время Второй мировой войны. В 1960-х мать Марины Даника была директором музея революции и искусства в столице Сербии.
В 1964 отец Марины бросил семью. В интервью 1998 года художница описывала, как ее мать установила дома военные порядки и держала ее с братом под полным контролем. Как в армии. Она не могла выходить из дома после десяти часов вечера до 29-летнего возраста.
Поэтому все перформансы ей приходилось исполнять до этого времени.
Абрамович рассказывает дикие вещи:
Это полное безумие, но я резала, стегала себя плеткой, поджигала себя — все это до десяти часов вечера.
Когда ей было 14, она играла в «русскую рулетку» с пистолетом своей матери, что отражено в пьесе Роберта Уилсона «Жизнь и смерть Марины Абрамович», где ее трудные отношения с матерью представлены во всех подробностях. По иронии судьбы, на премьере пьесы в 2011 году Абрамович сыграла свою мать.
В юности она пробовала сломать себе нос, для того чтобы вынудить родителей заплатить за пластическую операцию. Об этом также рассказано в пьесе «Жизнь и смерть Марины Абрамович», подтверждая как пыл Марины, так и ее сложные отношения с родителями. Этот эпизод предзнаменовал ее побег из Белграда в Амстердам в 29 лет. Чтобы как-то выжить, Абрамович вязала свитеры.
Марина Абрамович экспериментировала с вовлечением зрителя в процесс перформанса с самого начала карьеры.
В 1974 году впервые состоялся её перформанс «Ритм 0»: Марина разложила перед собой 72 предмета вроде цветов, помады, ножа и ружья, и позволила зрителям выбрать один из них для взаимодействия с нею. Шестичасовой перформанс закончился, когда один из гостей экспозиции попробовал выстрелить в художницу.
В 1975 году Марина исполнила перформанс «Губы Томаса»: сначала она вырезала бритвой на животе пятиконечную коммунистическую звезду, потом выпорола себя, а затем легла на полчаса на кусок льда в виде креста, стоявший под обогревателем.
В 1976 году Абрамович сошлась с западногерманским перформансистом Уве Лайсипена, выступавшим под псевдонимом Улай. Пара решила создать коллективное существо — «другое» — и говорить о себе как о частях двухголового тела. Они вели себя как близнецы и не имели друг от друга секретов.
Для перформанса «Смерть себя» художники соединили свои рты особым агрегатом и вдыхали выдохи друг друга, до тех пор пока не закончился кислород. Через семнадцать минут после начала перформанса оба рухнули на пол без сознания.
Этот перформанс исследовал способность человека поглощать жизнь другой личности, обменивая и уничтожая её.
В 1988 году Абрамович и Улай отправились в духовное путешествие, которое окончило их связь. Они двинулись в путь с противоположных концов Великой китайской стены и встретились посередине.
В 1997 году она сделала перформанс «Балканское барокко»: чистила щеткой полторы тысячи коровьих костей по шесть часов в день. Работа была сделана для Венецианской биеннале. Во время перформанса она также пела и рассказывала истории о Белграде.
Первая ретроспективная выставка Марины Абрамович состоялась в 2010 году в Нью-Йорке. Марина Абрамович представила новый перформанс — «В присутствии художника»: она могла обменяться взглядом с любым желающим посетителем выставки. Этот момент фиксировался фотографом. Перформанс длился 716 часов и 30 минут, художница посмотрела в глаза 1500 зрителям.
Марина Абрамович
А как же Россия? В октябре 2011 года в московском Центре современной культуры «Гараж» Даши Жуковой открылась крупнейшая ретроспектива Марины Абрамович под названием «В присутствии художника», которую курировал директор центра Музея современного искусства Нью-Йорка Клаус Бизенбах.
Посетители смогли оценить около 50 работ Абрамович, созданных на протяжении сорока лет. Четыре работы были показаны в формате «реперформанса» специально отобранными и обученными художницей перформерами. Сама Марина провела в «Гараже» пятидневный мастер-класс, в ходе которого обучала будущих участников её реперформансов авторской методике.
В одном из интервью Абрамович призналась:
Я никогда не была у психолога. И всегда считала, что чем твое детство было труднее, тем лучшим артистом ты станешь. Потому что у тебя есть много материала, с которым можно работать. Не думаю, что будучи счастливым, можно что-то создать. Счастье — отличное состояние, при котором творчество не нужно. Ты становишься креативным, когда несчастен и в депрессии — находишь способ преображать вещи, трансформировать.
Мое прошлое было трудным, поэтому я использовала этот опыт на протяжении всего периода творчества. Но когда мой муж меня покинул и мы разводились, я не смогла с этим справиться.
Я по-настоящему хотела понять, что пошло не так и отправилась к психоаналитику. Это было крайне болезненно, это было ужасно. Надо признаться, что, возможно, это помогло.
Позже я оказалась в Бразилии и встретилась с двумя шаманами, а потом провела с ними пять дней в лесу. Эти дни принесли мне намного больше, чем три года психоанализа. Америка им одержима. Когда я туда приехала, меня все спрашивали: «Кто ваш психоаналитик?» Это вроде «Кто ваш зубной врач?»
Возможно, я самый счастливый человек на земле, потому что я никогда ни в чем не сомневаюсь. Искусство перформанса для меня свято. Во-первых, чтобы этим заниматься, надо выкладываться на сто процентов. А потом — что случится, то случится. Я никогда не притворяюсь. Как сказал Брюс Науман, «искусство — вопрос жизни и смерти». Я в это верю: надо отдаваться полностью и все. Примут это люди либо нет, будут ли они тебя критиковать — неважно, потому что ты и так сделала все на сто процентов.
Сейчас так много плохих перформансов.
Я и сама несколько раз такие исполняла. Помню, в 1970-х годах во время одного из них я вдруг поняла, что творю большую нелепость. Это было невероятно. Мне стало ужасно плохо, поднялась температура, меня тошнило. Физически я была уничтожена. Но этот опыт важен, потому что неудача — значимая часть жизни художника. В работе всегда надо рисковать. А если рискуешь, вступаешь на совершенно неведомую территорию и можешь потерпеть фиаско. Если же этого не делать, становишься скучным и постоянно повторяешься. Я ненавижу однообразие. Даже когда я иду за молоком, каждый раз выбираю разную дорогу до магазина, чтобы не превратить что-либо в привычку. Привычки ужасны. Очень важно находиться в промежуточных местах — автобучных станциях, поездах, такси, залах ожидания в аэропорте: ты открыт судьбе, ты открыт абсолютно всему, поэтому с тобой может произойти все, что угодно. Главное — выбраться из защитного слоя, которые мы вокруг себя обычно создаем.
Я ненавижу студии. Надо просто жить — идеи появляются неожиданно, например, во время нарезки лука, похода в ванную или прогулке по улице.
Искусство должно включать в себя политические, духовные и неожиданные элементы.
Многие люди критикуют меня за любовь к моде. Знаете, в 1970-х если ты красила губы помадой или ногти лаком, то считалась не хорошей артисткой, а просто потаскухой. Всегда одно и то же — уродливая одежда, дырявые сапоги и кожаные куртки. Когда мне исполнилось сорок лет, я прошла по Великой китайской стене и попрощалась с прошлым. Я чувствовала себя страшной, толстой и никому не нужной. Это было настолько ужасно, что я решила: «Тебе не нужно доказывать самой себе, что ты нормальная художница». Я пошла к парикмахеру и сменила имидж. Купила первые модные вещи на первую зарплату. Это был бренд Yamamoto — у меня до сих пор есть этот костюм. Да, это тщеславие, но почему бы и нет?
Все люди многогранны, но большинство предпочитает показывать какую-то одну сторону своей личности, а остальные прятать — от наркозависимости до чего угодно. Я никогда не пью алкоголь, я не принимаю наркотики — мне это не интересно.
Я ненавижу вечеринки и никогда не выхожу в клубы и рестораны. Но мне нравится мода. Я люблю есть шоколад тоннами — дайте мне любое количество, и я его весь съем. Мне нравится плохое кино, вульгарные истории — как и всем. Когда я исполняю перформанс, дохожу до крайнего напряжения, поэтому после надо его снять. Съесть мороженое, например.
Кстати, одна из ее работ легла в основу серии «Секса в большом городе». В 12-м эпизоде шестого сезона Кэрри Брэдшоу знакомится с Александром Петровским на выставке-перформансе, во время которого художница живет в галерее без еды и воды. Этот эпизод был инспирирован аналогичным проектом Абрамович «Дом с видом на океан».
В августе 2012 года Абрамович снялась в видео группы Antony and the Johnsons на песню Cut the World, поставленным Набилем Элдеркином. Помимо Абрамович в съемках приняли участие Уиллем Дефо и Карис ван Хаутен. Клип повествует о женщинах, которые отвоевывают мир у мужчин.
Летом 2013 Марина Абрамович обучала Леди Гагу собственному «Методу» и помогала ей в работе над альбомом ARTPOP.
В течение трех дней художница учила певицу особым упражнениям, цель которых — повысить физический и умственный потенциал. Дамы сидели в воде на высоком стуле, наслаждались природой, лежали на полу комнаты в обнимку с камнем и бродили по лесу неглиже. С закрытыми глазами.
Марина Абрамович и Леди Гага
Марина — хорошая подруга креативного директора Givenchy Рикардо Тиши и считает его частью своей арт-семьи. Она продала ему один из своих трех лофтов в Сохо более чем за три миллиона долларов. Помимо этого, вместе с Кейт Мосс Марина снялась в весенне-летней рекламной кампании прошлого года.
Рикардо Тиши и Марина Абрамович
Марина Абрамович в рекламе Givenchy
Абрамович также дружит с актером Джеймсом Франко и снимает фильм о его жизни. Он предоставил ей много материалов и дал полную свободу действий. Марина любит его за рискованный характер и преодоление всевозможных рамок.
В августе 2013 года Марина появилась на одной сцене с рэпером Джей-Зи во время перформанса Picasso Baby в Pace Gallery.
Сейчас она создает собственный институт Марины Абрамович (MAI) в Нью-Йорке. Посетители испытают на себе упражнения по очищению духа и тела.
На протяжении всей своей карьеры Марина Абрамович целиком и полностью посвящала себя своему делу, часто рискуя жизнью ради искусства. Успешная, влиятельная и настоящий образец женской силы.
Марина Абрамович
представлений, биографий и идей Абрамовича | TheArtStory
Краткое содержание Марины Абрамович
К концу 1950-х годов, когда абстрактное искусство начало терять импульс, многие художники по всему миру начали принимать перформанс. Перформанс был характерной чертой авангардного искусства примерно с 1910 года, но работа Марины Абрамович типична для целей нового поколения в ее стремлении избегать традиционных предметных художественных материалов (таких как краска и холст) и вырезать сократить расстояние между артисткой и публикой, сделав медиумом ее собственное тело.
Воспитанный во время репрессивной коммунистической диктатуры Югославии и воспитанный родителями, тесно связанными с режимом, драматические и опасные выступления Абрамовича часто кажутся катарсической реакцией на эти ранние переживания. Она создала множество скульптур, но наиболее известна своими перформансами и остается одной из немногих артистов-перформансистов своего поколения, которые продолжали выступать в конце своей карьеры.
Достижения
- Работа Марины Абрамович типична для ритуального направления перформанса 1960-х годов.Часто это связано с тем, что она подвергает себя серьезной опасности и выполняет длительные, вредные действия, в результате которых она получает порезы или ожоги, или терпит лишения. Она рассматривает свое искусство почти как жертвенный и религиозный обряд, выполняемый ею самой для группы зрителей. И физические испытания, которым она подвергается, формируют основу для изучения таких тем, как доверие, выносливость, очищение, истощение и уход.
- Мы можем интерпретировать ее работу как вытеснение искусства из традиционных медиа, таких как живопись и скульптура, и перенесение его непосредственно на ее тело.Однако она не только не воспринимала его как поверхность, но и считает тело «отправной точкой для любого духовного развития».
- Между 1976 и 1988 годами она сотрудничала с немецким художником, известным как Улай. В перформансах, которые пара создавала в это время, часто использовалась их двойственность для исследования таких идей, как разделение между разумом и телом, природой и культурой, активным и пассивным отношением и, конечно же, между мужчиной и женщиной.
Биография Марины Абрамович
Переносить боль и преодолевать ее — это навыки и потребности, которые уходят корнями в ранние годы Абрамовича под коммунистическим гнетом.
Марина Абрамович — Ранние произведения — Выставки
Ранние произведения Марины Абрамович
10 ФЕВРАЛЯ — 17 МАРТА 2018
ОТКРЫТИЕ ПРИЕМА: 10 ФЕВРАЛЯ 2018 ГОДА, 18 — 20 вечера
Шон Келли рад представить Ранние работы Марины Абрамович , выставку из двенадцати исторических перформансов, впервые выпущенных галереей в 1994 году, которые документируют ранние выступления Абрамовича (1973-1975).
Им будут представлены показы пяти самых ранних фильмов художника (1975-1977).Выставка этих редко увиденных работ, большинство из которых сейчас находятся в музеях, отмечает новаторское наследие Абрамовича, всемирно признанного наиболее значимого деятеля в истории исполнительского искусства; он также отмечает трехлетнее профессиональное сотрудничество между Мариной Абрамович и Шоном Келли. Это будет девятая персональная выставка художника в галерее; торжественный прием состоится 10 февраля 2018 года.
Представления, задокументированные в этих ранних изданиях, представляют собой ядро канона, который Абрамович расширила и изучала в своей практике на протяжении последующих сорока с лишним лет.В то время, когда Абрамович проводила эти акции в галереях и на художественных фестивалях по всей Европе, перед очень ограниченной публикой, она была молодой художницей, преподававшей в Академии изящных искусств в Сербии. Эти первые сольные выступления проверяли пределы физической выносливости, исследуя ритуалы, жесты и даже боль, чтобы исследовать параметры искусства и бросить вызов фундаментальным отношениям между исполнителем и аудиторией.
Каждое издание состоит из черно-белых фотографий, сопровождаемых текстовыми панелями, которые рассказывают об изображенном событии.Выпущенные в 1994 году тиражом по 16 экземпляров, эти работы явились результатом многолетнего обширного диалога между Абрамовичем и Келли, направленного на сохранение и сохранение оригинальных негативов, которые Абрамович носил с собой в течение многих лет в рюкзаке, пока жил в фургоне, и которые были быстро распространены. унижающий достоинство. Абрамович и Келли тщательно работали над выбором ключевого изображения для каждой работы, понимая, что после распространения среди широкой публики их выбор станет культовым отображением этих исторических, но преходящих действий.
Также представлены фильмы более длинного формата, в которых запечатлены выступления, в которых Абрамович, как в сольных произведениях, так и в сотрудничестве с Улай, бросила вызов границам своей силы, выносливости и умственной силы. В «Освобождении тела» , 1975, например, артистка — обнаженная, с головой, покрытой черной тканью — танцует в ритме африканского барабанщика в течение восьми часов, ее энергия заметно истощается, пока она не падает на пол.
. В этих самых ранних проявлениях и во всех последующих выступлениях Абрамович преодолела пределы сознания посредством крайних ритуальных действий. Ранние произведения Марины Абрамович предлагает краткий и убедительный обзор некоторых из этих первых смелых действий, которые, в свою очередь, стали одними из самых важных и влиятельных в анналах истории исполнительского искусства.
Абрамович участвовала в крупных международных выставках, включая Documenta VI, VII и IX в Касселе, Германия, и на Венецианской биеннале в 1976 и 1997 годах, за что она была награждена Золотым львом как лучшая художница. Она также получила премию New Media Bessie в 2003 году за «Дом с видом на океан» и премию AICA-USA за лучшую выставку искусства, основанного на времени в 2007 году за выступление «Семь простых пьес в театре Соломона Р.».Музей Гуггенхайма, Нью-Йорк. Основные ретроспективы ее работ появились в Музее современного искусства в Нью-Йорке (2010) и в Центре современной культуры «Гараж» в Москве, Россия (2011).
В настоящее время она является предметом ретроспективы в Henie Onstad, Sandvika, Норвегия, премьера которой состоялась в Moderna Museet, Стокгольм, Швеция (2017), а затем она отправилась в Музей современного искусства Луизианы, Хумлебек, Дания (2017).
50-летие Марины Абрамович: посмотрите работы из грандиозной ретроспективы перформанса в Германии
Было много шума вокруг предстоящей выставки Марины Абрамович в Королевской академии в 2020 году, во время которой она, как сообщается, поразит себя электрическим током на один миллион вольт.Но поклонникам артистки-перформанса не нужно ждать два года, чтобы увидеть масштабный обзор ее работ.
Ретроспектива, охватывающая 50-летнюю карьеру Абрамовича, теперь выставлена на обозрение в Bundeskunsthalle Bonn в Германии. Шоу под названием «Уборщик» освещает многие менее известные аспекты ее творчества, в том числе более ранние картины, рисунки и архивные материалы, а также новаторские перформансы и инсталляции.
Шоу предлагает бескомпромиссный взгляд на строго концептуальные основы, на которых строятся спектакли, которые в конечном итоге сделали Абрамовича знаменитым.
Выставка отправилась в выдающееся немецкое заведение из Модерна Мюссет в Стокгольме, где она была представлена в прошлом году. Шведская выставка стала первой ретроспективой сербского художника в Европе. После Бонна эпическое шоу Абрамовича продолжит свое европейское турне в Палаццо Строцци во Флоренции, Италия.
Значительная часть работ в шоу выросла из ее 12-летних отношений и интенсивного творческого сотрудничества с ее бывшим партнером Улаем. Присутствие этих работ в Германии приобретает особое значение в родной стране Улая, примерно в часе езды от его родного города Золинген.
Несмотря на зачастую сложные отношения с Абрамовичем, немецкий художник присутствовал на открытии выставки и даже выступил с докладом в учреждении. Согласно недавнему интервью Саре Касконе, принадлежащей Artnet News, именно во время этого разговора Улай понял, что сотрудничество между двумя художниками на самом деле не совсем завершено (пара рассталась в драматическом представлении на Великой Китайской стене в 1988 году.
). Эти двое объявили, что будут работать вместе над написанием своих мемуаров; Улай говорит, что они, скорее всего, встретятся этим летом, чтобы поработать над рукописью.
На протяжении всего показа «Уборщика» в музее будет проходить несколько реставраций важных работ Абрамовича, в том числе Imponderabilia, — сотрудничество с Улаем с 1977 года. Есть также два совместных представления, которые приглашают посетителей испытать «Метод Абрамовича» на собственном опыте. , процесс, разработанный художником, чтобы помочь артистам выдержать физическое и психологическое давление, связанное с длительным перформансом.
Другие работы с выставки смотрите ниже.
Марина Абрамович Вулкан Стромболи III (2002) © Марина Абрамович Фото: © Паоло Каневари
Предоставлено Архивом Марины Абрамович и галереей Лии Румма, Милан / Неаполь.VG Bild-Kunst, Бонн 2018.
Марина Абрамович В ожидании идеи (1991). © Марина Абрамович. Предоставлено Collection S.
M.A.K. / фотография Дирка Пауэлса / SMAK VG Bild-Kunst, Бонн 2018.
Марина Абрамович Герой (2001). © Марина Абрамович / Bildupphovsrätt, 2017. Фото: © TheMahler.com
Предоставлено архивом Марины Абрамович.
Марина Абрамович. «Очиститель.» © Марина Абрамович. Фото: © Марко Анелли, 2010. Предоставлено архивом Марины Абрамович.VG Bild-Kunst, Бонн 2018.
Вид на выставку из «Уборщика». Фото: Питер Пауль Вейлер, 2018 г. © Kunst- und Ausstellungshalle der Bundesrepublik Deutschland GmbH
Вид на выставку из «Уборщика». Фото: Питер Пауль Вейлер, 2018 г. © Kunst- und Ausstellungshalle der Bundesrepublik Deutschland GmbH.
Вид на выставку из «Уборщика». Фото: Питер Пауль Вейлер, 2018 г. © Kunst- und Ausstellungshalle der Bundesrepublik Deutschland GmbH.
Марина Абрамович. Ритм (1974). © Марина Абрамович Фото: © Донат. Элли Сбарра. Предоставлено архивом Марины Абрамович. VG Bild-Kunst, Бонн 2018
Марина Абрамович / Ulay Влюбленные.
© Марина Абрамович и Улай. Предоставлено архивом Марины Абрамович. VG Bild-Kunst, Бонн 2018.
Марина Абрамович. Освобождение горизонта (1971). © Марина Абрамович. Предоставлено архивом Марины Абрамович. VG Bild-Kunst, Бонн 2018
Марина Абрамович Авария с грузовиком (I) (1963).© Марина Абрамович. Предоставлено архивом Марины Абрамович. VG Bild-Kunst, Бонн 2017.
Марина Абрамович. Искусство должно быть красивым, Художник должен быть красивым (1975). © Марина Абрамович. Предоставлено архивом Марины Абрамович. VG Bild-Kunst, Бонн 2018
Марина Абрамович. Художник присутствует (2010). © Марина Абрамович. Фото: © Марко Анелли. Предоставлено архивом Марины Абрамович. VG Bild-Kunst, Бонн 2018.
Марина Абрамович: художник присутствует Фото Марко Анелли.© 2010 Марко Анелли
Марина Абрамович. Дом с видом на океан (2002). © Марина Абрамович. Фото: © Аттилио Маранцано. Предоставлено архивом Марины Абрамович.
VG Bild-Kunst, Бонн 2018
Марина Абрамович Балканское барокко (1997). © Марина Абрамович. Предоставлено архивом Марины Абрамович. VG Bild-Kunst, Бонн 2018.
Марина Абрамович. Балканское барокко (1997). © Марина Абрамович. Предоставлено архивом Марины Абрамович.VG Bild-Kunst, Бонн 2018.
Марина Абрамович Ритм 10 (1973). © Марина Абрамович. Предоставлено архивом Марины Абрамович. VG Bild-Kunst, Бонн 2018.
Марина Абрамович Туфли на вылет (1991). © Марина Абрамович. Фото: Хайни Шнебели. Предоставлено архивом Марины Абрамович. VG Bild-Kunst, Бонн 2018.
Марина Абрамович Грядут черные облака (1970-е). © Марина Абрамович. Предоставлено архивом Марины Абрамович. VG Bild-Kunst, Бонн 2018.
Марина Абрамович Ритм 5 (1974). © Марина Абрамович. Фото: © Небойша Чанкович. Предоставлено архивом Марины Абрамович. VG Bild-Kunst, Бонн 2018
Марина Абрамович Авария с грузовиком (II) (1963).
© Марина Абрамович. Предоставлено архивом Марины Абрамович
VG Bild-Kunst, Бонн 2017.
Ulay / Марина Абрамович. Связь в космосе (1976) © Ulay / Marina Abramović. VG Bild-Kunst, Бонн 2017
Ulay / Марина Абрамович. Rest Energy (1980) © Ulay / Марина Абрамович. Предоставлено архивом Марины Абрамович. VG Bild-Kunst, Бонн (2017)
Марина Абрамович Спящая под баньяновым деревом (2010). © Марина Абрамович. Предоставлено архивом Марины Абрамович. VG Bild-Kunst, Бонн 2018
Ulay / Марина Абрамович. Imponderabilia (1977). © Улай / Марина Абрамович. Фото: © Джованна даль Магро. Предоставлено архивом Марины Абрамович. VG Bild-Kunst, Бонн 2018.
Выставка Марины Абрамович «Уборщик» будет открыта до 12 августа в Bundeskunsthalle Bonn.
Следите за новостями Artnet в Facebook:
Хотите опережать мир искусства? Подпишитесь на нашу рассылку, чтобы получать последние новости, откровенные интервью и острые критические моменты, которые продвигают разговор.
Отразите свою аудиторию: четыре жизненных урока от артистки Марины Абрамович
Представьте, что сегодня суббота. Вы находитесь в Нью-Йорке и решаете пойти в Музей современного искусства. Есть специальная выставка под названием Художник присутствует .Художник-перформанс Марина Абрамович сидит в одной из галерей. Вы стоите в очереди, чтобы сесть напротив нее, и замечаете, что сотни людей выстроились в очередь, чтобы испытать опыт. Ожидание медленно нарастает по мере приближения вашего времени.
Со своего места в очереди вы можете видеть ее сидящей в красном платье. За столом напротив нее сидят люди; некоторые на мгновение, другие на длительные периоды. Позже вы узнаете, что нет ограничений на время, в течение которого вы можете сидеть за столом напротив нее, но вам не разрешается прикасаться к ней или разговаривать с ней.Когда вы ждете в очереди, это все равно что смотреть на живую картину.
Когда приходит ваша очередь, и вы садитесь напротив нее, ваш опыт трансформируется и становится частью самого искусства.
Марина Абрамович исполнила Художник присутствует , сидела по восемь часов в день в течение трех месяцев в 2010 году. Она месяцами тренировалась, чтобы выработать физическую выносливость для исполнения произведения, и в своих мемуарах Walk Through Walls она комментирует как выступление продемонстрировало глубокую потребность людей в общении.
Уроженка Белграда, Абрамович начала свою художественную карьеру в 1960-х годах, начав с традиционной живописи, а затем перешла к перформансам в начале 1970-х годов. Многие из ее работ являются знаковыми, и она продолжает работать по всему миру.
Вот некоторые из ее идей из ее мемуаров, которые выходят за рамки исполнительского искусства и говорят о том, как мы можем двигаться по жизни для достижения наших целей.
В страхе
“ Невероятно, насколько страх встроен в вас, ваших родителей и окружающих вас людей .»
« Люди боятся очень простых вещей: мы боимся страданий, мы боимся смерти.
То, что я делал в «Ритме 0» — как и во всех других своих выступлениях, — это инсценировали эти страхи для публики: используя их энергию, чтобы подтолкнуть мое тело как можно дальше. В процессе я освободился от своих страхов. И когда это произошло, я стал зеркалом для аудитории — если бы я мог это сделать, они тоже могли бы это сделать. ”Отношения со страхом могут быть одними из определяющих в нашей жизни.Найти способ принять и обработать наши страхи — это постоянная задача, которую можно решить, если их охотно исследовать.
« В течение первых трех месяцев я сажаю каждого ученика за стол с тысячей листов белой бумаги и мусорным баком под ним. Каждый день им приходится по несколько часов сидеть за столом и писать идеи. Они кладут понравившиеся идеи на правую сторону стола; те, которые им не нравятся, они выбрасывают в мусорное ведро. Но мы не выбрасываем мусор. Спустя три месяца я беру идеи только из мусорного ведра.Я даже не смотрю на понравившиеся им идеи.
Потому что мусорное ведро — это кладезь вещей, которые они боятся делать «.Признание страха — это часть борьбы со страхом. Скрывать страх в мусорном баке нам не на пользу. Когда мы сталкиваемся с тем, что боимся делать, мы находим огромные возможности для развития и роста, потому что мы увеличиваем наши возможности и способность к адаптации. Мы устраняем ограничения и учимся справляться с более широким спектром вызывающих страх ситуаций в будущем.
Как найти свое место
«Мне сразу пришло в голову — зачем красить? Зачем мне ограничиваться двумя измерениями, если я вообще могу разглядеть что угодно: огонь, воду, человеческое тело? Что-нибудь! В моей голове что-то вроде щелчка — я понял, что быть художником — значит иметь безмерную свободу ».
Нам нужно исследовать, пока мы не найдем наши «клики». Ограничение условностей может быть неудовлетворительным. Когда Абрамович начала развивать свои исполнительские искусства, ее физическое «я» было в центре ее работы.
В большинстве ее работ зрители сталкивались с идеей искусства как живого существа: не картины на стене, а физического тела.
«Суть перформанса в том, что публика и исполнитель создают произведение вместе».
В одной из ее работ люди входили в галерею, когда она стояла совершенно неподвижно, одетая в блузку и брюки. На столе перед ней лежали десятки предметов — вроде карточек, губной помады, булавок и даже пистолета.В течение следующих часов публике предлагалось использовать любой предмет, чтобы делать с Абрамовичем все, что они хотят. Сначала медленно, но с возрастающей скоростью они начали взаимодействовать с ее телом. Они пошевелили ее руками, накрасили ее губной помадой, вложили ей в руку карты. Один человек воткнул ей булавку. Только в конце ночи вмешалась охрана, когда кто-то поднял пистолет и приготовился застрелить ее.
Это, должно быть, был невероятный опыт.
Представление о том, что публика может участвовать в создании искусства, когда оно происходит, было важным аспектом многих представлений Абрамовича.
В динамичной природе исполнительского искусства Абрамович нашла среду для исследования природы самого искусства.
«Я испытал абсолютную свободу — я почувствовал, что мое тело безгранично, безгранично; эта боль не имела значения, что вообще ничего не имело значения — и она опьяняла меня. Я был опьянен подавляющей энергией, которую получил. Это был момент, когда я понял, что нашел свой медиум ».
Обращение внимания на моменты, когда мы их переживаем, помогает нам найти свое место.Абрамович часто пишет в своих мемуарах об успехе, который пришел к тому, что она полностью посвятила себя своим выступлениям, пока они происходили. Ее способность преодолевать физическую боль в поисках художественного самовыражения и общаться со своей аудиторией частично проистекает из того, что она знает, что создает из места подлинности.
По ст.
«Что такое искусство? Я считаю, что если мы рассматриваем искусство как нечто изолированное, святое и отдельное от всего, это означает, что это не жизнь.
Искусство должно быть частью жизни. Искусство должно принадлежать всем ». Еще одна ее знаменитая работа была сделана в пространстве галереи, где она жила перед публикой в трех открытых комнатах. Каждая комната представляла собой квадратную коробку с удаленной одной стороной. Одна была гостиной, другая — спальней, а последняя — ванной. Абрамович делал все на глазах у толпы, которая заходила в галерею — спал, медитировал, принимал душ и пользовался туалетом. Одна из интерпретаций произведения состоит в том, что, приглашая аудиторию посмотреть, как она выполняет некоторые из повседневных повседневных дел, которые мы все делаем, она дала им возможность найти искусство в своей собственной жизни.
«Это правило производительности: как только вы входите в эту ментально-физическую конструкцию, которую вы создали, правила устанавливаются, и все — вы последний, кто может их изменить».
Частично успех Абрамович проистекает из ее бесстрашия в использовании перформанса для исследования основных вопросов гуманности, а также из ее полного уважения к медиуму.
Ее произведения продуманы и, несомненно, производят неизгладимое впечатление на тех, кто может смотреть и взаимодействовать с ними.
Об искусстве
«С искусством интересно. У некоторых людей есть способность и энергия не только для того, чтобы выполнять работу, но и для того, чтобы убедиться, что она помещена именно в нужное место и в нужный момент. Некоторые художники понимают, что им нужно потратить столько же времени, сколько им потребовалось, чтобы понять, как это показать, и инфраструктуру для его поддержки. А некоторые художники просто не обладают такой энергией, и о них должны заботиться любители искусства, коллекционеры или система галерей.”
Бизнес по созданию и бизнес по продаже своих творений требуют разных навыков и темпераментов, которые не всегда присущи одному и тому же человеку. Когда мы знаем свои возможности, мы можем попытаться настроить себя на успех, зная, как и где обратиться за помощью. Все мы хотим, чтобы наши результаты были каким-то образом признаны. Чего мы часто не осознаем, так это того, что мы должны сыграть свою роль в достижении этого признания. Мы не можем ожидать, что все волшебным образом встанет на свои места.
« С середины 1970-х до конца десятилетия перформанс стал популярным. . . . Создатели медиума были уже немолоды, и эта работа была очень тяжелой для организма. И рынок, и особенно арт-дилеры, все больше давили на художников, чтобы они создавали что-то для продажи, потому что, в конце концов, перформанс не дал ничего рыночного ».
Выбор закрывает одни двери и открывает другие. Очень важно иметь личное определение успеха. Мы должны приносить жертвы, чтобы достичь наших целей, поэтому мы должны быть уверены, что работаем над собственным, а не чужим представлением об успехе. Абрамович продолжает заниматься перформансом, но она также стала учителем рисования и принимала участие во многих других художественных проектах, включая фильмы. Из ее мемуаров мы узнаем, что проницательный способ измерения наших достижений противоречит тому, что, по нашему мнению, придает смысл жизни.
Марина Абрамович сотрудничает с WeTransfer — Washington Square News
Этим летом перформансистка Марина Абрамович сотрудничает с сервисом обмена файлами, чтобы выпустить цифровую работу и продвигать начинающих исполнителей перформанса.
Если вы пропустили легендарную звезду перформанса Марину Абрамович, которая многих до слез тронула «Художник присутствует» в Музее современного искусства в Нью-Йорке в 2010 году, просто подождите, пока вы в следующий раз воспользуетесь WeTransfer. Компания объединилась с известным артистом перформанса через свою редакционную платформу, чтобы поделиться ее учениями о перформансе. Согласно пресс-релизу компании, цифровое воплощение метода Абрамовича будет доступно всем пользователям сайта этим летом с целью охвата 70 миллионов человек по всему миру.
Стремясь сделать перформанс доступным, Абрамович выбрала пять уважаемых артистов со всего мира для запуска своей серии приглашенных кураторов на WePresent: Ана Првачки, Маурисио Ианес, Яннис Паппас, Теренс Кох и Регина Хосе Галиндо. Эти восходящие артисты опираются на свой прошлый опыт перформанса, демонстрируя, как перформанс продолжает развиваться, несмотря на недавние ограничения, связанные с COVID-19.
Абрамович — сербский перформанс из Нью-Йорка, чьи работы исследуют связь между исполнителем и аудиторией, ограничения тела и возможности разума.По словам Май, с помощью метода, сосредоточенного на присутствии как во времени, так и в пространстве, ее совместная медитация фокусируется на «дыхании, движении, неподвижности и концентрации», приглашая аудиторию исследовать свои умственные и физические ограничения с помощью нематериального искусства.
Включив больше цифровых аспектов в свою работу в это время изоляции, использование Абрамович Интернета в качестве пространства для выступлений — это способ сломать границы. Обращаясь к цифровой сфере, Абрамович принимает Интернет как еще одну форму взаимодействия; хотя и в более современной его форме.
Влияние Абрамовича на всех артистов, представленных через WePresent, указывает на потенциал для более новаторских работ в области исполнительского искусства. Отношение Маурисио Ианеса к искусству полностью изменилось, когда он увидел работы Абрамович, поскольку наблюдение за тем, как она идет вразрез с нормами исполнительского искусства, открыло безграничные возможности, которые переопределили его понимание искусства. Ианес посвящает себя созданию работ, которые разрушают барьеры между артистами и аудиторией, обращаясь к предложениям универсальной доступности через Интернет.
«Я ненавижу термин интерактивный. Моя работа — это совместные действия », — сказал Ианес WePresent. «Мы работаем вместе, вместе производим что-то. Это действительно ставит под сомнение идеи авторства ».
Цифровое воплощение метода Абрамовича будет представлено публике и будет практиковаться ею самостоятельно, в их собственном пространстве. Однако процесс его практического применения в цифровой сфере делает его совместным действием. Разрыв между художником и аудиторией мгновенно уничтожается, когда аудитория становится художником, создавая свои собственные работы вместе с художником.
«Я [подхожу] к произведениям искусства, как к жизни: это просто приходит [ко мне], и я это делаю», — сказал Терренс Кох. «Почти лучше, если каждый испытывает это на себе».
Кох хочет, чтобы его аудитория потеряла себя в его исполнении и имела собственное восприятие его работы. Если связь между артистом и аудиторией может выходить за рамки наблюдения за выступлениями артистов или разговоров с ними, что в любом случае невозможно из-за пандемии, тогда мы могли бы даже рассматривать цифровое выступление как подарок, а не сожаление.Теперь у аудитории есть собственное пространство, чтобы быть полностью открытой и следовать всем своим импульсам, не беспокоясь о том, что за ней наблюдают, оценивают или сравнивают. Сотрудничая с Абрамовичем самостоятельно, а не в группе, аудитория получит самый искренний отклик и самое искреннее понимание практики, не отвлекаясь на чувства других зрителей.
Во время пандемии общение и взаимодействие значительно сократились. Однако вместо того, чтобы оставаться самодовольными, художники решили не отставать, обратившись к другому измерению: цифровой сфере.Платформа WeTransfer привлекает внимание начинающих художников в Интернете, что не может быть более бесценным, чем в то время, когда художникам нужна поддержка. С помощью этой службы обмена файлами художники могут еще раз заглянуть в свою творческую жизнь и вдохновить молодых художников — что может использовать вся аудитория, когда они жаждут нового контента для потребления.
Написать письмо Дженнифер Рен на [адрес электронной почты]
Марина Абрамович — ее медиум — Хранитель
Возможно, вам посчастливилось увидеть шоу — до масок, ограничений на поездки, сокращения толпы, социального дистанцирования, карантина и COVID — всего вообще.Если это так, то вы были одним из 750000 человек, которые в течение трех месяцев весной 2010 года собрались в Музее современного искусства, чтобы стоять и смотреть на Марину Абрамович и посетителя музея, который был достаточно храбрым, чтобы сесть напротив сербского спектакля. внимательный взгляд художника. В выставке Музея современного искусства участвовало 1565 человек, некоторые даже ночевали на тротуаре, ожидая очереди, чтобы согреть стул напротив стула Абрамовича.
Абрамович назвала свой перформанс Художник присутствует , и она была — она буквально сидела в одном и том же деревянном стуле по 7 с половиной часов за раз, шесть дней в неделю, не двигаясь, не разговаривая, не ела и не вставала. пользоваться ванной в течение трех полных месяцев.В общей сложности это 736 дней и 30 минут, на которые нужно потратить одну кропотливую секунду. Квадрат белой ленты отделял выставку, и в этом квадрате была абсолютная тишина и абсолютное присутствие.
(Если вам, как и мне, интересно, что она сделала, когда природа позвала, могу вас заверить, что они спланировали такой случай. Стул Абрамович имел полую сердцевину, в которую она поместила пластиковую ванну. Она вырезала отверстие в и ее стул, и ее чередующиеся красные и белые платья — оба были созданы специально для этого представления и оба развевались вокруг ее лодыжек — чтобы позволить ей незаметно заниматься своими делами, оставаясь при этом на виду у публики.С другой стороны, меня удивило, что ей вообще удалось уйти, несмотря на все эти взгляды.)
И все же ожидание сесть было жестоким делом, «бунтом нью-йоркской элиты», — пошутила подруга Сары Деминг, писательницы из Нью-Йорка, которой посчастливилось участвовать в шоу. Художник присутствует требовал не только выдержки от самой художницы, но и от всех, кто хотел занять место напротив нее, — стремления к более быстрому входу, способности часами ждать на цементном полу, не выходя из комнаты. и эмоциональная стойкость, чтобы попробовать еще один день, если ваш шанс не выпадет.Как отметила Деминг, «работа Марины очень щедрая, но у нее есть острые углы».
*
Большинство работ Абрамович контрастирует с ее выставкой 2010 года. Как правило, «бабушка исполнительского искусства», как она себя называет, стремится шокировать, шокировать и вызывать отвращение, подвергая свое тело серии строгих испытаний, ища собственные физические и психологические ограничения, а также требуя выносливости у своих зрителей. вовлечь ее в страдания.
Ее серия 1973-1974 Rhythm , например, показывала себя как холст, заставляя себя и свою аудиторию привлекать ее обнаженное тело тревожным образом.В эпизоде Rhythm 10, 1973 она записала, как кладет ладонь на стол и, используя двадцать разных ножей, продолжала играть в славянскую игру с ножами «филе пяти пальцев», пока не ударила себя несколько раз, ритуал, отмеченный ее собственной кровью. .
Точно так же и другие ее работы в этой серии — Ритм 0, 5, 2 и 4 — связаны с реальной болью или, по крайней мере, с ее угрозой. В двух работах художник потерял сознание из-за кислородного голодания. В другом она глотала таблетки, которые обычно прописывают пациентам с кататонией и шизофренией перед аудиторией.
В самом тревожном произведении художница собрала стол с реквизитом, в который входили плоскогубцы, губная помада, пуля и пистолет, и предложила аудитории использовать их на ее теле — «объекте» работы — по их прихоти, пока она стояла. бесстрастный и тихий, смотрящий вдаль ( Ритм 0, 1974 ). К концу шести часов ее аудитория сняла с нее одежду, порезала ей шею бритвенным лезвием, покрыла кожу губной помадой, и, наконец, один из зрителей зарядил пистолет, вложил его ей в левую руку и указала ей на грудь, и на этом спектакль закончился.
Ее более поздние работы совершают подобное насилие над ее телом: она хлестает себя перед публикой, вырезает на своей коже коммунистический символ, врезается в стену галереи так, что она снова и снова сбивает ее с ног. С помощью близкого сотрудника и романтического партнера, Фрэнка Уве Лайсипена, которого звали Улай, она и он держали противоположные концы лука, острие стрелы, опасно направленное в ее сердце ( Rest Energy, 1980 ).
« Rhythm 0 и Rest Energy — это две пьесы, которые для меня были самыми трудными за всю мою жизнь артиста-перформанса, потому что в обеих пьесах я не отвечал», — сказал Абрамович MoMA.«В Rest Energy мы на самом деле держим одну стрелку на весе нашего тела, и [sic] стрелка указывает мне в сердце. У нас есть два маленьких микрофона в наших сердцах, через которые мы можем слышать звуки биения сердца. По мере того, как наше выступление прогрессирует, сердцебиение становится все более и более интенсивным, и это всего лишь четыре минуты и десять секунд, для меня это было, говорю вам, это было навсегда. Так что это действительно был спектакль о полном и полном доверии ».
*
В то время как ее работа с Улаем часто иллюстрирует жестокие столкновения между ними, одно из их совместных работ предвосхищает выставку MoMA 2010 года.В своей серии Nightsea Crossing , двое сидят на противоположных концах деревянного стола, чтобы смотреть друг на друга, их лица в профиль для аудитории, поскольку они остаются безмолвными и неподвижными в течение семи часов в день. В период с 1981 по 1987 год они исполняли пьесу 22 раза. Во время выступления — 7-часовые дни неподвижности — они соблюдали молчаливый пост даже в нерабочее время.
Иногда они приглашали другого исполнителя присоединиться к ним, как в случае варианта, включающего «наблюдателя.Швейцарский художник Реми Цаугг занял кресло между публикой и пристальным взглядом Улая и Абрамовича, спиной к толпе, и курил сигарету.
Эти представления приглашали публику к интимной близости пары, а также предлагали комментарии к натянутым отношениям между наблюдателем и наблюдаемым. Один критик описал эту пьесу как сосредоточенную на самом контроле, что также объясняет насилие Абрамовича: « Nightsea Crossing — это концентрация и контроль над телом.”
Подобно Абрамовичу и Улаю, другие художники-перформансы 1960-х и 1970-х годов обратились к телу как к средству своего выбора, отчасти чтобы поднять средний палец галеристам, стремящимся получить прибыль от своих работ. Для современного уха послание, осуждающее художественную коммодификацию, может показаться банальным и клише. Тем не менее, в 80-х годах тема декомодификации изобразительного искусства была конфронтационной, особенно потому, что многие художники выражали свою ненависть к самому институциональному миру искусства.
Из-за дематериализации искусства стало труднее продавать искусство, извлекать из него прибыль, становиться топченным под ногами машины, которой все равно, что художники, работающие в частном порядке, стремятся достичь кульминации вдохновения и мастерства. Дематериализация искусства означала, что художники могли сохранять свою власть, свой контроль над своим искусством и собой.
В частности, для женщин-художников сохранение контроля над своим искусством стало еще одним выражением второй волны феминизма. Как выразилась художественная писательница Карен Черник: «Когда в 1960-х и 1970-х годах начала подниматься новая волна феминистского движения, женщины-художницы обратились к тогда еще неизведанной области перформанса.Внедрение новой среды означало большую свободу экспериментов, без страха сравнения с поколениями художников-мужчин, которые им предшествовали ».
Искусство, созданное только для себя — не для покупателя, галериста или даже зрителя, даже не ограниченного расходным материалом — означало полную независимость.
*
Неудивительно, что искусство Абрамовича вызывает споры — многие ненавидят, немногие восхищаются, уважают тысячи — за исключением одного произведения, Художник присутствует, 2010 .Это произведение было повсеместно обожаемо.
Фактически, вы можете сосчитать моменты обожания, которые были тщательно записаны фотографами и видеооператорами, чья выносливость соперничала с самой Абрамович.
Возьмите момент, подобный моменту 9 марта 2010 года. Абрамович сидит с закрытыми глазами, а охранники ведут мужчину в сером пиджаке, который осторожно садится в кресло прямо напротив Абрамовича. Абрамович поднимает голову и открывает глаза, глядя ему прямо в глаза. Мужчина вздыхает.Минуту или две они просто смотрят через стол в лица друг друга. Затем глаза мужчины расширяются, а глаза становятся остекленевшими. Слезы текут по его щекам, по его бороде. Он глубоко вздыхает и быстро моргает, и глаза Абрамовича наполняются. Это продолжается 17 минут — взгляд, безмолвный плач, тишина — прежде чем мужчина склоняет голову, закрывает глаза, встает и уходит с площади обратно в анонимную толпу и суету Нью-Йорка. .
Сара Деминг, писательница из Нью-Йорка, сидела напротив Абрамовича и рассказывала о своем опыте.Многие из 1565 человек, спустившихся на место напротив Абрамовича, плакали. Мы говорим о взрослых мужчинах и женщинах, циничных жителях Нью-Йорка, с разбегающимися носами, опухшими глазами и покрасневшими щеками — таким плачем можно было бы только за закрытой дверью туалетной кабинки. В аккаунте Tumblr под названием «Марина Абрамович заставила меня плакать» задокументирован переполнение эмоций под названием. Участники разбились в центре толпы зрителей, в то время как Абрамович, находившийся в нескольких футах от них, по другую сторону небольшого столика, смотрел на них вниз.Большинство людей уделяют такое же внимание терапевту.
*
В своем наблюдении Nightsea Crossing, 1984 , Реми Цаугг назвал то, что, по мнению многих из этих участников, предложила им Марина Абрамович, и это было причиной, по которой они толкнули друг друга, чтобы войти в представление: «Присутствие. Присутствовать в течение долгих промежутков времени, пока присутствие не поднимается и не спадает, от материального к нематериальному, от формы к бесформенному, от инструментального к ментальному, от времени к вневременному ».
«Это так просто, там ничего нет», — сказала Абрамович в ретроспективном документальном фильме о своей выставке MoMA 2010 года.«Это просто художник, сидящий как гора. Знаешь, я хочу быть там как скала и смотреть тебе в глаза … Просто [мое] чистое присутствие … Когда [кто-то] сидит передо мной, это уже не обо мне, потому что очень скоро я » я просто зеркало самого себя ».
*
Тем не менее, Абрамович теперь известен, и по неизбежной иронии знаменитости его присутствие уменьшается, даже когда человек становится известным. Абрамович получила платиновое признание (привлекла внимание как пародиями, так и похвалами), и поэтому она сама отказалась от своего искусства.Только так я могу разобраться в ее последних художественных экспериментах.
Недавно Абрамович обратила свое внимание на виртуальное. Снимая со всех сторон, она создала выставки смешанной и виртуальной реальности. Она сняла себя шагающей. Она снималась на камеру. И она даже, как ни странно, купалась, ломая голову над климатической активностью. Все эти перформансы предстают перед зрителями в пустой галерее, и в каждой цифровой итерации художник отсутствует IRL.
Ее аудитория — этот гул тел, сидящих на одном месте, по очереди ерзающих, чихающих, наклоняющихся, вздыхающих и плачущих, — сводится к анонимным зрителям. Они не могут встретиться взглядом с художником. Ее аудитория также не может встретиться глазами с другими зрителями, которые стоят всего в нескольких дюймах в одной комнате, по крайней мере, без неуклюжих технологий между ними.
Абрамович, похоже, допускает, что тело может увести вас далеко. Что происходит, когда выбранный вами носитель стареет? Что происходит, когда вы заболеете, поседеете, наберете вес и не дотянетесь до времени? Что происходит с перформансом после ухода исполнителя?
Тем не менее, производственная группа, стоящая за виртуальными работами, не допускает таких вещей: как сказал представитель: «Через сто лет после того, как кто-либо, кто когда-либо знал [Марину] был жив, найдутся люди, которые увидят, как она входит в комнату, и почувствуют это чувство связи, человеческого опыта.”
Я не уверен. Если 2020 год «года масштабирования» и научил нас чему-либо, так это тому, что тело незаменимо, что экраны не могут заменить присутствие, не могут приблизиться к воспроизведению пальца, касающегося щеки с благоговейной заботой. Величие выступлений Абрамович всегда заключалось в близости, которую она предлагает своим зрителям; без нее искусство, которым она известна, превратилось в груду предметов в пустой комнате.
В качестве оправдания этого перехода к материальным или цифровым работам она объяснила, что ее цель — своего рода художественное бессмертие.Она сказала: «Однажды я умру — что ты делаешь? Цифровые технологии — это одно решение, а смешанная реальность — другое ». Для артиста перформанса тело — это среда, и все мы знаем, что среда, в которой мы проводим наши дни, хрупка.
Но вместо того, чтобы обратиться к цифровой загробной жизни, я рискну предложить Абрамовичу альтернативу: отсутствие. Разве отсутствие не делает присутствие таким ярким и значимым? Абрамович может быть уверена, что ее искусство будет продолжать жить в тех, кто испытал его в реальном времени в своих собственных хрупких телах.Как можно было забыть встречу с мастером-художником лицом к лицу? Ее тело отметит их, как они отметили ее, будут помнить все их дни, пока они тоже не вернутся в прах, навсегда изменившись.
СвязанныеПроизведения искусства Марины Абрамович, которые вы должны знать
Ее можно любить, можно ненавидеть, но одно можно сказать наверняка — ее нельзя игнорировать. Марина Абрамович Искусство никого не оставляет равнодушным. Или надо сказать — Марина Абрамович никого не оставляет равнодушным. Жизнь Марины Абрамович, ее выступления, боди-арт, неоднозначные эксперименты, статус знаменитости — все это можно было понять как одно гигантское произведение искусства (конечно, Марины Абрамович). «Бабушка исполнительского искусства», безусловно, раздвинула границы современного искусства в целом, а не только перформанса. Ничто не будет прежним в перформансе после того, как этот знаменитый сербский художник из Нью-Йорка провел десятки захватывающих дух перформансов, которые стали неотъемлемой частью истории современного искусства.
Написать о произведениях Марины Абрамович, которые вы должны знать, — сложная задача. Прежде всего, можно задать вопрос: можно ли говорить о произведениях искусства Марины Абрамович? Что такое штука в ее творчестве? Фотографии ее выступлений? Это большой вопрос, который показывает, как перформанс и концептуальное искусство можно продать или собрать. К сожалению, у нас недостаточно места, чтобы написать об этой проблеме (но мы скоро это сделаем). Кроме того, многие из самых известных работ Марина Абрамович создала в сотрудничестве с Улай — ее бывшим партнером.Сегодня они не в хороших отношениях (почему, читайте здесь), и порой сложно представить работы Марины Абрамович без участия Улая. Но давайте на время забудем об их недоразумениях — в этой статье мы также упомянем некоторые работы, созданные Мариной Абрамович в сотрудничестве с Улая.
Наконец, в этой статье мы хотим установить связь между важными работами Марины Абрамович и арт-рынком (а точнее аукционами). Посмотрим, что можно купить на аукционах, и что связано с выступлениями Марины! Вы ведь не можете купить художника? Поэтому некоторые известные произведения богини перформанса будут исключены из этого списка (например, Художник присутствует, 512 часов, и многие другие).Просто фотографии или гравюры с этих спектаклей сложно найти на аукционных торгах.
Прокрутите вниз и взгляните на некоторые из самых известных работ Марины Абрамович!
Переноска скелета
Чтобы написать о Марине « Carrying the Skeleton », невозможно не упомянуть одно из ее самых ярких выступлений — « Nude with Skeleton ». В этом перформансе художник использует точную копию скелета, чтобы символизировать столкновение со смертью.Работа частично относится к древней тибетской традиции, в которой буддийские монахи медитируют на жизнь, смерть и смертность, спя со скелетами разной степени разложения в течение нескольких ночей подряд. Как объясняет Абрамович: Работа действительно о том, чтобы противостоять вашей собственной смертности. Это то, чего в жизни мы боимся больше всего. Речь идет о страхе боли и страхе смерти .
Carrying the Skeleton является логическим продолжением модели Nude with Skeleton .Более подробную информацию об изделии, а также о том, где и как его купить, можно найти здесь. Хромогенный отпечаток перформанса получил самую высокую цену (108 000 долларов) на Christie’s в Париже в 2014 году.
Показанное изображение: Марина Абрамович — Несение скелета
Герой
Спектакль « Герой » посвящен отцу художника, который во время Второй мировой войны был югославским партизаном. Он вдохновлен историей родителей Амбрамовича, когда ее мать спасла жизнь ее отцу.Как объясняет Абрамович: После смерти отца я решил заняться этой работой. Я неподвижно сижу на белом коне с развевающимся на ветру белым флагом. Я остаюсь там на неопределенное время. Женский голос поет на ее память гимн Югославии времен Тито. Видеоизображение черно-белое, потому что я хотел подчеркнуть прошлое и воспоминания .
Цветная печать перформанса была продана за 24 500 долларов в 2013 году. Более подробную информацию о работе вы можете найти здесь.
Марина Абрамович — Герой (любезно предоставлено Phillips)
Ритм 5
Rhythm 5 был одним из первых значительных выступлений в карьере Марины Абрамович. В этом перформансе Абрамович стремился вновь вызвать энергию сильнейшей телесной боли, используя большую залитую нефтью звезду, которую артист зажег в начале выступления. Во время выступления артист чуть не задохнулся. Как объясняет Марина: Я конструирую пятиконечную звезду (из дерева и щепы, пропитанной 100 литрами бензина).Я поджег звезду. Я хожу вокруг него. Я стригся и бросаю пучки в каждую точку звезды. Я подстригаю ногти на ногах и бросаю вырезки в каждую точку звезды. Я вхожу в звезду и ложусь на пустую поверхность. Лежа, я не замечаю, что пламя израсходовало весь кислород. Я теряю сознание. Зрители не замечают, потому что я лежу на спине. Когда пламя касается моей ноги, а я все еще не реагирую, к звезде подходят двое зрителей и выносят меня . Позже Марина Абрамович прокомментировала: Я очень разозлилась, потому что поняла, что есть физический предел: когда ты теряешь сознание, ты не можешь присутствовать; вы не можете выполнить .
Отпечаток перформанса на бромойно-желатиновом серебре был продан за 20 000 долларов на аукционе Sotheby’s в Нью-Йорке в 2010 году. Более подробную информацию можно найти здесь.
Показанное изображение: Марина Абрамович — Ритм 5 (любезно предоставлено rudygodinez.tumblr.com)
Отношения в пространстве
Отношения в космосе — перформанс под управлением Марины Абрамович и Улая. В этом представлении 1976 года они несколько раз сталкивались друг с другом в течение часа, смешивая мужскую и женскую энергию в третьем компоненте, называемом «это я».». Приближаясь друг к другу с разных сторон пространства, Улай и Абрамович сталкиваются друг с другом посередине и затем исчезают из поля зрения. Иногда они не появляются снова в течение следующих двадцати секунд, прежде чем процесс начинает повторяться. На начальных этапах Улай и Абрамович мягко касаются друг друга, когда проходят мимо, как будто случайно. Но ходьба постепенно превращается в бег, и удары двух тел неуклонно нарастают.
Бромойл, желатиновый серебряный оттиск перформанса был продан на Christie’s в Лондоне за 51 300 долларов.Более подробную информацию вы можете найти здесь.
Показанное изображение: Марина Абрамович и Улай — Отношения в космосе
Ритм 0
Ритм 0 , наверное, одно из самых известных и самых важных выступлений Марины Абрамович. Этот спектакль прославил ее. Это также одно из самых значительных произведений в истории исполнительского искусства, которое когда-либо проводилось. Спектакль состоялся в 1974 году в Неаполе. Работа заключалась в том, что Абрамович стояла неподвижно, в то время как публике предлагалось делать с ней все, что они хотели, используя один из 72 предметов, которые она поместила на стол.В их число входили роза, перо, духи, мед, хлеб, виноград, вино, ножницы, скальпель, гвозди, металлический пруток и пистолет, заряженный одной пулей. Как позже описал Абрамович: Я узнал, что … если вы оставите это на усмотрение аудитории, они могут убить вас .
Серебряный отпечаток перформанса был продан на Christie’s в Лондоне за 26 600 долларов. Щелкните здесь, чтобы увидеть, как эта работа продвигается на аукционах.
Показанное изображение: Марина Абрамович — Ритм 0 (любезно предоставлено blackieloveless.tumblr.com)
Победа
Это произведение представляет собой портрет Марины Абрамович в джунглях, в то время как художник держит в руках нож. Марина Абрамович много путешествовала. Она провела год в дороге по Европе, месяцы в австралийской пустыне, в Тибре, в Индии и так далее. О своем опыте в австралийской пустыне Абрамович заявила: Для меня аборигены — самые естественные люди: они живут не в прошлом или будущем, а в настоящем.У них есть история и смысл для всего . Она добавила: В той пустыне я провела много времени, просто сидя: медитируя, слушая тишину. Это то, что открыло мою вселенную .
Кибахромный принт Victory был продан на Christie’s в Париже за 63 600 долларов. Более подробную информацию о работе вы можете найти здесь.
Показанное изображение: Марина Абрамович — Победа (любезно предоставлено res.cloudinary.com)
Балканское барокко
Марина Абрамович родилась в Белграде, Югославия.Когда Югославия распалась, и последовали жестокие войны, Белград стал столицей Сербии. Как она сказала The Guardian : Когда меня спрашивают, откуда я, я никогда не говорю из Сербии. Я всегда говорю, что приехал из страны, которой больше нет . Balkan Baroque был установлен на Венецианской биеннале в 1997 году. В этом спектакле Абрамович сидит среди огромной кучи окровавленных коровьих костей, промывая их одну за другой, исполняя народные песни из своего детства.Название « Balkan Baroque » побуждает зрителей подойти к произведению как к ответу на опустошенную войной страну Абрамовича, бывшую Югославию. В инсталляцию включены три видеопроекции, передающие темы насилия и травм. Четыре дня художник сидит в середине кучи, вытирая 1500 свежих говяжьих костей. Ее платье все больше покрывается кровью, когда она поет народные песни и плачет.
Cibachrome печать спектакля была продана за $ 33800 в Париже Сотбис.Щелкните здесь, чтобы узнать больше о работе.
Показанное изображение: Марина Абрамович — Балканское барокко (любезно предоставлено thedaysofyore.com)
Томас Липс
В перформансе Thomas Lips , Марина Абрамович предпринимает ряд действий, которые доводят ее физические возможности до крайности и в конечном итоге приводят к нарушению телесных границ. Она начинает с того, что съедает 1 килограмм меда, а затем выпивает 1 литр красного вина. Затем она разбивает бокал рукой.Постепенно действия становились все более жестокими, достигая высшей точки в попытках нанесения себе увечий, таких как вырезание пятиконечной звезды в животе бритвой, изображение, ставшее культовым в истории исполнительского искусства. Скульптурная инсталляция Thomas Lips 2005 года демонстрировалась на мониторах, установленных друг на друга, и была вдохновлена этим перформансом.
Хромогенный принт выступления 2005 года был продан на Christie’s в Нью-Йорке за 90 000 долларов. Для получения дополнительной информации щелкните здесь.
Изображение: Марина Абрамович — Томас Липс (любезно предоставлено thegroundmag.com)
Голова дракона
Спектакли, относящиеся к серии «Головы дракона» , были первыми, которые Марина Абрамович исполнила после расставания с Улаем. Во всех версиях Абрамович сидит неподвижно, а по ее телу скользит змея. По словам Абрамовича, отправной точкой для этой работы стало следующее наблюдение: «Змеи могут следовать за энергией планеты, куда бы вы их ни поместили.Таким образом, змеи в спектаклях фактически никогда не выходили на публику, потому что они не скользили по льду, окружавшему Абрамовича и змей. Змеи должны были следовать по линиям тепла и энергии на голове и теле Абрамовича.
Цветная фотография была продана за 2740 долларов в De Vuyst Lukeren. Нажмите здесь, чтобы увидеть, как эта работа влияет на аукционные продажи.
Показанное изображение: Марина Абрамович — Голова дракона (любезно предоставлено flickr.com)
Любовники
«Любовники» — это часть последнего совместного выступления Абрамовича и Улая.В 1988 году, после нескольких лет напряженных отношений, Абрамович и Улай решили совершить духовное путешествие, которое положило бы конец их отношениям. Каждый из них прошел по Великой Китайской стене в отрезке под названием The Great Wall Walk , начав с двух противоположных концов и встретившись посередине. Как описал это Абрамович: Эта прогулка стала полной личной драмой. Улай стартовал из пустыни Гоби, а я — из Желтого моря. После того, как каждый из нас прошел 2500 км, мы встретились посередине и попрощались с .
Фотография произведения была продана за 2400 долларов в Freeman Philadelphia.
