«Искусство сегодня» (26.05.2011) « Творческий союз художников России — Самарская региональная ассоциация
Elena, Июнь 2, 2011
26 мая 2011 года в выставочном зале МОСХ России на Беговой состоялось открытие выставки «Искусство сегодня». На протяжении восьми лет этот выставочный проект проводит Творческий Союз художников России совместно с МОСХ России и Российской академией художеств. «Искусство сегодня» из года в год объединяет мастеров всех стилей и направлений, живущих в разных регионах страны. По давней традиции несколько работ Президента Российской академии художеств Зураба Церетели были представлены в экспозиции.
Выставка «Искусство сегодня» позволяет показать современный художественный процесс во всем его многообразии благодаря интересным и многогранным творческим поискам и экспериментам современных художников в разных видах и жанрах искусства – от живописи до фотографии, от графики до ювелирного искусства и керамики. Представители разных художественных школ из российских регионов демонстрируют своим творчеством, чем живет отечественное искусство. Вместе с именитыми и известными мастерами молодые талантливые авторы находят здесь возможность представить публике свои произведения и для многих мастеров выставочный проект «Искусство сегодня» становится своего рода стартовой площадкой.
Нынешняя выставка, как отмечает председатель Московского отделения союза художников России Сергей Горяев, примечательна зарождением новой традиции, которая распространится на следующие годы. Впервые был выбран единый формальный критерий отбора произведений искусства. Им стала общая для всех художников тема – пейзаж.
На открытии выставки состоялась церемония награждения. Дипломы, бронзовые, серебряные и золотые медали «За вклад в отечественную культуру» ежегодно присуждаемые Творческим союзом художников России получили видные деятели искусства. В этом году обладателями золотых медалей стали: Юрий Чувашев, Константин Марков, Александр Котляров и Важа Окиташвили.
Источник: Пресс-служба сайта www.tsereteli.ru
Что такое искусство: вчера, сегодня, завтра
О том, что такое искусство, безусловно, будут спорить во все времена. У разных исследователей на этот счет свое мнение, которое складывается не только из объективных знаний, но и из субъективной оценки. Все, однако, сходятся во мнении, что, в отличие от науки, которая помогает понять мир экспериментальным путем и с помощью опыта, искусство является чувственным способом познания и отображения мира в визуальных формах.
История искусства стара почти настолько же, насколько стар сам мир. Еще во времена первобытного общества люди отделяли материальную культуру от духовной, одновременно замечая, что они тесно связаны между собой. Например, удачная охота, материальность которой выражалась в большом количестве пищи, фиксировалась на стенах пещер в виде рисунков, изображающих животных и людей. Многие скажут, что такое искусство – и не искусство вовсе. Однако стоит учитывать, что все сложное вырастает из простого.
Уже в III-IV веках до нашей эры тесно сплелись между собою философия и искусство. Люди не только творили прекрасное, но и старались осознать, почему им так необходимо отражать окружающий мир посредством творчества. Еще до Платона и Аристотеля – величайших философов – появилась философия искусства, рассматривающая проблемы эстетики. Уже тогда люди заметили, что даже явления и предметы, неприятные человеку в реальной жизни, вызывающие чувство страха и даже отвращения, способны легко реализовываться в виде творчества. Тогдашние ученые и философы говорили, что искусство – есть процесс отражения окружающего мира, правда, почти всегда в искаженной форме: будь то реализм или, к примеру, сюрреализм (все помнят удивительные полотна Сальвадора Дали?).
Искусство прошло множество стадий развития: от доисторической до современной. По мере эволюции общества ответ на вопрос о том, что такое искусство, постоянно менялся. Если изначально искусство находило отражение в создании картин и скульптур, показывающих красоту человеческого тела – силу мужского, а также гибкость и изящество женского – то, например, в средние века искусство полностью было сосредоточено вокруг души, религии и Бога.
Позже, в ходе многочисленных исследований, ученые и философы говорили, что искусство призвано направлять человека на путь гармонии и единения с миром. Оно способно не только дарить эстетическое наслаждение, но и излечивать душевные и даже физические болезни, учить, что есть добро, а что – зло.
Понимание самого искусства еще сложнее, чем понимание его определения. Оно многогранно, а потому зачастую мысль, которую хотел донести художник или скульптор, остается неузнанной и неразгаданной для зрителей – и это является нормой. Ведь искусство с трудом можно назвать искусством, если предмет его имеет лишь одно единственно верное толкование.
К сожалению, ближе к нашему времени искусство приобрело коммерческую направленность, из-за чего ценность его зачастую принижается: многочисленные инсталляции и картины, не несущие никакого смысла, принято называть «современным искусством», а мировые жемчужины творческой деятельности человека начинают забываться. Однако разумный человек, воспитанный на идеалах духовности и культуры, безусловно, всегда может понять, что такое искусство, а что – преходящие явления.
Если у вас нет хотя бы таких минимальных знаний об искусстве, то вам на выход из музея. Срочно сохраняем гид
Ребята, мы вкладываем душу в AdMe.ru. Cпасибо за то,
что открываете эту
красоту. Спасибо за вдохновение и мурашки.
Присоединяйтесь к нам в Facebook и ВКонтакте
Давайте не лукавить: вы можете понимать в этой жизни все, кроме искусства, если, конечно, вы не искусствовед. Вспомните свои походы в музеи, особенно современные. Наверняка вас хотя бы иногда посещали мысли вроде «Я тоже так могу!», «Да мой 5-летний племянник лучше рисует», «Пфф, и это то, что останется от нашей эпохи?», «Как скучно, где тут кафетерий?», «Мир сошел с ума!». Но мир не сошел с ума. На самом деле достаточно 5 минут, чтобы понять, что происходит с современным искусством.
Чтобы более у вас не возникало подобных мыслей, AdMe.ru, опираясь на лекцию художника и теоретика искусства Дмитрия Гутова, решил объяснить смысл «Черного квадрата» и всего современного искусства за 5 минут, ответив на вопрос: рисует ли ваш 5-летний знакомый наравне с выдающимися художниками поколения? При этом не будем затрагивать тему ценников картин, только чистое творчество. Итак, сконцентрируйте все свое внимание и поехали!
Почему современное искусство такое странное? Люди разучились рисовать?
Взгляните на этот коллаж: слева вы видите выдающуюся картину Рембрандта «Старый человек в военном костюме» — шедевр XVII века. Справа — картина Дэмьена Херста, шедевр XXI века. Да, правильно, это цветные кружочки. Но почему знающие люди с восхищением замирают перед подобными точками, как перед картинами Рембрандта? Это то, что зовется эволюцией живописи? «Скорее похоже на деградацию», — скажете вы.
Нет, не разучились рисовать. К примеру, студенты отделений реставраторов по всему миру чисто технически могут писать картины не хуже великих мастеров. Но они этого не делают. Вдобавок посмотрите, как писали модернисты в начале своей карьеры. Давайте разбираться, почему же мы имеем то, что имеем. Начнем с такого упражнения: оцените ленту из 4 картин ниже.
Стандартное изобразительное искусство СССР 1950-х
И тут — бамс! 1959 год
Как научиться разбираться в современном искусстве
1. Поймите, что это и зачем оно вам
Наиболее распространённых мнений два. Либо что современное искусство — это какое‑то надувательство, а те, кто им интересуется, просто снобы. Либо что для его понимания нужно иметь художественное образование, а обычному человеку его никогда не постичь. Но как бы современное искусство ни отличалось от классического, оно часто говорит о том же: об эмоциях, поисках себя, окружающем мире и нашем месте в нём. Просто делает это совсем по‑другому.
Для начала давайте разберёмся, какое именно искусство считается «современным». В английском языке существует два термина: modern art и contemporary art. Первым называют то, что создавалось примерно в 1900–1970‑е годы, а вторым — всё, что после. По‑русски оба эти пласта искусства называют одним словом — «современное». Но в этой статье речь пойдёт только о художественных практиках, которые начали складываться с последней трети XX века, то есть о contemporary art.
Как пишут авторы обучающего курса «Короче, современность!», «особенность современного искусства в том, что оно давно перебралось в повседневность и существует вне пределов музеев и галерей». Сегодня совриском может стать всё что угодно: предмет, явление, процесс. Да, оно по‑прежнему включает в себя живопись и скульптуру, но это только два из множества вариантов носителей для передачи замысла художника.
«Фонтан», Марсель Дюшан, 1917 год, реплика 1964‑го. Объект стал одним из первых «редимейдов» – предметов массового производства, которые художник лишает их функции, переносит в другой контекст и таким образом превращает в арт-объект. «Фонтан» стал вызовом старому миру и запустил огромные перемены: именно после него стало понятно, что искусством теперь может стать всё что угодно, если художник вкладывает в это какую‑то идею. Фото: Jonathan Nackstrand, afp.com Не спешите говорить, что такое совсем не для вас. Современное искусство настолько обширно, что каждый сможет отыскать что‑то для себя: стрит‑арт, лэнд‑арт , видеоарт , перформансы , акционизм , театральные постановки с участием зрителей, современный танец — и это далеко не всё. Наверняка найдётся что‑то, что тронет именно вас, окажется созвучным вашему личному опыту.Можете начать с более привычных всем музеев и галерей. Просто откажитесь от ожидания увидеть на выставке что‑то «красивое», потому что в современном искусстве главное не красота, а идея и то, как она выражена.
2. Усвойте общие принципы
Первое, что характерно для современного искусства, – разнообразие. И это касается всего: материалов, форм выражения, концепций и тем. Сейчас нет единой идеологии или «изма»: художники отражают в своих работах пёстрый культурный ландшафт, привлекают внимание к актуальным проблемам. Например, на сегодняшний день есть много работ о консьюмеризме, экологическом кризисе, поиске идентичности, зависимости от технологий и соцсетей, глобализации и миграции.
Такое разнообразие сбивает с толку неподготовленного зрителя. Но именно благодаря ему современное искусство, как зеркало, отражает наше общество и культуру.
Оно становится инструментом, с помощью которого можно по‑новому взглянуть на привычное и переосмыслить его.
Вторая важная черта — активное участие зрителей в формировании смысла произведения. Некоторые художники говорят, что зритель дополняет или даже завершает его, привнося собственные размышления, толкования и опыт.
«В сторону объекта», Авдей Тер‑Оганьян, 1992 год, Галерея в Трёхпрудном переулке. Художник напивался и засыпал на полу галереи, превращаясь в выставочный объект. Фото: Архив А. Астаховой.Это особенно характерно для перформансов и хэппенингов . В них зритель максимально вовлечён в создание произведения.
Не путайте эти жанры с акционизмом. В нём акцент тоже переносится с художественного произведения на процесс его создания, но акции — это чистый жест, декларация. Они часто носят более радикальный, политический, протестный характер.
И в‑третьих, важность объекта современного искусства заключается не в его физической форме, а в смыслах, формирующихся в процессе толкования. Они дополняют те идеи, которые изначально вдохновили автора. Благодаря этому искусство провоцирует нас размышлять о том, что происходит в сегодняшнем мире.
3. Ходите и смотрите
Есть два подхода знакомства с современным искусством. Первый — понять, почему оно возникло и как связано с предыдущими направлениями. «В противном случае мы будем воспринимать произведения лишь на уровне узнаваемой по силуэту картинки, а в современном искусстве первого уровня зачастую просто нет», — пишут авторы книги «Современное искусство и как перестать его бояться». Чаще всего советуют начать с импрессионистов и проследить историю развития искусства до наших дней.
Второй подход прямо противоположен — просто смотреть на работы, не углубляясь в историю.
«Остановитесь. Дышите. Расслабьтесь. Не думайте, просто смотрите, впустите его в себя. Впитайте окружающую обстановку, ощутите пространство перед собой, освободите сознание, дайте внутреннему монологу отойти на второй план, а глазам — привыкнуть», — пишет британский художественный критик Оссиан Уорд в своей книге «Искусство смотреть». Он советует глядеть «на каждое произведение, как будто вы впервые сталкиваетесь с чем‑то подобным, будь то картина, скульптура или некая не поддающаяся определению инсталляция».
Выбирайте наиболее приемлемый для вас подход, а лучше всего пробуйте оба. И в любом случае спрашивайте себя: «Что я здесь вижу? Что чувствую? Что автор делает, чтобы я это почувствовал?». Если испытали что‑то новое, неважно приятное или нет, вполне вероятно, вы уже поняли замысел художника.
«Физическая невозможность смерти в сознании живущего», чучело акулы в формалине, Дэмиен Хёрст, 1991 год. Главная тема произведения — смерть и чувство иррационального страха перед ней. Фото: Damien Hirst and Science Ltd, damienhirst.com.Обратите внимание на то, из каких материалов сделан объект, что они вам говорят, какие ассоциации вызывают. Потом подумайте, не ссылается ли он на другие произведения искусства. Для этого прочитайте текст на сопроводительной табличке, поищите информацию в интернете, вспомните, что вы уже видели раньше.
Если после всего этого объект по‑прежнему вызывает недоумение или отторжение — ничего страшного. Вы не обязаны любить каждое произведение, даже если кто‑то другой считает его гениальным. Ходите, смотрите, взаимодействуйте, обсуждайте и вы найдёте то, что вызовет у вас отклик и желание узнать больше.
Куда пойти:
- Музей современного искусства «Гараж», Москва.
- Московский музей современного искусства (ММОМА).
- Государственный центр современного искусства (ГЦСИ) с филиалами в Москве, Санкт‑Петербурге, Владикавказе, Екатеринбурге, Калининграде, Нижнем Новгороде, Томске, Самаре, Саратове.
- Центр современного искусства «Винзавод», Москва.
- Музей современного искусства Эрарта, Санкт‑Петербург.
- Галерея современного искусства ГМИИ РТ, Казань.
- Галерея «Виктория», Самара.
- Галерея Синара Арт, Екатеринбург.
Если все эти города далеко от вас, посмотрите цифровые коллекции ведущих музеев мира.
4. Расширяйте кругозор
Читайте книги
Если вы совсем незнакомы с современным искусством, начинайте с первого пункта из списка. В этой книге подробно и легко рассказано об истоках зарождения совриска и его принципах. Если хотите сразу смотреть, не углубляясь в историю, берите третью книгу. Если вас интересует «изнанка» мира искусства, читайте шестую. Автор рассказывает о жизни художников, критиков, арт‑дилеров и кураторов. Остальные книги из списка тоже не обходите стороной.
- «Непонятное искусство», Уилл Гомперц →
- «Современное искусство и как перестать его бояться», Сергей Гущин и Александр Щуренков →
- «Искусство смотреть», Оссиан Уорд →
- «История картин: от пещеры до компьютерного экрана», Дэвида Хокни и Мартин Гейфорд →
- «Искусство перформанса. От футуризма до наших дней», Роузли Голдберг →
- «Семь дней в искусстве», Сара Торнтон →
- «О русском акционизме», Пётр Павленский →
Если вы читаете на английском, воспользуйтесь библиотекой Нью‑Йоркского музея Метрополитен. В 2018 году он выложил более 500 книг по искусству, которые можно скачать бесплатно. Вообще чаще заглядывайте на сайты музеев: они регулярно выставляют подборки книг по определённой теме или советуют, что почитать к какой‑то выставке.
«Человек, улетевший в космос из своей комнаты», Илья Кабаков, 1985 год. Работа представляет собой комнату в коммунальной квартире, жилец которой вырвался из неё и тягостного быта, катапультировав в космос при помощи самодельного устройства. Фото: Максим Стулов, «Ведомости», 2018 год, vedomosti.ru.Смотрите видеолекции
Музеи часто выкладывают записи своих лекций на YouTube. Следите за каналами «Гаража», ГЦСИ, «Винзавода», Еврейского музея и центра толерантности. Много интересного есть на сайте конференции TED. Сами ролики на английском, но практически всегда есть русские субтитры. Ещё хорошая подборка видео на сайте «Теории и практики».
Чтобы вы не потерялись в обилии информации, мы собрали материалы, которые помогут начать знакомство с современным искусством:
- Лекция художника и теоретика искусства Дмитрия Гутова о современном искусстве.
- Лекция Гутова об искусстве в постсоветской России.
- Лекция об истоках современного искусства от преподавателя МГУ Екатерины Кочетковой.
- Курс по русскому искусству XX‑го века от Arzamas.
- Циклы лекций от музея «Гараж».
- Курс лекций о современном танце от Arzamas.
- Интервью с преподавателем Школы дизайна НИУ ВШЭ Александрой Старусевой‑Першеевой.
- Лекция о современном театре от художественного руководителя Лондонского театра Сэдлерс‑Уэллс.
- Лекция о связи современного искусства с наукой от куратора ГЦСИ Дмитрия Булатова.
- Лекция критика Натальи Тамручи «Зритель как соучастник» о параллелях классического искусства с современным.
5. Будьте более открытым к новым идеям
Современное искусство раздвигает привычные рамки, а значит, для его понимания и вам придётся выходить за собственные границы мышления и избавляться от стереотипов. Не отмахивайтесь от чего‑то только потому, что оно кажется вам странным и непонятным. Вспомните, что импрессионизм тоже когда‑то считался бездарной мазнёй, а сейчас воспринимается как классика живописи.
«Задача художника не в том, чтобы доставлять эстетическое удовольствие — для этого есть дизайнеры, — а в том, чтобы немного отстранившись от мира, попытаться его осмыслить или высказаться о нём при помощи идей, единственное назначение которых — быть идеями», — пишет автор книги «Непонятное искусство». Впустите эти идеи в свою жизнь и они станут для вас вдохновением.
Читайте также 🧐
Моя твоя не понимать: 5 советов, как разобраться в современном искусстве
Уже 4 мая в Киеве открывается международный форум современного искусства Kyiv Art Week. Куратор недели искусства Мария Вторушина рассказывает, почему современное искусство не требует нарядных платьев и безоговорочной любви и учит задавать вопросы.
Правило первое, самое сложное: «Я тоже так могу!»
Современное искусство отражает самые важные ситуации сегодняшнего дня, его задача – вызвать вас на диалог. Так что забудьте формулировки «я бы дома не повесил», «я так тоже могу нарисовать». Истинная ценность произведения современного искусства заключается в его смысле, а не в техническом мастерстве.
Если художника интересует человек, он сделает его фотографию.
Хельмут Ньютон, Портрет Дэвида Боуи, 1983
Если художник хочет вести диалог с другим художником, он выберет для этого актуальный способ.
Дэн Флавин, «Посвящение Татлину», 1963
.jpg "Моя твоя не понимать: 5 советов, как разобраться в современном искусстве")
Если художника интересует политика, он выскажется на тему политики.
Петр Павленский, Туша, 2013, перформанс
Правило второе: не пытайтесь понять
В школе нас учили начинать сочинение со слов «Автор хотел сказать…». Кажется, что глядя на произведение искусства, вы должны прийти к однозначному выводу. И если вдруг будет озвучено не то, что хотел сказать автор, то вам поставят двойку. Выгонят из галереи и больше никогда не позовут разбираться в современном искусстве.
Невозможно правильно или неправильно понять работу. Каждое мнение зрителя дополняет произведение искусства. Зритель в каком-то смысле выступает соавтором работы, ведь он имеет право на любую трактовку.
Прелесть большинства произведений современного искусства состоит в том, что они не являются однозначным заявлением. Время манифестов прошло 100 лет назад. Нет какого-то одного посыла, который можно понять правильно или неправильно. Есть информация, с которой можно ознакомиться. И вы вправе ее принять, или отвергнуть.
Упражнение 1.
Вводные: Автор показал огромную надувную лодку, наполненную черными людьми.
Ай Вей Вей, The Law of the Journey, 2017
Зритель: Люди хотят куда-то уплыть все вместе. Это общее, желание, что-то же их заставило собраться. Лодка черная, это придает негативный оттенок инсталляции. Возможно, они хотят от чего-то спастись.
Искусствовед (провел до этого интервью с художником): Здесь автор говорит о проблеме беженцев, которые страдают от войны.
Вывод: Зритель прав глобально, искусствовед внес уточнение. Если зрителя заинтересовала работа, то, желая разобраться, он почитает сопроводительный текст искусствоведа.
Правило третье: проживайте опыт
Произведение искусства – способ коммуникации. Художник общается со зрителями. А для них — это повод поговорить друг с другом, найти слова, чтобы описать свой опыт, связанный с тем, что вы увидели. Познакомиться с произведением искусства – это пережить вместе новую историю.
Ярким примером может служить работа Олафура Элиассона The Weather Project, показанная в Британской галерее Tate в 2003 году.
Что управляет настроением тысяч людей? Что заставляет их улыбаться или грустить? Что объединяет каждый день, вне зависимости от профессии, должности, внешности, социального статуса? Погода.
Во время выставки в Tate, сотни людей приходили насладиться лучами искусственного солнца, назначали там встречи, устраивали пикники с друзьями, находили место для отдыха прямо в музее.
Правило четвертое: современное искусство – для всех
Сто лет назад искусство выполняло декоративную функцию. Позволить себе обладать произведением живописи или заказать художнику скульптуру было верхом роскоши. Предметы искусства украшали дворцы знати, дома меценатов и были доступны только избранным.
Сегодня искусство служит не для украшения интерьеров, а для трансляции идей. Вы когда-нибудь слышали об идее, которую заперли и показывают только по большим праздникам? Не нужно наряжаться в вечернее платье, чтобы познакомиться с арт-обьектом. Именно поэтому – место современного искусства – не только музеи и арт-центры, но и городское пространство.
Роберт Индиана, LOVE, 1970-е
Упражнение 2: Подняться с дивана и сходить на выставку современного искусства. А чтобы не откладывать поход в долгий ящик, приходите на Kyiv Art Week с 4 по 7 мая, программа здесь.
Правило пятое: задавайте вопросы
Произведения искусства – это наши эмоции. «Нравится» или «не нравится» — это суждения эмоциональные. В принципе, можно этим и ограничиться. А можно пойти дальше и проанализировать свои впечатления. Поразмыслить об ассоциациях.
Упражнение 3. Перед вами символ Чикаго — работа Аниша Капура «Облачные врата», которую жители города нежно называют «фасолинка».
Аниш Капур, Cloud Gate, Чикаго, 2004
Попытайтесь ответить на вопросы:
Что я вижу, какого оно цвета, из чего оно сделано?
Какого оно размера по отношению ко мне?
Что оно мне напоминает?
Почему оно мне это напоминает?
Что отличает его от похожих, знакомых мне предметов?
Почему этот объект может находиться именно в этом месте?
Задумались? Продолжайте задавать вопросы!
Хотите подсказку? Приходите за ней с 4 по 7 мая на Kyiv Art Week в комплекс «Торонто-Киев» по адресу: ул. Большая Васильковская, 100 (напротив Николаевского костела).
Материалы по теме:
Наука или искусство — нужное подчеркнуть — Strelka Mag
Сайнс-арт — синтез науки и искусства. Почему он стал популярным, хотя зритель по-прежнему не всегда до конца его понимает, рассказали куратор и художник.
Наше время. Постоянная экспозиция, Лувр Лэнс, Франция / Фото: ru.wikipedia.org
В последнее время в Москве проводится всё больше мероприятий, посвящённых сайнс-арту. Кажется, художественное сообщество признаёт ценность нового направления, но вот для зрителя оно оказывается непривычным и, как следствие, непонятым. Сайнс-арт привлекает внимание тем, что выходит за границы художественного мира, проникая в научные лаборатории. Однако возникает вопрос: это искусство расширяет свои границы и использует научные проблемы и разработки для выразительных целей, или же это наука стремится использовать искусство как инструмент визуализации открытий, как дополнительный канал популяризации знания? Ответ на этот вопрос зависит от способа восприятия. Приходя на выставку сайнс-арта, зритель решает, что перед ним: иллюстрация, технологическая новинка, художественная инсталляция? Бруно Латур утверждал, что гибридные, смешанные формы позволяют увидеть те связи, которые обычно скрыты. Так, сайнс-арт зачастую служит поводом для обсуждения природы искусства и науки, их взаимоотношений в исторической перспективе. В ответ на эту гибридность возникает новое исследовательское поле в гуманитарных науках — Art, Science and Technologies, которое призвано переосмыслить традиционную историю искусств, вписав её в контекст технологического развития общества, подчеркнуть ту связь, которая существовала всегда, но игнорировалась. Однако эти размышления не помогают зрителю, столкнувшемуся с произведением, его понять.
Каким же образом сайнс-арт может привлечь и быть понятным обывателям, какова его роль в мировых науке и искусстве сегодня и где пролегает граница между произведением и наукообразной работой, рассказали художник Ольга Киселёва и куратор Наталья Фукс.
ВЗГЛЯД ХУДОЖНИКА И УЧЁНОГО
— Вы возглавляете международный институт искусства и науки в Сорбонне и находитесь в авангарде европейского сайнс-арта. Расскажите немного о деятельности института.
— Всё началось с того, что меня попросили провести курс в Сорбонне, где я бы объяснила молодым художникам, как работать с учёными, зачем, по какой методологии и что можно в этой области сделать для искусства. Курс прошёл с большим успехом, пришли даже мои коллеги, попросили и их научить. Чтобы организовывать работу с коллегами, пришлось сначала создать научную лабораторию, которая выросла в институт. В него уже входят исследователи не только из Сорбонны, но и из многих других университетов и лабораторий Франции.
— Многие художники параллельно занимаются рефлексией, в том числе при помощи исследований в сфере искусства. Насколько это помогает в художественной работе? Наука и искусство идут параллельно или они всё же влияют друг на друга?
— Вы имеете в виду художников, которые пишут диссертации?
— Именно.
— Осмысление деятельности — это всегда хорошо. Почему я сама написала диссертацию? Потому что у меня возникло много вопросов по поводу моей собственной художественной деятельности. Я из научной семьи, и у нас так принято: когда возникают вопросы профессионального плана, чтобы их разрешить, достаточно продуктивно написать диссертацию, чтобы на эти вопросы ответить. Если у человека есть действительно резон это сделать, если у него возник ряд сложных вопросов, на которые диссертация может дать ответы, это очень здорово, и он из этого опыта выйдет гораздо более сильным, обогащённым и знающим то, что он должен дальше делать.
— Зачем художникам и учёным работать вместе?
— Искусство сейчас всё больше поворачивается от эстетической функции к исследовательской. И так как искусство развивает логику, близкую к науке, то, естественно, настоящим учёным это близко. Наука стремится объяснять окружающий мир и тем самым формирует наши представления о нём, и через это она всегда влияла на искусство: например, искусствоведы говорят о связи теории относительности и авангардного искусства начала ХХ века. Чем же ситуация в современном искусстве отличается? Сайнс-арт — это искусство, которое использует не только традиционные выразительные, но и научные, исследовательские методы. При этом наука может быть разной: математика ли, химия, социология, история.
— То есть сайнс-арт — это альтернатива научному исследованию.
— Нет, это не альтернатива, это и есть научное исследование, только расширенное и дополненное художественным исследованием.
Эскиз для Уралмаш-завода в рамках 1-й Уральской индустриальной биеннале современного искусства / Фото: ru.wikipedia.org
— Имеет ли это исследование ценность для научного сообщества?
— Научное исследование — это вещь очень дорогостоящая и сложная, и редко бывает так, чтобы художник взялся за работу и тут же сделал какое-то научное открытие, создал новую технологию и вошёл в историю науки. Чаще всего совместная работа с художниками помогает учёным осмыслить свои собственные открытия и найти новые детали. Я могу привести пару примеров открытий. В 1970-е годы проводился перформанс The Electronic Cafe International, в котором два танцора — один был в Лос-Анджелесе, а второй в Нью-Йорке — танцевали друг с другом. Художники впервые соединили двух людей в виртуальном пространстве, на экране, и они не только общались, но и гармонично связывали свои движения. Что интересно, именно эта технология через лет десять стала использоваться на телевидении для инкрустации рекламы в спортивные трансляции.
«Как вам будет угодно». Интерактивный фасад Центра Жоржа Помпиду, 2013 / Фото: ru.wikipedia.org
Ещё я могу привести пример из моей собственной работы. Меня пригласили пару лет назад в Бискаррос — небольшой город на юге Франции, столицу Бискайи. Все подобные городки устроены одинаково: в каждом есть центральная площадь, на которой находится церковь, в неё все ходят по воскресеньям; напротив церкви — кафе, где все пьют кофе, выйдя из церкви; рядом — булочная, где покупают тортик к воскресному обеду, и с другой стороны находится рынок. На этих площадях всегда растут огромные деревья. И Бискаррос не стал исключением, там на площади рос вяз, с которым связана история любви между местным принцем и простой пастушкой. По легенде вязу было уже 1000 лет, и каждую весну он зацветал необыкновенными цветами в форме венка, который носила эта пастушка. И вдруг, спустя столько времени, дерево засохло. Для Бискарроса этот вяз был как для Парижа Эйфелева башня. Так что жители решили пригласить художника, чтобы на месте этого засохшего вяза сделать скульптуру. Провели международный конкурс и выбрали меня.
Я приехала, посмотрела на это место, и мне так захотелось, чтобы там была не скульптура, а чтобы там вновь появилось дерево, что я решила сделать всё возможное. Дело было в том, что из-за глобального потепления исчезли насекомые, которые ели вредных жучков и червячков. Теперь паразиты селятся в этих вязах и едят их, а деревья засыхают. Я потратила весь бюджет на исследовательскую работу с лабораторией, которая нашла вяз, устойчивый к этому недугу. В итоге французскому вязу привили гены сибирского, и дерево на площади удалось возродить. Сейчас мы работаем над тем, чтобы посадить такие вязы в разных местах на юге Франции, где они исчезают.
— Как вы искали учёных для своего проекта? Существует ли в Европе устоявшаяся структура, которая позволяет реализовывать проекты в области сайнс-арта?
— Есть пара лабораторий, у которых есть программы art&science, но их очень мало. На самом деле, когда у меня возникает идея проекта, я не задаюсь вопросом, могут ли мне помочь его осуществить в какой-то лаборатории, уже открытой для art&science. Я просто стараюсь идентифицировать ту научную лабораторию, которая как можно лучше квалифицирована для решения вопроса, и обращаюсь к ним. И нужно сказать, что в большинстве случаев учёные с большим интересом относятся к предложениям художников, и мы находим общий язык и возможность работать вместе. Более того, ко мне всё чаще обращаются сами учёные с предложениями принять участие в их исследованиях.
— Можно ли выделить научные области, наиболее открытые к построению диалога с художниками?
— Я бы сказала, что ближе к художникам и более открыты к сотрудничеству с ними те научные лаборатории, исследования которых близки к непосредственным интересам общества. Когда учёные начинают чувствовать, что то, чем они занимаются, может как-то изменить образ жизни или общественный строй, — художники уже тут как тут, потому что они тоже это чувствуют и тоже думают в этом направлении.
«Цена времени» / фото: ru.wikipedia.org
Я бы привела в качестве примера проект, который мы представим 22 и 23 августа на «Стрелке», — интерактивный перформанс «Самоорганизация». Он посвящён размышлениям о том, каким общество будет, когда закончится нефть. И это как раз то, что сейчас волнует с политической, социально-экономической точки зрения и науку, и художников. Многие химики сейчас заняты изобретением замены нефти, причём не только для энергии, но и для производства вещей повседневного пользования. И все думают о том, где мы возьмём эти компоненты, какими будут предметы, сделанные из этих новых компонентов, как они изменят повседневную жизнь.
— Насколько вообще другие русские сайнс-арт-художники, кроме вас, заметны на международной сцене? Они вообще есть и вовлечены ли как-то в общеевропейский контекст?
— Нас, современных русских художников на международной сцене довольно мало: Кабаков, Булатов, АЕS+F… Я бы сказала, что, кроме меня, единственный художник, который интересуется вопросами науки и который более или менее присутствует на международной сцене, участвовал в Венецианской биеннале и в других серьёзных выставках, — это Саша Пономарёв. Но вообще активно работающих русских художников сегодня очень мало, потому что у нас за всё надо платить деньги, а искусство, как известно, деньги приносит от случая к случаю. Сейчас в России вообще искусство мало поддерживается, к сожалению. То, что происходит в Москве в рамках Polytech.Science.Art, — это здорово, но дальше нужно эти мероприятия, выставки привозить в Венецию на Биеннале, в Кассель на «Документу», чтобы их видел весь мир. Чтобы не просто московские кураторы интересовались русскими художниками, но и зарубежные музеи и лаборатории приглашали нас выставляться в Лос-Анджелесе и в Нью-Йорке, ставить эксперименты в Австралии или в Японии.
— А как зрители реагируют? Нужен ли для понимания сайнс-арта особый комментарий?
— Вы знаете, меня даже немножко рассердил ваш вопрос. Во-первых, есть искусство и не искусство. Во-вторых, есть искусство, которое использует научную методологию, но остаётся искусством. И есть наукообразное искусство. К дереву, о котором я вам рассказала, не приделано никаких проводов, датчиков, ничего не мигает. Это просто дерево, которое не могло там расти, а теперь растёт. Вот и вся магия искусства и науки — ничего объяснять не нужно.
На выставке в KIASMA, Хельсинки, 2001 / фото: ru.wikipedia.org
А бывают наукообразные работы, где иногда есть содержание, иногда его просто нет, но всё такое сложное, всё мигает, лязгает, куча компьютеров подключено. Но на самом деле очень часто в этом смысла гораздо меньше.
Я считаю, что настоящее искусство не требует никаких специальных объяснений. Если искусство в работе присутствует, то зритель чувствует это. И главное, в хорошей работе наука присутствует, внутри, в её структуре и концепции, снаружи её не видно.
ВЗГЛЯД КУРАТОРА
Диалог между искусством и наукой в России
Сейчас первично существовавший водораздел между современным искусством и научным, технологическим искусством, в более широкой категории media art перестаёт существовать в России, и всё больше такие практики современного искусства, связанные с традиционными медиа, объединяются с новыми технологиями и новыми медиа. Это очень напоминает процессы, происходившие недавно за рубежом. Мы сейчас просто не можем говорить о современном искусстве, оставляя за скобками достижения науки и современную технологическую культуру.
Та проблема, с которой зачастую сталкиваюсь я, — отсутствие информации и отсутствие возможности узнать, чем живёт художественный мир. Сейчас в силу всеобщего проникновения технологий этот мир достаточно сильно изменился. Я сталкиваюсь с тем, что многие люди из научного сообщества представляют себе творческие движения буквально как работу художника с кистью и холстом. В большинстве случаев, когда я общалась с учёными на тему создания совместных проектов, задача была в том, чтобы преодолеть это представление и сказать, что медиахудожники — это люди, зачастую обладающие огромными знаниями в части технологий. И они могут предложить очень много инновационного не только с точки зрения интерпретации или визуализации научных или технологических достижений, а в частности это может быть весьма удачный совместный поиск. Как правило, когда удаётся организовать такое взаимодействие, раскрыть весь потенциал такого сотрудничества, сообщество исследователей занимает другую позицию.
Передовые области науки, которые искушены в области международного сотрудничества, знакомы с международными практиками. Это самые актуальные темы: ядерная физика, нанотехнологии, нейробиология. Это то, что на данный момент актуализирует возможности человека. Среди примеров Курчатовский институт, Физико-технический институт, с которым «Политех» взаимодействует, и их кафедра нейробиологии. Я была на конференции на тему ядерной физики в Троицке. Были учёные, которые утверждали, что есть такие темы, на которые в принципе исследователи говорить не готовы. И даже если будет запрос со стороны художественного сообщества, есть ряд этических факторов, в силу которых это невозможно. Аудитория конференции разделилась, возник спор. Он касался существования закрытых исследований, секретных разработок и мифов, существующих в обществе и связанных с научным миром. Это тоже интересная тема, с ней можно работать: действительно, говорим ли мы о широком распространении информации и осознании последствий тех или иных действий в любом сообществе, в художественном, технологическом или научном, или мы об этом в принципе не говорим. Конечно, сайнс-арт влечёт за собой обсуждение большого количества социальных вопросов, важных для развития общества в целом и для развития культуры.
Зритель и сайнс-арт
Для большого количества людей междисциплинарные практики — это наиболее простой способ понять сложные вещи, в том числе и об искусстве. Кому-то проще воспринимать то, что мы делаем, через призму науки или технологий. А кому-то — через искусство. Получается очень разная аудитория у каждого события, потому что каждый человек точкой входа в проект выбирает то, что ему наиболее понятно. Мы обязательно привлекаем научных консультантов на проект. Обязательно даём научные комментарии. Они находятся в открытом доступе или по запросу, но для нас важно в любом проекте, который является синтетической практикой, организовать работу таким образом, чтобы у нас была крепкая научная составляющая под этим. В том числе чтобы у зрителей была возможность ознакомиться с последними научными достижениями. Популяризация науки и технической мысли является для нас первоочередной и главной задачей.
Пост-интернет искусство и другие популярные интернет-тренды, воплощенные в предметах искусства
Глобальной сети уже посвящают докторские работы и монографии — и это оправдано. Роль интернета в нашей жизни сложно переоценить. С каждым годом все больше проявляется связь искусства и сетевого пространства. Если раньше в сети создавались предметы искусства, то сейчас искусство перенимает интернет-тренды в качестве идей.
Это позволяет «говорить и показывать» актуальную часть жизни общества, стимулировать интерес зрителей и вызывать ответную реакцию. Так появилось пост-интернет искусство.
Представители этого направления создают произведения разного формата (фото, видео, картины) на основе интернет-контента. Мастера пост-интернет искусства (нет-арта) создают в реальном мире объекты, которые возникли и «живут» в веб-пространстве. Из наиболее известных художников следует выделить этих ребят:
Арти Виеркант. Он ввел определение «пост-интернет». Художник создает необычные футуристические работы из цветной пленки — своеобразное соединение скульптур и фотографий.
Его работы — это целые пространства с инсталляциями и картинами, которые можно рассматривать как по одиночке, так и в совокупности элементов. По-моему, это похоже на новый вид дизайна интерьера 🙂
Катерина Новичкова из Эстонии создает уникальные инсталляции, в основе которых комплексная обработка графики из сети. Как говорит девушка, она занимается «цифровой экологией». Художница уже успела завоевать международное признание и вот, наконец, открыла свою первую выставку на родине — в KUMU.
«Я пытаюсь создать какую-то атмосферу, в которой немного становится неуютно, неприятно и страшно, но при этом моментами очень красиво. Это какие-то элементы из фильмов, которые все смотрели в детстве или сейчас, какие-то фильмы ужасов. Также это элементы из компьютерных игр», — отмечает Новичкова.
А вот канадец Джон Рафман направил свое творчество на демонстрацию взаимопроникновения и связи сети и эмоциональной жизни человека. Для этого он использует популярную платформу StreetView, где показывает неожиданные ситуации. Еще в 2012 году на фотобиенале «Девять глаз google street view» были представлены фотоработы, которые художник тщательно отбирал на протяжении долгого времени. Автор отыскал в архивах гугла самые удивительные фотографии, которые были сделаны автоматической камерой для Google Street View. Эта функция в гугл-картах позволяет будто бы своими глазами взглянуть на улицы далеких городов и незнакомые ландшафты, для чего по этим местам проезжается специальная машина с закрепленной на крыше камерой, которая с небольшим интервалом снимает все что происходит на дороге. Потом отбираются «чистые» снимки, а на «грязных», которые как раз и интересовали Джона, остается обыденная, порой странная, забавная или даже пугающая общественная жизнь этих мест.
Также Джон создает невероятные интерьеры используя 3D-модели Google. Его проект Brand New Paint Job создан в специальной программе для трехмерного моделирования. Художник выбирает интерьеры и покрывает их принтом из работ известных мастеров — потолки в стиле импрессионизм, стены в граффити, мебель в стиле поп-арт
Это лишь малая часть из того, что создает художник. Его творческой, кажется, не знает границ — это и картины, и скульптуры, и даже короткометражные видео, в которых зритель теряет грань между виртуальностью и реальной жизнью.
А это сам Джон и еще некоторые из его работ
И таких художников бесконечно много. Некоторые довольно экстравагантны, а некоторые заслуживают внимания опытных искусствоведов. Сегодня можно выделить ряд интернет-трендов, которые проникли в искусство и обрели своего зрителя. Попробуем выделить ведущие из них.
Объединение интернета и ТВ
В основе сюжета фильмов все чаще лежат интернет-технологии. Учитывая, что кино стремится быть «в теме» и показывать обществу его же жизнь, появление «Социальной сети», мини-сериала «Черное зеркало», фильм «Сэлфи» и прочих историях об интернете вполне логично.
Погружение в происходящее
Виртуальная реальность, 3D-формат и интерактив на всех уровнях — эти концепции сегодня есть в большинстве инсталляций и выставок художников. Зритель становится непосредственным участником события, а не пассивным созерцателем.
Случайные люди
Каждый из нас в любой момент может стать «героем» интернета, по самым разным причинам. Образы неизвестных людей на картинах с высокой степенью реалистичности обрели популярность, подкрепляясь популярностью таких фото в сети.
Мемы и картинки
Все слышали о множестве скульптур и даже памятников «ждуну», которые украшают многие города. Самые популярные образы из сети быстро перетекают в реальный мир через произведения искусства. Ждун добрался даже до картин великих художников:
Экология и близость с природой
Этот тренд проникает во все сферы жизни. Его используют в бизнесе, рекламе и, конечно же, в искусстве. Художники подчеркивают бережное отношение к природе и выделяют создаваемую нами опасность для планеты.
Самобытность
В сети все больше внимания уделяют индивидуальности. Это относится к людям, странам, еде, отдыху и всему прочему. Уникальность, эксклюзивность и особые характеристики привлекают людей. Этот тренд сети активно используют художники. Людям нравится что-то новое и необычное. Картины новых стилей, этнические мотивы прослеживаются как в сети, так и в искусстве.
Emoji
Свежий тренд, но который вряд ли продержится долго. Мастера создают большие картины, в том числе портреты, используя большое количество эмоджи. Получаются очень яркие и «эмоциональные» сюжеты. Эмоджи стали украшать галстуки-бабочки, классические рубашки и появляются в гардеробе в виде стильных аксессуаров. Также смайлики используются для создания инсталляций, скульптур и предметов интерьера
Интернет сближает людей. Сеть служит одним из основных катализаторов настроения в обществе. Это определяет тенденции в искусстве, которое становится все ближе и входит в жизнь каждого человека. Виртуальная реальность плотно вошла в нашу жизнь и мы можем черпать из нее безграничное количество идей для творчества. А вы черпаете вдохновение в интернет-реальности?
